Tabla de contenido
Se denomina Arte Moderno al tipo de expresión artística que comenzó a realizarse en la transición del siglo XIX al XX y que reflejó las grandes transformaciones que tuvieron lugar en el periodo.
Esta forma de hacer arte revolucionó el panorama cultural europeo, y también se utilizó en otros países, como Brasil.
Fueron varios los artistas que contribuyeron tanto a la consolidación del modernismo en el arte como a que prevaleciera hasta mediados del siglo XX, cuando dio paso al llamado arte contemporáneo.
1. Édouard Manet (1832-83)
Manet es un artista francés de suma importancia para el arte moderno, ya que se le puede considerar el creador de un nuevo estilo pictórico, el impresionismo, que revolucionaría el arte.
Retrato de Édouar Manet por el fotógrafo Félix Nadar
Provocó cierto escándalo en su época al representar escenas y personas de forma muy diferente a como se hacía, realzando los efectos ópticos y las distorsiones que se observaban en los exteriores. El artista no se guiaba por las técnicas de sombreado que se enseñaban en las academias.
En 1863 presentó algunos lienzos en una importante exposición en París, pero su obra fue rechazada y acabó en una muestra paralela llamada "Salon des Recusés".
Cabe señalar que los impresionistas no buscaban precisamente una ruptura de los esquemas tradicionales de la pintura, y seguían buscando una representación similar a la realidad. Sin embargo, contribuyeron en gran medida a la consolidación del arte moderno en Europa, aunque ellos no fueran conscientes de ello.
Así, la relevancia de Manet para el pensamiento innovador de la práctica artística puede resumirse en las palabras del crítico e investigador estadounidense Clement Greenberg:
Los lienzos de Manet se convirtieron en los primeros cuadros modernistas por la franqueza con que exponían las superficies planas bajo las que estaban pintados.
Comida en el césped (1865-1866) es una obra en la que se observan características modernas de representación
2. Paul Cézzane (1839-1906)
Otro artista que destacó como pionero del arte modernista y fue contemporáneo de Manet es Paul Cézanne.
El holandés tenía una situación económica estable y podía dedicarse a las diversas cuestiones que se le presentaban como problemas a resolver en la pintura, ya que no dependía del éxito para ganarse la vida, lo que le daba más libertad creativa.
Retrato de Paul Cézanne
Su principal preocupación era tratar de encontrar el equilibrio entre el color, la composición y las formas, pero no a la manera momentánea de los impresionistas, sino buscando captar la esencia de la naturaleza.
Para ello, utilizó elementos geométricos (como cilindros) y no se ciñó a los diseños de los contornos, subvirtiéndolos si era necesario.
Por estas razones, a menudo se recuerda a este artista como una especie de "mentor" del arte moderno.
Los jugadores de cartas de Paul Cézanne (1892/93) es un ejemplo clásico de su investigación y experimentación en el arte
Ver también: Las 11 mejores canciones brasileñas de todos los tiempos3. Vincent Van Gogh (1853-1890)
El pintor holandés Vincent van Gogh estaba extremadamente dedicado a su arte. Incluso con un periodo de tiempo relativamente corto -alrededor de diez años- producía intensamente, ya que encontraba en la actividad una forma de apaciguar su mente conflictiva.
Retrato de Van Gogh de joven
Su obra presenta una fuerza y expresividad innovadoras para su época, y probablemente por ello el artista no pudo lograr la estabilidad financiera, dependiendo de la ayuda de su hermano para su sustento.
El proceso creativo de Van Gogh se inspiró en las ideas impresionistas, pero fue más allá al añadirles una fuerte carga emocional. Por eso se le considera un artista postimpresionista y se convirtió en un referente para los pintores de la generación siguiente que iniciaron el movimiento de vanguardia expresionista.
Su forma de crear imágenes era bastante particular, lo que se desprende de sus propias palabras, en una carta dirigida a su hermano Theo:
Las emociones son a veces tan intensas que trabajo sin la conciencia de estar trabajando (...) y las pinceladas me llegan con una secuencia y una coherencia, como las palabras en el discurso o en una carta.
Trigal con ciprés (1889) se realizó un año antes de la muerte del pintor modernista
Para saber más sobre el artista, lea: Van Gogh: obras fundamentales y biografía.
4. Pablo Picasso (1881-1973)
Pablo Picasso fue sin duda uno de los artistas modernistas más destacados de la historia del arte. Su producción revela inteligencia e inventiva, fruto de la inspiración en otros artistas como Paul Cézanne y de referencias en culturas lejanas como África.
Retrato de Pablo Picasso
Picasso fue responsable, junto con Georges Braque, de la creación de un nuevo estilo, al que llamaron Cubismo. En él, las figuras se retratan de un modo que subvierte el mundo, en este caso intencionadamente, para crear una nueva realidad.
El cubismo abusó de las figuras geométricas, para pensar en la representación no sólo de lo que se ve desde un único ángulo, sino tratando de "abrir" los objetos sobre superficies bidimensionales, como si se creara una "cuarta dimensión".
De este modo, el pintor se convirtió en un icono de la vanguardia europea y en un gran referente de la ruptura artística.
Ver también: La biografía y las obras de Nelson Rodrigues
Con Las señoritas de Avignon (1907), Picasso inaugura el movimiento cubista
Leer: Obras imprescindibles para entender a Pablo Picasso.
5. Wassily Kandinsky (1866-1944)
El ruso Wassily Kandinsky es recordado como el pintor occidental que realizó la primera obra de arte abstracto, es decir, que presenta elementos sin conexión con el mundo real.
Fuertemente inspirado por la música, la idea de Kandinsky era traducir sentimientos y emociones en colores, formas y líneas.
Retrato de Wassily Kandinsky
Fue un artista importante porque aportó una nueva forma de creación, aboliendo por completo el compromiso con la representación figurativa. Por ello, el movimiento también se conoce como arte "no figurativo", o "no objetivo".
Kandinsky valoraba la libertad creativa, la intuición y la expresión de las experiencias interiores, desde el ámbito psicológico.
Además de él, otros artistas también empezaron a realizar obras abstractas, como, por ejemplo, Piet Mondrian con un abstraccionismo geométrico.
Primera acuarela abstracta (1910), de Kandinsky, se considera la obra que inició el abstraccionismo
6. Marcel Duchamp (1887-1968)
Marcel Duchamp entra en la escena artística como una figura audaz y creativa de principios del siglo XX.
El artista moderno está asociado al dadaísmo, movimiento que pretendía mostrar las insatisfacciones y contradicciones del periodo de la Primera Guerra Mundial.
Retrato de Marcel Duchamp
Lo que Duchamp proponía era una actitud rebelde e irreverente que pretendía cuestionar los límites del propio arte.
Para ello, el artista utilizó algunos recursos inusuales, como el llamado " ready mades "Colocados en un contexto artístico, adquieren nuevos significados o, más bien, pierden sus significados y propuestas originales.
Así, Duchamp fue esencial para la reflexión sobre lo que se considera arte, allanando el camino para que futuros artistas profundizaran en estos cuestionamientos.
La fuente es un preparado atribuido a Duchamp, pero se especula que fue idea de la artista baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven
Anita Malfatti (1889-1964)
Cuando hablamos de arte moderno en Brasil, uno de los primeros nombres notables que podemos mencionar es el de Anita Mafatti.
Retrato de Anita Malfatti
La artista paulista tuvo una enorme importancia, pues ya producía arte moderno incluso antes de la Semana del 22. Este acontecimiento fue considerado un "parteaguas" en la cultura nacional y marcó oficialmente el inicio del modernismo en Brasil.
Lo cierto es que Anita se formó artísticamente en Europa entre 1912 y 1914, desarrollando allí sus habilidades y recibiendo una gran influencia de las vanguardias.
Así, en 1917, cuando realizó una exposición individual en São Paulo, la pintora modernista fue rechazada por el público y la crítica, porque presentaba cuadros con características modernas muy marcadas, como el uso de colores que no correspondían a la realidad, deformaciones y trazos contrastados.
El tonto (1916), de Anita Malfatti
8. tarsila do Amaral (1886-1972)
Tarsila do Amaral es otra mujer indispensable en el modernismo brasileño. Aunque no participó en la Semana de Arte Moderno, la artista tuvo una obra significativa en este período y contribuyó a la creación del movimiento Antropofágico, junto con Oswald de Andrade y Raul Boop.
Retrato de Tarsila do Amaral
Este movimiento, cuyo lema era "Sólo la antropofagia puede unirnos", proponía la creación de un arte acorde con los parámetros modernistas, pero con un fuerte sabor brasileño. La preocupación debía centrarse en temas e intereses nacionales.
Su producción tuvo como elementos fundamentales la valorización del pueblo brasileño, las deformaciones de las figuras y en algunos lienzos la inspiración surrealista, como es el caso de El huevo de 1928.
El huevo (1928), de Tarsila do Amaral
9. Cândido Portinari (1903-1962)
Cândido Portinari fue un pintor brasileño muy afín a los ideales modernistas predicados por Mario de Andrade y Oswald de Andrade.
Retrato de Portinari realizado en 1962
Su carrera se construyó destacando los tipos humanos presentes en Brasil, desde los trabajadores rurales a los niños, mostrando también escenas de fiestas populares.
Portinari utilizó los elementos estéticos de la vanguardia europea para crear algo nuevo y genuinamente brasileño. Así, la influencia de Pablo Picasso, por ejemplo, está implícita en algunas de sus obras, que presentan un uso sombrío del color, exageración en la expresión de los personajes y en la deformación de las figuras.
Un ejemplo de estas características es el famoso Los participantes en el retiro celebrada en 1944.
Los participantes en el retiro (1944), de Cândido Portinari
