12 grands artistes brésiliens et leurs œuvres

1) Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886-1973) est considérée comme l'un des plus grands peintres brésiliens, à qui l'on doit notamment le célèbre tableau Abaporu l'une des œuvres les plus importantes de notre culture.

L'artiste, née à l'intérieur de São Paulo (à Capivari), était la fille d'une famille traditionnelle et riche de la région, qui possédait plusieurs fermes.

Bien que née au Brésil, Tarsila a fait l'essentiel de sa formation artistique en Europe, puisqu'elle s'est installée à Barcelone à l'âge de 16 ans. Tout en vivant en Espagne, elle a également étudié à Paris, où elle est entrée en contact avec l'art moderne, qu'elle a ensuite contribué à introduire au Brésil.

Les œuvres de Tarsila sont très variées, mais nous pouvons souligner un trait commun qui est le suivant le désir de représenter des personnes et des paysages brésiliens Tarsila était le peintre des thèmes tropicaux, du Brésil rural, mais elle a également représenté la ville qui se modernisait avec les transformations typiques du processus d'industrialisation.

La peintre a souvent utilisé les couleurs du drapeau national sur ses toiles, tout en illustrant une série de personnages folkloriques de notre culture, comme la cuca, par exemple.

Bien qu'ayant fait beaucoup d'éloges de notre pays, Tarsila n'a pas manqué de faire aussi critique sociale . en Abaporu Le peintre de l'époque, par exemple, a souligné la dévalorisation du travail intellectuel en peignant une petite tête par rapport à des membres immenses.

En termes de style, Tarsila a commencé à peindre des tableaux d'inspiration cubiste, mais a ensuite évolué vers un style plus réaliste et a même expérimenté des contours géométriques.

La critique divise la production de l'artiste en trois phases très différentes : Pau-Brasil, Anthropophagique et Sociale.

Profitez-en pour lire également l'article Œuvres de Tarsila do Amaral que vous devez connaître.

2. anita Malfatti

L'une des principales contributions à la le renouveau de la peinture dans notre pays est Anita Malfatti (1889-1964), fille d'un professeur de peinture américain et d'un ingénieur italien.

Anita, qui a perdu son père très tôt et a dû passer son diplôme d'enseignante avant l'âge de 18 ans, a commencé à faire ses premiers travaux dans le domaine des arts visuels sous l'influence de sa mère.

À l'âge de 21 ans, elle part vivre à Berlin, parrainée par un oncle, où elle développe son talent en fréquentant l'Académie impériale des beaux-arts. C'est en Europe qu'Anita fait la connaissance du cubisme et de l'expressionnisme, qui influencent son art.

De retour au Brésil, elle fait ses débuts en 1914, réunissant de nombreux amis importants du monde artistique, tels que Di Cavalcanti.

Anita est devenue l'un des grands noms de la peinture moderne, suscitant des éloges, mais aussi des critiques, comme celle de Monteiro Lobato.

Le fou l'un de ses tableaux les plus célèbres, a été peint entre 1915 et 1916 et présente des éléments cubistes et futuristes. l'influence de l'expressionnisme pour l'utilisation du contraste entre les couleurs et la mise en valeur d'un personnage solitaire, éventuellement angoissé.

Anita a été révolutionnaire au Brésil - et aussi très critiquée - en abandonnant le réalisme et en mettant en valeur dans ses œuvres les traits qu'elle considérait comme les plus expressifs, même si, pour ce faire, elle devait s'éloigner de la réalité et utiliser des couleurs inattendues.

Le peintre s'est particulièrement intéressé à thèmes quotidiens Son travail rompt avec la rigueur académique qui régnait dans sa génération et dans les précédentes.

Nous vous recommandons la lecture de l'article Anita Malfatti : œuvres et biographie.

3. Adriana Varejão

Adriana Varejão (1964) est l'un des plus grands noms des arts visuels contemporains, avec des œuvres non seulement en peinture, mais aussi en sculpture, en photographie et en installation.

Née à Rio de Janeiro, la jeune femme a suivi les cours de l'Escola de Artes Visuais do Parque Lage en 1983 et a rapidement ouvert son premier studio dans la zone sud de Rio de Janeiro.

Au début de sa carrière, Adriana s'est rendue aux États-Unis où elle a développé son langage personnel. Récompensé au Brésil et à l'étranger l'artiste a créé une variété d'œuvres qui passent par différents styles et médiums.

Le travail Ruines de viande est un exemple de ce que l'on peut trouver dans l'œuvre de l'artiste : des pièces qui travaillent sur l'idée de ce qui reste (les restes), de la violence, du cannibalisme, de la destruction, de l'histoire et du monument. influence baroque dans ses créations par la présence de carreaux, qui sont devenus une sorte de marque de fabrique de l'artiste.

Aujourd'hui, il est déjà possible de trouver ses œuvres dans des centres importants tels que Londres (Tate Modern), New York (Guggenheim) et Tokyo (Hara Museum). Au Brésil, la plupart de ses œuvres se trouvent au Centre d'art contemporain Inhotim, dans le Minas Gerais.

4. Vik Muniz

Né à São Paulo, Vik Muniz (né en 1961) a fait carrière aux États-Unis et s'est fait connaître en utilisant dans ses œuvres des matériaux inhabituels et quotidiens tels que la gelée et la crème d'arachide.

Diplômé en publicité, le jeune homme part tenter sa chance aux États-Unis à l'âge de 22 ans.

Outre les œuvres dans lesquelles il recrée des images célèbres comme la Joconde ou les portraits de Freud et de Che Guevara, Vik Muniz développe également une œuvre originale à 100 %, basée sur des matériaux inattendus .

La principale caractéristique de l'œuvre de Vik Muniz est sa composition à partir de matériaux périssables qui ne sont pas normalement utilisés dans le domaine artistique, tels que le ketchup, le sucre, les haricots, le café et la ferraille. conscience sociale Dans ses créations, l'artiste est un provocateur qui souhaite inviter son public à réfléchir.

Vik Muniz cherche, à travers ses œuvres, à attirer l'attention sur les problèmes sociaux et environnementaux de notre époque. L'une de ses œuvres les plus célèbres a été enregistrée dans le documentaire Déchets extraordinaires (2010).

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5) Hélio Oiticica

Plus connu pour ses performances, le carioca Hélio Oiticica (1937-1980) a également laissé son nom dans les arts plastiques avec des œuvres liées à la peinture et à la sculpture.

Une référence de art concret Oiticica a reçu ses premières leçons d'art à la maison de son père, qui était photographe et peintre.

Hélio a commencé à faire ses premières expositions au début des années 1950 et, au cours de cette même décennie, il a rencontré d'autres artistes néo-concrets tels que Lygia Clark et Ferreira Gullar.

Comme ses collègues, Oiticica pensait que le public a été associé aux travaux Il était naturel de sentir l'œuvre, de la toucher, de la porter ou même de sentir l'odeur de la création de l'artiste.

Parangolé L'idée était qu'en dansant avec elle, les capes feraient un mouvement libérateur.

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6) Beatriz Milhazes

La carioca Beatriz Milhazes (1960) est connue pour ses peintures colorées et abstraites Ils sont pleins de formes géométriques et utilisent souvent des arabesques et des fleurs.

Beatriz Milhazes ne se contente pas de peindre, elle crée aussi des gravures, des collages, des illustrations, des installations et des décors (beaucoup pour sa sœur Márcia, qui est à la tête d'une compagnie de danse).

Diplômée en communication sociale, l'artiste a commencé à créer lorsqu'elle s'est inscrite à l'Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

Le succès national est venu en 1984, lorsqu'elle a participé à une exposition consacrée à la génération des années 80 au Parque Lage. Plus tard, Beatriz a également participé aux biennales de Venise (2003), São Paulo (1998 et 2004) et Shangai (2006). Depuis lors, l'artiste a pu divulguer de plus en plus ses peintures, ayant une série d'œuvres dans d'importants musées internationaux, tels queMoMa, Metropolitan, Fondation Cartier et Guggenheim.

Au La beauté à l'état pur (2006) est un petit échantillon de son travail. La peinture est chargée d'éléments géométriques et de beaucoup de couleurs. La toile, de grandes dimensions, permet des lectures multiples et est riche en détails qui contribuent à composer un ensemble intense, riche en informations.

Les peintures de Beatriz Milhazes sont, en général, marquées par l'esthétique du baroque, par l'excès d'éléments, par les ornements qui frappent le spectateur.

Si vous aimez le travail de cette artiste, vous serez peut-être également intéressé par l'article Les œuvres incontournables de Beatriz Milhazes.

7. lygia Clark

Lygia Clark (1920-1988), originaire de Minas Gerais, est l'une des artistes plasticiennes les plus novatrices du Brésil. art sensoriel et interactif .

Lygia souhaitait que les spectateurs interagissent avec les œuvres qu'elle créait et qu'ils puissent expérimenter les différentes formes de son travail, comme c'est le cas avec les pièces créées pour la série Les Insectes (Les sculptures métalliques géométriques sont articulées et permettent plusieurs assemblages différents.

Les insectes La série la plus célèbre de l'artiste, Lygia, a reçu le prix de la meilleure sculpture nationale lors de la VIe Biennale de São Paulo.

Lygia Clark, qui faisait partie du néoconcrétisme, croyait en une art inclusif qui invitait le public à manipuler les pièces.

Pour en savoir plus sur l'œuvre de l'artiste, consultez l'article Lygia Clark : œuvres pour connaître l'artiste contemporaine.

8. candido Portinari

Le peintre, graveur et illustrateur Candido Portinari (1903-1962) est à l'origine de certaines des œuvres les plus célèbres des arts plastiques brésiliens, telles que la peinture Café (1935).

Engagé politiquement, le peintre a souvent utilisé ses toiles pour dépeindre les difficultés rencontrées par les Brésiliens au quotidien.

À l'écran Café La période dorée du Brésil contraste avec les conditions de travail difficiles auxquelles sont confrontés les hommes et les femmes travaillant dans les plantations de café. Notez que les membres des travailleurs sont disproportionnés, ce qui souligne le travail manuel.

La toile mentionnée a été exposée à l'Exposition internationale d'art moderne de New York et a été la première à donner au peintre une récompense internationale.

Portinari était un porte-parole des injustices sociales et a cherché à révéler un Brésil marqué par l'inégalité en utilisant le pinceau et la toile.

Découvrez également l'article Candido Portinari : les principales œuvres analysées.

9) Di Cavalcanti

L'artiste moderniste Di Cavalcanti (1897-1976) était un maître de la peinture de la portraits de la culture brésilienne et la vie quotidienne de notre peuple.

L'écran Samba (1925) est un bon exemple du travail du peintre, qui utilise de nombreuses couleurs et s'attache à peindre des corps tout en courbes. Les œuvres de Di Cavalcanti sont particulièrement marquées par la présence de personnes qui interagissent entre elles de manière sensuelle et/ou amoureuse.

À l'écran Samba Nous voyons représentés une série de personnages typiques de notre culture, comme l'homme au cavaquinho (en référence à la période bohème) et les femmes aux seins pendants, qui nous rappellent la sensualité qui émerge surtout pendant la période du carnaval.

Les favelas, les travailleurs, les femmes noires et les fêtes populaires sont d'autres thèmes récurrents que Di Cavalcanti a peints tout au long de sa vie.

Di Cavalcanti a été une figure importante de la Semaine de l'art moderne, dont il a illustré l'affiche et le catalogue. Aux côtés d'autres collègues modernistes, l'artiste a participé au processus de renouvellement des arts plastiques au Brésil.

Nous pensons que vous serez également intéressé par l'article Di Cavalcanti : des œuvres pour comprendre l'artiste.

10. Lasar Segall

Né en Lituanie, Lasar Segall (1891-1957) est venu pour la première fois au Brésil en 1923 pour rendre visite à sa famille et a décidé la même année de s'installer définitivement à São Paulo.

Le peintre, sculpteur, graveur et dessinateur était juif et a trouvé au Brésil un havre de paix loin d'une Europe troublée.

Son travail a été marqué par esthétique moderne et s'est fortement inspirée de l'avant-garde européenne.

Parmi ses thèmes les plus fréquents figurent l'émigration, les marginaux et les paysages tropicaux qu'il a rencontrés au Brésil. l'inégalité sociale, la violence et la pauvreté .

Au Profil de Zulmira (1928), nous voyons le portrait d'une femme sur un fond abstrait et géométrique. Les influences cubistes et modernistes sont visibles dans l'arrière-plan ainsi que dans les contours du personnage principal. Ces traits étaient très présents chez les peintres brésiliens de la génération moderniste.

11. Alfredo Volpi

Connu comme le maître des drapeaux, Alfredo Volpi (1896-1988) est un artiste qui s'est distingué dans la deuxième génération de l'art moderne.

Nombre de ses toiles portent des drapeaux et des images typiques de la culture brésilienne comme, par exemple, la sirène.

Dans le cadre Sirène (1960), nous voyons le personnage folklorique national représenté avec des contours simples, dans un exercice apparemment enfantin. Dans ce tableau en particulier, Volpi n'utilise pas beaucoup de couleurs, se contentant de nuances de bleu, de vert, de noir et de blanc. Mais dans beaucoup de ses œuvres, il utilise des couleurs plus variées.

Né en Toscane (Italie), Volpi est arrivé au Brésil avec ses parents à l'âge d'un an et demi. En 1911, il a commencé à peindre des panneaux et des peintures murales dans les hôtels particuliers de São Paulo et est rapidement passé à la peinture.

Ce n'est qu'en 1940 qu'il est reconnu comme un grand peintre, après avoir remporté un concours pour IPHAN.

Si vous voulez en savoir plus sur le peintre brésilien, lisez aussi l'article L'œuvre et la biographie d'Alfredo Volpi.

12. Romero Britto

Le peintre brésilien contemporain le plus populaire est sans aucun doute Romero Britto (1963). Ce Brésilien qui a quitté Recife a fait carrière aux États-Unis, où il vit toujours à Miami.

Avec un style pop néo-cubiste coloré L'artiste, qui s'inspire de Picasso, a des œuvres dispersées dans plusieurs pays du monde tels que la Suisse, Israël et la France.

Outre des peintures, Romero Britto réalise également des installations et des sculptures dans des espaces publics et privés.

Le style du Pernambucanien se caractérise par des couleurs vives, la les formes géométriques et asymétriques et d'être un art facile à comprendre pour le grand public, comme en témoignent les exemples suivants Enfants du cœur .

Qu'en est-il de l'article Romero Britto : œuvres et biographie ?