12 stora brasilianska konstnärer och deras verk

1. Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886-1973) anses vara en av de största brasilianska målarna, bland annat för den berömda målningen Abaporu ett av de viktigaste verken i vår kultur.

Konstnären föddes i São Paulos inland (Capivari) och var dotter till en traditionell och rik familj från regionen som ägde ett antal gårdar.

Trots att hon är född i Brasilien fick Tarsila en stor del av sin konstnärliga utbildning i Europa, då hon flyttade till Barcelona vid 16 års ålder. Förutom att hon bodde i Spanien studerade hon även i Paris, där hon kom i kontakt med den moderna konsten, som hon senare hjälpte till att föra över till Brasilien.

Tarsilas verk är mycket varierande, men vi kan understryka ett gemensamt drag som är följande önskan att representera brasilianska människor och landskap Tarsila var en målare av tropiska teman, av den brasilianska landsbygden, men hon porträtterade också staden som moderniserades med de omvandlingar som var typiska för industrialiseringsprocessen.

Målaren använde ofta nationalflaggans färger på sina dukar och illustrerade en rad folkloristiska figurer från vår kultur, till exempel cuca.

Trots att Tarsila har gjort många lovord för vårt land, har han inte heller underlåtit att samhällskritik . i Abaporu , till exempel, betonade han nedvärderingen av intellektuellt arbete genom att måla ett litet huvud i motsats till stora lemmar.

När det gäller stilen började Tarsila måla bilder med kubistisk inspiration, men övergick senare till en mer realistisk stil och experimenterade även med geometriska konturer.

Kritiker delar in konstnärens produktion i tre mycket olika faser: Pau-Brasil, antropofagisk och social.

Ta tillfället i akt att också läsa artikeln Tarsila do Amarals verk som du måste känna till.

2. anita Malfatti

En av de största bidragsgivarna till förnyelse av måleriet i vårt land var Anita Malfatti (1889-1964), dotter till en amerikansk målarlärare och en italiensk ingenjör.

Anita, som förlorade sin far i tidig ålder och var tvungen att ta examen som lärare innan hon var 18 år, började arbeta med bildkonst under inflytande av sin mor.

Vid 21 års ålder flyttade hon till Berlin, sponsrad av en farbror, där hon utvecklade sin talang genom att gå på Imperial Academy of Fine Arts. Det var i Europa som Anita lärde känna kubismen och expressionismen, som påverkade hennes konst.

Förutom i Tyskland studerade målaren även i New York och Paris. När hon återvände till Brasilien gjorde hon sin debut 1914 och samlade många viktiga vänner i den konstnärliga världen, till exempel Di Cavalcanti.

Anita blev ett av de stora namnen inom modernt måleri och fick beröm, men också kritik, till exempel från Monteiro Lobato.

Dåren en av hans mest kända målningar, målades mellan 1915 och 1916 och har kubistiska och futuristiska inslag. expressionismens inflytande för att den utnyttjar kontrasten mellan färgerna och förstärker en ensam, kanske ångestfylld karaktär.

Anita var revolutionerande i Brasilien - och kritiserad - eftersom hon övergav realismen och i sina verk framhävde de egenskaper som hon ansåg vara mest uttrycksfulla, även om hon för att göra det var tvungen att ta avstånd från verkligheten och använda oväntade färger.

Målaren var särskilt intresserad av vardagliga teman Hans arbete bröt med den akademiska stränghet som rådde i hans och tidigare generationer.

Vi rekommenderar att du läser artikeln Anita Malfatti: verk och biografi.

3. Adriana Varejão

Adriana Varejão (1964) är ett av de största namnen inom den samtida visuella konsten, med verk inte bara inom måleri utan även inom skulptur, fotografi och installation.

Den unga kvinnan föddes i Rio de Janeiro och gick 1983 på Escola de Artes Visuais do Parque Lage och öppnade snart sin första studio i Rio de Janeiros södra del.

I början av sin karriär reste Adriana till USA där hon utvecklade sitt personliga språk. Utmärkelser i Brasilien och utomlands har konstnären skapat en mängd olika verk i olika stilar och medium.

Arbetet Ruiner av kött är ett exempel på mycket av det som finns i konstnärens verk: verk som arbetar med idén om det som återstår (resterna), om våld, kannibalism, förstörelse, historia och monument. Det finns också mycket barockens inflytande i sina skapelser genom kakelplattor, som har blivit ett slags varumärke för konstnären.

I dag kan man redan hitta hans verk i stora städer som London (Tate Modern), New York (Guggenheim) och Tokyo (Hara Museum), och i Brasilien finns de flesta av hans verk på Inhotim Centre for Contemporary Art i Minas Gerais.

4. Vik Muniz

Vik Muniz (f. 1961) är född i São Paulo, men gjorde karriär i USA och blev känd för att använda ovanliga och vardagliga material som gelé och jordnötsgrädde i sina verk.

Den unge mannen tog en examen i reklam och åkte till USA för att försöka sig på livet när han var 22 år gammal.

Förutom de verk där han återskapar berömda bilder som Mona Lisa eller porträtt av Freud och Che Guevara, utvecklar Vik Muniz också ett 100 % originalverk baserat på oväntade material .

Det viktigaste kännetecknet för Vik Muniz' verk är att de består av förgängliga material som normalt inte används i konstnärliga sammanhang, som ketchup, socker, bönor, kaffe och skräp. socialt samvete I sina verk är konstnären en provokatör som vill uppmana sin publik att tänka.

Vik Muniz försöker genom sina verk uppmärksamma både de sociala och miljömässiga problemen i vår tid. Ett av hans mest kända verk har dokumenterats i dokumentärfilmen Extraordinärt avfall (2010).

Vi tror att du också kommer att gilla artikeln Vik Muniz' mest imponerande skapelser.

5. Hélio Oiticica

Hélio Oiticica (1937-1980), som är mest känd för sina föreställningar, har också lämnat sitt namn i den plastiska konsten genom verk som är kopplade till måleri och skulptur.

En hänvisning till betongkonst Oiticica fick sina första lektioner i konst hemma hos sin far, som var fotograf och målare.

Hélio började göra sina första utställningar i början av 1950-talet och under samma årtionde träffade han andra konstnärer inom neokonkretkonsten som Lygia Clark och Ferreira Gullar.

I likhet med sina kolleger ansåg Oiticica att allmänheten var en del av arbetet Det var naturligt att man kunde känna verket, röra vid det, bära det och till och med känna lukten av konstnärens skapelse.

Parangolé hennes mest kända verk, bestod av mycket färgglada kappor som publiken bar på sig. Tanken var att kapporna skulle göra en frigörande rörelse genom att dansa med henne.

Vi tror att du också kommer att vara intresserad av artikeln Hélio Oiticica: verk för att förstå hans bana.

6. Beatriz Milhazes

Beatriz Milhazes (1960) är känd för sin färgstarka, abstrakta målningar De är fulla av geometriska former och innehåller ofta arabesker och blommor.

Beatriz Milhazes målar inte bara, hon skapar också gravyrer, collage, illustrationer, installationer och scenografier (många för sin syster Márcia, som leder ett danskompani).

Konstnären, som har en examen i social kommunikation, började skapa när hon gick på Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

Den nationella framgången kom 1984, när hon deltog i en utställning om 80-talets generation i Parque Lage. Senare deltog Beatriz också i biennalerna i Venedig (2003), São Paulo (1998 och 2004) och Shangai (2006). Sedan dess har konstnären kunnat visa upp allt fler av sina målningar och har en rad verk på viktiga internationella museer, som t.ex.MoMa, Metropolitan, Fondation Cartier och Guggenheim.

På Ren skönhet (2006) är ett litet exempel på hans arbete. Målningen är fylld av geometriska element och mycket färg. Den stora duken med sina stora dimensioner möjliggör flera tolkningar och är rik på detaljer som bidrar till att skapa en intensiv helhet, full av information.

Beatriz Milhazes målningar präglas i allmänhet av barockens estetik, av överflödet av element och av de ornament som påverkar betraktaren.

Om du gillar konstnärens verk kanske du också är intresserad av artikeln Beatriz Milhazes oundgängliga verk.

7. lygia Clark

En av Brasiliens mest innovativa bildkonstnärer var Lygia Clark (1920-1988) från Minas Gerais, som skapade sina verk utifrån en sensorisk och interaktiv konst .

Lygia ville att betraktarna skulle interagera med de verk hon skapade och uppleva de olika formerna av hennes arbete, vilket är fallet med de verk som skapades för serien Bugs (1960). De geometriska metallskulpturerna är ledade och kan sättas ihop på flera olika sätt.

Insekterna Lygia, konstnärens mest kända serie, tilldelades priset för bästa nationella skulptur under den sjätte Bienalen i São Paulo.

Lygia Clark, som var en del av neokonkretismen, trodde på en konst för alla som bjöd in allmänheten att manipulera verken.

Om du vill veta mer om konstnärens arbete kan du läsa artikeln Lygia Clark: verk för att lära känna den samtida konstnären.

8. candido Portinari

Målaren, gravören och illustratören Candido Portinari (1903-1962) står bakom några av de mest kända verken inom brasiliansk bildkonst, som t.ex. målningen Kaffe (1935).

Målaren var politiskt engagerad och använde ofta sina dukar till att skildra de svårigheter som brasilianarna möter dagligen.

På skärmen Kaffe Vi ser en gyllene tid i Brasilien i kontrast till de hårda arbetsförhållanden som männen och kvinnorna på kaffeplantagen utsätts för. Observera hur arbetarnas lemmar är oproportionerligt stora, vilket understryker det manuella arbetet.

Den målarduk som vi nämnde fanns på International Exhibition of Modern Art i New York och var den första som gav målaren ett internationellt pris.

Portinari var en talesman för sociala orättvisor och försökte med hjälp av pensel och duk avslöja ett Brasilien präglat av ojämlikhet.

Läs också artikeln Candido Portinari: de viktigaste verken analyseras.

9. Di Cavalcanti

Den modernistiska konstnären Di Cavalcanti (1897-1976) var en mästare i att måla den porträtt av brasiliansk kultur och vårt folks dagliga liv.

Skärmen Samba (1925) är ett bra exempel på målarens arbete, där han använde många färger och var noga med att måla kroppar med många kurvor. Di Cavalcantis verk präglas särskilt av närvaron av människor som interagerar med varandra på ett sensuellt och/eller kärleksfullt sätt.

På skärmen Samba Vi ser en rad typiska karaktärer från vår kultur representerade, till exempel mannen med cavaquinho (som hänvisar till den bohemiska perioden) och kvinnorna med hängande bröst, som påminner oss om den sensualitet som framträder särskilt under karnevalen.

Andra återkommande teman som Di Cavalcanti målade under hela sitt liv var favelor, arbetare, svarta kvinnor och folkfester.

Di Cavalcanti var en viktig person i veckan för modern konst och illustrerade affischen och katalogen för evenemanget. Tillsammans med andra modernistiska kollegor var konstnären involverad i processen för att förnya den plastiska konsten i Brasilien.

Vi tror att du också är intresserad av artikeln Di Cavalcanti: verk för att förstå konstnären.

10. Lasar Segall

Lasar Segall (1891-1957) föddes i Litauen och kom till Brasilien 1923 för att besöka sin familj. Samma år bestämde han sig för att bosätta sig permanent i São Paulo.

Målaren, skulptören, gravören och tecknaren var jude och fann i Brasilien en säker tillflyktsort bort från det oroliga Europa.

Hans arbete kännetecknades av modern estetik och drack mycket av det europeiska avantgardet.

Bland hans vanligaste teman var emigration, marginaliserade människor och de tropiska landskap han mötte i Brasilien. social ojämlikhet, våld och fattigdom .

På Zulmiras profil (1928) ser vi ett porträtt av en kvinna mot en abstrakt, geometrisk bakgrund. Kubistiska och modernistiska influenser kan ses i bakgrunden samt i huvudpersonens konturer. Dessa drag var mycket närvarande hos brasilianska målare från den modernistiska generationen.

11. Alfredo Volpi

Alfredo Volpi (1896-1988), känd som flaggornas mästare, var en konstnär som utmärkte sig i den andra generationen av modern konst.

Många av hans målningar bär flaggor och typiska bilder av den brasilianska kulturen som till exempel sjöjungfrun.

Inom ramen för Sjöjungfru (1960) ser vi den nationella folkkaraktären porträtterad med enkla konturer, i en till synes barnslig övning. Just i denna målning använder Volpi sig inte av många färger, utan stannar bara vid nyanser av blått, grönt, svart och vitt. Men i många av hans verk används mer varierade färger.

Volpi föddes i Toscana (Italien) men kom till Brasilien med sina föräldrar när han var ett och ett halvt år gammal. 1911 började han måla tavlor och väggmålningar i herrgårdarna i São Paulo och övergick snart till målningar.

Han blev erkänd som en stor målare först 1940, när han vann en tävling för IPHAN.

Om du vill veta mer om den brasilianska målaren kan du också läsa artikeln Alfredo Volpis verk och biografi.

12. Romero Britto

Den mest populära samtida brasilianska målaren är utan tvekan Romero Britto (1963). Brasilianaren som lämnade Recife gjorde karriär i USA, där han fortfarande bor i Miami.

Med en omisskännlig färgstark neo-kubistisk popstil Konstnären, som hämtar sin inspiration från Picasso, har verk utspridda i flera länder runt om i världen, till exempel Schweiz, Israel och Frankrike.

Förutom målningar gör Romero Britto också installationer och skulpturer i offentliga och privata utrymmen.

Stilen hos Pernambucanian kännetecknas av livliga färger, den geometriska och asymmetriska former och för att det är en konst som är lätt att förstå för allmänheten - vilket framgår av Hjärtbarn .

Vad sägs om artikeln Romero Britto: verk och biografi?