12 store brasilianske kunstnere og deres verk

1. Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral (1886-1973) regnes som en av de største brasilianske malerne. Hun forfattet for eksempel det berømte maleriet Abaporu , et av de viktigste verkene i vår kultur.

Den plastiske kunstneren, som ble født i det indre av São Paulo (i Capivari) , hun var datter av en tradisjonell og velstående familie i regionen, eier av en rekke gårder.

Til tross for at hun ble født i Brasil, tok Tarsila det meste av sin kunstneriske trening i Europa, etter å ha flyttet til Barcelona på alder av 16. I tillegg til å ha bodd i Spania, studerte hun også i Paris, hvor hun kom i kontakt med moderne kunst, som hun senere var med på å bringe til Brasil.

Tarsilas arbeider er ganske varierte, men vi kan understreke ett fellestrekk. det er ønsket om å representere brasilianske folk og landskap . Tarsila var en maler av tropiske temaer, fra landsbygda i Brasil, men hun portretterte også byen som moderniserte seg med transformasjonene som er typiske for industrialiseringsprosessen.

Maleren brukte ofte fargene på nasjonalflagget i lerretene sine, i tillegg til å illustrere en rekke folkloristiske karakterer fra vår kultur, som for eksempel cucaen.

Til tross for å ha rost landet vårt mye, kom Tarsila også med samfunnskritikk . I Abaporu fremhevet han for eksempel devalueringen av intellektuelt arbeid ved å male enverkene hans var preget av moderne estetikk og hentet i stor grad fra den europeiske avantgarden.

Blant hans hyppigste temaer var emigrasjon, de marginaliserte og de tropiske landskapene han fant i Brasil. Segalls åpenbare bekymringer, som dukket opp på lerretene hans, var sosial ulikhet, vold og fattigdom .

I Profile of Zulmira (1928) ser vi portrettet av en kvinne med en abstrakt, geometrisk bakgrunn. På lerretet er det mulig å legge merke til kubistiske og modernistiske påvirkninger både i bakgrunnen av maleriet og i konturene til hovedpersonen. Disse trekkene var svært tilstede hos brasilianske malere av den modernistiske generasjonen.

11. Alfredo Volpi

Alfredo Volpi (1896-1988), kjent som flaggenes mester, var en kunstner som skilte seg ut i den andre generasjonen av moderne kunst.

Mange av lerretene hans bærer små flagg og bilder som er typiske for brasiliansk kultur som for eksempel havfruen.

I maleriet Sereia (1960) se karakteren til nasjonal folklore skildret med enkle konturer, i en tilsynelatende barnslig øvelse. Spesielt i dette maleriet bruker Volpi ikke mange farger, kun nyanser av blått, grønt, svart og hvitt. Men i mange av verkene hans er det bruk av mer varierte farger.

Til tross for at han ble født i Toscana (Italia), kom Volpi til Brasil da han var halvannet år gammel.alder sammen med foreldrene. I 1911 begynte han å male paneler og veggmalerier i herskapshusene i São Paulo og gikk snart over til å male.

Anerkjennelse som en stor maler kom først i 1940, etter å ha vunnet en IPHAN-konkurranse.

Hvis du vil vite mer om den brasilianske maleren, prøv å lese artikkelen The works and biography of Alfredo Volpi.

12. Romero Britto

Den mest populære brasilianske samtidsmaleren er utvilsomt Romero Britto (1963). Brasilianeren som forlot Recife gjorde karriere i USA, hvor han fortsatt bor i Miami i dag.

Med en umiskjennelig fargerik og nykubistisk popstil har artisten, som er inspirert av Picasso , har verk spredt over en rekke land rundt om i verden som Sveits, Israel og Frankrike.

I tillegg til malerier lager Romero Britto også installasjoner og skulpturer i offentlige og private rom.

Stilen til Pernambuco er preget av livlige farger, geometriske og asymmetriske former og for å være en kunst som er lett for allmennheten å forstå - som man kan se fra Heart kids .

Hva med å også kjenne til artikkelen Romero Britto: verk og biografi?

Når det gjelder stil, begynte Tarsila å male bilder med kubistisk inspirasjon, men endte opp med å utøve en mer realistisk stil senere og eksperimenterte til og med med geometriske konturer.

artistens produksjon er delt av kritikere i tre vidt forskjellige faser: Pau-Brasil, Antropofágica og Social.

Benytt anledningen til også å lese artikkelen Obras de Tarsila do Amaral som du trenger å kjenne til.

2. Anita Malfatti

En av de mest ansvarlige for oppussingen av maleriet i vårt land var Anita Malfatti (1889-1964), datter av et maleri lærer fra Nord-Amerika med en italiensk ingeniør.

Anita, som mistet faren sin tidlig og måtte utdanne seg til lærer før hun fylte 18 år, begynte å gjøre sine første verk innen billedkunst påvirket av hennes mor.

I en alder av 21, dro jenta til Berlin, sponset av en onkel, hvor hun utviklet talentet sitt ved å gå på Imperial Academy of Fine Arts. Det var i Europa Anita ble kjent med kubisme og ekspresjonisme, noe som påvirket hennes kunst.

I tillegg til Tyskland studerte maleren også i New York og Paris. Da hun kom tilbake til Brasil, debuterte hun i 1914, og samlet mange viktige venner i den kunstneriske verden, som Di Cavalcanti.

Anita ble et av de store navnene innen moderne maleri, og høstet ros, men ogsåkritikk som Monteiro Lobato.

A boba , et av hans mest kjente malerier, ble malt mellom 1915 og 1916 og har kubistiske og futuristiske elementer. Utført med brede streker, har maleriet en abstrakt bakgrunn og er sterkt påvirket av ekspresjonisme ved å bruke kontrast mellom farger og verdsette en ensom, muligens kvalmende karakter.

Anita var revolusjonær i Brasil. - og også mye kritisert - for å forlate realismen og fremheve i verkene sine trekk som hun anså for å være de mest uttrykksfulle, selv om hun for det trengte å distansere seg fra virkeligheten og bruke uventede farger.

Maleren var spesielt interessert i hverdagslige temaer , ofte fra hans personlige univers, og han trodde ikke han trengte å være gissel for et virkelighetsforpliktelse. Arbeidet hennes brøt med den akademiske strengheten som hersket i henne og tidligere generasjoner.

Vi anbefaler å lese artikkelen Anita Malfatti: verk og biografi.

3. Adriana Varejão

Adriana Varejão (1964) er et av de største navnene innen moderne plastisk kunst med verk ikke bare innen maleri, men også innen skulptur, fotografi og installasjon.

Født i Rio de Janeiro, studerte den unge kvinnen ved Escola de Artes Visuais do Parque Lage i 1983 og åpnet snart sitt første studio i den sørlige sonen av Rio de Janeiro.

Siden begynnelsen av hennes karriere, Adrianareiste til USA hvor han utviklet sitt personlige språk mye. Tildelt i Brasil og i utlandet , har kunstneren laget ulike verk som går gjennom ulike stiler og medier.

Verket Ruínas de carne er et eksempel på mye av det som finnes i kunstnerens verk: stykker som arbeider med ideen om hva som er igjen (restene), vold, kannibalisme, ødeleggelse, historie og monumentet. Det er også mye barokkpåvirkning i hennes kreasjoner på grunn av tilstedeværelsen av fliser, som har blitt et slags varemerke for kunstneren.

I dag er det mulig å finne verkene hennes i store sentre som London (Tate Modern), New York (Guggenheim) og Tokyo (Hara Museum). I Brasil er de fleste av verkene hans på Inhotim Center for Contemporary Art, i Minas Gerais.

4. Vik Muniz

Født i São Paulo, gjorde Vik Muniz (1961) sin karriere i USA og ble kjent for å bruke uvanlige og hverdagslige materialer i arbeidet sitt, for eksempel syltetøy og krempeanøtter.

Bruket i reklame dro den unge mannen til USA for å prøve seg på livet da han var 22.

I tillegg til verk der han gjenskaper kjente bilder som f.eks. Mona Lisa eller portretter av Freud og Che Guevara, Vik Muniz utvikler også 100 % originalt arbeid fra uventede materialer .

Det største karakteristiske trekk vedVik Muniz sitt verk er komposisjonen fra lett bedervelige materialer som vanligvis ikke brukes i den kunstneriske verden, som ketchup, sukker, bønner, kaffe og metallskrot. Det er også en sterk sosial samvittighet i hans kreasjoner, kunstneren er en provokatør som ønsker å tilkalle sitt publikum til å tenke.

Vik Muniz søker gjennom sine verk å rette oppmerksomheten mot både vår tids sosiale og miljømessige problemer. Et av hans mest kjente verk ble spilt inn i dokumentaren Extraordinary Waste (2010).

Vi tror du også vil like å lese artikkelen Vik Munizs mest imponerende kreasjoner.

5. Hélio Oiticica

Best kjent for sine forestillinger, kariokaen Hélio Oiticica (1937-1980) la også navnet sitt innskrevet i plastisk kunst i verk relatert til maleri og skulptur.

En referanse innen konkret kunst , Oiticica lærte sine første kunsttimer hjemme hos sin far, som var fotograf og maler.

Hélio begynte å lage den til sin første utstillinger på begynnelsen av 1950-tallet, og i samme tiår møtte han andre nykonkretister som Lygia Clark og Ferreira Gullar.

I likhet med sine kolleger, mente Oiticica at publikummet var en del av arbeidet kunstnerisk, og det var naturlig at han kunne føle stykket, ta på, bruke eller til og med lukte kunstnerens skapelse.

Parangolé , hans mest kjente verkkjent, besto av svært fargerike kapper som ble båret av publikum. Tanken var at når de danset med henne, ville coverne gjøre en frigjørende bevegelse.

Vi tror du også vil være interessert i artikkelen Hélio Oiticica: works to understand his trajectory.

6 . Beatriz Milhazes

Carioca Beatriz Milhazes (1960) er kjent for sine fargerike, abstrakte malerier , fulle av geometriske former, i tillegg til at hun ofte bruker arabesker og blomster.

Beatriz Milhazes maler ikke bare, hun lager også graveringer, collager, illustrasjoner, installasjoner og sett (mange for søsteren hennes, Márcia, som driver et dansekompani).

Uteksaminert i sosial kommunikasjon begynte plastikkkunstneren å skape da hun meldte seg inn på Escola de Artes Visuais do Parque Lage.

Den nasjonale suksessen kom fra 1984, da han deltok i en utstilling dedikert til generasjonen på 80 i Parque Lage. Senere var Beatriz også en del av biennalene i Venezia (2003), São Paulo (1998 og 2004) og Shanghai (2006). Fra da av klarte plastikkkunstneren i økende grad å publisere maleriene sine, og har for tiden en serie stykker på viktige internasjonale museer.slik som MoMa, Metropolitan, Fondation Cartier og Guggenheim.

I Pure Beauty (2006) ser vi et lite utvalg av hans arbeid. Rammen er lastet med geometriske elementer og mye farger. Lerretet, av store dimensjoner, tillater flere avlesninger og er rikt på detaljer som bidrar til å komponere en intens helhet, full av informasjon.

Beatriz Milhazes' lerreter er generelt preget av barokk estetikk, av overskuddet av elementer, av ornamentene som påvirker betrakteren.

Hvis du liker kunstnerens arbeid, kan du også være interessert i artikkelen The Unmissable Works of Beatriz Milhazes.

7. Lygia Clark

En av de mest innovative plastiske kunstnerne i Brasil var Lygia Clark (1920-1988), fra Minas Gerais, som skapte arbeidet sitt basert på en sensorisk og interaktiv kunst .

Lygia ønsket at seerne skulle interagere med verkene hun har skapt og å kunne oppleve de ulike formene for verkene hennes, slik tilfellet er med verkene laget for serien Os Bichos (1960). De geometriske metalliske skulpturene er artikulert og gir rom for flere ulike sammenstillinger.

Os Bichos , kunstnerens mest kjente serie, ga Lygia prisen for beste nasjonale skulptur under VI Bienal de São Paulo.

Lygia Clark, som var en del av nykonkretismen, trodde på en kunstinkluderende , og inviterer publikum til å manipulere stykkene.

Vil du vite mer om kunstnerens arbeid? Gå så til artikkelen Lygia Clark: arbeider for å bli kjent med samtidskunstneren.

8. Candido Portinari

Maleren, gravøren og illustratøren Candido Portinari (1903-1962) er navnet bak noen av de mest kjente verkene innen brasiliansk plastisk kunst som f.eks. maleriet Café (1935).

Politisk engasjert brukte maleren ofte sine lerreter for å portrettere vanskelighetene brasilianere står overfor i hverdagen.

På skjermen Kaffe ser vi en gylden periode i Brasil i motsetning til de tunge arbeidsforholdene som møter menn og kvinner involvert i kaffeplantasjer. Legg merke til hvordan arbeidernes lemmer er uforholdsmessige, og understreker manuelt arbeid.

Lerretet vi nevnte var på International Exhibition of Modern Art i New York og var det første som ga en internasjonal pris til maleren.

Portinari var en talsperson for sosiale urettferdigheter og forsøkte å publisere et Brasil preget av ulikhet ved hjelp av pensel og lerret.

Se også artikkelen Candido Portinari: hovedverkene analysert.

9. Di Cavalcanti

Den modernistiske kunstneren Di Cavalcanti (1897-1976) var en mester i å male portretter av brasiliansk kultur og vårt folks hverdag .

Alerret Samba (1925) er et godt eksempel på arbeidet til maleren, som brukte mange farger og insisterte på å male kropper med mange kurver. Di Cavalcantis verk er spesielt preget av tilstedeværelsen av mennesker, som samhandler med hverandre på en sensuell og/eller kjærlig måte.

På lerretet Samba ser vi en serie karakterer som er typiske for kulturen vår representert som mannen med cavaquinho (refererer til bohemen) og kvinnene med brystene utstilt, og minner om sensualiteten som dukker opp spesielt under karnevalet.

Andre tilbakevendende temaer som Di Cavalcanti malte gjennom hele livet var favelaene, arbeiderne, de svarte kvinnene og de populære festene.

Di Cavalcanti var et viktig navn på Modern Art Week, etter å ha illustrert arrangementets plakat og katalog. Kunstneren var involvert, sammen med andre modernistiske kolleger, i prosessen med fornyelse av plastisk kunst i Brasil.

Vi tror at du også vil være interessert i artikkelen Di Cavalcanti: arbeider for å forstå kunstneren.

10. Lasar Segall

Lasar Segall (1891-1957) ble født i Litauen og kom til Brasil for første gang i 1923 for å besøke familien sin og bestemte seg samme år. å slå seg ned permanent i São Paulo.

Maleren, billedhuggeren, gravøren og tegneren var jødisk og fant i Brasil en trygg havn unna det urolige Europa.