Inhoudsopgave
1. Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral (1886-1973) wordt beschouwd als een van de grootste Braziliaanse schilders. Zij was bijvoorbeeld verantwoordelijk voor het beroemde schilderij Abaporu een van de belangrijkste werken van onze cultuur.
De kunstenares, die in het binnenland van São Paulo (in Capivari) werd geboren, was de dochter van een traditionele en rijke familie uit de regio, die een aantal boerderijen bezat.
Hoewel ze in Brazilië is geboren, heeft Tarsila een groot deel van haar artistieke opleiding in Europa genoten, nadat ze op 16-jarige leeftijd naar Barcelona was verhuisd. Naast haar verblijf in Spanje studeerde ze ook in Parijs, waar ze in contact kwam met de moderne kunst, die ze later naar Brazilië hielp overbrengen.
De werken van Tarsila zijn zeer gevarieerd, maar we kunnen een gemeenschappelijk kenmerk onderstrepen, namelijk de wens om Braziliaanse mensen en landschappen weer te geven Tarsila was de schilderes van tropische thema's, van het platteland van Brazilië, maar ze portretteerde ook de stad die moderniseerde met de transformaties die kenmerkend waren voor het industrialisatieproces.
De schilderes gebruikte vaak de kleuren van de nationale vlag op haar doeken en illustreerde een reeks folkloristische personages uit onze cultuur, zoals de cuca.
Ondanks dat Tarsila veel lof voor ons land heeft geuit, heeft hij niet nagelaten om ook sociale kritiek . in Abaporu benadrukte bijvoorbeeld de devaluatie van intellectuele arbeid door een klein hoofd te schilderen tegenover enorme ledematen.
Qua stijl begon Tarsila te schilderen met kubistische inspiratie, maar ging later over op een meer realistische stijl en experimenteerde zelfs met geometrische contouren.
Critici verdelen de productie van de kunstenaar in drie zeer verschillende fasen: Pau-Brasil, Anthropophagic en Social.
Maak van de gelegenheid gebruik om ook het artikel Werken van Tarsila do Amaral te lezen dat u moet kennen.
2. anita Malfatti
Een van de belangrijkste bijdragen aan de vernieuwing van de schilderkunst in ons land was Anita Malfatti (1889-1964), de dochter van een Amerikaanse schilderleraar en een Italiaanse ingenieur.
Anita, die haar vader op jonge leeftijd verloor en voor haar 18e moest afstuderen als onderwijzeres, begon haar eerste werk in de beeldende kunst onder invloed van haar moeder.
Op 21-jarige leeftijd ging ze in Berlijn wonen, gesponsord door een oom, waar ze haar talent ontwikkelde door naar de Keizerlijke Academie voor Schone Kunsten te gaan. In Europa maakte Anita kennis met het kubisme en het expressionisme, die haar kunst beïnvloedden.
Naast Duitsland studeerde de schilderes ook in New York en Parijs. Toen ze terugkeerde naar Brazilië, debuteerde ze in 1914, waarbij ze veel belangrijke vrienden uit de artistieke wereld, zoals Di Cavalcanti, ontmoette.
Anita werd een van de grote namen in de moderne schilderkunst en oogstte lof, maar ook kritiek, zoals die van Monteiro Lobato.
De dwaas een van zijn beroemdste schilderijen, werd geschilderd tussen 1915 en 1916 en heeft kubistische en futuristische elementen. de invloed van het expressionisme voor het gebruik van het contrast tussen de kleuren en het versterken van een eenzaam, mogelijk angstig karakter.
Anita was revolutionair in Brazilië - en ook veel bekritiseerd - door het realisme los te laten en in haar werken kenmerken te benadrukken die zij het meest expressief achtte, ook al moest zij daarvoor afstand nemen van de werkelijkheid en onverwachte kleuren gebruiken.
De schilder was vooral geïnteresseerd in alledaagse thema's Zijn werk brak met de academische strengheid die in zijn en voorgaande generaties heerste.
Wij raden u aan het artikel Anita Malfatti: werken en biografie te lezen.
3. Adriana Varejão
Adriana Varejão (1964) is een van de grootste namen in de hedendaagse beeldende kunst, met werken niet alleen in de schilderkunst, maar ook in de beeldhouwkunst, fotografie en installatie.
De in Rio de Janeiro geboren jonge vrouw ging in 1983 naar de Escola de Artes Visuais do Parque Lage en opende al snel haar eerste atelier in de zuidelijke zone van Rio de Janeiro.
Vroeg in haar carrière reisde Adriana naar de Verenigde Staten waar ze haar persoonlijke taal ontwikkelde. Toegekend in Brazilië en in het buitenland heeft de kunstenaar een verscheidenheid aan werken gecreëerd die door verschillende stijlen en media reizen.
Het werk Ruïnes van vlees is een voorbeeld van veel van wat er te vinden is in het werk van de kunstenaar: stukken die werken met het idee van wat overblijft (de restanten), van geweld, kannibalisme, vernietiging, geschiedenis en het monument. Er is ook veel barokke invloed in haar creaties door de aanwezigheid van tegels, die een soort handelsmerk van de kunstenares zijn geworden.
Tegenwoordig is zijn werk al te vinden in grote centra als Londen (Tate Modern), New York (Guggenheim) en Tokio (Hara Museum). In Brazilië zijn de meeste van zijn werken te vinden in het Inhotim Centrum voor Hedendaagse Kunst in Minas Gerais.
4. Vik Muniz
De in São Paulo geboren Vik Muniz (1961) maakte carrière in de Verenigde Staten en werd bekend door het gebruik van ongewone en alledaagse materialen zoals gelei en pindakaas in zijn werken.
Met een diploma in reclame ging de jongeman op zijn 22ste naar de Verenigde Staten om het leven te proberen.
Naast de werken waarin hij beroemde beelden als de Mona Lisa of portretten van Freud en Che Guevara recreëert, ontwikkelt Vik Muniz ook een 100% origineel werk op basis van onverwachte materialen .
Het belangrijkste kenmerk van het werk van Vik Muniz is de samenstelling uit vergankelijke materialen die normaal niet in het artistieke medium worden gebruikt, zoals ketchup, suiker, bonen, koffie en rommel. Er is ook een sterk sociaal geweten In zijn creaties is de kunstenaar een provocateur die zijn publiek tot nadenken wil aanzetten.
Vik Muniz wil met zijn werk de aandacht vestigen op zowel de sociale als de milieuproblemen van onze tijd. Een van zijn bekendste werken is opgenomen in de documentaire Buitengewoon afval (2010).
Wij denken dat u ook het artikel Vik Muniz' meest indrukwekkende creaties met plezier zult lezen.
5. Hélio Oiticica
De carioca Hélio Oiticica (1937-1980), vooral bekend om zijn optredens, heeft ook zijn naam in de beeldende kunst gegrift met werken die verband houden met schilder- en beeldhouwkunst.
Een referentie van concrete kunst Oiticica leerde zijn eerste kunstlessen thuis van zijn vader, die fotograaf en schilder was.
Hélio begon zijn eerste tentoonstellingen in het begin van de jaren 1950 en in datzelfde decennium ontmoette hij andere Neo-Concrete kunstenaars zoals Lygia Clark en Ferreira Gullar.
Net als zijn collega's geloofde Oiticica dat het publiek maakte deel uit van het werk artistiek, en het was vanzelfsprekend dat je de creatie van de kunstenaar kon voelen, aanraken, dragen of zelfs ruiken.
Parangolé haar bekendste werk, bestond uit zeer kleurrijke capes die door het publiek werden gedragen. Het idee was dat, door met haar te dansen, de capes een bevrijdende beweging zouden maken.
Wij denken dat u ook geïnteresseerd zult zijn in het artikel Hélio Oiticica: werken om zijn traject te begrijpen.
6. Beatriz Milhazes
De carioca Beatriz Milhazes (1960) staat bekend om haar kleurrijke, abstracte schilderijen Ze zitten vol geometrische vormen, en gebruiken vaak arabesken en bloemen.
Beatriz Milhazes schildert niet alleen, ze maakt ook gravures, collages, illustraties, installaties en decors (veel voor haar zus, Márcia, die aan het hoofd staat van een dansgezelschap).
Met een diploma in Sociale Communicatie begon de kunstenares te creëren toen ze zich inschreef aan de Escola de Artes Visuais do Parque Lage.
Zie ook 25 fundamentele Braziliaanse dichters 32 beste gedichten van Carlos Drummond de Andrade geanalyseerd 20 beroemde kunstwerken en hun rariteiten 6 beste Braziliaanse korte verhalen becommentarieerdHet nationale succes kwam in 1984, toen ze deelnam aan een tentoonstelling gewijd aan de generatie van de jaren 80 in Parque Lage. Later nam Beatriz ook deel aan de biënnales van Venetië (2003), São Paulo (1998 en 2004) en Shangai (2006). Sindsdien heeft de kunstenares steeds meer van haar schilderijen kunnen laten zien, met een reeks werken in belangrijke internationale musea, zoalsMoMa, het Metropolitan, de Fondation Cartier en het Guggenheim.
Op Pure schoonheid (2006) is een klein voorbeeld van zijn werk. Het schilderij zit vol geometrische elementen en veel kleur. Het doek, van grote afmetingen, laat meerdere lezingen toe en is rijk aan details die helpen een intens geheel te vormen, vol informatie.
De schilderijen van Beatriz Milhazes worden over het algemeen gekenmerkt door de esthetiek van de barok, door de overdaad aan elementen, door de ornamenten die de toeschouwer raken.
Als het werk van de kunstenaar u bevalt, bent u misschien ook geïnteresseerd in het artikel De niet te missen werken van Beatriz Milhazes.
7. lygia Clark
Een van de meest vernieuwende beeldende kunstenaars van Brazilië was Lygia Clark (1920-1988) uit Minas Gerais, die haar werk maakte op basis van een zintuiglijke en interactieve kunst .
Lygia wilde dat de kijkers interactie hadden met de door haar gemaakte werken en de verschillende vormen van haar werk konden ervaren, zoals het geval is met de voor de serie gemaakte stukken De Bugs (1960). De geometrische metalen sculpturen zijn gearticuleerd en laten verschillende assemblages toe.
De insecten De beroemdste serie van de kunstenaar, Lygia, werd tijdens de VIe Biënnale van São Paulo bekroond met de prijs voor het beste nationale beeldhouwwerk.
Lygia Clark, die deel uitmaakte van het neoconcretisme, geloofde in een inclusieve kunst die het publiek uitnodigde om de stukken te manipuleren.
Wil je meer weten over het werk van de kunstenaar, ga dan naar het artikel Lygia Clark: werken om de hedendaagse kunstenaar te leren kennen.
8. candido Portinari
De schilder, graveur en illustrator Candido Portinari (1903-1962) is de naam achter enkele van de beroemdste werken van de Braziliaanse beeldende kunst, zoals het schilderij Koffie (1935).
Politiek geëngageerd, gebruikte de schilder zijn doeken vaak om de moeilijkheden van de Brazilianen weergeven op een dagelijkse basis.
Op het scherm Koffie We zien een gouden periode in Brazilië in contrast met de harde werkomstandigheden van de mannen en vrouwen op de koffieplantage. Merk op hoe de ledematen van de arbeiders onevenredig groot zijn, wat het handwerk benadrukt.
Het doek dat we noemden was op de International Exhibition of Modern Art in New York en was de eerste die de schilder een internationale prijs opleverde.
Portinari was een woordvoerder voor sociaal onrecht en probeerde met penseel en doek een Brazilië te onthullen dat gekenmerkt wordt door ongelijkheid.
Ontdek ook het artikel Candido Portinari: de belangrijkste werken geanalyseerd.
Zie ook: Graffiti: geschiedenis, kenmerken en werken in Brazilië en de rest van de wereld9. Di Cavalcanti
De modernistische kunstenaar Di Cavalcanti (1897-1976) was een meester in het schilderen van de portretten van de braziliaanse cultuur en het dagelijkse leven van onze mensen.
Het scherm Samba (1925) is een goed voorbeeld van het werk van de schilder, die veel kleuren gebruikte en er een punt van maakte om lichamen met veel rondingen te schilderen. Di Cavalcanti's werken worden vooral gekenmerkt door de aanwezigheid van mensen, die op een sensuele en/of amoureuze manier met elkaar omgaan.
Op het scherm Samba We zien een reeks typische figuren uit onze cultuur afgebeeld, zoals de man met de cavaquinho (verwijzend naar de bohemienperiode) en de vrouwen met hun borsten naar buiten, die herinneren aan de sensualiteit die vooral tijdens de carnavalsperiode naar voren komt.
Andere terugkerende thema's die Di Cavalcanti tijdens zijn leven schilderde waren favela's, arbeiders, zwarte vrouwen en volksfeesten.
Di Cavalcanti was een belangrijke figuur in de Week van de Moderne Kunst en illustreerde het affiche en de catalogus voor het evenement. Samen met andere modernistische collega's was de kunstenaar betrokken bij het proces van vernieuwing van de beeldende kunst in Brazilië.
Wij denken dat u ook geïnteresseerd zult zijn in het artikel Di Cavalcanti: werken om de kunstenaar te begrijpen.
10. Lasar Segall
De in Litouwen geboren Lasar Segall (1891-1957) kwam in 1923 voor het eerst naar Brazilië om zijn familie te bezoeken en besloot zich in datzelfde jaar definitief in São Paulo te vestigen.
De schilder, beeldhouwer, graveur en tekenaar was Joods en vond in Brazilië een veilige haven, ver weg van een onrustig Europa.
Zijn werk werd gekenmerkt door moderne esthetiek en dronk zwaar van de Europese avant-garde.
Zijn meest voorkomende thema's waren emigratie, de gemarginaliseerden en de tropische landschappen die hij in Brazilië aantrof. sociale ongelijkheid, geweld en armoede .
Op Zulmira's profiel (1928) zien we een portret van een vrouw tegen een abstracte, geometrische achtergrond. In de achtergrond en in de contouren van de hoofdpersoon zijn kubistische en modernistische invloeden te zien. Deze trekken waren zeer aanwezig bij Braziliaanse schilders van de modernistische generatie.
11. Alfredo Volpi
Alfredo Volpi (1896-1988), bekend als de meester van de vlaggen, was een kunstenaar die opviel in de tweede generatie moderne kunst.
Veel van zijn doeken dragen vlaggen en typische beelden van de braziliaanse cultuur zoals bijvoorbeeld de zeemeermin.
In het kader Zeemeermin (1960) zien we de nationale volksaard afgebeeld met eenvoudige contouren, in een schijnbaar kinderlijke oefening. Juist in dit schilderij maakt Volpi niet veel gebruik van kleuren, hij blijft alleen bij blauw, groen, zwart en wit. Maar in veel van zijn werken is er een gebruik van meer gevarieerde kleuren.
Hoewel geboren in Toscane (Italië), kwam Volpi op anderhalfjarige leeftijd met zijn ouders naar Brazilië. In 1911 begon hij panelen en muurschilderingen te maken in de herenhuizen van São Paulo en ging al snel over op schilderijen.
Erkenning als groot schilder kwam pas in 1940, nadat hij een wedstrijd voor IPHAN had gewonnen.
Als u meer wilt weten over de Braziliaanse schilder, lees dan ook het artikel De werken en de biografie van Alfredo Volpi.
12. Romero Britto
De populairste hedendaagse Braziliaanse schilder is ongetwijfeld Romero Britto (1963). De Braziliaan die Recife verliet maakte carrière in de Verenigde Staten, waar hij nog steeds in Miami woont.
Met een onmiskenbare kleurrijke neo-cubistische popstijl De kunstenaar, die zich laat inspireren door Picasso, heeft werken verspreid over verschillende landen in de wereld, zoals Zwitserland, Israël en Frankrijk.
Naast schilderijen maakt Romero Britto ook installaties en sculpturen in openbare en particuliere ruimtes.
De stijl van de Pernambucaner wordt gekenmerkt door levendige kleuren, de geometrische en asymmetrische vormen en omdat het een kunst is die gemakkelijk te begrijpen is voor het grote publiek - zoals blijkt uit Hart kinderen .
Hoe zit het met het artikel Romero Britto: werken en biografie?
