Τι είναι η Naïf Art και ποιοι είναι οι κύριοι καλλιτέχνες

Τέχνη Naïf είναι μια καλλιτεχνική έκφραση που πραγματοποιείται από αυτοδίδακτους ανθρώπους, με την οποία εκφράζουν το παγκόσμιο όραμά τους, συνήθως τοπικιστικό, απλό και ποιητικό.

Έτσι, εργάζονται κυρίως με αυθορμητισμό και θέματα από το λαϊκό σύμπαν.

Η λέξη αφελής έχει γαλλική προέλευση, που σημαίνει "αφελής". Ως εκ τούτου, αυτή η εκδήλωση μπορεί επίσης να θεωρηθεί ως "αθώα τέχνη".

Ονομάζεται επίσης "σύγχρονη πρωτόγονη τέχνη", επειδή το χαρακτηριστικό της είναι η άτυπη έκφρασή της από τεχνική και παραδοσιακή άποψη.

Χαρακτηριστικά του Τέχνη Naïf

Υπάρχουν ορισμένα στοιχεία που μπορούν να βρεθούν σε πολλές από τις παραγωγές του τέχνη n aïf Γενικά οι καλλιτέχνες αυτοί, των οποίων η αγαπημένη έκφραση είναι η ζωγραφική, παρουσιάζουν εικόνες με χρωματικές υπερβολές, χρησιμοποιώντας έντονα χρώματα .

Υπάρχει επίσης μια προτίμηση για χαρούμενα θέματα, ωστόσο αυτό δεν αποτελεί κανόνα. δημοφιλή θέματα , που απεικονίζουν επίσης συχνά εορταστικές και συλλογικές εκδηλώσεις.

Σημειώνεται η απουσία βάθους και προοπτικής, τονίζοντας την δισδιάστατο των σκηνών, καθώς και των εικονιστικών και πληθωρικότητα λεπτομερώς Επιπλέον, η φύση απεικονίζεται συνήθως με εξιδανικευμένο τρόπο.

Μπορούμε επίσης να αναφέρουμε τον αυθορμητισμό, την αφέλεια, την έλλειψη επιτήδευσης και την ακαδημαϊκή κατάρτιση.

Καλλιτέχνες από Τέχνη Naïf

Πολλοί άνδρες και γυναίκες έχουν αφιερώσει μέρος της ζωής τους στην τέχνη n aïf Στις ΗΠΑ, για παράδειγμα, η Anna Mary Robertson (1860-1961), η οποία είχε το παρατσούκλι Grandma Moses και αναγνωρίστηκε μόνο σε μεγάλη ηλικία.

Άλλοι Βορειοαμερικανοί στον τομέα αυτό είναι οι John Kane (1860-1934) και H. Poppin (1888-1947), ενώ στην Αγγλία υπάρχει ο καλλιτέχνης Alfred Wallis (1855-1942).

Henri Rousseau

Ο Henri Rousseau (1844-1910) ήταν τελωνειακός υπάλληλος που απολάμβανε τη ζωγραφική στον ελεύθερο χρόνο του. Η τέχνη του αντανακλούσε την απλή ζωή, δημιουργώντας έντονες εικόνες με απλά, καθαρά χρώματα, εντελώς διαφορετικές από την εξεζητημένη τέχνη του καλλιτεχνικού ακαδημαϊκού κύκλου.

Μια ημέρα καρναβαλιού του Henri Rousseau, εκτέθηκε στο Salon des Indépendants το 1886

Γι' αυτόν ακριβώς τον λόγο, οι μοντερνιστές καλλιτέχνες είδαν σε αυτήν τη δυνατότητα να δημιουργήσουν χωρίς φορμαλισμό, γεγονός που οδήγησε σε έναν αυθορμητισμό και μια ποίηση που ήταν πολύ επιθυμητές.

Séraphine Louis

Η Séraphine Louis (1864-1946), γνωστή και ως Séraphine de Senlis, ήταν μια ταπεινή γυναίκα με λίγους οικονομικούς πόρους που εργαζόταν καθαρίζοντας τα σπίτια άλλων ανθρώπων.

Δέντρο του Παραδείσου (1930), καμβάς του Séraphine Louis

Το χόμπι της στον ελεύθερο χρόνο της ήταν η ζωγραφική. Της άρεσε να δημιουργεί καμβάδες με πολύχρωμα φυτικά θέματα και γεμάτους λεπτομέρειες, πάντα με αναφορές στη φύση.

Ήταν ο ερευνητής τέχνης Βίλχελμ Ούντε που την ανακάλυψε το 1902 και, έκτοτε, οι πίνακές της αποτελούσαν μέρος εκθέσεων τέχνης. Σήμερα το έργο της είναι αναγνωρισμένο σε όλο τον κόσμο, σε τέτοιο βαθμό που το 2008 γυρίστηκε μια ταινία που αφηγείται την ιστορία της, με τίτλο Séraphine .

Louis Vivin

Ο Louis Vivin (1861-1936) ήταν ένας Γάλλος που εργαζόταν στο ταχυδρομείο και στον ελεύθερο χρόνο του αφοσιωνόταν στη ζωγραφική. Ήταν επίσης ο Γερμανός Wilhelm Uhde που πρώτος παρατήρησε το ταλέντο του και εξέθεσε τα έργα του.

Βενετία: Άποψη του καναλιού με την εκκλησία από τον Louis Vivin

Οι καμβάδες του φέρνουν θέματα της καθημερινής ζωής και της πόλης, με τη χρήση μιας ασαφούς προοπτικής, η οποία προσδίδει στη σκηνή έναν αθώο χαρακτήρα. Με το πέρασμα των χρόνων και την αναγνώριση, ο Vivin κατάφερε να εγκαταλείψει την επίσημη εργασία και να ζήσει από την τέχνη.

Τέχνη Naïf στη Βραζιλία

Chico da Silva

Ο Francisco Domingos da Silva (1910-1985) γεννήθηκε στο Άκρε και πέθανε στο Σεαρά. Ημι-αναλφάβητος, εργάστηκε σε διάφορα επαγγέλματα, ενώ άσκησε την τέχνη του ζωγραφίζοντας σπίτια ψαράδων στη Φορταλέζα.

Το μεγάλο πουλί (1966), του Chico da Silva

Τη δεκαετία του 1940 έλαβε ενθάρρυνση από τον Jean Pierre Chabloz, έναν Ελβετό ζωγράφο, και άρχισε να εμβαθύνει τις γνώσεις του στη ζωγραφική και να εκθέτει το έργο του. Τα θέματα των καμβάδων του κυμαίνονταν από δράκους, γοργόνες, μυθικές μορφές και άλλες σκηνές που διαπερνούσαν τη φαντασία του.

Εισήχθη σε ψυχιατρική κλινική για τρία χρόνια και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δεν παρήγαγε έργα, ενώ επέστρεψε στη ζωγραφική στο τέλος της ζωής του, το 1981.

Djanira

Η καλλιτέχνις Djanira da Motta e Silva (1914-1979) γεννήθηκε στην ενδοχώρα του Σάο Πάολο. Το 1937 άρχισε να ζωγραφίζει και να σχεδιάζει ενώ ήταν έγκλειστη λόγω φυματίωσης σε σανατόριο στο Σάο Ζοζέ ντος Κάμπος.

Candomblé (1957), από την Djanira

Στη δεκαετία του 1940 ήρθε σε επαφή με μοντέρνους καλλιτέχνες και εντατικοποίησε την παραγωγή της. Η καλλιτέχνις παρουσιάζει ένα έργο που αναμειγνύει τον τοπικισμό και τη θρησκευτικότητα, καθώς και τις αναμνήσεις της, καρπούς του παρελθόντος της ως εργάτρια στα χωράφια.

Ο συγγραφέας Jorge Amado προσδιόρισε κάποτε το έργο της Djanira ως εξής:

Η Djanira κρατάει τη Βραζιλία στα χέρια της, η επιστήμη της είναι αυτή των ανθρώπων, η γνώση της είναι αυτή μιας καρδιάς ανοιχτής στο τοπίο, στο χρώμα, στο άρωμα, στις χαρές, στους πόνους και στις ελπίδες των Βραζιλιάνων.

Όντας μια από τις μεγάλες ζωγράφους του τόπου μας, είναι κάτι περισσότερο από αυτό, είναι η ίδια η γη, το έδαφος όπου φυτρώνουν οι φυτείες, το έδαφος της macumba, οι κλωστικές μηχανές, ο άνθρωπος που αντιστέκεται στη μιζέρια. Κάθε ένας από τους καμβάδες της είναι ένα κομμάτι της Βραζιλίας.

Δάσκαλος Vitalino

Ο Vitalino Pereira dos Santos (1909 -1963) ήταν ένας Περναμπουκάνος που αφιερώθηκε στη λαϊκή τέχνη, ιδίως στην κεραμική, αλλά και στη μουσική.

Οι γονείς του ήταν αγρότες και ο Βιταλίνο, όταν ήταν παιδί, έπαιρνε τα υπολείμματα πηλού που χρησιμοποιούσε η μητέρα του για την παραγωγή χρηστικών αντικειμένων και με αυτά διαμόρφωνε μικρά ζώα και άλλες φιγούρες.

Γλυπτική από πηλό, από τον Mestre Vitalino

Συνέχισε να δουλεύει με πηλό, αλλά μόλις το 1947 έγινε γνωστό το έργο του μέσω μιας έκθεσης. Το έργο του εξέφραζε το σύμπαν των backlands της βορειοανατολικής χώρας, με φιγούρες ληστών, ζώων και οικογενειών.

Είναι ένας από τους πιο γνωστούς Βραζιλιάνους λαϊκούς καλλιτέχνες, με έργα που έχουν εκτεθεί στο MASP (Μουσείο Τέχνης του Σάο Πάολο), στο Μουσείο του Λούβρου στο Παρίσι, μεταξύ άλλων ιδρυμάτων.

Προέλευση του Τέχνη Naïf

Αν και πάντα υπήρχαν ερασιτέχνες καλλιτέχνες, η αρχή του στυλ αφελής με τον τρόπο με τον οποίο σχεδιάστηκε σχετίζεται με τον Γάλλο καλλιτέχνη Henri Rousseau (1844-1910).

Ο γόης του φιδιού (1907), του Henri Rousseau

Αυτός ο ζωγράφος εξέθεσε μερικούς πίνακες στο Σαλόνι Ανεξαρτήτων το 1886 στη Γαλλία και κέρδισε την αναγνώριση μερικών από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες, όπως ο Paul Gauguin (1848-1903), ο Pablo Picasso (1881-1973), ο Léger (1881-1955) και ο Joan Miró (1893-1983).

Οι μοντερνιστές εντυπωσιάστηκαν από τον τρόπο με τον οποίο ο Ρουσσώ έλυνε αισθητικά ζητήματα χωρίς τυπική μόρφωση. Οι πίνακές του είχαν ένα απλό και ποιητικό σφρίγος, με "παιδική" αυθεντικότητα, παρουσιάζοντας θέματα από το λαϊκό περιβάλλον.

Οι άνθρωποι που ασκούσαν την τέχνη τους ως χόμπι Τους αποκαλούσαν "Κυριακάτικους ζωγράφους" και, όπως και ο Ρουσσώ, δεν ήταν προσηλωμένοι στις παραδόσεις, φτιάχνοντας πίνακες πιο ελεύθερους και πιο σύμφωνους με την πραγματικότητα του "απλού ανθρώπου".

Εξαιτίας αυτού, αυτός ο τρόπος ζωγραφικής καταλήγει να επηρεάζει άλλους καλλιτέχνες, οι οποίοι κατά κάποιο τρόπο απαρνούνται τεχνικά και θεωρητικά προτάγματα, επιδιώκοντας την κατανόηση όλων των ακροατηρίων, ιδίως των απλών ανθρώπων.

Ένα σημαντικό όνομα για την αναγνώριση της αφελής τέχνη ήταν ο Wilhelm Uhde (1874 - 1947), Γερμανός κριτικός τέχνης, ο οποίος το 1928 προώθησε την πρώτη έκθεση του στυλ στο Παρίσι.

Στην έκθεση συμμετείχαν οι: Rousseau, Luis Vivin (1861-1936), Séraphine de Senlis (1864-1942), André Bauchant (1837-1938) και Camille Bombois (1883-1910).