Mục lục
Nghệ thuật ngây thơ là một biểu hiện nghệ thuật được thực hiện bởi những người tự học, trong đó họ thể hiện tầm nhìn của họ về thế giới, nói chung là theo chủ nghĩa khu vực, đơn giản và thơ mộng.
Vì vậy, họ làm việc chủ yếu với tính tự phát và chủ đề của vũ trụ phổ biến.
Từ naïf có nguồn gốc từ tiếng Pháp, có nghĩa là "ngây thơ". Do đó, biểu hiện này cũng có thể được coi là một "nghệ thuật ngây thơ".
Nó còn được gọi là "nghệ thuật nguyên thủy hiện đại", vì nó được đặc trưng bởi sự thể hiện không chính thức của quan điểm kỹ thuật và truyền thống.
Đặc điểm của Nghệ thuật Ngây thơ
Có một số yếu tố có thể tìm thấy trong nhiều tác phẩm của nghệ thuật n aif . Thông thường, những nghệ sĩ này, với cách thể hiện yêu thích là hội họa, thể hiện những hình ảnh có sắc thái quá mức, sử dụng màu sắc đậm .
Vẫn có sở thích về các chủ đề vui vẻ, tuy nhiên đây không phải là quy tắc . Các chủ đề phổ biến , mô tả các lễ hội và sự kiện tập thể cũng xuất hiện thường xuyên.
Việc thiếu chiều sâu và phối cảnh được ghi nhận, nhấn mạnh tính hai chiều của các cảnh, trong ngoài các dấu vết tượng hình và hoa lệ trong chi tiết . Ngoài ra, thiên nhiên thường được miêu tả một cách lý tưởng hóa.
Cũng có thể kể đến sự bộc phát, ngây thơ, thiếu tinh tế và không được đào tạo bài bản.
Các nghệ sĩ của Art Naïf
Nhiều đàn ông và phụ nữ đã cống hiến một phần cuộc đời của họ cho nghệ thuật n aïf . Ví dụ, ở Hoa Kỳ, chúng ta có Anna Mary Robertson (1860-1961), người lấy biệt danh là Bà nội Moses và chỉ được công nhận khi về già.
Những người Bắc Mỹ khác thuộc nhóm này là John Kane (1860 -1934) và H. Poppin (1888-1947). Ở Anh có danh họa Alfred Wallis (1855-1942).
Henri Rousseau
Henri Rousseau (1844-1910) là một viên chức hải quan, lúc rảnh rỗi thích vẽ tranh . Nghệ thuật của anh phản ánh cuộc sống bình dị, với sự sáng tạo bằng hình ảnh trong sáng, màu sắc đơn giản và trong sáng, khác hẳn với nghệ thuật cầu kỳ của giới nghệ thuật hàn lâm.
Một ngày lễ hội , của Henri Rousseau, được trưng bày tại Salon des Independents năm 1886
Chính vì lý do này, các nghệ sĩ theo chủ nghĩa hiện đại đã nhìn thấy ở ông khả năng sáng tạo không theo chủ nghĩa hình thức, điều này dẫn đến tính tự phát và chất thơ rất được mong muốn.
Séraphine Louis
Séraphine Louis(1864-1946) còn được gọi là Séraphine de Senlis. Cô ấy là một phụ nữ khiêm tốn, ít tài chính, làm công việc dọn dẹp nhà cửa cho người khác.
Tree of Paradise (1930), canvas của Séraphine Louis
Sở thích của anh ấy khi rảnh rỗi là vẽ tranh. Cô ấy thích tạo các màn hình có chủ đề hoa rất sặc sỡ và đầy chi tiết, luôn có liên quan đếnthiên nhiên.
Chính nhà nghiên cứu nghệ thuật Wilhelm Uhde đã phát hiện ra nó vào năm 1902 và từ đó trở đi, các bức tranh sơn dầu của ông là một phần của các cuộc triển lãm nghệ thuật. Hiện tại, tác phẩm của nghệ sĩ được công nhận trên toàn thế giới, đến nỗi một bộ phim đã được thực hiện vào năm 2008 kể về câu chuyện của cô, mang tên Séraphine .
Louis Vivin
Louis Vivin (1861-1936) là một người Pháp làm việc trong bưu điện và dành thời gian rảnh rỗi để vẽ tranh. Người Đức Wilhelm Uhde cũng là người đầu tiên chú ý đến tài năng của anh ấy và đưa các tác phẩm của anh ấy vào triển lãm.
Xem thêm: 21 bộ phim hài Brazil hay nhất mọi thời đại
Venice: quang cảnh kênh đào với nhà thờ , của Louis Vivin
Tranh sơn dầu của anh ấy mang các chủ đề từ cuộc sống hàng ngày và thành phố, với việc sử dụng phối cảnh không chính xác, mang lại cho khung cảnh một nét hồn nhiên. Qua nhiều năm và được công nhận, Vivin đã xoay sở để rời bỏ công việc chính thức và kiếm sống bằng nghệ thuật.
Naïve Art ở Brazil
Chico da Silva
Francisco Domingos da Silva (1910-1985) sinh ra ở Acre và mất ở Ceará. Gần như mù chữ, ông làm nhiều nghề khác nhau, đồng thời thực hành nghệ thuật của mình bằng cách vẽ tranh cho những ngôi nhà của ngư dân ở Fortaleza.
The Great Bird (1966), của Chico da Silva
Vào những năm 1940, ông nhận được sự khuyến khích từ Jean Pierre Chabloz, một họa sĩ người Thụy Sĩ, và bắt đầu nghiên cứu sâu hơn về hội họa và các tác phẩm triển lãm. Các chủ đề trong tranh của anh trải dài từ rồng, nàng tiên cá, nhân vật thần thoại và những cảnh khác thấm nhuần trí tưởng tượng của anh.
Xem thêm: Hai Fridas của Frida Kahlo (và ý nghĩa của chúng)Anh bị giam giữ trong một trại giam.bệnh viện tâm thần trong ba năm, trong thời gian đó ông không sản xuất, trở lại vẽ tranh vào cuối đời, vào năm 1981.
Djanira
Họa sĩ Djanira da Motta e Silva (1914- 1979) sinh ra ở vùng quê Sao Paulo. Năm 1937, bà bắt đầu vẽ và tô màu khi bà nhập viện vì bệnh lao trong viện điều dưỡng ở São José dos Campos.
Candomblé (1957), của Djanira
Vào những năm 1940, ông bắt đầu sống với các nghệ sĩ hiện đại và tăng cường sản xuất. Nghệ sĩ trình bày tác phẩm pha trộn giữa chủ nghĩa khu vực và tôn giáo, bên cạnh những ký ức của cô ấy, kết quả của quá khứ làm công nhân ở nông thôn.
Nhà văn Jorge Amado từng định nghĩa tác phẩm của Djanira như sau:
Djanira mang Brazil trong tay cô ấy, khoa học của cô ấy là của con người, kiến thức của cô ấy là trái tim rộng mở với phong cảnh, với màu sắc, với hương thơm, với niềm vui, nỗi đau và hy vọng của người Brazil.
Là một trong những họa sĩ vĩ đại của đất nước chúng tôi, cô ấy còn hơn thế nữa, cô ấy là chính mảnh đất, mảnh đất nơi trồng trọt, sân macumba, máy kéo sợi, người đàn ông chống lại đói nghèo. Mỗi bức tranh sơn dầu của ông đều mang một chút gì đó của Brazil.
Mestre Vitalino
Vitalino Pereira dos Santos (1909 -1963) là người gốc Pernambuco, người đã cống hiến hết mình cho nghệ thuật đại chúng, đặc biệt là gốm sứ, nhưng cũng với âm nhạc.
Cha mẹ anh ấy là nông dân và Vitalino, khi còn nhỏ, đã thu thập đất sét còn sót lại mà mẹ anh ấy đã sử dụng để sản xuất các mặt hàngcác đồ vật tiện dụng và với chúng, ông đã tạo hình các động vật nhỏ và các hình khác.
Điêu khắc đất sét, của Mestre Vitalino
Vì vậy, ông tiếp tục làm việc với đất sét, nhưng chỉ đến năm 1947, ông mới thực hiện tác phẩm của mình được biết đến, từ một cuộc triển lãm. Tác phẩm của anh ấy thể hiện vũ trụ của sertanejo của vùng đông bắc, với các hình cangaceiros, động vật và gia đình.
Anh ấy là một trong những nghệ sĩ nổi tiếng nhất của Brazil, với các tác phẩm được trưng bày tại MASP (Museu de Arte de São Paulo) , Bảo tàng Louvre, ở Paris, trong số các tổ chức khác.
Nguồn gốc của Naïf Art
Mặc dù luôn có những nghệ sĩ nghiệp dư nhưng nguyên tắc naïf phong cách Cách khái niệm hóa nó có liên quan đến nghệ sĩ người Pháp Henri Rousseau (1844-1910).
The Snake Charmer (1907), của Henri Rousseau
Họa sĩ này đã trưng bày một số bức tranh sơn dầu tại Salon des Indépendants năm 1886, ở Pháp, và được một số nghệ sĩ nổi tiếng nhất công nhận, chẳng hạn như Paul Gauguin (1848-1903), Pablo Picasso ( 1881-1973 ), Léger (1881-1955) và Joan Miró (1893-1983).
Những người theo chủ nghĩa hiện đại ấn tượng với cách Rousseau giải quyết các vấn đề thẩm mỹ mà không cần học hành chính quy. Các bức tranh sơn dầu của anh ấy có sức sống đơn giản và thơ mộng, với tính chân thực "trẻ thơ", thể hiện các chủ đề từ bối cảnh phổ biến.
Những người thực hiện nghệ thuật của họ như một sở thích từng được gọi là "họa sĩ củaSunday", và giống như Rousseau, họ không tuân theo truyền thống, tạo ra những bức tranh tự do hơn và phù hợp với thực tế của "người bình thường".
Chính vì vậy, lối vẽ này cuối cùng đã ảnh hưởng những nghệ sĩ khác, những người phần nào từ bỏ các nguyên tắc kỹ thuật và lý thuyết, tìm kiếm sự hiểu biết của mọi đối tượng, đặc biệt là những người bình thường.
Một cái tên quan trọng để công nhận nghệ thuật ngây thơ là Wilhelm Uhde (1874 - 1947 ), nhà phê bình nghệ thuật người Đức, người đã quảng bá cho cuộc triển lãm đầu tiên về phong cách này tại Paris vào năm 1928.
Triển lãm bao gồm: Rousseau, Luis Vivin (1861-1936), Séraphine de Senlis (1864-1942), André Bauchant (1837-1938) và Camille Bombois (1883-1910).
