Sommario
L'arte moderna è il nome dato al tipo di espressione artistica che ha iniziato a essere realizzata nel passaggio dal XIX al XX secolo e che riflette le grandi trasformazioni in atto in quel periodo.
Questo modo di fare arte ha rivoluzionato la scena culturale europea ed è stato utilizzato anche in altri Paesi, come il Brasile.
Ci sono stati diversi artisti che hanno contribuito sia al consolidamento del modernismo nell'arte sia al suo prevalere fino alla metà del XX secolo, quando ha lasciato il posto alla cosiddetta arte contemporanea.
1. Édouard Manet (1832-83)
Manet è un artista francese di estrema importanza per l'arte moderna, in quanto può essere considerato il creatore di un nuovo stile di pittura, l'impressionismo, che avrebbe rivoluzionato l'arte.
Ritratto di Édouar Manet del fotografo Félix Nadar
Ha suscitato un certo scandalo nel suo tempo raffigurando scene e persone in modo molto diverso da quello che si faceva, esaltando gli effetti ottici e le distorsioni che si vedevano nei luoghi all'aperto. L'artista non era guidato dalle tecniche di ombreggiatura insegnate nelle accademie.
Nel 1863 partecipa con alcune tele a un'importante mostra a Parigi, ma il suo lavoro viene rifiutato e finisce in una mostra parallela chiamata "Salon des Recusés".
Vale la pena di notare che gli Impressionisti non cercavano esattamente una rottura degli schemi tradizionali della pittura, ed erano ancora alla ricerca di una rappresentazione simile alla realtà. Tuttavia, essi contribuirono notevolmente al consolidamento dell'arte moderna in Europa, anche se non ne erano consapevoli.
L'importanza di Manet per il pensiero innovativo della pratica artistica può essere riassunta dalle parole del critico e ricercatore americano Clement Greenberg:
Le tele di Manet divennero i primi dipinti modernisti in virtù della franchezza con cui dichiaravano le superfici piatte sotto le quali erano dipinte.
Pranzo sul prato (1865-1866) è un'opera in cui si possono osservare le caratteristiche moderne della rappresentazione
2. Paul Cézzane (1839-1906)
Un altro artista che si è distinto come pioniere dell'arte modernista e contemporaneo di Manet è Paul Cézanne.
L'olandese aveva una situazione finanziaria stabile e poteva dedicarsi alle varie questioni che gli si presentavano come problemi da risolvere nella pittura, perché non dipendeva dal successo per il suo sostentamento, il che gli permetteva una maggiore libertà creativa.
Ritratto di Paul Cézanne
Guarda anche: Ideologia musicale di Cazuza (significato e analisi)La sua preoccupazione principale era quella di trovare l'equilibrio tra colore, composizione e forme, ma non nel modo momentaneo degli impressionisti, bensì cercando di catturare l'essenza della natura.
Per farlo, ha utilizzato elementi geometrici (come i cilindri) e non si è attenuto ai disegni di contorno, sovvertendoli se necessario.
Per questi motivi, tale artista è spesso ricordato come una sorta di "mentore" dell'arte moderna.
I giocatori di carte di Paul Cézanne (1892/93) è un classico esempio della sua ricerca e sperimentazione in campo artistico.
3. Vincent Van Gogh (1853-1890)
Il pittore olandese Vincent van Gogh era estremamente dedito alla sua arte. Anche in un periodo di tempo relativamente breve - circa dieci anni - produceva intensamente, trovando in questa attività un modo per placare la sua mente conflittuale.
Ritratto di Van Gogh da giovane
Il suo lavoro presenta una forza e un'espressività innovative per l'epoca, e probabilmente per questo motivo l'artista non riuscì a raggiungere una stabilità finanziaria, dipendendo dall'aiuto del fratello per il suo sostegno.
Il processo creativo di Van Gogh si ispira alle idee impressioniste, ma le supera aggiungendo una forte carica emotiva: per questo motivo è considerato un artista post-impressionista e diventa un punto di riferimento per i pittori della generazione successiva che danno vita al movimento d'avanguardia espressionista.
Il suo modo di creare immagini era piuttosto particolare, come si evince dalle sue stesse parole, in una lettera indirizzata al fratello Theo:
Le emozioni sono a volte così intense che lavoro senza la consapevolezza di stare lavorando (...) e le pennellate mi arrivano con una sequenza e una coerenza, come le parole in un discorso o in una lettera.
Trigale con cipresso (1889) fu realizzato un anno prima della morte del pittore modernista
Per saperne di più sull'artista, leggere: Van Gogh: opere fondamentali e biografia.
4. Pablo Picasso (1881-1973)
Pablo Picasso è stato senza dubbio uno dei più importanti artisti modernisti della storia dell'arte. La sua produzione rivela intelligenza e inventiva, frutto dell'ispirazione di altri artisti come Paul Cézanne e di riferimenti a culture lontane come l'Africa.
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Ritratto di Pablo Picasso
Picasso fu responsabile, insieme a Georges Braque, della creazione di un nuovo stile, che chiamarono Cubismo, in cui le figure sono ritratte in modo da sovvertire il mondo, in questo caso intenzionalmente, per creare una nuova realtà.
Il cubismo ha abusato delle figure geometriche, in modo da pensare alla rappresentazione non solo di ciò che si vede da una singola angolazione, ma cercando di "aprire" gli oggetti su superfici bidimensionali, come a creare una "quarta dimensione".
Il pittore diventa così un'icona dell'avanguardia europea e un importante riferimento della rottura artistica.
Con Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso inaugura il movimento cubista
Leggi: Opere essenziali per comprendere Pablo Picasso.
5. Wassily Kandinsky (1866-1944)
Il russo Wassily Kandinsky è ricordato come il pittore occidentale che ha realizzato la prima opera d'arte astratta, cioè che presenta elementi senza alcun legame con il mondo reale.
Fortemente ispirato dalla musica, l'idea di Kandinsky era quella di tradurre sentimenti ed emozioni in colori, forme e linee.
Ritratto di Wassily Kandinsky
È stato un artista importante perché ha portato un nuovo modo di creare, abolendo completamente l'impegno nella rappresentazione figurativa. Per questo motivo, il movimento è noto anche come arte "non figurativa" o "non oggettiva".
Kandinsky apprezzava la libertà creativa, l'intuizione e l'espressione delle esperienze interiori, a partire dal campo psicologico.
Oltre a lui, anche altri artisti iniziarono a realizzare opere astratte, come, ad esempio, Piet Mondrian con un astrattismo geometrico.
Il primo acquerello astratto (1910), di Kandinsky, è considerata l'opera che ha dato inizio all'astrattismo.
6. Marcel Duchamp (1887-1968)
Marcel Duchamp entra nella scena artistica come figura audace e creativa del primo Novecento.
L'artista moderno è associato al Dadaismo, un movimento che cercava di mostrare le insoddisfazioni e le contraddizioni del periodo della Prima Guerra Mondiale.
Ritratto di Marcel Duchamp
Quello che Duchamp proponeva era un atteggiamento ribelle e irriverente che cercava di mettere in discussione i limiti dell'arte stessa.
Per questo, l'artista ha utilizzato alcune risorse insolite, come il cosiddetto " pronto moda "Inseriti in un contesto artistico, acquistano nuovi significati, o meglio, perdono i loro significati e le loro proposte originali".
Duchamp è stato quindi essenziale per la riflessione su ciò che è considerato arte, aprendo la strada ai futuri artisti per approfondire questi interrogativi.
La fonte è un pronto per l'uso attribuito a Duchamp, ma si ipotizza che sia un'idea dell'artista baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven
Anita Malfatti (1889-1964)
Quando si parla di arte moderna in Brasile, uno dei primi nomi degni di nota è quello di Anita Mafatti.
Ritratto di Anita Malfatti
L'artista di San Paolo ebbe un'importanza enorme, poiché produceva arte moderna già prima della Settimana del 22. Questo evento fu considerato uno "spartiacque" nella cultura nazionale e segnò ufficialmente l'inizio del modernismo in Brasile.
Il fatto è che Anita si è formata artisticamente in Europa tra il 1912 e il 1914, dove ha sviluppato le sue capacità ed è stata molto influenzata dalle avanguardie.
Così, nel 1917, quando tenne una mostra personale a San Paolo, la pittrice modernista fu rifiutata dal pubblico e dalla critica, perché presentava dipinti con caratteristiche moderne molto marcate, come l'uso di colori non corrispondenti alla realtà, deformazioni e tratti contrastanti.
Il pazzo (1916), di Anita Malfatti
8. tarsila do Amaral (1886-1972)
Tarsila do Amaral è un'altra donna imprescindibile del modernismo brasiliano. Sebbene non abbia partecipato alla Settimana dell'arte moderna, l'artista ha svolto un lavoro significativo in questo periodo e ha contribuito alla creazione del movimento antropofagico, insieme a Oswald de Andrade e Raul Boop.
Ritratto di Tarsila do Amaral
Questo movimento, il cui motto era "Solo l'antropofagia può unirci", proponeva la creazione di un'arte in linea con i parametri modernisti, ma con un forte sapore brasiliano. L'attenzione doveva essere rivolta a temi e interessi nazionali.
La sua produzione ha avuto come elementi fondamentali la valorizzazione del popolo brasiliano, le deformazioni delle figure e in alcune tele l'ispirazione surrealista, come nel caso di L'uovo del 1928.
L'uovo (1928), di Tarsila do Amaral
9. Cândido Portinari (1903-1962)
Cândido Portinari è stato un pittore brasiliano strettamente allineato agli ideali modernisti predicati da Mario de Andrade e Oswald de Andrade.
Ritratto di Portinari realizzato nel 1962
La sua carriera è stata costruita mettendo in evidenza i tipi umani presenti in Brasile, dai lavoratori rurali ai bambini, mostrando anche scene di feste popolari.
Portinari utilizza gli elementi estetici delle avanguardie europee per creare qualcosa di nuovo e genuinamente brasiliano: l'influenza di Pablo Picasso, ad esempio, è implicita in alcune sue opere, caratterizzate da un uso cupo del colore, dall'esagerazione dell'espressione dei personaggi e dalla deformazione delle figure.
Un esempio di queste caratteristiche è il famoso I ritirati tenutosi nel 1944.
I ritirati (1944), di Cândido Portinari
