ສາລະບານ
1. Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral (1886-1973) ຖືວ່າເປັນໜຶ່ງໃນນັກແຕ້ມຊາວບຣາຊິນຜູ້ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດ. ສໍາລັບຕົວຢ່າງ, ນາງໄດ້ປະພັນ, ຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງ Abaporu , ຫນຶ່ງໃນວຽກງານທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງວັດທະນະທໍາຂອງພວກເຮົາ.
ຈິດຕະນາການພາດສະຕິກ, ຜູ້ທີ່ເກີດຢູ່ໃນພາຍໃນຂອງ São Paulo (ໃນ Capivari) , ນາງເປັນລູກສາວຂອງຄອບຄົວດັ້ງເດີມແລະຮັ່ງມີໃນພາກພື້ນ, ເຈົ້າຂອງກະສິກໍາຫຼາຍຊຸດ.
ເຖິງວ່າຈະມີເກີດໃນ Brazil, Tarsila ໄດ້ເຮັດການຝຶກອົບຮົມສິລະປະສ່ວນໃຫຍ່ຂອງນາງຢູ່ໃນເອີຣົບ, ໂດຍໄດ້ຍ້າຍໄປ Barcelona ຢູ່ທີ່. ອາຍຸ 16 ປີ. ນອກເຫນືອຈາກການອາໄສຢູ່ໃນປະເທດສະເປນ, ນາງຍັງໄດ້ສຶກສາຢູ່ປາຣີ, ບ່ອນທີ່ນາງໄດ້ຕິດຕໍ່ກັບສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມ, ເຊິ່ງຕໍ່ມານາງໄດ້ຊ່ວຍນໍາມາສູ່ປະເທດບຣາຊິນ.
ວຽກງານຂອງ Tarsila ແມ່ນຂ້ອນຂ້າງຫຼາກຫຼາຍ, ແຕ່ພວກເຮົາສາມາດ underline ຫນຶ່ງລັກສະນະທົ່ວໄປ. ນັ້ນແມ່ນ ຄວາມປາຖະຫນາທີ່ຈະເປັນຕົວແທນປະຊາຊົນ Brazilian ແລະພູມສັນຖານ . Tarsila ແມ່ນນັກແຕ້ມຮູບໃນຫົວຂໍ້ເຂດຮ້ອນ, ມາຈາກຊົນນະບົດຂອງປະເທດບຣາຊິນ, ແຕ່ນາງຍັງໄດ້ພັນລະນາເຖິງເມືອງທີ່ມີຄວາມທັນສະໄຫມດ້ວຍການຫັນປ່ຽນຕາມປົກກະຕິຂອງຂະບວນການອຸດສາຫະກໍາ.
ນັກແຕ້ມຮູບມັກຈະໃຊ້ສີຂອງທຸງຊາດຢູ່ໃນຜ້າໃບຂອງນາງ , ນອກເຫນືອຈາກການສະແດງຕົວລະຄອນພື້ນເມືອງຈາກວັດທະນະທໍາຂອງພວກເຮົາ, ຕົວຢ່າງເຊັ່ນ cuca.
ເຖິງວ່າຈະມີການຍ້ອງຍໍປະເທດຂອງພວກເຮົາຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ, Tarsila ຍັງໄດ້ເຮັດ ການວິພາກວິຈານທາງສັງຄົມ . ສໍາລັບຕົວຢ່າງ, ໃນ Abaporu , ລາວໄດ້ຍົກໃຫ້ເຫັນການປະເມີນມູນຄ່າຂອງວຽກງານສິນທາງປັນຍາໂດຍການແຕ້ມຮູບ.ຜົນງານຂອງລາວໄດ້ຖືກໝາຍໄວ້ໂດຍ ຄວາມງາມທີ່ທັນສະໄໝ ແລະໄດ້ດຶງດູດເອົາມາຈາກເອີຣົບ avant-garde.
ໃນຫົວຂໍ້ທີ່ລາວພົບເລື້ອຍທີ່ສຸດແມ່ນການອົບພະຍົບ, ພູມສັນຖານທີ່ຂາດແຄນ ແລະເຂດຮ້ອນທີ່ລາວພົບເຫັນໃນປະເທດບຣາຊິນ. ຄວາມກັງວົນທີ່ຊັດເຈນຂອງ Segall, ເຊິ່ງປາກົດຢູ່ໃນຮູບແຕ້ມຂອງລາວ, ແມ່ນ ຄວາມບໍ່ສະເໝີພາບທາງດ້ານສັງຄົມ, ຄວາມຮຸນແຮງ ແລະຄວາມທຸກຍາກ .
ໃນ ໂປຣໄຟລ໌ຂອງ Zulmira (1928) ພວກເຮົາເຫັນຮູບຂອງແມ່ຍິງ ດ້ວຍພື້ນຖານເລຂາຄະນິດທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ. ຢູ່ເທິງຜ້າໃບສາມາດສັງເກດເຫັນອິດທິພົນຂອງ cubist ແລະ modernist ທັງໃນພື້ນຫລັງຂອງຮູບແຕ້ມແລະໃນ contours ຂອງລັກສະນະຕົ້ນຕໍ. ລັກສະນະເຫຼົ່ານີ້ມີຢູ່ໃນຈິດຕະກອນຊາວບຣາຊິນໃນຍຸກສະໄໝໃໝ່.
ເບິ່ງ_ນຳ: Poem The Crow: ສະຫຼຸບ, ການແປ, ກ່ຽວກັບສິ່ງພິມ, ກ່ຽວກັບຜູ້ຂຽນ11. Alfredo Volpi
ຮູ້ຈັກເປັນນາຍຂອງທຸງຊາດ, Alfredo Volpi (1896-1988) ເປັນສິລະປິນທີ່ໂດດເດັ່ນໃນຍຸກທີສອງຂອງສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມ.
ຜ້າໃບຂອງລາວຫຼາຍອັນມີທຸງນ້ອຍ ແລະ ຮູບພາບປົກກະຕິຂອງວັດທະນະທໍາບຣາຊິນ ເຊັ່ນ: ນາງເງືອກ.
ໃນຮູບແຕ້ມ Sereia (1960) ພວກເຮົາ ເບິ່ງລັກສະນະຂອງນິທານພື້ນເມືອງແຫ່ງຊາດທີ່ສະແດງດ້ວຍຮູບຊົງແບບງ່າຍໆ, ໃນການອອກກໍາລັງກາຍທີ່ມີລັກສະນະເດັກນ້ອຍ. ໃນຮູບແຕ້ມນີ້ໂດຍສະເພາະ, Volpi ບໍ່ໄດ້ໃຊ້ຫຼາຍສີ, ພຽງແຕ່ໃຊ້ຮົ່ມສີຟ້າ, ສີຂຽວ, ສີດໍາແລະສີຂາວ. ແຕ່ໃນຫຼາຍຜົນງານຂອງລາວມີການໃຊ້ສີທີ່ຫຼາກຫຼາຍກວ່າ.
ເຖິງວ່າຈະເກີດໃນ Tuscany (ອິຕາລີ), Volpi ມາ Brazil ເມື່ອລາວອາຍຸໄດ້ 1 ປີເຄິ່ງ.ອາຍຸຄຽງຄູ່ພໍ່ແມ່. ໃນປີ 1911, ລາວໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນການທາສີກະດານ ແລະຮູບແຕ້ມໃນ mansions ຂອງ São Paulo ແລະໃນໄວໆນີ້ໄດ້ຍ້າຍໄປແຕ້ມຮູບ.
ການຮັບຮູ້ວ່າເປັນນັກແຕ້ມທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ພຽງແຕ່ໃນປີ 1940, ຫຼັງຈາກຊະນະການແຂ່ງຂັນ IPHAN.
ຖ້າທ່ານຢາກຮູ້ເພີ່ມເຕີມກ່ຽວກັບນັກແຕ້ມຊາວບຣາຊິນ, ລອງອ່ານບົດຄວາມ ຜົນງານ ແລະຊີວະປະຫວັດຂອງ Alfredo Volpi.
12. Romero Britto
ຈິດຕະກອນຮ່ວມສະໄໝ Brazilian ທີ່ນິຍົມທີ່ສຸດແມ່ນ Romero Britto (1963). ຊາວບຣາຊິລທີ່ອອກຈາກ Recife ໄປເຮັດວຽກຢູ່ໃນສະຫະລັດ, ບ່ອນທີ່ລາວຍັງອາໄສຢູ່ໃນ Miami ໃນມື້ນີ້. , ມີຜົນງານທີ່ແຜ່ຂະຫຍາຍໄປທົ່ວຫຼາຍປະເທດທົ່ວໂລກ ເຊັ່ນ: ສະວິດເຊີແລນ, ອິສຣາແອລ ແລະ ຝຣັ່ງ. ຮູບແບບຂອງ Pernambuco ແມ່ນມີລັກສະນະສີສັນສົດໃສ, ຮູບຊົງເລຂາຄະນິດ ແລະ ບໍ່ສົມມາຕຣິກ ແລະເພື່ອເປັນສິລະປະທີ່ງ່າຍສຳລັບຄົນທົ່ວໄປທີ່ຈະເຂົ້າໃຈ - ດັ່ງທີ່ເຫັນໄດ້ຈາກ ເດັກນ້ອຍຫົວໃຈ .
ແລ້ວຮູ້ບົດຄວາມ Romero Britto: ຜົນງານ ແລະຊີວະປະຫວັດແນວໃດ?
ຫົວຂະຫນາດນ້ອຍກົງກັນຂ້າມກັບແຂນຂາໃຫຍ່.ໃນແງ່ຂອງຮູບແບບ, Tarsila ເລີ່ມແຕ້ມຮູບທີ່ມີແຮງບັນດານໃຈ Cubist, ແຕ່ສິ້ນສຸດການອອກກໍາລັງກາຍແບບຈິງໆໃນພາຍຫລັງແລະແມ້ກະທັ້ງທົດລອງກັບ contours geometric.
The ການຜະລິດສິນລະປິນໄດ້ຖືກແບ່ງອອກໂດຍນັກວິຈານອອກເປັນສາມໄລຍະທີ່ແຕກຕ່າງກັນ: Pau-Brasil, Antropofágica ແລະສັງຄົມ.
ຖືໂອກາດເພື່ອອ່ານບົດຄວາມ Obras de Tarsila do Amaral ທີ່ທ່ານຕ້ອງຮູ້.
2. Anita Malfatti
ໜຶ່ງໃນຜູ້ຮັບຜິດຊອບຫຼາຍທີ່ສຸດໃນ ການສ້ອມແປງຮູບແຕ້ມໃນປະເທດຂອງພວກເຮົາ ແມ່ນ Anita Malfatti (1889-1964), ລູກສາວຂອງຮູບແຕ້ມ. ຄູສອນຈາກພາກເຫນືອ - ອາເມລິກາກັບວິສະວະກອນອິຕາລີ.
Anita, ຜູ້ທີ່ສູນເສຍພໍ່ຂອງນາງໃນຕອນຕົ້ນແລະຕ້ອງໄດ້ຝຶກອົບຮົມເປັນຄູສອນກ່ອນທີ່ຈະຮອດອາຍຸ 18 ປີ, ໄດ້ເລີ່ມເຮັດວຽກທໍາອິດຂອງນາງໃນສິລະປະການເບິ່ງເຫັນໂດຍອິດທິພົນຈາກ. ແມ່ຂອງນາງ.
ໃນອາຍຸ 21 ປີ, ເດັກຍິງໄດ້ໄປອາໄສຢູ່ໃນເບີລິນ, ໄດ້ຮັບການສະຫນັບສະຫນູນຈາກລຸງ, ບ່ອນທີ່ນາງໄດ້ພັດທະນາຄວາມສາມາດຂອງນາງໂດຍການເຂົ້າຮຽນທີ່ Imperial Academy of Fine Arts. ມັນແມ່ນຢູ່ໃນເອີຣົບທີ່ Anita ໄດ້ຮູ້ຈັກ Cubism ແລະ Expressionism, ເຊິ່ງມີອິດທິພົນຕໍ່ສິລະປະຂອງນາງ.
ນອກຈາກເຢຍລະມັນ, ນັກແຕ້ມຮູບຍັງໄດ້ສຶກສາຢູ່ນິວຢອກແລະປາຣີ. ເມື່ອນາງກັບຄືນໄປປະເທດບຣາຊິນ, ນາງໄດ້ເປີດຕົວໃນປີ 1914, ເຕົ້າໂຮມໝູ່ເພື່ອນຄົນສຳຄັນໃນໂລກສິລະປະເຊັ່ນ Di Cavalcanti.
Anita ກາຍເປັນໜຶ່ງໃນຊື່ທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງຮູບແຕ້ມສະໄໝໃໝ່, ໄດ້ຮັບການຍ້ອງຍໍ, ແຕ່ຍັງເປັນການວິພາກວິຈານເຊັ່ນ: ການສະແດງໂດຍ Monteiro Lobato.
A boba , ຫນຶ່ງໃນຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງລາວ, ໄດ້ຖືກແຕ້ມໃນລະຫວ່າງປີ 1915 ແລະ 1916 ແລະມີອົງປະກອບ cubist ແລະ futurist. ເຮັດດ້ວຍຈັງຫວະທີ່ກວ້າງຂວາງ, ຮູບແຕ້ມມີພື້ນຖານທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ ແລະໄດ້ຮັບອິດທິພົນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍຈາກ ການສະແດງອອກ ໂດຍການໃຊ້ຄວາມຄົມຊັດລະຫວ່າງສີ ແລະ ການໃຫ້ຄ່າຕົວລະຄອນທີ່ໂດດດ່ຽວ, ອາດຈະເປັນຄວາມທຸກທໍລະມານ.
ອານິຕາເປັນນັກປະຕິວັດໃນປະເທດບຣາຊິນ. - ແລະຍັງຖືກວິພາກວິຈານຫຼາຍ - ສໍາລັບການປະຖິ້ມຄວາມເປັນຈິງແລະຈຸດເດັ່ນໃນລັກສະນະການເຮັດວຽກຂອງນາງທີ່ນາງຖືວ່າເປັນການສະແດງອອກທີ່ສຸດ, ເຖິງແມ່ນວ່າ, ສໍາລັບການນັ້ນ, ນາງຈໍາເປັນຕ້ອງຢູ່ຫ່າງຈາກຄວາມເປັນຈິງແລະໃຊ້ສີທີ່ບໍ່ຄາດຄິດ.
ນັກແຕ້ມ ມີຄວາມສົນໃຈໂດຍສະເພາະສໍາລັບ ຫົວຂໍ້ປະຈໍາວັນ , ເລື້ອຍໆຈາກເອກະພົບສ່ວນຕົວຂອງລາວ, ແລະລາວບໍ່ຄິດວ່າລາວຕ້ອງການເປັນຕົວປະກັນຕໍ່ຄວາມມຸ່ງໝັ້ນຕໍ່ຄວາມເປັນຈິງ. ວຽກງານຂອງນາງແຕກແຍກກັບຄວາມເຄັ່ງຄັດທາງວິຊາການທີ່ຄອບຄອງຢູ່ໃນຄົນລຸ້ນກ່ອນ.
ພວກເຮົາແນະນໍາໃຫ້ອ່ານບົດຄວາມ Anita Malfatti: ວຽກງານແລະຊີວະປະຫວັດ.
3. Adriana Varejão
Adriana Varejão (1964) ແມ່ນໜຶ່ງໃນຊື່ທີ່ໃຫຍ່ທີ່ສຸດໃນສິລະປະປຼາສະຕິກຮ່ວມສະໄໝທີ່ມີຜົນງານບໍ່ພຽງແຕ່ໃນຮູບແຕ້ມ, ແຕ່ຍັງຢູ່ໃນຮູບປັ້ນ, ການຖ່າຍຮູບ ແລະການຕິດຕັ້ງ.
ເກີດໃນ Rio de Janeiro, ຍິງຫນຸ່ມໄດ້ສຶກສາຢູ່ທີ່ Escola de Artes Visuais do Parque Lage ໃນປີ 1983 ແລະໃນໄວໆນີ້ໄດ້ເປີດສະຕູດິໂອທໍາອິດຂອງນາງໃນເຂດພາກໃຕ້ຂອງ Rio de Janeiro.
ນັບຕັ້ງແຕ່ການເລີ່ມຕົ້ນຂອງ ອາຊີບຂອງນາງ, Adrianaໄດ້ເດີນທາງໄປສະຫະລັດອາເມລິກາ ບ່ອນທີ່ທ່ານໄດ້ພັດທະນາພາສາສ່ວນຕົວຂອງລາວຫຼາຍ. ໄດ້ຮັບຮາງວັນໃນປະເທດບຣາຊິນ ແລະຕ່າງປະເທດ , ຈິດຕະນາການໄດ້ສ້າງຜົນງານທີ່ຫຼາກຫຼາຍຮູບແບບ ແລະສື່ຕ່າງໆ.
ຜົນງານ Ruínas de carne ເປັນຕົວຢ່າງຂອງຫຼາຍອັນ. ທີ່ສາມາດພົບເຫັນຢູ່ໃນວຽກງານຂອງຈິດຕະນາການ: ຕ່ອນທີ່ເຮັດວຽກກັບຄວາມຄິດຂອງສິ່ງທີ່ຍັງເຫຼືອ (ຊາກ), ຄວາມຮຸນແຮງ, cannibalism, ການທໍາລາຍ, ປະຫວັດສາດແລະ monument ໄດ້. ຍັງມີຫຼາຍ ອິດທິພົນ baroque ໃນການສ້າງສັນຂອງນາງເນື່ອງຈາກມີຂອງກະເບື້ອງ, ເຊິ່ງໄດ້ກາຍເປັນປະເພດຂອງເຄື່ອງຫມາຍການຄ້າຂອງຈິດຕະນາການ.
ໃນປັດຈຸບັນ, ສາມາດຊອກຫາວຽກງານຂອງນາງ. ໃນສູນກາງຂະຫນາດໃຫຍ່ເຊັ່ນ: ລອນດອນ (Tate Modern), ນິວຢອກ (Guggenheim) ແລະໂຕກຽວ (ພິພິທະພັນ Hara). ໃນປະເທດບຣາຊິນ, ຊິ້ນສ່ວນຂອງລາວສ່ວນໃຫຍ່ຢູ່ທີ່ສູນສິລະປະຮ່ວມສະໄໝ Inhotim, ໃນ Minas Gerais.
4. Vik Muniz
ເກີດໃນ São Paulo, Vik Muniz (1961) ໄດ້ປະກອບອາຊີບຂອງລາວໃນສະຫະລັດແລະເປັນທີ່ຮູ້ຈັກສໍາລັບການໃຊ້ວັດສະດຸທີ່ບໍ່ທໍາມະດາແລະປະຈໍາວັນໃນການເຮັດວຽກຂອງລາວ, ເຊັ່ນ: jam. ແລະໝາກຖົ່ວດິນສີຄີມ.
ໃນການໂຄສະນາ, ຊາຍໜຸ່ມຄົນນັ້ນໄດ້ໄປສະຫະລັດເພື່ອທົດລອງມືຂອງລາວເມື່ອລາວອາຍຸໄດ້ 22 ປີ.
ນອກເໜືອໄປຈາກການເຮັດວຽກທີ່ລາວສ້າງຮູບພາບທີ່ມີຊື່ສຽງເຊັ່ນ: Mona Lisa ຫຼືຮູບແຕ້ມຂອງ Freud ແລະ Che Guevara, Vik Muniz ຍັງພັດທະນາ 100% ຕົ້ນສະບັບຈາກ ວັດສະດຸທີ່ບໍ່ຄາດຄິດ .
ຄຸນນະສົມບັດລັກສະນະທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດຂອງວຽກງານຂອງ Vik Muniz ແມ່ນອົງປະກອບຈາກວັດສະດຸທີ່ເສື່ອມໂຊມບໍ່ໄດ້ຖືກນໍາໃຊ້ຕາມປົກກະຕິໃນໂລກສິລະປະ, ເຊັ່ນ: ketchup, ້ໍາຕານ, ຫມາກຖົ່ວ, ກາເຟແລະເສດໂລຫະ. ນອກຈາກນີ້ຍັງມີ ຈິດສໍານຶກທາງສັງຄົມ ໃນການສ້າງສັນຂອງລາວ, ນັກສິລະປິນແມ່ນຜູ້ກະຕຸ້ນທີ່ຢາກເອີ້ນຜູ້ຊົມຂອງລາວໃຫ້ຄິດ. ບັນຫາສັງຄົມແລະສິ່ງແວດລ້ອມຂອງເວລາຂອງພວກເຮົາ. ຫນຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງລາວໄດ້ຖືກບັນທຶກໄວ້ໃນສາລະຄະດີ Extraordinary Waste (2010).
ພວກເຮົາຄິດວ່າທ່ານຍັງຈະເພີດເພີນກັບການອ່ານບົດຄວາມທີ່ປະທັບໃຈທີ່ສຸດຂອງ Vik Muniz.
5. Hélio Oiticica
ທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດໃນການສະແດງຂອງລາວ, carioca Hélio Oiticica (1937-1980) ຍັງໄດ້ປະໄວ້ຊື່ຂອງລາວທີ່ຈາລຶກໄວ້ໃນສິລະປະພາດສະຕິກໃນວຽກງານທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບການແຕ້ມຮູບແລະປະຕິມາກໍາ.
ເອກະສານອ້າງອີງໃນ ສິນລະປະຄອນກີດ , Oiticica ໄດ້ຮຽນຮູ້ບົດຮຽນສິລະປະຄັ້ງທໍາອິດຂອງລາວຢູ່ເຮືອນ, ກັບພໍ່ຂອງລາວ, ເຊິ່ງເປັນຊ່າງຖ່າຍຮູບ ແລະນັກແຕ້ມຮູບ.
Hélio ໄດ້ເລີ່ມເຮັດສິ່ງທໍາອິດຂອງລາວ. ງານວາງສະແດງໃນຕົ້ນຊຸມປີ 1950 ແລະ, ໃນທົດສະວັດດຽວກັນ, ລາວໄດ້ພົບກັບນັກວິທະຍາສາດ Neoconcretists ອື່ນໆເຊັ່ນ Lygia Clark ແລະ Ferreira Gullar.
ເຊັ່ນດຽວກັນກັບເພື່ອນຮ່ວມງານຂອງລາວ, Oiticica ເຊື່ອວ່າ ສາທາລະນະເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງວຽກງານ ສິລະປະ, ແລະມັນເປັນທໍາມະຊາດທີ່ລາວສາມາດຮູ້ສຶກເຖິງຊິ້ນສ່ວນ, ການສໍາພັດ, ໃຊ້ຫຼືແມ້ກະທັ້ງກິ່ນຫອມການສ້າງສັນຂອງຈິດຕະນາການ.
Parangolé , ຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງລາວເປັນທີ່ຮູ້ຈັກ, ປະກອບດ້ວຍ capes ຫຼາຍສີທີ່ໄດ້ຖືກ worn ໂດຍສາທາລະນະ. ຄວາມຄິດແມ່ນວ່າ, ເມື່ອເຕັ້ນກັບນາງ, ການປົກຫຸ້ມຂອງຈະເຮັດໃຫ້ການເຄື່ອນໄຫວການປົດປ່ອຍ.
ພວກເຮົາຄິດວ່າທ່ານຍັງຈະສົນໃຈໃນບົດຄວາມ Hélio Oiticica: ເຮັດວຽກເພື່ອເຂົ້າໃຈ trajectory ຂອງຕົນ.
6. . Beatriz Milhazes
Carioca Beatriz Milhazes (1960) ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກສໍາລັບ ການແຕ້ມຮູບທີ່ມີສີສັນ, ບໍ່ມີຕົວຕົນ , ເຕັມໄປດ້ວຍຮູບຮ່າງເລຂາຄະນິດ, ນອກເຫນືອຈາກການໃຊ້ arabesque ເລື້ອຍໆ ແລະ ດອກໄມ້.
Beatriz Milhazes ບໍ່ພຽງແຕ່ທາສີເທົ່ານັ້ນ, ນາງຍັງສ້າງການແກະສະຫຼັກ, ຮູບຕໍ່, ຮູບແຕ້ມ, ການຕິດຕັ້ງ ແລະຊຸດຕ່າງໆ (ຫຼາຍອັນສຳລັບນ້ອງສາວຂອງນາງ, Márcia, ທີ່ດໍາເນີນບໍລິສັດເຕັ້ນລໍາ).
ຮຽນຈົບ. ໃນການສື່ສານທາງສັງຄົມ, ຈິດຕະນາການພາດສະຕິກໄດ້ເລີ່ມສ້າງເມື່ອນາງລົງທະບຽນຢູ່ທີ່ Escola de Artes Visuais do Parque Lage. ເລື່ອງສັ້ນທີ່ດີທີ່ສຸດຂອງ Brazilian commented
ຄວາມສໍາເລັດລະດັບຊາດແມ່ນມາຈາກ 1984, ໃນເວລາທີ່ລາວໄດ້ເຂົ້າຮ່ວມໃນງານວາງສະແດງທີ່ອຸທິດຕົນເພື່ອລຸ້ນ 80 ໃນ Parque Lage. ຕໍ່ມາ, Beatriz ຍັງເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງ Venice (2003), São Paulo (1998 ແລະ 2004) ແລະ Shanghai (2006) biennials. ຈາກນັ້ນມາ, ນັກສິລະປິນປຼາສະຕິກໄດ້ໂຄສະນາເຜີຍແຜ່ຮູບແຕ້ມຂອງຕົນນັບມື້ນັບຫຼາຍຂຶ້ນ, ປະຈຸບັນມີຫຼາຍຮູບຫຼາຍແບບຢູ່ຫໍພິພິທະພັນສາກົນທີ່ສຳຄັນ.ເຊັ່ນ: MoMa, the Metropolitan, Fondation Cartier ແລະ Guggenheim.
ໃນ Pure Beauty (2006) ພວກເຮົາເຫັນຕົວຢ່າງນ້ອຍໆຂອງວຽກງານຂອງລາວ. ກອບແມ່ນ loaded ມີອົງປະກອບ geometric ແລະ lots ຂອງສີ. ຜ້າໃບ, ຂະໜາດໃຫຍ່, ອະນຸຍາດໃຫ້ອ່ານໄດ້ຫຼາຍອັນ ແລະ ລາຍລະອຽດທີ່ອຸດົມສົມບູນ ທີ່ຊ່ວຍປະກອບຂໍ້ມູນທັງໝົດຢ່າງເຂັ້ມງວດ, ເຕັມໄປດ້ວຍຂໍ້ມູນ.
ໂດຍທົ່ວໄປແລ້ວ, ຜ້າໃບຂອງ Beatriz Milhazes ແມ່ນໝາຍໄວ້ໂດຍ ຄວາມງາມແບບບາໂຣກ, ໂດຍອົງປະກອບທີ່ຫຼາຍເກີນໄປ, ໂດຍເຄື່ອງປະດັບທີ່ສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ຜູ້ເບິ່ງ.
ຖ້າທ່ານມັກວຽກຂອງສິລະປິນ, ທ່ານອາດຈະສົນໃຈໃນບົດຄວາມ The Unmissable Works of Beatriz Milhazes.
7. Lygia Clark
ຫນຶ່ງໃນສິນລະປິນພາດສະຕິກທີ່ມີນະວັດຕະກໍາທີ່ສຸດໃນປະເທດບຣາຊິນແມ່ນ Lygia Clark (1920-1988), ຈາກ Minas Gerais, ຜູ້ທີ່ສ້າງຜົນງານຂອງນາງໂດຍອີງໃສ່ sensory ແລະສິລະປະແບບໂຕ້ຕອບ .
ເບິ່ງ_ນຳ: João Cabral de Melo Neto: ບົດກະວີ 10 ບົດໄດ້ວິເຄາະ ແລະ ປະກອບຄໍາຄິດເຫັນເພື່ອໃຫ້ຮູ້ຜູ້ຂຽນLygia ຕ້ອງການໃຫ້ຜູ້ຊົມໄດ້ພົວພັນກັບວຽກງານທີ່ສ້າງຂື້ນໂດຍນາງ ແລະສາມາດສຳຜັດກັບຮູບແບບຕ່າງໆຂອງຜົນງານຂອງນາງໄດ້, ຄືກັບຜົນງານທີ່ສ້າງຂື້ນມາສຳລັບຊີຣີ Os Bichos (1960). ຮູບປັ້ນໂລຫະເລຂາຄະນິດແມ່ນເປັນຮູບປັ້ນ ແລະອະນຸຍາດໃຫ້ມີການປະກອບຫຼາຍອັນ.
Os Bichos , ຊຸດທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງສິລະປິນ, ໄດ້ຮັບລາງວັນ Lygia ສໍາລັບການປະຕິມາກໍາແຫ່ງຊາດທີ່ດີທີ່ສຸດໃນລະຫວ່າງ VI Bienal de São Paulo.
Lygia Clark, ຜູ້ທີ່ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງ neoconcretism, ເຊື່ອໃນສິນລະປະ ລວມທັງ , ເຊີນສາທາລະນະເພື່ອຈັດການປະກອບສ່ວນ.
ຢາກຮູ້ເພີ່ມເຕີມກ່ຽວກັບການເຮັດວຽກຂອງສິນລະປິນ? ຈາກນັ້ນໄປທີ່ບົດຄວາມ Lygia Clark: ເຮັດວຽກເພື່ອເຮັດໃຫ້ຮູ້ຈັກສິລະປິນປະຈຸບັນ.
8. Candido Portinari
ຊ່າງແຕ້ມຮູບ, ນັກແກະສະຫຼັກ ແລະນັກແຕ້ມຮູບ Candido Portinari (1903-1962) ແມ່ນຊື່ທີ່ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງບາງຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງສິລະປະສຕິກຂອງບຣາຊິນ ເຊັ່ນ: ຕົວຢ່າງ, ຮູບແຕ້ມ Café (1935).
ມີສ່ວນພົວພັນທາງດ້ານການເມືອງ, ນັກແຕ້ມຮູບມັກຈະໃຊ້ຜ້າໃບຂອງລາວເພື່ອ ຮູບແຕ້ມຄວາມຍາກລຳບາກຂອງຊາວບຣາຊິນ ໃນຊີວິດປະຈຳວັນ.
ໃນໜ້າຈໍ ກາເຟ ພວກເຮົາເຫັນຊ່ວງເວລາທອງໃນປະເທດບຣາຊິນ ກົງກັນຂ້າມກັບສະພາບການເຮັດວຽກໜັກທີ່ຜູ້ຊາຍ ແລະຜູ້ຍິງທີ່ມີສ່ວນຮ່ວມໃນສວນກາເຟ. ສັງເກດເຫັນວ່າແຂນຂາຂອງຜູ້ອອກແຮງງານບໍ່ສົມສ່ວນ, ເນັ້ນໃສ່ແຮງງານຄູ່ມື.
ຜ້າໃບທີ່ພວກເຮົາໄດ້ກ່າວມາແມ່ນຢູ່ໃນງານວາງສະແດງສາກົນຂອງສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມໃນນິວຢອກແລະເປັນຄັ້ງທໍາອິດທີ່ໄດ້ມອບລາງວັນສາກົນໃຫ້ແກ່ນັກແຕ້ມຮູບ.
Portinari ເປັນ ໂຄສົກສໍາລັບຄວາມບໍ່ຍຸຕິທໍາທາງສັງຄົມ ແລະໄດ້ພະຍາຍາມເຜີຍແຜ່ປະເທດບຣາຊິນທີ່ຖືກຫມາຍໂດຍຄວາມບໍ່ສະເຫມີພາບໂດຍໃຊ້ແປງແລະຜ້າໃບ.
ເບິ່ງບົດຄວາມ Candido Portinari: ວຽກງານຕົ້ນຕໍທີ່ວິເຄາະ.
9. Di Cavalcanti
ຈິດຕະນາການຍຸກສະໄໝ Di Cavalcanti (1897-1976) ເປັນນັກແຕ້ມຮູບ ຮູບແຕ້ມຂອງວັດທະນະທໍາ Brazilian ແລະທຸກວັນຂອງປະຊາຊົນຂອງພວກເຮົາ. .
ກcanvas Samba (1925) ເປັນຕົວຢ່າງທີ່ດີຂອງການເຮັດວຽກຂອງນັກແຕ້ມຮູບ, ຜູ້ທີ່ໃຊ້ຫຼາຍສີແລະ insisted ໃນການແຕ້ມຮູບຮ່າງກາຍທີ່ມີເສັ້ນໂຄ້ງຫຼາຍ. ຜົນງານຂອງ Di Cavalcanti ແມ່ນຖືກໝາຍໄວ້ເປັນພິເສດໂດຍການປະກົດຕົວຂອງຜູ້ຄົນ, ເຊິ່ງພົວພັນກັບກັນແລະກັນດ້ວຍຄວາມຮູ້ສຶກ ແລະ/ຫຼືຄວາມຮັກ.
ຢູ່ໃນຜ້າໃບ Samba ພວກເຮົາເຫັນຊຸດຕົວລະຄອນທົ່ວໄປຂອງ ວັດທະນະທໍາຂອງພວກເຮົາເປັນຕົວແທນຂອງຜູ້ຊາຍທີ່ມີ cavaquinho (ໂດຍອ້າງອີງໃສ່ bohemia) ແລະແມ່ຍິງທີ່ມີເຕົ້ານົມຂອງເຂົາເຈົ້າສະແດງອອກ, ຈື່ຈໍາຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ເກີດຂື້ນໂດຍສະເພາະໃນລະຫວ່າງການ Carnival.
ຫົວຂໍ້ທີ່ເກີດຂື້ນອີກອື່ນໆທີ່ Di Cavalcanti ໄດ້ແຕ້ມຕະຫຼອດຊີວິດແມ່ນ favelas, ຄົນງານ, ຜູ້ຍິງຜິວດຳ ແລະຝ່າຍຕ່າງໆທີ່ໄດ້ຮັບຄວາມນິຍົມ. ນັກສິລະປິນໄດ້ມີສ່ວນຮ່ວມ, ພ້ອມກັບເພື່ອນຮ່ວມງານທີ່ທັນສະໄຫມອື່ນໆ, ໃນຂະບວນການຕໍ່ອາຍຸຂອງສິລະປະພາດສະຕິກໃນປະເທດບຣາຊິນ.
ພວກເຮົາເຊື່ອວ່າທ່ານຍັງຈະມີຄວາມສົນໃຈໃນບົດຄວາມ Di Cavalcanti: ເຮັດວຽກເພື່ອເຂົ້າໃຈສິລະປິນ.
10. Lasar Segall
ເກີດໃນ Lithuania, Lasar Segall (1891-1957) ມາ Brazil ເປັນຄັ້ງທໍາອິດໃນປີ 1923, ເພື່ອໄປຢ້ຽມຢາມຄອບຄົວຂອງລາວແລະ, ໃນປີດຽວກັນ, ໄດ້ຕັດສິນໃຈ. ເພື່ອຕັ້ງຖິ່ນຖານຖາວອນໃນເມືອງເຊົາເປົາໂລ.
ຊ່າງແຕ້ມຮູບ, ຊ່າງແກະສະຫຼັກ, ຊ່າງແກະສະຫຼັກ ແລະຊ່າງແຕ້ມຮູບແມ່ນຊາວຢິວ ແລະພົບເຫັນຢູ່ໃນປະເທດບຣາຊິນ ເປັນບ່ອນປອດໄພຫ່າງຈາກເອີຣົບທີ່ມີບັນຫາ.
