12 μεγάλοι Βραζιλιάνοι καλλιτέχνες και τα έργα τους

1. Tarsila do Amaral

Η Ταρσίλα ντο Αμαράλ (1886-1973) θεωρείται μια από τις μεγαλύτερες ζωγράφους της Βραζιλίας. Ήταν υπεύθυνη, για παράδειγμα, για τον περίφημο πίνακα Abaporu ένα από τα σημαντικότερα έργα του πολιτισμού μας.

Η καλλιτέχνης, η οποία γεννήθηκε στο εσωτερικό του Σάο Πάολο (στο Καπιβάρι), ήταν κόρη μιας παραδοσιακής και πλούσιας οικογένειας της περιοχής, η οποία κατείχε πολλά αγροκτήματα.

Παρά το γεγονός ότι γεννήθηκε στη Βραζιλία, η Tarsila έκανε μεγάλο μέρος της καλλιτεχνικής της εκπαίδευσης στην Ευρώπη, αφού μετακόμισε στη Βαρκελώνη σε ηλικία 16 ετών. Εκτός από την Ισπανία, σπούδασε επίσης στο Παρίσι, όπου ήρθε σε επαφή με τη μοντέρνα τέχνη, την οποία αργότερα βοήθησε να μεταφερθεί στη Βραζιλία.

Τα έργα του Ταρσίλα είναι αρκετά διαφορετικά, αλλά μπορούμε να υπογραμμίσουμε ένα κοινό χαρακτηριστικό που είναι την επιθυμία να αναπαραστήσει τους ανθρώπους και τα τοπία της Βραζιλίας Η Tarsila ήταν η ζωγράφος των τροπικών θεμάτων, της αγροτικής Βραζιλίας, αλλά απεικόνιζε επίσης την πόλη που εκσυγχρονιζόταν με τους μετασχηματισμούς που ήταν χαρακτηριστικοί της διαδικασίας εκβιομηχάνισης.

Η ζωγράφος χρησιμοποιούσε συχνά τα χρώματα της εθνικής σημαίας στους καμβάδες της, καθώς και μια σειρά από λαϊκούς χαρακτήρες από τον πολιτισμό μας, όπως για παράδειγμα η cuca.

Παρά το γεγονός ότι έπλεξε πολλά εγκώμια για τη χώρα μας, ο Ταρσίλα δεν παρέλειψε επίσης να κοινωνική κριτική . σε Abaporu , για παράδειγμα, υπογράμμισε την απαξίωση της πνευματικής εργασίας ζωγραφίζοντας ένα μικρό κεφάλι σε αντίθεση με τα τεράστια άκρα.

Όσον αφορά το ύφος, ο Tarsila ξεκίνησε να ζωγραφίζει εικόνες με κυβιστική έμπνευση, αλλά αργότερα προχώρησε σε ένα πιο ρεαλιστικό ύφος και πειραματίστηκε ακόμη και με γεωμετρικά περιγράμματα.

Οι κριτικοί χωρίζουν την παραγωγή του καλλιτέχνη σε τρεις πολύ διαφορετικές φάσεις: Pau-Brasil, Ανθρωποφαγική και Κοινωνική.

Εκμεταλλευτείτε την ευκαιρία να διαβάσετε επίσης το άρθρο Έργα του Tarsila do Amaral που πρέπει να γνωρίζετε.

2. Anita Malfatti

Ένας από τους σημαντικότερους συντελεστές της ανανέωση της ζωγραφικής στη χώρα μας ήταν η Anita Malfatti (1889-1964), κόρη ενός Αμερικανού δασκάλου ζωγραφικής και ενός Ιταλού μηχανικού.

Η Ανίτα, η οποία έχασε τον πατέρα της σε νεαρή ηλικία και αναγκάστηκε να αποφοιτήσει ως δασκάλα πριν από τα 18 της χρόνια, άρχισε να κάνει την πρώτη της δουλειά στις εικαστικές τέχνες επηρεασμένη από τη μητέρα της.

Σε ηλικία 21 ετών πήγε να ζήσει στο Βερολίνο, με τη χορηγία ενός θείου της, όπου ανέπτυξε το ταλέντο της φοιτώντας στην Αυτοκρατορική Ακαδημία Καλών Τεχνών. Στην Ευρώπη η Ανίτα γνώρισε τον κυβισμό και τον εξπρεσιονισμό, που επηρέασαν την τέχνη της.

Εκτός από τη Γερμανία, η ζωγράφος σπούδασε επίσης στη Νέα Υόρκη και το Παρίσι. Όταν επέστρεψε στη Βραζιλία, έκανε το ντεμπούτο της το 1914, συγκεντρώνοντας πολλούς σημαντικούς φίλους στον καλλιτεχνικό κόσμο, όπως ο Di Cavalcanti.

Η Ανίτα έγινε ένα από τα μεγάλα ονόματα της σύγχρονης ζωγραφικής, αποσπώντας επαίνους, αλλά και κριτική, όπως αυτή του Μοντέιρο Λομπάτο.

Ο ανόητος ένας από τους πιο διάσημους πίνακές του, ζωγραφίστηκε μεταξύ 1915 και 1916 και περιλαμβάνει κυβιστικά και φουτουριστικά στοιχεία. η επιρροή του εξπρεσιονισμού για την αξιοποίηση της αντίθεσης μεταξύ των χρωμάτων και την ενίσχυση ενός μοναχικού, ενδεχομένως αγωνιώδους χαρακτήρα.

Η Ανίτα ήταν επαναστατική στη Βραζιλία - και επίσης πολύ επικριτική - εγκαταλείποντας τον ρεαλισμό και αναδεικνύοντας στα έργα της τα χαρακτηριστικά που θεωρούσε ότι ήταν τα πιο εκφραστικά, ακόμη και αν, για να το πετύχει αυτό, έπρεπε να απομακρυνθεί από την πραγματικότητα και να χρησιμοποιήσει απροσδόκητα χρώματα.

Ο ζωγράφος ενδιαφερόταν ιδιαίτερα για καθημερινά θέματα Το έργο του ήρθε σε ρήξη με την ακαδημαϊκή αυστηρότητα που επικρατούσε στη δική του και στις προηγούμενες γενιές.

Συνιστούμε να διαβάσετε το άρθρο Anita Malfatti: έργα και βιογραφία.

3. Adriana Varejão

Η Adriana Varejão (1964) είναι ένα από τα μεγαλύτερα ονόματα των σύγχρονων εικαστικών τεχνών, με έργα όχι μόνο στη ζωγραφική, αλλά και στη γλυπτική, τη φωτογραφία και την εγκατάσταση.

Γεννημένη στο Ρίο ντε Τζανέιρο, η νεαρή γυναίκα φοίτησε στην Escola de Artes Visuais do Parque Lage το 1983 και σύντομα άνοιξε το πρώτο της στούντιο στη νότια ζώνη του Ρίο ντε Τζανέιρο.

Στις αρχές της καριέρας της η Αντριάνα ταξίδεψε στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ανέπτυξε την προσωπική της γλώσσα. Βραβεύτηκε στη Βραζιλία και στο εξωτερικό ο καλλιτέχνης έχει δημιουργήσει μια ποικιλία έργων που ταξιδεύουν μέσα από διαφορετικά στυλ και μέσα.

Το έργο Ερείπια κρέατος είναι ένα παράδειγμα για πολλά από αυτά που μπορεί να βρει κανείς στο έργο του καλλιτέχνη: έργα που δουλεύουν με την ιδέα αυτού που απομένει (τα απομεινάρια), της βίας, του κανιβαλισμού, της καταστροφής, της ιστορίας και του μνημείου. Υπάρχει επίσης πολύ μπαρόκ επιρροή στις δημιουργίες της με την παρουσία πλακιδίων, τα οποία έχουν γίνει ένα είδος εμπορικού σήματος της καλλιτέχνιδας.

Σήμερα είναι ήδη δυνατό να βρει κανείς το έργο του σε μεγάλα κέντρα όπως το Λονδίνο (Tate Modern), η Νέα Υόρκη (Guggenheim) και το Τόκιο (Μουσείο Hara). Στη Βραζιλία, τα περισσότερα έργα του βρίσκονται στο Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης Inhotim στο Minas Gerais.

4. Vik Muniz

Γεννημένος στο Σάο Πάολο, ο Vik Muniz (γεν. 1961) έκανε καριέρα στις Ηνωμένες Πολιτείες και έγινε γνωστός για τη χρήση ασυνήθιστων και καθημερινών υλικών, όπως ζελέ και κρέμα φιστικιού, στα έργα του.

Με πτυχίο στη διαφήμιση, ο νεαρός πήγε στις Ηνωμένες Πολιτείες για να δοκιμάσει τη ζωή του όταν ήταν 22 ετών.

Εκτός από τα έργα όπου αναδημιουργεί διάσημες εικόνες όπως η Μόνα Λίζα ή πορτρέτα του Φρόιντ και του Τσε Γκεβάρα, ο Vik Muniz αναπτύσσει επίσης ένα 100% πρωτότυπο έργο βασισμένο σε απροσδόκητα υλικά .

Το κύριο χαρακτηριστικό γνώρισμα του έργου του Vik Muniz είναι η σύνθεση από φθαρτά υλικά που συνήθως δεν χρησιμοποιούνται στο καλλιτεχνικό μέσο, όπως κέτσαπ, ζάχαρη, φασόλια, καφές και σκουπίδια. Υπάρχει επίσης μια έντονη κοινωνική συνείδηση Στις δημιουργίες του, ο καλλιτέχνης είναι ένας προβοκάτορας που επιθυμεί να καλέσει το κοινό του να σκεφτεί.

Ο Vik Muniz επιδιώκει, μέσω των έργων του, να επιστήσει την προσοχή τόσο στα κοινωνικά όσο και στα περιβαλλοντικά προβλήματα της εποχής μας. Ένα από τα πιο διάσημα έργα του καταγράφηκε στο ντοκιμαντέρ Έκτακτα απόβλητα (2010).

Πιστεύουμε ότι θα απολαύσετε επίσης την ανάγνωση του άρθρου Οι πιο εντυπωσιακές δημιουργίες του Vik Muniz.

5. Hélio Oiticica

Γνωστός για τις παραστάσεις του, ο καριόκας Hélio Oiticica (1937-1980) άφησε επίσης το όνομά του χαραγμένο στις πλαστικές τέχνες με έργα που συνδέονται με τη ζωγραφική και τη γλυπτική.

Μια αναφορά του τέχνη του σκυροδέματος Ο Oiticica πήρε τα πρώτα μαθήματα τέχνης στο σπίτι από τον πατέρα του, ο οποίος ήταν φωτογράφος και ζωγράφος.

Ο Hélio άρχισε να κάνει τις πρώτες του εκθέσεις στις αρχές της δεκαετίας του 1950 και την ίδια δεκαετία συναντήθηκε με άλλους καλλιτέχνες του Νεο-Σκυροδέματος, όπως ο Lygia Clark και ο Ferreira Gullar.

Όπως και οι συνάδελφοί του, ο Oiticica πίστευε ότι το κοινό ήταν μέρος του έργου καλλιτεχνικό, και ήταν φυσικό να μπορείς να αισθανθείς το έργο, να αγγίξεις, να φορέσεις ή ακόμα και να μυρίσεις τη δημιουργία του καλλιτέχνη.

Parangolé το πιο γνωστό της έργο, αποτελούνταν από πολύ πολύχρωμες κάπες που φορούσαν οι θεατές. Η ιδέα ήταν ότι, χορεύοντας μαζί της, οι κάπες θα έκαναν μια απελευθερωτική κίνηση.

Πιστεύουμε ότι θα σας ενδιαφέρει επίσης το άρθρο Hélio Oiticica: έργα για την κατανόηση της πορείας του.

6. Beatriz Milhazes

Η καριόκα Beatriz Milhazes (1960) είναι γνωστή για την πολύχρωμοι, αφηρημένοι πίνακες Είναι γεμάτα γεωμετρικά σχήματα και συχνά χρησιμοποιούν αραβουργήματα και λουλούδια.

Η Beatriz Milhazes δεν ζωγραφίζει μόνο, αλλά δημιουργεί επίσης χαρακτικά, κολάζ, εικονογραφήσεις, εγκαταστάσεις και σκηνικά (πολλά για την αδελφή της, Márcia, η οποία είναι επικεφαλής μιας ομάδας χορού).

Με πτυχίο στην Κοινωνική Επικοινωνία, η καλλιτέχνης άρχισε να δημιουργεί όταν γράφτηκε στην Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

Η εθνική επιτυχία ήρθε το 1984, όταν έλαβε μέρος σε μια έκθεση αφιερωμένη στη γενιά του '80 στο Parque Lage. Αργότερα, η Beatriz έλαβε επίσης μέρος στις μπιενάλε της Βενετίας (2003), του Σάο Πάολο (1998 και 2004) και της Σανγκάι (2006). Από τότε, η καλλιτέχνης έχει καταφέρει να αποκαλύψει όλο και περισσότερο τη ζωγραφική της, έχοντας μια σειρά έργων σε σημαντικά διεθνή μουσεία, όπως τοMoMa, Metropolitan, Fondation Cartier και Guggenheim.

Στο Αγνή ομορφιά (2006) είναι ένα μικρό δείγμα της δουλειάς του. Ο πίνακας είναι φορτωμένος με γεωμετρικά στοιχεία και πολλά χρώματα. Ο καμβάς, μεγάλων διαστάσεων, επιτρέπει πολλαπλές αναγνώσεις και είναι πλούσια σε λεπτομέρειες που συμβάλλουν στη σύνθεση ενός έντονου συνόλου, γεμάτου πληροφορίες.

Οι πίνακες της Beatriz Milhazes χαρακτηρίζονται, γενικά, από την αισθητική του μπαρόκ, από την υπερβολή των στοιχείων, από τα στολίδια που επηρεάζουν τον θεατή.

Αν σας αρέσει το έργο του καλλιτέχνη, ίσως σας ενδιαφέρει και το άρθρο The unmissable works of Beatriz Milhazes.

7. lygia Clark

Μια από τις πιο καινοτόμες εικαστικές καλλιτέχνιδες της Βραζιλίας ήταν η Lygia Clark (1920-1988) από το Minas Gerais, η οποία δημιούργησε το έργο της με βάση ένα αισθητηριακή και διαδραστική τέχνη .

Η Lygia ήθελε οι θεατές να αλληλεπιδρούν με τα έργα που δημιούργησε και να μπορούν να βιώσουν τις διάφορες μορφές της δουλειάς της, όπως συμβαίνει με τα έργα που δημιουργήθηκαν για τη σειρά Το Σφάλματα (1960) Τα γεωμετρικά μεταλλικά γλυπτά είναι αρθρωτά και επιτρέπουν διάφορες συναρμολογήσεις.

Τα ζωύφια Η πιο διάσημη σειρά του καλλιτέχνη, Lygia, τιμήθηκε με το βραβείο καλύτερης εθνικής γλυπτικής κατά τη διάρκεια της VI Bienal του Σάο Πάολο.

Η Lygia Clark, η οποία ήταν μέρος του νεοσυντηρητισμού, πίστευε σε μια τέχνη χωρίς αποκλεισμούς που καλούσε το κοινό να χειριστεί τα κομμάτια.

Θέλετε να μάθετε περισσότερα για το έργο της καλλιτέχνιδας; Τότε μεταβείτε στο άρθρο Lygia Clark: έργα για να γνωρίσετε τη σύγχρονη καλλιτέχνιδα.

8. candido Portinari

Ο ζωγράφος, χαράκτης και εικονογράφος Candido Portinari (1903-1962) είναι το όνομα πίσω από μερικά από τα πιο διάσημα έργα των βραζιλιάνικων πλαστικών τεχνών, όπως ο πίνακας Καφές (1935).

Πολιτικά δεσμευμένος, ο ζωγράφος χρησιμοποιούσε συχνά τους καμβάδες του για να απεικονίζουν τις δυσκολίες που αντιμετωπίζουν οι Βραζιλιάνοι σε καθημερινή βάση.

Στην οθόνη Καφές Βλέπουμε μια χρυσή περίοδο της Βραζιλίας σε αντίθεση με τις σκληρές συνθήκες εργασίας που αντιμετωπίζουν οι άνδρες και οι γυναίκες που εργάζονται στη φυτεία καφέ. Προσέξτε πώς τα άκρα των εργατών είναι δυσανάλογα, τονίζοντας τη χειρωνακτική εργασία.

Ο καμβάς που αναφέραμε βρισκόταν στη Διεθνή Έκθεση Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη και ήταν ο πρώτος που χάρισε στον ζωγράφο ένα διεθνές βραβείο.

Ο Portinari ήταν ένας εκπρόσωπος των κοινωνικών αδικιών και προσπάθησε να αποκαλύψει μια Βραζιλία που χαρακτηρίζεται από ανισότητα χρησιμοποιώντας το πινέλο και τον καμβά.

Ανακαλύψτε επίσης το άρθρο Candido Portinari: τα κυριότερα έργα που αναλύθηκαν.

9. Di Cavalcanti

Ο μοντερνιστής καλλιτέχνης Ντι Καβαλκάντι (1897-1976) ήταν δάσκαλος στη ζωγραφική του πορτρέτα του βραζιλιάνικου πολιτισμού και την καθημερινή ζωή του λαού μας.

Η οθόνη Samba (1925) είναι ένα καλό παράδειγμα της δουλειάς του ζωγράφου, ο οποίος χρησιμοποίησε πολλά χρώματα και έδωσε έμφαση στη ζωγραφική σωμάτων με πολλές καμπύλες. Τα έργα του Di Cavalcanti χαρακτηρίζονται ιδιαίτερα από την παρουσία ανθρώπων, οι οποίοι αλληλεπιδρούν μεταξύ τους με αισθησιακό ή/και ερωτικό τρόπο.

Στην οθόνη Samba Βλέπουμε μια σειρά από χαρακτηριστικές φιγούρες του πολιτισμού μας, όπως ο άντρας με το cavaquinho (που παραπέμπει στην περίοδο της μποέμικης περιόδου) και οι γυναίκες με τα στήθη τους να κρέμονται έξω, θυμίζοντάς μας τον αισθησιασμό που αναδύεται ιδιαίτερα κατά την περίοδο του καρναβαλιού.

Άλλα επαναλαμβανόμενα θέματα που ζωγράφιζε ο Di Cavalcanti καθ' όλη τη διάρκεια της ζωής του ήταν οι φαβέλες, οι εργάτες, οι μαύρες γυναίκες και τα λαϊκά φεστιβάλ.

Ο Di Cavalcanti ήταν σημαντική μορφή της Εβδομάδας Μοντέρνας Τέχνης και εικονογράφησε την αφίσα και τον κατάλογο της εκδήλωσης. Μαζί με άλλους συναδέλφους του μοντερνιστές, ο καλλιτέχνης συμμετείχε στη διαδικασία ανανέωσης των πλαστικών τεχνών στη Βραζιλία.

Πιστεύουμε ότι θα σας ενδιαφέρει επίσης το άρθρο Di Cavalcanti: έργα για την κατανόηση του καλλιτέχνη.

10. Lasar Segall

Γεννημένος στη Λιθουανία, ο Lasar Segall (1891-1957) ήρθε για πρώτη φορά στη Βραζιλία το 1923 για να επισκεφθεί την οικογένειά του και την ίδια χρονιά αποφάσισε να εγκατασταθεί μόνιμα στο Σάο Πάολο.

Ο ζωγράφος, γλύπτης, χαράκτης και σχεδιαστής ήταν Εβραίος και βρήκε στη Βραζιλία ένα ασφαλές καταφύγιο μακριά από την ταραγμένη Ευρώπη.

Το έργο του χαρακτηρίστηκε από μοντέρνα αισθητική και έπινε πολύ από την ευρωπαϊκή πρωτοπορία.

Μεταξύ των πιο συχνών θεμάτων του ήταν η μετανάστευση, οι περιθωριοποιημένοι και τα τροπικά τοπία που συνάντησε στη Βραζιλία. κοινωνική ανισότητα, βία και φτώχεια .

Στο Προφίλ του Zulmira (1928) βλέπουμε το πορτρέτο μιας γυναίκας σε ένα αφηρημένο, γεωμετρικό φόντο. Οι κυβιστικές και μοντερνιστικές επιρροές διακρίνονται στο φόντο καθώς και στα περιγράμματα του πρωταγωνιστή. Αυτά τα χαρακτηριστικά ήταν πολύ παρόντα στους Βραζιλιάνους ζωγράφους της γενιάς του μοντερνισμού.

11. Alfredo Volpi

Γνωστός ως ο δάσκαλος των σημαιών, ο Alfredo Volpi (1896-1988) ήταν ένας καλλιτέχνης που ξεχώρισε στη Δεύτερη Γενιά της Μοντέρνας Τέχνης.

Πολλοί από τους καμβάδες του φέρουν σημαίες και τυπικές εικόνες της βραζιλιάνικης κουλτούρας όπως, για παράδειγμα, η γοργόνα.

Στο πλαίσιο Γοργόνα (1960) βλέπουμε τον εθνικό λαϊκό χαρακτήρα να απεικονίζεται με απλά περιγράμματα, σε μια φαινομενικά παιδική άσκηση. Ειδικά σε αυτόν τον πίνακα, ο Volpi δεν κάνει χρήση πολλών χρωμάτων, μένοντας μόνο στις αποχρώσεις του μπλε, του πράσινου, του μαύρου και του λευκού. Σε πολλά έργα του όμως υπάρχει χρήση πιο ποικίλων χρωμάτων.

Αν και γεννήθηκε στην Τοσκάνη (Ιταλία), ο Volpi ήρθε στη Βραζιλία με τους γονείς του σε ηλικία ενάμισι έτους. Το 1911 άρχισε να ζωγραφίζει πίνακες και τοιχογραφίες στα αρχοντικά του Σάο Πάολο και σύντομα πέρασε στη ζωγραφική.

Η αναγνώριση ως σπουδαίου ζωγράφου ήρθε μόλις το 1940, αφού κέρδισε έναν διαγωνισμό για το IPHAN.

Αν θέλετε να μάθετε περισσότερα για τον Βραζιλιάνο ζωγράφο διαβάστε επίσης το άρθρο Τα έργα και η βιογραφία του Alfredo Volpi.

12. Romero Britto

Ο πιο δημοφιλής σύγχρονος Βραζιλιάνος ζωγράφος είναι αναμφίβολα ο Romero Britto (1963). Ο Βραζιλιάνος που έφυγε από το Ρεσίφε έκανε καριέρα στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ζει ακόμη στο Μαϊάμι.

Με ένα αλάνθαστο πολύχρωμο νεο-κουβιστικό ποπ στυλ Ο καλλιτέχνης, ο οποίος εμπνέεται από τον Πικάσο, έχει έργα διασκορπισμένα σε διάφορες χώρες του κόσμου, όπως η Ελβετία, το Ισραήλ και η Γαλλία.

Εκτός από πίνακες ζωγραφικής, ο Romero Britto κάνει επίσης εγκαταστάσεις και γλυπτά σε δημόσιους και ιδιωτικούς χώρους.

Η τεχνοτροπία της Περναμπουκανίας χαρακτηρίζεται από ζωηρά χρώματα, το γεωμετρικά και ασύμμετρα σχήματα και ότι είναι μια τέχνη εύκολα κατανοητή για το ευρύ κοινό - όπως φαίνεται από το Καρδιά παιδιών .

Τι γίνεται με το άρθρο Romero Britto: έργα και βιογραφία;