12 velkých brazilských umělců a jejich díla

1. Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886-1973) je považována za jednu z největších brazilských malířek, která se zasloužila například o vznik slavného obrazu Abaporu jedno z nejvýznamnějších děl naší kultury.

Umělkyně, která se narodila ve vnitrozemí São Paula (v Capivari), byla dcerou tradiční a bohaté rodiny z tohoto regionu, která vlastnila několik farem.

Přestože se Tarsila narodila v Brazílii, většinu svého uměleckého vzdělání získala v Evropě, když se v 16 letech přestěhovala do Barcelony. Kromě Španělska studovala také v Paříži, kde se seznámila s moderním uměním, které později pomohla přenést do Brazílie.

Tarsilova díla jsou poměrně různorodá, ale můžeme zdůraznit společný rys, kterým je. touha představit brazilské lidi a krajiny. Tarsila byla malířkou tropických témat, brazilského venkova, ale zobrazovala také město, které se modernizovalo s proměnami typickými pro proces industrializace.

Malířka na svých plátnech často používala barvy národní vlajky a také ilustrovala řadu folklorních postav z naší kultury, jako je například kukačka.

Přestože Tarsila pronesl mnoho pochvalných slov na adresu naší země, neopomněl ani společenská kritika . v Abaporu , například zdůraznil znehodnocení duševní práce tím, že namaloval malou hlavu v protikladu k obrovským končetinám.

Co se týče stylu, Tarsila začal malovat obrazy s kubistickou inspirací, ale později přešel k realističtějšímu stylu a experimentoval i s geometrickými obrysy.

Kritici rozdělují umělcovu tvorbu do tří velmi odlišných fází: Pau-Brasil, Antropofagická a Sociální.

Využijte příležitosti a přečtěte si také článek Práce Tarsila do Amaral, které musíte znát.

2. anita Malfatti

Jedním z hlavních přispěvatelů obnova malířství v naší zemi byla Anita Malfatti (1889-1964), dcera amerického učitele malby a italského inženýra.

Anita, která v raném věku přišla o otce a musela vystudovat učitelství ještě před dovršením 18 let, začala pod vlivem své matky vytvářet první díla v oblasti výtvarného umění.

Ve svých 21 letech odjela za podpory strýce do Berlína, kde rozvíjela svůj talent na Císařské akademii výtvarných umění. Právě v Evropě se Anita seznámila s kubismem a expresionismem, které ovlivnily její tvorbu.

Kromě Německa studovala malířka také v New Yorku a Paříži. Po návratu do Brazílie debutovala v roce 1914 a setkala se s mnoha významnými přáteli z uměleckého světa, jako byl například Di Cavalcanti.

Anita se stala jednou z velkých osobností moderního malířství a sklízela chválu, ale i kritiku, například od Monteira Lobata.

Blázen jeden z jeho nejznámějších obrazů, který vznikl v letech 1915-1916 a má kubistické a futuristické prvky. vliv expresionismu pro využití kontrastu mezi barvami a zdůraznění osamělého, možná utrápeného charakteru.

Anita byla v Brazílii revoluční - a také velmi kritizovaná - tím, že opustila realismus a ve svých dílech zdůraznila rysy, které považovala za nejvýraznější, i když se kvůli tomu musela vzdálit realitě a používat nečekané barvy.

Malíř se zajímal zejména o každodenní témata Jeho práce se vymykala akademické přísnosti, která panovala v jeho i předchozích generacích.

Doporučujeme přečíst článek Anita Malfatti: dílo a životopis.

3. Adriana Varejão

Adriana Varejão (1964) je jednou z největších osobností současného výtvarného umění, která se věnuje nejen malbě, ale také sochařství, fotografii a instalaci.

Tato mladá žena se narodila v Riu de Janeiru, v roce 1983 navštěvovala Escola de Artes Visuais do Parque Lage a brzy si otevřela svůj první ateliér v jižní zóně Ria de Janeira.

Na počátku své kariéry Adriana odcestovala do Spojených států, kde si vytvořila svůj osobní jazyk. Uděleno v Brazílii a v zahraničí umělec vytváří různá díla, která se pohybují v různých stylech a médiích.

Práce Trosky masa je příkladem toho, co lze v umělcově tvorbě nalézt: díla, která pracují s myšlenkou toho, co zůstává (zbytky), násilí, kanibalismu, destrukce, historie a památníku. barokní vliv v jejích výtvorech přítomnost dlaždic, které se staly jakousi autorčinou obchodní značkou.

Dnes je již možné nalézt jeho díla ve významných centrech, jako je Londýn (Tate Modern), New York (Guggenheim) a Tokio (Hara Museum). V Brazílii se většina jeho děl nachází v Centru současného umění Inhotim v Minas Gerais.

4. Vik Muniz

Vik Muniz (nar. 1961) se narodil v São Paulu a svou kariéru zahájil ve Spojených státech.Proslavil se tím, že ve svých dílech používá neobvyklé a každodenní materiály, jako je želé nebo arašídový krém.

Mladý muž vystudoval reklamu a ve 22 letech odjel do Spojených států, aby zkusil štěstí v životě.

Kromě děl, v nichž ztvárňuje slavné obrazy, jako je Mona Lisa nebo portréty Freuda a Che Guevary, vytváří Vik Muniz také stoprocentně originální díla na základě. neočekávané materiály .

Hlavním charakteristickým rysem tvorby Vika Munize je kompozice z trvanlivých materiálů, které se v uměleckém médiu běžně nepoužívají, jako je kečup, cukr, fazole, káva a harampádí. sociální svědomí Autor je ve svých dílech provokatérem, který chce své diváky vybídnout k přemýšlení.

Vik Muniz se snaží svými díly upozorňovat na sociální i environmentální problémy naší doby. Mimořádný odpad (2010).

Myslíme si, že se vám bude líbit i článek Nejpůsobivější výtvory Vika Munise.

5. Hélio Oiticica

Karioca Hélio Oiticica (1937-1980), známý především svými performancemi, zanechal své jméno také ve výtvarném umění v dílech spojených s malířstvím a sochařstvím.

Odkaz na konkrétní umění Oiticica dostal první lekce umění doma od svého otce, který byl fotografem a malířem.

Hélio začal poprvé vystavovat na počátku 50. let a v téže dekádě se setkal s dalšími neokonkrétními umělci, jako byli Lygia Clark a Ferreira Gullar.

Stejně jako jeho kolegové i Oiticica věřil, že veřejnost byla součástí práce umělecké a bylo přirozené, že jste si mohli na dílo sáhnout, dotknout se ho, nosit ho nebo dokonce cítit vůni umělcova výtvoru.

Parangolé Její nejznámější dílo se skládalo z velmi barevných pláštěnek, které si oblékali diváci. myšlenka byla taková, že tancem s ní pláštěnky vytvoří osvobozující pohyb.

Myslíme si, že vás bude zajímat také článek Hélio Oiticica: práce pro pochopení jeho dráhy.

6. Beatriz Milhazes

Karioka Beatriz Milhazesová (1960) je známá svými barevné abstraktní obrazy Jsou plné geometrických tvarů a často používají arabesky a květiny.

Beatriz Milhazesová nejen maluje, ale vytváří také rytiny, koláže, ilustrace, instalace a kulisy (mnohé z nich pro svou sestru Márcii, která stojí v čele taneční skupiny).

Umělkyně, která vystudovala sociální komunikaci, začala tvořit, když se zapsala na Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

Celostátní úspěch přišel v roce 1984, kdy se zúčastnila výstavy věnované generaci 80. let v Parque Lage. Později se Beatriz zúčastnila také bienále v Benátkách (2003), São Paulu (1998 a 2004) a Šanghaji (2006). Od té doby se umělkyni daří stále více odhalovat své obrazy a má řadu děl ve významných mezinárodních muzeích, jako např.MoMa, Metropolitan, Fondation Cartier a Guggenheim.

Na adrese Čistá krása (2006) je malou ukázkou jeho díla. Obraz je nabitý geometrickými prvky a spoustou barev. Plátno velkých rozměrů umožňuje vícenásobné čtení a je bohaté na detaily které pomáhají vytvořit intenzivní celek plný informací.

Obrazy Beatriz Milhazes jsou obecně poznamenány barokní estetikou, přemírou prvků a ornamentů, které působí na diváka.

Pokud se vám dílo této umělkyně líbí, mohl by vás také zajímat článek Nepřehlédnutelná díla Beatriz Milhazes.

7. lygia Clark

Jednou z nejinovativnějších brazilských výtvarných umělkyň byla Lygia Clarková (1920-1988) z Minas Gerais, která vytvořila svá díla na základě smyslové a interaktivní umění .

Lygia si přála, aby diváci mohli interagovat s díly, která vytvořila, a aby si mohli vyzkoušet různé podoby její práce, jako je tomu v případě děl vytvořených pro sérii. Na stránkách Chyby (1960). Geometrické kovové plastiky jsou členité a umožňují několik různých sestav.

Brouci Nejslavnější umělcova série Lygia získala cenu za nejlepší národní sochu na VI. bienále v São Paulu.

Lygia Clarková, která byla součástí neokonkretismu, věřila v. inkluzivní umění která vyzvala veřejnost k manipulaci s díly.

Chcete se dozvědět více o díle této umělkyně? Pak přejděte na článek Lygia Clark: díla, která poznává současná umělkyně.

8. candido Portinari

Malíř, rytec a ilustrátor Candido Portinari (1903-1962) stojí za některými z nejslavnějších děl brazilského výtvarného umění, jako je např. obraz Káva (1935).

Malíř se politicky angažoval a svá plátna často používal k tomu. zobrazit obtíže, kterým Brazilci čelí denně.

Na obrazovce Káva Vidíme zlaté období Brazílie v kontrastu s drsnými pracovními podmínkami, kterým čelí muži a ženy pracující na kávové plantáži. Všimněte si, jak jsou končetiny dělníků neproporcionální, což zdůrazňuje manuální práci.

Zmíněné plátno bylo vystaveno na Mezinárodní výstavě moderního umění v New Yorku a bylo prvním, které malíři přineslo mezinárodní ocenění.

Portinari byl mluvčí pro sociální nespravedlnost a snažil se štětcem a plátnem odhalit Brazílii poznamenanou nerovností.

Objevte také článek Candido Portinari: hlavní analyzovaná díla.

9. Di Cavalcanti

Modernistický malíř Di Cavalcanti (1897-1976) byl mistrem v malbě portréty brazilské kultury a každodenní život našich lidí.

Obrazovka Samba (1925) je dobrým příkladem malířovy tvorby, který používal mnoho barev a dával si záležet na malbě těl s mnoha křivkami. Di Cavalcantiho díla se vyznačují zejména přítomností lidí, kteří spolu smyslně a/nebo milostně komunikují.

Na obrazovce Samba Vidíme řadu typických postav naší kultury, jako je muž s cavaquinho (odkazující na období bohémy) a ženy s odhalenými ňadry, které připomínají smyslnost, jež se objevuje zejména v období karnevalu.

Dalšími tématy, která Di Cavalcanti během svého života opakovaně maloval, byly favely, dělníci, černošky a populární festivaly.

Di Cavalcanti byl důležitou postavou Týdne moderního umění a ilustroval plakát a katalog této akce. Spolu s dalšími kolegy modernisty se podílel na procesu obnovy výtvarného umění v Brazílii.

Věříme, že vás bude zajímat také článek Di Cavalcanti: díla pro pochopení umělce.

10. Lasar Segall

Lasar Segall (1891-1957) se narodil v Litvě, do Brazílie přijel poprvé v roce 1923, aby navštívil svou rodinu, a v témže roce se rozhodl natrvalo usadit v São Paulu.

Malíř, sochař, rytec a kreslíř židovského původu našel v Brazílii bezpečné útočiště daleko od neklidné Evropy.

Jeho práce se vyznačovala moderní estetika a hodně se napil z evropské avantgardy.

Mezi jeho nejčastější témata patřila emigrace, lidé na okraji společnosti a tropická krajina, s níž se setkal v Brazílii. sociální nerovnost, násilí a chudoba .

Na adrese Profil Zulmira (1928) vidíme portrét ženy na abstraktním, geometrickém pozadí. V pozadí i v obrysech hlavní postavy jsou patrné kubistické a modernistické vlivy. Tyto rysy byly u brazilských malířů modernistické generace velmi přítomné.

11. Alfredo Volpi

Alfredo Volpi (1896-1988), známý jako mistr praporků, byl umělcem, který vynikl v druhé generaci moderního umění.

Mnoho jeho pláten nese vlajky a typické obrazy brazilské kultury jako je například mořská panna.

V rámci Mořská panna (1960) vidíme národní lidovou postavu zobrazenou jednoduchými obrysy, ve zdánlivě dětském cvičení. Konkrétně v tomto obraze Volpi nepoužívá mnoho barev, zůstává pouze u odstínů modré, zelené, černé a bílé. V mnoha jeho dílech je však použito pestřejších barev.

Volpi se narodil v Toskánsku (Itálie), ale do Brazílie přišel s rodiči, když mu bylo jeden a půl roku. V roce 1911 začal malovat panely a nástěnné malby v sídlech v São Paulu a brzy přešel k malbě.

Uznání jako velký malíř se dočkal až v roce 1940, kdy vyhrál soutěž IPHAN.

Chcete-li se o brazilském malíři dozvědět více, přečtěte si také článek Díla a životopis Alfreda Volpiho.

12. Romero Britto

Nejpopulárnějším současným brazilským malířem je bezesporu Romero Britto (1963). Brazilec, který odešel z Recife, udělal kariéru ve Spojených státech, kde dodnes žije v Miami.

S nezaměnitelným barevný neo-kubistický popový styl Umělec, který se inspiroval Picassem, má svá díla rozesetá v řadě zemí světa, například ve Švýcarsku, Izraeli a Francii.

Kromě obrazů vytváří Romero Britto také instalace a sochy ve veřejných i soukromých prostorách.

Pernambukánský styl se vyznačuje zářivými barvami. geometrické a asymetrické tvary a že je to umění snadno pochopitelné pro širokou veřejnost - jak je patrné z příkladu Srdcové děti .

Co říkáte na článek Romero Britto: dílo a životopis?