សិល្បករប្រេស៊ីលដ៏អស្ចារ្យចំនួន 12 និងស្នាដៃរបស់ពួកគេ។

1. Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886-1973) ត្រូវបានគេចាត់ទុកថាជាវិចិត្រករប្រេស៊ីលដ៏អស្ចារ្យបំផុតម្នាក់។ ជាឧទាហរណ៍ នាងបាននិពន្ធរូបគំនូរដ៏ល្បីល្បាញ Abaporu ដែលជាស្នាដៃដ៏សំខាន់បំផុតមួយនៃវប្បធម៌របស់យើង។

វិចិត្រករផ្លាស្ទិច ដែលបានកើតនៅក្នុងផ្នែកខាងក្នុងនៃទីក្រុងសៅប៉ូឡូ (នៅ Capivari) នាងគឺជាកូនស្រីរបស់គ្រួសារប្រពៃណី និងមានទ្រព្យសម្បត្តិក្នុងតំបន់ ជាម្ចាស់កសិដ្ឋានជាបន្តបន្ទាប់។

ទោះបីជានាងកើតក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីលក៏ដោយ ក៏ Tarsila បានធ្វើការបណ្តុះបណ្តាលសិល្បៈភាគច្រើនរបស់នាងនៅអឺរ៉ុប ដោយបានផ្លាស់ទៅ Barcelona នៅ អាយុ 16 ឆ្នាំ។ បន្ថែមពីលើការរស់នៅក្នុងប្រទេសអេស្បាញ នាងក៏បានសិក្សានៅទីក្រុងប៉ារីស ជាកន្លែងដែលនាងបានទាក់ទងជាមួយសិល្បៈសម័យទំនើប ដែលក្រោយមកនាងបានជួយនាំយកទៅកាន់ប្រទេសប្រេស៊ីល។

ស្នាដៃរបស់ Tarsila គឺមានភាពខុសប្លែកគ្នា ប៉ុន្តែយើងអាចគូសបញ្ជាក់នូវលក្ខណៈទូទៅមួយ នោះគឺជា បំណងប្រាថ្នាដើម្បីតំណាងឱ្យប្រជាជនប្រេស៊ីល និងទេសភាព ។ Tarsila គឺជាវិចិត្រករម្នាក់នៃស្បែកត្រូពិច មកពីជនបទនៃប្រទេសប្រេស៊ីល ប៉ុន្តែនាងក៏បានបង្ហាញពីទីក្រុងដែលកំពុងធ្វើទំនើបកម្មជាមួយនឹងការផ្លាស់ប្តូរធម្មតានៃដំណើរការឧស្សាហូបនីយកម្ម។

វិចិត្រកររូបនេះតែងតែប្រើពណ៌ទង់ជាតិនៅក្នុងផ្ទាំងក្រណាត់របស់នាង។ បន្ថែមពីលើការបង្ហាញពីស៊េរីនៃតួអង្គប្រជាប្រិយពីវប្បធម៌របស់យើង ដូចជា cuca ជាដើម។

ទោះបីជាមានការសរសើរប្រទេសរបស់យើងច្រើនក៏ដោយ Tarsila ក៏បានធ្វើ ការរិះគន់សង្គម ផងដែរ។ ជាឧទាហរណ៍ក្នុង Abaporu គាត់បានគូសបញ្ជាក់ពីតម្លៃនៃការងារបញ្ញាដោយការគូរគំនូរ។ស្នាដៃរបស់គាត់ត្រូវបានសម្គាល់ដោយ សោភ័ណភាពទំនើប ហើយបានទាក់ទាញយ៉ាងខ្លាំងពីអឺរ៉ុប avant-garde។

ក្នុងចំណោមប្រធានបទញឹកញាប់បំផុតរបស់គាត់គឺការធ្វើចំណាកស្រុក ទេសភាពដែលនៅឆ្ងាយ និងតំបន់ត្រូពិចដែលគាត់បានរកឃើញនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល។ កង្វល់ជាក់ស្តែងរបស់ Segall ដែលបានលេចឡើងនៅក្នុងផ្ទាំងក្រណាត់របស់គាត់គឺ វិសមភាពសង្គម អំពើហិង្សា និងភាពក្រីក្រ ។

នៅក្នុង កម្រងព័ត៌មានរបស់ Zulmira (1928) យើងឃើញរូបភាពរបស់ស្ត្រី ជាមួយនឹងផ្ទៃខាងក្រោយធរណីមាត្រអរូបី។ នៅលើផ្ទាំងក្រណាត់ គេអាចកត់សម្គាល់ពីឥទ្ធិពលរបស់ cubist និងសម័យទំនើបទាំងនៅក្នុងផ្ទៃខាងក្រោយនៃគំនូរ និងនៅក្នុងវណ្ឌវង្កនៃតួអក្សរសំខាន់។ លក្ខណៈទាំងនេះមានវត្តមានយ៉ាងខ្លាំងនៅក្នុងវិចិត្រករជនជាតិប្រេស៊ីលនៃជំនាន់ទំនើបនិយម។

11. Alfredo Volpi

ត្រូវបានគេស្គាល់ថាជាមេនៃទង់ជាតិ Alfredo Volpi (1896-1988) គឺជាវិចិត្រករម្នាក់ដែលលេចធ្លោនៅក្នុងជំនាន់ទីពីរនៃសិល្បៈសម័យទំនើប។

ផ្ទាំងក្រណាត់របស់គាត់ជាច្រើនមានទង់ជាតិតូចៗ និង រូបភាពធម្មតានៃវប្បធម៌ប្រេស៊ីល ដូចជា សត្វមច្ឆា។

នៅក្នុងគំនូរ Sereia (1960) យើង សូមមើលតួអក្សរនៃរឿងព្រេងជាតិដែលបង្ហាញដោយវណ្ឌវង្កសាមញ្ញនៅក្នុងលំហាត់ជាក់ស្តែងដូចកូនក្មេង។ នៅក្នុងគំនូរនេះជាពិសេស Volpi មិនប្រើពណ៌ច្រើនទេ គឺប្រើតែពណ៌ខៀវ បៃតង ខ្មៅ និងស។ ប៉ុន្តែនៅក្នុងស្នាដៃជាច្រើនរបស់គាត់មានការប្រើប្រាស់ពណ៌ចម្រុះជាង។

ទោះបីជាគាត់កើតនៅ Tuscany (អ៊ីតាលី) Volpi បានមកប្រទេសប្រេស៊ីលនៅពេលគាត់មានអាយុមួយឆ្នាំកន្លះ។អាយុជាមួយឪពុកម្តាយ។ នៅឆ្នាំ 1911 គាត់បានចាប់ផ្តើមគូរផ្ទាំងគំនូរ និងផ្ទាំងគំនូរនៅក្នុងវិមាននៃទីក្រុងសៅប៉ូឡូ ហើយមិនយូរប៉ុន្មានគាត់បានបន្តទៅការគូរគំនូរ។

ការទទួលស្គាល់ថាជាវិចិត្រករដ៏អស្ចារ្យបានកើតមានតែនៅក្នុងឆ្នាំ 1940 បន្ទាប់ពីបានឈ្នះការប្រកួត IPHAN។

ប្រសិនបើអ្នកចង់ដឹងបន្ថែមអំពីវិចិត្រករប្រេស៊ីល សូមសាកល្បងអានអត្ថបទ ស្នាដៃ និងជីវប្រវត្តិរបស់ Alfredo Volpi។

12។ Romero Britto

វិចិត្រករសហសម័យប្រេស៊ីលដ៏ពេញនិយមបំផុតគឺ Romero Britto (1963)។ ជនជាតិប្រេស៊ីលដែលបានចាកចេញពី Recife មកប្រកបអាជីពនៅសហរដ្ឋអាមេរិក ជាកន្លែងដែលគាត់នៅតែរស់នៅក្នុងទីក្រុង Miami សព្វថ្ងៃនេះ។

ជាមួយនឹង រចនាប័ទ្មប៉ុបចម្រុះពណ៌ និង neocubist ដែលមិនអាចបំភ្លេចបាន សិល្បករដែលត្រូវបានបំផុសគំនិតដោយ Picasso មានស្នាដៃរីករាលដាលពាសពេញប្រទេសមួយចំនួនជុំវិញពិភពលោក ដូចជាប្រទេសស្វីស អ៊ីស្រាអែល និងបារាំង។

ក្រៅពីគំនូរ Romero Britto ក៏ធ្វើការដំឡើង និងចម្លាក់នៅកន្លែងសាធារណៈ និងឯកជនផងដែរ។

រចនាប័ទ្មនៃ Pernambuco ត្រូវបានកំណត់លក្ខណៈដោយពណ៌រស់រវើក រាងធរណីមាត្រ និង asymmetrical និងសម្រាប់ជាសិល្បៈដែលងាយស្រួលសម្រាប់សាធារណជនទូទៅក្នុងការយល់ - ដូចដែលអាចមើលឃើញពី បេះដូងកុមារ ។

ចុះយ៉ាងណាក៏ដឹងពីអត្ថបទ Romero Britto៖ ស្នាដៃ និងជីវប្រវត្តិ?

បើនិយាយពីរចនាប័ទ្មវិញ Tarsila បានចាប់ផ្តើមគូររូបភាពជាមួយនឹងការបំផុសគំនិត Cubist ប៉ុន្តែបានបញ្ចប់ដោយអនុវត្តរចនាប័ទ្មជាក់ស្តែងបន្ថែមទៀតនៅពេលក្រោយ ហើយថែមទាំងបានពិសោធន៍ជាមួយវណ្ឌវង្កធរណីមាត្រ។

The ផលិតកម្មរបស់សិល្បករត្រូវបានបែងចែកដោយអ្នករិះគន់ជាបីដំណាក់កាលផ្សេងគ្នា៖ Pau-Brasil, Antropofágica និងសង្គម។

ឆ្លៀតឱកាសផងដែរដើម្បីអានអត្ថបទ Obras de Tarsila do Amaral ដែលអ្នកត្រូវដឹង។

២. Anita Malfatti

ម្នាក់ក្នុងចំណោមមនុស្សដែលទទួលខុសត្រូវបំផុតសម្រាប់ ការជួសជុលគំនូរនៅក្នុងប្រទេសរបស់យើង គឺ Anita Malfatti (1889-1964) ជាកូនស្រីរបស់គំនូរ គ្រូបង្រៀនមកពីភាគខាងជើង -American ជាមួយវិស្វករជនជាតិអ៊ីតាលី។

Anita ដែលបានបាត់បង់ឪពុករបស់នាងមុនដំបូង ហើយត្រូវហ្វឹកហាត់ជាគ្រូបង្រៀនមុនពេលឈានដល់អាយុ 18 ឆ្នាំ បានចាប់ផ្តើមធ្វើការងារដំបូងរបស់នាងនៅក្នុងសិល្បៈទស្សនីយភាពដែលទទួលឥទ្ធិពលពី ម្តាយរបស់នាង។

នៅអាយុ 21 ឆ្នាំ ក្មេងស្រីនេះបានទៅរស់នៅក្នុងទីក្រុងប៊ែរឡាំង ឧបត្ថម្ភដោយពូ ជាកន្លែងដែលនាងបានអភិវឌ្ឍទេពកោសល្យរបស់នាងដោយចូលរៀននៅ Imperial Academy of Fine Arts ។ វាគឺនៅអឺរ៉ុបដែលនីតាបានស្គាល់ Cubism និង Expressionism ដែលមានឥទ្ធិពលលើសិល្បៈរបស់នាង។

ក្រៅពីប្រទេសអាឡឺម៉ង់ វិចិត្រករក៏បានសិក្សានៅញូវយ៉ក និងប៉ារីសផងដែរ។ នៅពេលនាងត្រឡប់ទៅប្រទេសប្រេស៊ីលវិញ នាងបានបង្ហាញខ្លួនជាលើកដំបូងនៅឆ្នាំ 1914 ដោយបានប្រមូលផ្តុំមិត្តភក្តិសំខាន់ៗជាច្រើននៅក្នុងពិភពសិល្បៈដូចជា Di Cavalcanti។

Anita បានក្លាយជាឈ្មោះដ៏អស្ចារ្យមួយនៃគំនូរសម័យទំនើប ទទួលបានការសរសើរ ប៉ុន្តែក៏មានការរិះគន់ដូចជារូបគំនូរដែលធ្វើឡើងដោយ Monteiro Lobato។

A boba ដែលជាគំនូរដ៏ល្បីល្បាញបំផុតមួយរបស់គាត់ត្រូវបានគូរនៅចន្លោះឆ្នាំ 1915 និង 1916 ហើយមានលក្ខណៈពិសេសរបស់ cubist និង futurist ។ បញ្ចប់ដោយការប៉ះទង្គិចយ៉ាងទូលំទូលាយ គំនូរមានផ្ទៃខាងក្រោយអរូបី និងត្រូវបានជះឥទ្ធិពលយ៉ាងខ្លាំងដោយ ការបញ្ចេញមតិ ដោយការប្រើភាពផ្ទុយគ្នារវាងពណ៌ និងការវាយតម្លៃតួអក្សរដែលពិបាកចិត្តតែម្នាក់ឯង។

Anita គឺជាអ្នកបដិវត្តនៅប្រទេសប្រេស៊ីល។ - ហើយក៏មានការរិះគន់ជាច្រើនផងដែរ - សម្រាប់ការបោះបង់ចោលនូវភាពប្រាកដនិយម និងការគូសបញ្ជាក់នៅក្នុងលក្ខណៈការងាររបស់នាង ដែលនាងចាត់ទុកថាជាការសំដែងបំផុត បើទោះបីជាសម្រាប់រឿងនោះ នាងត្រូវតែឃ្លាតឆ្ងាយពីការពិត ហើយប្រើពណ៌ដែលមិននឹកស្មានដល់។

វិចិត្រករ មានការចាប់អារម្មណ៍ជាពិសេសសម្រាប់ ប្រធានបទប្រចាំថ្ងៃ ជាញឹកញាប់ពីសកលលោកផ្ទាល់ខ្លួនរបស់គាត់ ហើយគាត់មិនគិតថាគាត់ត្រូវការធ្វើជាចំណាប់ខ្មាំងចំពោះការប្តេជ្ញាចិត្តចំពោះការពិតនោះទេ។ ការងាររបស់នាងបានបែកបាក់ជាមួយនឹងភាពម៉ត់ចត់នៃការសិក្សាដែលបានគ្រប់គ្រងនៅក្នុងនាង និងជំនាន់មុនៗ។

យើងសូមណែនាំឱ្យអានអត្ថបទ Anita Malfatti៖ ស្នាដៃ និងជីវប្រវត្តិ។

3. Adriana Varejão

Adriana Varejão (1964) គឺជាឈ្មោះដ៏ធំបំផុតមួយក្នុងសិល្បៈប្លាស្ទីកសហសម័យ ជាមួយនឹងស្នាដៃមិនត្រឹមតែក្នុងការគូរគំនូរប៉ុណ្ណោះទេ ប៉ុន្តែថែមទាំងនៅក្នុងផ្នែកចម្លាក់ ការថតរូប និងការដំឡើងផងដែរ។

កើតនៅទីក្រុង Rio de Janeiro យុវនារីរូបនេះបានសិក្សានៅ Escola de Artes Visuais do Parque Lage ក្នុងឆ្នាំ 1983 ហើយភ្លាមៗនោះបានបើកស្ទូឌីយ៉ូដំបូងរបស់នាងនៅតំបន់ភាគខាងត្បូងនៃទីក្រុង Rio de Janeiro។

ចាប់តាំងពីការចាប់ផ្តើមនៃ អាជីពរបស់នាងគឺ Adrianaបានធ្វើដំណើរទៅសហរដ្ឋអាមេរិក ជាកន្លែងដែលគាត់បានអភិវឌ្ឍភាសាផ្ទាល់ខ្លួនរបស់គាត់យ៉ាងច្រើន។ ទទួលបានពានរង្វាន់ក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល និងនៅបរទេស វិចិត្រករបាននិងកំពុងបង្កើតស្នាដៃជាច្រើនដែលដើរតាមរចនាប័ទ្ម និងប្រព័ន្ធផ្សព្វផ្សាយផ្សេងៗគ្នា។

ការងារ Ruínas de carne គឺជាឧទាហរណ៍មួយនៃ វត្ថុដែលអាចត្រូវបានរកឃើញនៅក្នុងការងាររបស់វិចិត្រករ៖ បំណែកដែលធ្វើការជាមួយគំនិតនៃអ្វីដែលនៅសេសសល់ (នៅសល់) អំពើហឹង្សា ការស៊ីមនុស្ស ការបំផ្លិចបំផ្លាញ ប្រវត្តិសាស្ត្រ និងវិមាន។ វាក៏មាន ឥទ្ធិពលដ៏ចម្លែក ជាច្រើននៅក្នុងការបង្កើតរបស់នាង ដោយសារតែវត្តមានរបស់ក្បឿង ដែលបានក្លាយជាម៉ាកយីហោរបស់វិចិត្រករ។

សព្វថ្ងៃនេះ គេអាចស្វែងរកស្នាដៃរបស់នាងបាន នៅក្នុងមជ្ឈមណ្ឌលធំ ៗ ដូចជាទីក្រុងឡុងដ៍ (Tate Modern), ញូវយ៉ក (Guggenheim) និងតូក្យូ (សារមន្ទីរហារ៉ា) ។ នៅប្រទេសប្រេស៊ីល បំណែករបស់គាត់ភាគច្រើនគឺនៅមជ្ឈមណ្ឌល Inhotim សម្រាប់សិល្បៈសហសម័យ ក្នុងទីក្រុង Minas Gerais។

4. Vik Muniz

កើតនៅសៅប៉ូឡូ Vik Muniz (1961) បានអាជីពរបស់គាត់នៅសហរដ្ឋអាមេរិក ហើយត្រូវបានគេស្គាល់ថាសម្រាប់ការប្រើប្រាស់សម្ភារៈមិនធម្មតា និងប្រចាំថ្ងៃនៅក្នុងការងាររបស់គាត់ ដូចជាយៈសាពូនមី និងក្រែមសណ្តែកដី។

បែកធ្លាយនៅក្នុងការផ្សាយពាណិជ្ជកម្ម យុវជននោះបានទៅសហរដ្ឋអាមេរិកដើម្បីសាកល្បងជីវិតរបស់គាត់នៅពេលគាត់មានអាយុ 22 ឆ្នាំ។

ក្រៅពីការងារដែលគាត់បង្កើតឡើងវិញនូវរូបភាពល្បីៗដូចជា Mona Lisa ឬរូបគំនូររបស់ Freud និង Che ​​Guevara Vik Muniz ក៏អភិវឌ្ឍការងារដើម 100% ពី សម្ភារៈដែលមិននឹកស្មានដល់ ។

លក្ខណៈពិសេសដ៏អស្ចារ្យបំផុតនៃស្នាដៃ​របស់ Vik Muniz គឺ​ជា​ការ​ផ្សំ​ពី​វត្ថុធាតុ​ងាយ​ខូច​ដែល​មិន​ត្រូវ​បាន​ប្រើ​ជា​ធម្មតា​ក្នុង​ពិភព​សិល្បៈ​ដូច​ជា ketchup ស្ករ សណ្តែក កាហ្វេ និង​ដែក​អេតចាយ។ វាក៏មាន មនសិការសង្គម ខ្លាំងនៅក្នុងការបង្កើតរបស់គាត់ សិល្បករគឺជាអ្នកបង្កហេតុដែលចង់ហៅទស្សនិកជនរបស់គាត់ឱ្យគិត។

Vik Muniz ស្វែងរកតាមរយៈស្នាដៃរបស់គាត់ ដើម្បីទាក់ទាញចំណាប់អារម្មណ៍ទាំងពីរ។ បញ្ហាសង្គម និងបរិស្ថាននៃសម័យកាលរបស់យើង។ ស្នាដៃដ៏ល្បីល្បាញបំផុតរបស់គាត់មួយត្រូវបានកត់ត្រានៅក្នុងភាពយន្តឯកសារ សំណល់មិនធម្មតា (2010)។

យើងគិតថាអ្នកក៏នឹងរីករាយក្នុងការអានអត្ថបទដែលគួរឱ្យចាប់អារម្មណ៍បំផុតរបស់ Vik Muniz ផងដែរ។

៥. Hélio Oiticica

ល្បីបំផុតសម្រាប់ការសម្តែងរបស់គាត់ ខារីអូកា Hélio Oiticica (1937-1980) ក៏បានបន្សល់ទុកឈ្មោះរបស់គាត់ដែលចារឹកក្នុងសិល្បៈប្លាស្ទីកនៅក្នុងស្នាដៃដែលទាក់ទងនឹងគំនូរ និងចម្លាក់។

ឯកសារយោងនៅក្នុង សិល្បៈបេតុង Oiticica បានរៀនមេរៀនសិល្បៈដំបូងរបស់គាត់នៅផ្ទះជាមួយឪពុករបស់គាត់ ដែលជាអ្នកថតរូប និងវិចិត្រករ។

Hélio បានចាប់ផ្តើមបង្កើតស្នាដៃដំបូងរបស់គាត់ ការតាំងពិពណ៌នៅដើមទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1950 ហើយក្នុងទសវត្សរ៍ដូចគ្នានេះ គាត់បានជួបជាមួយអ្នកជំនាញផ្នែក Neoconcretists ផ្សេងទៀតដូចជា Lygia Clark និង Ferreira Gullar។

ដូចសហការីរបស់គាត់ Oiticica ជឿថា សាធារណៈជនគឺជាផ្នែកមួយនៃការងារ សិល្បៈ ហើយវាជាធម្មជាតិដែលគាត់អាចមានអារម្មណ៍ថាបំណែក ប៉ះ ប្រើ ឬសូម្បីតែក្លិននៃការបង្កើតរបស់វិចិត្រករ។

Parangolé ដែលជាស្នាដៃដ៏ល្បីល្បាញបំផុតរបស់គាត់គេស្គាល់ថាមានមួកចម្រុះពណ៌ដែលត្រូវបានពាក់ដោយសាធារណជន។ គំនិតនោះគឺថា នៅពេលរាំជាមួយនាង គម្របនឹងបង្កើតចលនារំដោះ។ . Beatriz Milhazes

Carioca Beatriz Milhazes (1960) ត្រូវបានគេស្គាល់ថាសម្រាប់ គំនូរអរូបីចម្រុះពណ៌ របស់នាង ដែលពោរពេញទៅដោយរាងធរណីមាត្រ បន្ថែមពីលើការប្រើជាញឹកញាប់ arabesques និង ផ្កា។

Beatriz Milhazes មិនត្រឹមតែគូរប៉ុណ្ណោះទេ នាងថែមទាំងបង្កើតការឆ្លាក់ រូបផ្គុំ គំនូរ ការដំឡើង និងឈុតផ្សេងៗ (ជាច្រើនសម្រាប់ប្អូនស្រីរបស់នាង ឈ្មោះ Márcia ដែលគ្រប់គ្រងក្រុមហ៊ុនរាំ)។

បញ្ចប់ការសិក្សា នៅក្នុងការទំនាក់ទំនងសង្គម វិចិត្រករផ្លាស្ទិចបានចាប់ផ្តើមបង្កើតនៅពេលនាងចុះឈ្មោះចូលរៀននៅ Escola de Artes Visuais do Parque Lage។

ភាពជោគជ័យរបស់ជាតិបានមកពីឆ្នាំ 1984 នៅពេលដែលគាត់បានចូលរួមក្នុងការតាំងពិព័រណ៍មួយដែលឧទ្ទិសដល់មនុស្សជំនាន់ 80 នៅ Parque Lage ។ ក្រោយមក Beatriz ក៏ជាផ្នែកមួយនៃទីក្រុង Venice (2003), São Paulo (1998 និង 2004) និង Shanghai (2006) ពីរឆ្នាំទៀត។ ចាប់ពីពេលនោះមក វិចិត្រករផ្លាស្ទិចបានគ្រប់គ្រងការផ្សព្វផ្សាយគំនូររបស់នាងកាន់តែខ្លាំងឡើង ដែលបច្ចុប្បន្នមានបំណែកជាច្រើននៅក្នុងសារមន្ទីរអន្តរជាតិសំខាន់ៗ។ដូចជា MoMa, the Metropolitan, Fondation Cartier និង Guggenheim។

នៅក្នុង Pure Beauty (2006) យើងឃើញគំរូតូចមួយនៃការងាររបស់គាត់។ ស៊ុមត្រូវបានផ្ទុកដោយធាតុធរណីមាត្រនិងពណ៌ជាច្រើន។ ផ្ទាំងក្រណាត់ដែលមានទំហំធំ អនុញ្ញាតឱ្យមានការអានច្រើន និង សំបូរទៅដោយព័ត៌មានលម្អិត ដែលជួយក្នុងការសរសេរព័ត៌មានទាំងមូលដ៏ខ្លាំងក្លា។

ផ្ទាំងក្រណាត់របស់ Beatriz Milhazes ជាទូទៅត្រូវបានសម្គាល់ដោយ សោភ័ណភាពដ៏ចម្លែក ដោយការលើសនៃធាតុ ដោយគ្រឿងតុបតែងដែលប៉ះពាល់ដល់អ្នកមើល។

ប្រសិនបើអ្នកចូលចិត្តស្នាដៃរបស់វិចិត្រករ អ្នកក៏អាចចាប់អារម្មណ៍លើអត្ថបទ The Unmissable Works of Beatriz Milhazes។

៧. Lygia Clark

សិល្បករផ្លាស្ទិចច្នៃប្រឌិតបំផុតមួយនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីលគឺ Lygia Clark (1920-1988) មកពី Minas Gerais ដែលបានបង្កើតស្នាដៃរបស់នាងដោយផ្អែកលើ sensory និងសិល្បៈអន្តរកម្ម ។

Lygia ចង់ឱ្យអ្នកទស្សនាធ្វើអន្តរកម្មជាមួយស្នាដៃដែលបង្កើតដោយនាង និងដើម្បីអាចទទួលយកបទពិសោធន៍នៃទម្រង់ផ្សេងៗនៃស្នាដៃរបស់នាង ដូចករណីដែលបានបង្កើតសម្រាប់ស៊េរី Os Bichos (1960) ។ រូបចម្លាក់លោហធាតុធរណីមាត្រត្រូវបានគូសបញ្ជាក់ និងអនុញ្ញាតឱ្យមានការជួបប្រជុំគ្នាជាច្រើន។

Os Bichos ដែលជាស៊េរីដ៏ល្បីល្បាញបំផុតរបស់វិចិត្រករ ទទួលបានពានរង្វាន់ Lygia សម្រាប់រូបចម្លាក់ជាតិល្អបំផុតក្នុងអំឡុងពេល VI Bienal de São Paulo ។

Lygia Clark ដែលជាផ្នែកមួយនៃ neoconcretism ជឿលើសិល្បៈ រួមបញ្ចូល ដោយអញ្ជើញសាធារណជនឱ្យរៀបចំស្នាដៃ។

ចង់ដឹងបន្ថែមអំពីការងាររបស់សិល្បករ? បន្ទាប់មក សូមចូលទៅកាន់អត្ថបទ Lygia Clark៖ ធ្វើការដើម្បីស្គាល់សិល្បករសហសម័យ។

8. Candido Portinari

វិចិត្រករ អ្នកឆ្លាក់ និងអ្នកគូររូប Candido Portinari (1903-1962) គឺជាឈ្មោះនៅពីក្រោយស្នាដៃដ៏ល្បីល្បាញបំផុតមួយចំនួននៃសិល្បៈប្លាស្ទិកប្រេស៊ីល ដូចជាឧទាហរណ៍។ ផ្ទាំងគំនូរ ហាងកាហ្វេ (1935)។

ដោយជាប់ពាក់ព័ន្ធនយោបាយ វិចិត្រកររូបនេះតែងតែប្រើផ្ទាំងក្រណាត់របស់គាត់ដើម្បី គូររូបពីការលំបាកដែលប្រជាជនប្រេស៊ីលជួបប្រទះ ក្នុងជីវិតប្រចាំថ្ងៃ។

នៅលើអេក្រង់ កាហ្វេ យើងឃើញរយៈពេលមាសនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល ផ្ទុយពីលក្ខខណ្ឌការងារដ៏ធ្ងន់ដែលបុរស និងស្ត្រីដែលពាក់ព័ន្ធក្នុងចម្ការកាហ្វេ។ សូមកត់សម្គាល់ពីរបៀបដែលអវយវៈរបស់កម្មករមិនសមាមាត្រ ដែលគូសបញ្ជាក់ពីកម្លាំងពលកម្មដោយដៃ។

ផ្ទាំងក្រណាត់ដែលយើងបានលើកឡើងគឺនៅឯពិព័រណ៍អន្តរជាតិនៃសិល្បៈសម័យទំនើបនៅទីក្រុងញូវយ៉ក ហើយជាដំបូងគេដែលផ្តល់ពានរង្វាន់អន្តរជាតិដល់វិចិត្រករ។

Portinari គឺជា អ្នកនាំពាក្យសម្រាប់ភាពអយុត្តិធម៌សង្គម ហើយបានព្យាយាមផ្សព្វផ្សាយជាសាធារណៈនូវប្រទេសប្រេស៊ីលដែលត្រូវបានសម្គាល់ដោយវិសមភាពដោយប្រើជក់ និងផ្ទាំងក្រណាត់។

សូមមើលផងដែរនូវអត្ថបទ Candido Portinari៖ ការងារសំខាន់ៗដែលបានវិភាគ។

៩. Di Cavalcanti

វិចិត្រករសម័យថ្មី Di Cavalcanti (1897-1976) គឺជាអ្នកជំនាញក្នុងការគូរ រូបភាពនៃវប្បធម៌ប្រេស៊ីល និងប្រជាជនរបស់យើងពីមួយថ្ងៃទៅមួយថ្ងៃ .

កផ្ទាំងក្រណាត់ Samba (1925) គឺជាគំរូដ៏ល្អនៃការងាររបស់វិចិត្រករ ដែលបានប្រើពណ៌ជាច្រើន និងទទូចលើការគូររូបរាងកាយជាមួយនឹងខ្សែកោងជាច្រើន។ ស្នាដៃរបស់ Di Cavalcanti ត្រូវបានសម្គាល់ជាពិសេសដោយវត្តមានរបស់មនុស្ស ដែលប្រាស្រ័យទាក់ទងគ្នាទៅវិញទៅមកក្នុងន័យត្រេកត្រអាល និង/ឬស្នេហា។

នៅលើផ្ទាំងក្រណាត់ Samba យើងឃើញស៊េរីតួអក្សរធម្មតានៃ វប្បធម៌របស់យើងតំណាងឱ្យបុរសដែលមាន cavaquinho (សំដៅលើ bohemia) និងស្ត្រីដែលមានដើមទ្រូងរបស់ពួកគេបង្ហាញ ដោយរំលឹកពីអារម្មណ៍ត្រេកត្រអាលដែលលេចឡើងជាពិសេសក្នុងអំឡុងពេលពិធីបុណ្យ។

ប្រធានបទដដែលៗផ្សេងទៀតដែល Di Cavalcanti បានគូរពេញមួយជីវិតគឺ favelas, កម្មករ, ស្ត្រីស្បែកខ្មៅ និងពិធីជប់លៀងដ៏ពេញនិយម។

Di Cavalcanti គឺជាឈ្មោះដ៏សំខាន់មួយនៅក្នុងកម្មវិធី Modern Art Week ដោយថែមទាំងបានបង្ហាញពីផ្ទាំងរូបភាព និងកាតាឡុករបស់ព្រឹត្តិការណ៍នេះ។ វិចិត្រកររូបនេះបានចូលរួមជាមួយសហសេវិកសម័យទំនើបផ្សេងទៀតនៅក្នុងដំណើរការនៃការបន្តសិល្បៈប្លាស្ទិកនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីល។

យើងជឿជាក់ថាអ្នកក៏នឹងចាប់អារម្មណ៍លើអត្ថបទ Di Cavalcanti៖ ធ្វើការដើម្បីយល់ពីសិល្បករ។<៦>

១០. Lasar Segall

កើតនៅប្រទេសលីទុយអានី Lasar Segall (1891-1957) បានមកប្រទេសប្រេស៊ីលជាលើកដំបូងក្នុងឆ្នាំ 1923 ដើម្បីទៅលេងគ្រួសាររបស់គាត់ ហើយក្នុងឆ្នាំដដែលនោះបានសម្រេចចិត្ត ដើម្បីតាំងលំនៅជាអចិន្ត្រៃយ៍ក្នុងទីក្រុងសៅប៉ូឡូ។

វិចិត្រករ ជាងចម្លាក់ ជាងចម្លាក់ និងអ្នកព្រាងគឺជាជនជាតិជ្វីហ្វ ហើយបានរកឃើញនៅក្នុងប្រទេសប្រេស៊ីលជាជម្រកដ៏សុវត្ថិភាពមួយឆ្ងាយពីអឺរ៉ុបដែលមានបញ្ហា។

The