Apa itu Naïf Art dan siapa saja seniman utamanya

Naïf Art adalah ekspresi artistik yang dilakukan oleh orang-orang yang belajar secara otodidak, di mana mereka mengekspresikan visi dunia mereka, umumnya bersifat kedaerahan, sederhana, dan puitis.

Oleh karena itu, mereka bekerja terutama dengan spontanitas dan tema-tema dari alam semesta yang populer.

Kata naif berasal dari bahasa Prancis, yang berarti "naif". Oleh karena itu, perwujudan ini juga dapat dilihat sebagai "seni yang tidak berdosa".

Seni ini juga disebut "seni primitif modern" karena karakteristiknya adalah ekspresi informalnya dari sudut pandang teknis dan tradisional.

Karakteristik dari Seni Naïf

Ada beberapa elemen yang dapat ditemukan dalam banyak produksi seni n aïf Pada umumnya, para seniman ini, yang ekspresi favoritnya adalah melukis, menampilkan gambar dengan ekses kromatik, menggunakan warna-warna intensif .

Ada juga yang lebih menyukai tema yang ceria, namun ini bukan suatu aturan. tema populer yang menggambarkan perayaan dan acara kolektif juga sering muncul.

Tidak adanya kedalaman dan perspektif dicatat, menyoroti dua dimensi dari adegan-adegan tersebut, serta kiasan dan kegembiraan secara detail Terlebih lagi, alam biasanya digambarkan dengan cara yang ideal.

Kita juga bisa mengutip spontanitas, keluguan, kurangnya kecanggihan dan pelatihan akademis.

Seniman dari Seni Naïf

Banyak pria dan wanita telah mendedikasikan sebagian hidup mereka untuk seni n aïf Di Amerika Serikat, misalnya, Anna Mary Robertson (1860-1961), yang dijuluki Nenek Musa dan baru dikenal pada masa tuanya.

Orang Amerika Utara lainnya di bidang ini adalah John Kane (1860-1934) dan H. Poppin (1888-1947), sementara di Inggris ada seniman Alfred Wallis (1855-1942).

Henri Rousseau

Henri Rousseau (1844-1910) adalah seorang pegawai bea cukai yang senang melukis di waktu luangnya. Karya seninya mencerminkan kehidupan yang sederhana, menciptakan gambar-gambar yang tajam dengan warna-warna yang sederhana dan murni, sangat berbeda dengan seni yang rumit dari kalangan akademis artistik.

Sehari penuh dengan Karnaval oleh Henri Rousseau, dipamerkan di Salon des Indépendants pada tahun 1886

Karena alasan inilah, para seniman modernis melihat di dalamnya kemungkinan untuk berkreasi tanpa formalisme, yang mengarah pada spontanitas dan kepuitisan yang sangat diinginkan.

Séraphine Louis

Séraphine Louis (1864-1946), juga dikenal sebagai Séraphine de Senlis, adalah seorang wanita rendah hati dengan sedikit sumber daya keuangan yang bekerja membersihkan rumah orang lain.

Pohon Surga (1930), kanvas karya Séraphine Louis

Hobinya di waktu luangnya adalah melukis, ia senang membuat kanvas dengan tema bunga yang penuh warna dan penuh dengan detail, selalu dengan referensi alam.

Adalah peneliti seni Wilhelm Uhde yang menemukannya pada tahun 1902 dan, sejak saat itu, lukisan-lukisannya telah menjadi bagian dari pameran seni. Saat ini karyanya telah diakui di seluruh dunia, sedemikian rupa sehingga pada tahun 2008 dibuat sebuah film yang menceritakan kisahnya, berjudul Séraphine .

Louis Vivin

Louis Vivin (1861-1936) adalah seorang Prancis yang bekerja di kantor pos dan di waktu luangnya mengabdikan diri untuk melukis. Wilhelm Uhde dari Jerman yang pertama kali menyadari bakatnya dan memamerkan karya-karyanya.

Venesia: Pemandangan kanal dengan gereja oleh Louis Vivin

Kanvasnya mengangkat tema kehidupan sehari-hari dan kota, dengan penggunaan perspektif yang tidak tepat, yang memberikan karakter polos pada pemandangan. Dengan berlalunya waktu dan pengakuan, Vivin berhasil meninggalkan pekerjaan formal dan mencari nafkah dari seni.

Naïf Art di Brasil

Chico da Silva

Francisco Domingos da Silva (1910-1985) lahir di Acre dan meninggal di Ceará. Setengah buta huruf, ia bekerja di berbagai bidang perdagangan sambil melatih seninya dengan melukis rumah-rumah nelayan di Fortaleza.

Burung besar (1966), karya Chico da Silva

Pada tahun 1940-an, ia menerima dorongan dari Jean Pierre Chabloz, seorang pelukis Swiss, dan mulai memperdalam pengetahuannya tentang seni lukis dan memamerkan karyanya. Tema-tema kanvasnya berkisar dari naga, putri duyung, tokoh-tokoh mitos, dan pemandangan lain yang meresap ke dalam imajinasinya.

Ia dirawat di rumah sakit jiwa selama tiga tahun dan selama periode ini ia tidak berproduksi, dan kembali melukis pada akhir hidupnya, pada tahun 1981.

Djanira

Seniman Djanira da Motta e Silva (1914-1979) lahir di pedalaman São Paulo. Pada tahun 1937, ia mulai menggambar dan melukis ketika ia menjalani perawatan tuberkulosis di sebuah sanatorium di São José dos Campos.

Candomblé (1957), oleh Djanira

Pada tahun 1940-an, ia berkenalan dengan seniman modern dan mengintensifkan produksinya. Seniman ini menyajikan karya yang memadukan regionalisme dan religiusitas, serta kenangannya, buah dari masa lalunya sebagai pekerja di ladang.

Penulis Jorge Amado pernah mendefinisikan karya Djanira sebagai berikut:

Djanira memegang Brasil di tangannya, ilmunya adalah ilmu tentang orang-orang, pengetahuannya adalah hati yang terbuka terhadap lanskap, warna, parfum, kegembiraan, rasa sakit, dan harapan orang Brasil.

Sebagai salah satu pelukis hebat di negeri ini, ia lebih dari itu, ia adalah tanah itu sendiri, tanah tempat perkebunan tumbuh, medan macumba, mesin-mesin pemintal, manusia yang melawan kesengsaraan. Setiap kanvasnya adalah sedikit dari Brasil.

Master Vitalino

Vitalino Pereira dos Santos (1909 -1963) adalah seorang warga Pernambuco yang mendedikasikan dirinya pada seni populer, terutama keramik, dan juga musik.

Orang tuanya adalah petani dan Vitalino, sebagai seorang anak, mengambil sisa-sisa tanah liat yang digunakan ibunya untuk membuat benda-benda yang berguna dan dengan itu ia membuat model hewan kecil dan figur lainnya.

Patung dari tanah liat, karya Mestre Vitalino

Ia terus berkarya dengan tanah liat, tetapi baru pada tahun 1947 karyanya dikenal melalui sebuah pameran. Karyanya mengekspresikan alam semesta di pedalaman Timur Laut, dengan figur bandit, hewan, dan keluarga.

Dia adalah salah satu seniman populer Brasil yang paling terkenal, dengan karya-karyanya yang dipamerkan di MASP (Museum Seni São Paulo), Museum Louvre, di Paris, di antara lembaga-lembaga lainnya.

Asal Naïf Art

Meskipun selalu ada seniman amatir, namun prinsip gaya naif dalam cara konseptualisasinya terkait dengan seniman Prancis Henri Rousseau (1844-1910).

Sang Pemikat Ular (1907), oleh Henri Rousseau

Pelukis ini memamerkan beberapa lukisan di Salon Independen pada tahun 1886 di Prancis dan mendapatkan pengakuan dari beberapa seniman paling terkenal, seperti Paul Gauguin (1848-1903), Pablo Picasso (1881-1973), Léger (1881-1955), dan Joan Miró (1893-1983).

Kaum modernis terkesan dengan cara Rousseau memecahkan masalah estetika tanpa pendidikan formal. Kanvasnya memiliki semangat yang sederhana dan puitis, dengan keaslian "seperti anak kecil", menampilkan tema-tema dari konteks populer.

Orang-orang yang mempraktikkan seni mereka sebagai hobi Mereka biasa disebut "pelukis hari Minggu", dan, seperti Rousseau, mereka tidak berkomitmen pada tradisi, membuat lukisan yang lebih bebas dan lebih sesuai dengan realitas "orang biasa".

Karena itu, cara melukis seperti ini akhirnya memengaruhi para seniman lain, yang dengan cara tertentu meninggalkan aturan teknis dan teoretis, dan mencari pemahaman dari semua pemirsa, terutama orang-orang yang sederhana.

Nama yang penting untuk pengakuan atas seni yang naif adalah Wilhelm Uhde (1874 - 1947), kritikus seni Jerman yang pada tahun 1928 mempromosikan pameran pertama gaya ini di Paris.

Pameran ini meliputi: Rousseau, Luis Vivin (1861-1936), Séraphine de Senlis (1864-1942), André Bauchant (1837-1938), dan Camille Bombois (1883-1910).