9 artistes essentiels de l'art moderne

L'art moderne est le nom donné au type d'expression artistique qui a vu le jour lors de la transition entre le 19e et le 20e siècle et qui a reflété les grandes transformations qui ont eu lieu à cette époque.

Cette façon de faire de l'art a révolutionné la scène culturelle européenne et a également été utilisée dans d'autres pays, comme le Brésil.

Plusieurs artistes ont contribué à la fois à la consolidation du modernisme dans l'art et à son maintien jusqu'au milieu du XXe siècle, lorsqu'il a cédé la place à ce qu'on appelle l'art contemporain.

1. Édouard Manet (1832-83)

Manet est un artiste français d'une extrême importance pour l'art moderne, car il peut être considéré comme le créateur d'un nouveau style de peinture, l'impressionnisme, qui allait révolutionner l'art.

Portrait d'Édouar Manet par le photographe Félix Nadar

Il a provoqué un certain scandale à son époque en représentant des scènes et des personnages très différemment de ce qui se faisait, en accentuant les effets d'optique et les distorsions observées en extérieur. L'artiste n'était pas guidé par les techniques d'ombrage enseignées dans les académies.

En 1863, il présente quelques toiles à une importante exposition à Paris, mais ses œuvres sont rejetées et se retrouvent dans une exposition parallèle appelée "Salon des Recusés".

Il convient de noter que les impressionnistes n'ont pas vraiment cherché à rompre avec les modèles traditionnels de la peinture et qu'ils étaient encore à la recherche d'une représentation proche de la réalité, mais qu'ils ont largement contribué à la consolidation de l'art moderne en Europe, même s'ils n'en étaient pas conscients.

Ainsi, l'importance de Manet pour une pensée novatrice en matière de pratique artistique peut être résumée par les mots du critique et chercheur américain Clement Greenberg :

Les toiles de Manet sont devenues les premiers tableaux modernistes par la franchise avec laquelle elles affirment les surfaces planes sous lesquelles elles sont peintes.

Déjeuner sur la pelouse (1865-1866) est une œuvre dans laquelle on peut observer les caractéristiques modernes de la représentation

2. Paul Cézzane (1839-1906)

Paul Cézanne est un autre artiste qui s'est distingué en tant que pionnier de l'art moderniste et qui était contemporain de Manet.

Le Néerlandais jouit d'une situation financière stable et peut se consacrer aux différentes questions qui se présentent à lui comme des problèmes à résoudre en peinture, car il ne dépend pas du succès pour vivre, ce qui lui donne une plus grande liberté de création.

Portrait de Paul Cézanne

Sa principale préoccupation était d'essayer de trouver l'équilibre entre la couleur, la composition et les formes, mais pas à la manière momentanée des impressionnistes, mais plutôt en cherchant à capturer l'essence de la nature.

Pour ce faire, il a utilisé des éléments géométriques (tels que des cylindres) et ne s'est pas contenté des schémas de base, les détournant si nécessaire.

Pour ces raisons, cet artiste est souvent considéré comme une sorte de "mentor" de l'art moderne.

Les joueurs de cartes de Paul Cézanne (1892/93) est un exemple classique de ses recherches et expérimentations en art

3. Vincent Van Gogh (1853-1890)

Le peintre néerlandais Vincent van Gogh était extrêmement dévoué à son art. Même sur une période relativement courte - environ dix ans - il produisait intensément, car il trouvait dans cette activité un moyen d'apaiser son esprit conflictuel.

Portrait de Van Gogh jeune homme

Son œuvre présente une force et une expressivité novatrices pour l'époque, et c'est probablement pour cette raison que l'artiste n'a pas pu atteindre la stabilité financière, dépendant de l'aide de son frère pour sa subsistance.

Le processus créatif de Van Gogh s'inspire des idées impressionnistes, mais va au-delà en y ajoutant une forte charge émotionnelle. Pour cette raison, il est considéré comme un artiste post-impressionniste et devient une référence pour les peintres de la génération suivante qui ont lancé le mouvement expressionniste d'avant-garde.

Sa façon de créer des images était assez particulière, ce que l'on peut voir dans ses propres mots, dans une lettre adressée à son frère Théo :

Les émotions sont parfois si intenses que je travaille sans avoir conscience de travailler (...) et les coups de pinceau me viennent avec une séquence et une cohérence, comme des mots dans un discours ou dans une lettre.

Trigal avec cyprès (1889) a été réalisée un an avant la mort du peintre moderniste

Pour en savoir plus sur l'artiste, lire : Van Gogh : œuvres fondamentales et biographie.

4. Pablo Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso est sans doute l'un des artistes modernistes les plus marquants de l'histoire de l'art. Sa production révèle intelligence et inventivité, fruit de l'inspiration d'autres artistes comme Paul Cézanne et de références à des cultures lointaines comme l'Afrique.

Portrait de Pablo Picasso

Picasso est à l'origine, avec Georges Braque, de la création d'un nouveau style, le cubisme, dans lequel les personnages sont représentés d'une manière qui subvertit le monde, en l'occurrence volontairement, afin de créer une nouvelle réalité.

Le cubisme a abusé des figures géométriques, afin de penser la représentation non seulement de ce qui est vu sous un seul angle, mais en essayant d'"ouvrir" les objets sur des surfaces bidimensionnelles, comme si l'on créait une "quatrième dimension".

Le peintre devient ainsi une icône de l'avant-garde européenne et une référence majeure de la rupture artistique.

Avec Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso inaugure le mouvement cubiste

Lire : Les œuvres essentielles pour comprendre Pablo Picasso.

5. Wassily Kandinsky (1866-1944)

Le Russe Wassily Kandinsky est considéré comme le peintre occidental qui a réalisé la première œuvre d'art abstrait, c'est-à-dire qui présente des éléments sans rapport avec le monde réel.

Fortement inspiré par la musique, l'idée de Kandinsky était de traduire les sentiments et les émotions en couleurs, en formes et en lignes.

Portrait de Wassily Kandinsky

Il a été un artiste important parce qu'il a apporté une nouvelle façon de créer, en abolissant complètement l'engagement de la représentation figurative. C'est pourquoi le mouvement est également connu sous le nom d'art "non-figuratif", ou "non-objectif".

Kandinsky valorise la liberté de création, l'intuition et l'expression d'expériences intérieures, issues du domaine psychologique.

À côté de lui, d'autres artistes ont commencé à réaliser des œuvres abstraites, comme, par exemple, Piet Mondrian avec un abstractionnisme géométrique.

Première aquarelle abstraite (1910), de Kandinsky, est considérée comme l'œuvre qui a initié l'abstractionnisme

6. Marcel Duchamp (1887-1968)

Marcel Duchamp entre sur la scène artistique comme une figure audacieuse et créative du début du 20e siècle.

L'artiste moderne est associé au dadaïsme, un mouvement qui cherchait à montrer les insatisfactions et les contradictions de la période de la Première Guerre mondiale.

Portrait de Marcel Duchamp

Ce que Duchamp propose, c'est une attitude rebelle et irrévérencieuse qui cherche à remettre en question les limites de l'art lui-même.

Pour ce faire, l'artiste a eu recours à des ressources inhabituelles, telles que l'outil " des produits prêts à l'emploi "Placés dans un contexte artistique, ils acquièrent de nouvelles significations, ou plutôt perdent leurs significations et propositions originales.

Ainsi, Duchamp a été essentiel à la réflexion sur ce qui est considéré comme de l'art, ouvrant la voie à de futurs artistes pour approfondir ces questionnements.

La source est un prêt à l'emploi attribuée à Duchamp, mais on suppose qu'il s'agit d'une idée de l'artiste Baroness Elsa von Freytag-Loringhoven

Anita Malfatti (1889-1964)

Lorsque l'on parle d'art moderne au Brésil, l'un des premiers noms notables que l'on peut citer est celui d'Anita Mafatti.

Portrait d'Anita Malfatti

L'artiste de São Paulo était d'une importance capitale, car elle produisait déjà de l'art moderne avant la Semaine du 22. Cet événement a été considéré comme un "tournant" dans la culture nationale et a officiellement marqué le début du modernisme au Brésil.

En effet, Anita a suivi une formation artistique en Europe entre 1912 et 1914. Elle y a développé ses compétences et a été fortement influencée par l'avant-garde.

Ainsi, en 1917, lors de son exposition personnelle à São Paulo, la peintre moderniste est rejetée par le public et la critique, car elle présente des tableaux aux caractéristiques modernes très marquées, comme l'utilisation de couleurs qui ne correspondent pas à la réalité, des déformations et des traits contrastés.

Le fou (1916), par Anita Malfatti

8. tarsila do Amaral (1886-1972)

Tarsila do Amaral est une autre femme indispensable au modernisme brésilien. Bien qu'elle n'ait pas participé à la Semaine de l'art moderne, l'artiste a eu une œuvre importante au cours de cette période et a contribué à la création du mouvement anthropophagique, avec Oswald de Andrade et Raul Boop.

Portrait de Tarsila do Amaral

Ce mouvement, dont la devise était "Seule l'anthropophagie peut nous unir", proposait la création d'un art conforme aux paramètres modernistes, mais avec une forte saveur brésilienne, en s'intéressant aux thèmes et aux intérêts nationaux.

Sa production avait pour éléments fondamentaux la valorisation du peuple brésilien, les déformations des figures et, dans certaines toiles, l'inspiration surréaliste, comme c'est le cas de L'œuf de 1928.

L'œuf (1928), de Tarsila do Amaral

9) Cândido Portinari (1903-1962)

Cândido Portinari était un peintre brésilien proche des idéaux modernistes prônés par Mario de Andrade et Oswald de Andrade.

Portrait de Portinari réalisé en 1962

Sa carrière s'est construite sur la mise en valeur des types humains présents au Brésil, des travailleurs ruraux aux enfants, en passant par des scènes de fêtes populaires.

Portinari a utilisé les éléments esthétiques de l'avant-garde européenne pour créer quelque chose de nouveau et d'authentiquement brésilien. Ainsi, l'influence de Pablo Picasso, par exemple, est implicite dans certaines de ses œuvres, qui se caractérisent par une utilisation sombre de la couleur, une exagération dans l'expression des personnages et dans la déformation des figures.

Un exemple de ces caractéristiques est le célèbre Les retraitants qui s'est tenue en 1944.

Les retraitants (1944), de Cândido Portinari