Wat is Naïewe Kuns en wie is die hoofkunstenaars

Naïewe kuns is 'n artistieke uitdrukking wat deur selfopgeleide mense uitgevoer word, waarin hulle hul visie van die wêreld uitdruk, oor die algemeen regionalisties, eenvoudig en poëties.

Dus werk hulle. hoofsaaklik met spontaneïteit en temas van die populêre heelal.

Die woord naïf het 'n Franse oorsprong, wat "naïef" beteken. Daarom kan hierdie manifestasie ook gesien word as 'n "onskuldige kuns".

Dit word ook "moderne primitiewe kuns" genoem, aangesien dit gekenmerk word deur die informele uitdrukking van die tegniese en tradisionele standpunt.

Kenmerke van Kuns Naïef

Daar is 'n paar elemente wat in baie van die produksies van kuns gevind kan word n aïf . Gewoonlik vertoon hierdie kunstenaars, wie se gunsteling-uitdrukking skilderkuns is, beelde met chromatiese oormaat deur intense kleure te gebruik.

Daar is steeds 'n voorkeur vir gelukkige temas, maar dit is nie 'n reël nie. Die gewilde temas , wat feeste en kollektiewe gebeurtenisse uitbeeld, kom ook gereeld voor.

Die afwesigheid van diepte en perspektief word opgemerk, wat die tweedimensionaliteit van die tonele beklemtoon, in toevoeging tot die spore figuurlik en uitbundigheid in detail . Daarbenewens word die natuur gewoonlik op 'n geïdealiseerde manier uitgebeeld.

Ons kan ook melding maak van spontaneïteit, naïwiteit, gebrek aan sofistikasie en akademiese opleiding.

Kunstenaars van Kuns Naïf

Baie mans en vroue het 'n deel van hul lewens aan kuns n aïf gewy. In die VSA het ons byvoorbeeld Anna Mary Robertson (1860-1961), wat die bynaam van Ouma Moses gekry het en eers op ouderdom erken is.

Ander Noord-Amerikaners van hierdie string is John Kane (1860) -1934) en H. Poppin (1888-1947). In Engeland is daar die kunstenaar Alfred Wallis (1855-1942).

Henri Rousseau

Henri Rousseau (1844-1910) was 'n doeanebeampte wat in sy vrye tyd daarvan gehou het om te skilder . Sy kuns het die eenvoudige lewe weerspieël, met die skep van duidelike beelde, met eenvoudige en suiwer kleure, heeltemal anders as die gesofistikeerde kuns van die artistieke akademiese kring.

'n Dag van Karnaval , deur Henri Rousseau, is in 1886 by die Salon des Independents uitgestal

Juis om hierdie rede het modernistiese kunstenaars in hom die moontlikheid gesien om sonder formalisme te skep, wat gelei het tot 'n spontaneïteit en poësie wat baie gewens was.

Séraphine Louis

Séraphine Louis(1864-1946) is ook bekend as Séraphine de Senlis. Sy was 'n nederige vrou, met min finansiële hulpbronne, wat gewerk het om ander mense se huise skoon te maak.

Tree of Paradise (1930), doek deur Séraphine Louis

Sy stokperdjie in sy vrye tyd was skilder. Sy het daarvan gehou om skerms te skep met blomme-temas wat baie kleurvol en vol besonderhede was, altyd met verwysings nanatuur.

Dit was die kunsnavorser Wilhelm Uhde wat dit in 1902 ontdek het en van toe af was sy doeke deel van kunsuitstallings. Tans word die kunstenaar se werk oor die hele wêreld erken, soveel so dat 'n film in 2008 gemaak is wat haar storie vertel, getiteld Séraphine .

Louis Vivin

Louis Vivin (1861-1936) was 'n Fransman wat in die poskantoor gewerk het en hom in sy vrye tyd aan skilderkuns gewy het. Die Duitser Wilhelm Uhde was ook die eerste wat sy talent raakgesien het en sy werke in uitstallings geplaas het.

Venesië: uitsig op die kanaal met die kerk , deur Louis Vivin

Sy doeke bring temas uit die alledaagse lewe en die stad, met die gebruik van 'n onakkurate perspektief, wat die toneel 'n onskuldige karakter gee. Deur die jare en erkenning het Vivin daarin geslaag om formele werk te verlaat en 'n bestaan ​​uit kuns te maak.

Naïewe kuns in Brasilië

Chico da Silva

Francisco Domingos da Silva (1910-1985) is in Acre gebore en het in Ceará gesterf. Half-ongeletterd het hy in verskeie ambagte gewerk, terwyl hy sy kuns uitgeoefen het deur vissershuise in Fortaleza te skilder.

The Great Bird (1966), deur Chico da Silva

In die 1940's het hy aanmoediging ontvang van Jean Pierre Chabloz, 'n Switserse skilder, en begin om dieper te delf in skilderkuns en werk uit te stal. Die temas van sy skilderye het gewissel van drake, meerminne, mitiese figure en ander tonele wat sy verbeelding deurdring het.

Hy was geïnterneer in 'npsigiatriese hospitaal vir drie jaar, waartydens hy nie vervaardig het nie, en het aan die einde van sy lewe teruggekeer na skildery, in 1981.

Djanira

Die kunstenaar Djanira da Motta e Silva (1914- 1979) is op die platteland van Sao Paulo gebore. In 1937 het sy begin teken en skilder, toe sy vir tuberkulose in 'n sanatorium in São José dos Campos in die hospitaal opgeneem is.

Candomblé (1957), deur Djanira

In die 1940's het hy by moderne kunstenaars begin saamleef en sy produksie verskerp. Die kunstenaar bied werk aan wat regionalisme en godsdienstigheid meng, benewens haar herinneringe, die resultaat van haar verlede as werker op die platteland.

Die skrywer Jorge Amado het eenkeer Djanira se werk soos volg gedefinieer:

Djanira bring Brasilië in haar hande, haar wetenskap is dié van die mense, haar kennis is dié van 'n oop hart vir die landskap, na die kleur, na die parfuum, na die vreugdes, pyne en hoop van Brasiliane.

Om een ​​van die groot skilders van ons land te wees, is sy meer as dit, sy is die land self, die grond waar die plantasies groei, die macumba-werf, die spinmasjiene, die man wat armoede weerstaan. Elkeen van sy doeke is 'n bietjie van Brasilië.

Mestre Vitalino

Vitalino Pereira dos Santos (1909 -1963) was 'n boorling van Pernambuco wat hom gewy het aan populêre kuns, veral keramiek, maar ook na musiek.

Sy ouers was boere en Vitalino het as kind oorskietklei versamel wat sy ma gebruik het om items te vervaardiggebruiksvoorwerpe en daarmee het hy klein diere en ander figure gemodelleer.

Kleibeeldhouwerk, deur Mestre Vitalino

So het hy aanhou werk met klei, maar eers in 1947 het sy werk gedoen bekend word, van 'n uitstalling. Sy werk gee uitdrukking aan die heelal van die sertanejo van die noordoostelike streek, met figure van cangaceiros, diere en families.

Hy is een van die mees erkende Brasiliaanse populêre kunstenaars, met werke wat by MASP (Museu de Arte de São) uitgestal word. Paulo) , Louvre Museum, in Parys, onder andere instansies.

Oorsprong van Naïf Art

Alhoewel daar nog altyd amateurkunstenaars was, is die beginsel van naïf styl Die manier waarop dit gekonseptualiseer is, hou verband met die Franse kunstenaar Henri Rousseau (1844-1910).

The Snake Charmer (1907), deur Henri Rousseau

Hierdie skilder het 'n paar doeke uitgestal by die Salon des Indépendants in 1886, in Frankryk, en is erken deur sommige van die mees bekende kunstenaars, soos Paul Gauguin (1848-1903), Pablo Picasso ( 1881-1973 ), Léger (1881-1955) en Joan Miró (1893-1983).

Moderniste was beïndruk met die manier waarop Rousseau estetiese kwessies opgelos het sonder formele opleiding. Sy doeke het 'n eenvoudige en poëtiese krag gehad, met "kinderlike" egtheid, wat temas uit die populêre konteks vertoon het.

Mense wat hul kuns as 'n stokperdjie uitgeoefen het, is vroeër "skilders van" genoem.Sondag", en, soos Rousseau, was hulle nie verbind tot tradisies nie, en maak skilderye wat vryer en in lyn met die werklikheid van die "gewone mens" was.

Daarom het hierdie manier van skilder uiteindelik 'n invloed ander kunstenaars, wat ietwat afstand doen van tegniese en teoretiese voorskrifte, wat die begrip van alle gehore soek, veral eenvoudige mense.

'n Belangrike naam vir die erkenning van naïewe kuns was Wilhelm Uhde (1874 - 1947) ), Duitse kunskritikus wat in 1928 die eerste uitstalling van die styl in Parys bevorder het.

Die uitstalling het ingesluit: Rousseau, Luis Vivin (1861-1936), Séraphine de Senlis (1864- 1942), André Bauchant (1837-1938) en Camille Bombois (1883-1910).