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El Abstraccionismo, o Arte Abstracto, es un movimiento que agrupa producciones muy diversas, desde dibujos no figurativos hasta lienzos realizados a partir de composiciones geométricas.
La intención de las obras abstractas es resaltar formas, colores y texturas, revelando elementos irreconocibles y estimulando una lectura del mundo a través de un tipo de arte no objetivo.
1. Amarillo-Rojo-Azul de Wassily Kandinsky
El lienzo, fechado en 1925, lleva en su título los nombres de los colores primarios. Fue pintado por el ruso Wassily Kandinsky (1866), y actualmente se encuentra en el Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, en París (Francia).
Kandinsky está considerado el precursor del estilo abstracto y fue un artista estrechamente vinculado a la música, hasta el punto de que gran parte de sus composiciones abstractas, como Amarillo-Rojo-Azul se crearon a partir de la relación entre la música, los colores y las formas.
Ver también: La sinrazón del amor, de Drummond (análisis del poema)El gran lienzo (127 cm por 200 cm) muestra diversas formas geométricas (como círculos, rectángulos y triángulos) ejecutadas principalmente en colores primarios. El objetivo del artista era llamar la atención sobre los efectos psicológicos que los colores y las formas tienen en las personas.
Al respecto, Kandinsky declaró en su momento:
"El color es un medio de ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la llave; el ojo, el martillo. El alma, el instrumento de mil cuerdas. El artista es la mano que, tocando tal o cual tecla, obtiene del alma la vibración justa. El alma humana, tocada en su punto más sensible, responde."
2. Número 5 por Jackson Pollock
La pantalla Número 5 fue creada en 1948 por el pintor estadounidense Jackson Pollock, que el año anterior había empezado a explorar una forma completamente nueva de componer sus obras.
Su método consistía en lanzar y gotear pintura esmaltada sobre un lienzo tensado colocado en el suelo de su estudio. Esta técnica le permitía crear una maraña de líneas, y más tarde le valió el nombre de "pinturas de goteo" (o goteo Pollock fue uno de los grandes nombres del abstraccionismo.
Desde 1940, el pintor gozaba del reconocimiento de la crítica y del público. El lienzo Número 5 realizado en el apogeo de su carrera, es inmenso, mide 2,4 metros por 1,2 metros.
La obra se vendió a un coleccionista privado en mayo de 2006 por 140 millones de dólares, batiendo un récord de precio para la época; hasta entonces había sido el cuadro mejor pagado de la historia.
3. Insula Dulcamara por Paul Klee
En 1938, el alemán nacionalizado suizo Paul Klee pintó siete grandes paneles en formato horizontal. Insula Dulcamara es uno de estos paneles.
Todas las obras fueron esbozadas con carboncillo sobre papel de periódico, que Klee pegó sobre estopa o lino, obteniendo así una superficie lisa y característica. En varias partes de los paneles es posible leer extractos del periódico utilizado, una sorpresa agradable e inesperada incluso para el propio Klee.
Insula Dulcamara es una de las obras más alegres del pintor, con sus accesorios libres, escasos y sin forma. El título de la obra está en latín y significa "insula" (isla), "dulcis" (dulce, amable) y "amarus" (amargo), y puede interpretarse como "Isla dulce y amarga".
El lienzo fue creado durante sus últimos años de vida, y sobre él Klee hizo la siguiente declaración:
"No hay que temer verse envuelto en medio de elementos más indigestos; sólo hay que esperar que las cosas más difíciles de asimilar no rompan el equilibrio. Así, la vida es ciertamente más apasionante que una vida burguesa muy ordenada. Y cada uno es libre, según sus gestos, de elegir entre lo dulce y lo salado de los dos platillos de la balanza."
4. Composición con amarillo, azul y rojo de Piet Mondrian
Composición con amarillo, azul y rojo se pintó por primera vez en París entre 1937 y 1938, pero se desarrolló en Nueva York entre 1940 y 1942, cuando Mondrian reposicionó algunas de las líneas negras y añadió otras. La obra forma parte de la colección de la Tate St Ives (Cornualles, Inglaterra) desde 1964.
Mondrian se interesó por la cualidad abstracta de la línea. Aunque comenzó su carrera con obras figurativas, con el tiempo el pintor se volcó en el abstraccionismo y en 1914 se radicalizó y prácticamente eliminó las líneas curvas de su obra.
El pintor francés desarrolló una nueva forma de abstracción rigurosa llamada neoplasticismo En general, sus composiciones no eran simétricas. Una curiosidad: las líneas horizontales solían pintarse antes que las verticales.
Mondrian consideraba que este tipo específico de arte reflejaba una verdad mayor y universal que la que predicaba la pintura figurativa.
5. Composición suprematista Kazimir Malevich
Al igual que Mondrian, el pintor soviético Kazimir Malevich creó una nueva forma de arte. Suprematismo nació en Rusia entre 1915 y 1916. Al igual que sus colegas abstraccionistas, su mayor deseo era negar la presencia física de todos y cada uno de los objetos. La idea era alcanzar la pureza o, como el propio creador afirmó, "la supremacía de la sensación pura".
Así creó la obra abstracta Composición suprematista de 1916, que presenta las características esenciales de este nuevo estilo. Se trata de una obra de 88,5 cm × 71 cm que forma parte de una colección privada.
La técnica se caracteriza por el uso de formas geométricas simples y la preferencia por una paleta de colores también sencillos, primarios y secundarios, a veces superpuestos, a veces colocados uno al lado del otro. El fondo es casi siempre blanco en las creaciones de Malevich, representando el vacío.
6. El oro del firmamento por Joan Miró
El español Joan Miró fue un artista empeñado en extraer de formas sencillas significados grandiosos, que dependen sobre todo de la imaginación y la interpretación del observador.
Este es el caso de El oro del firmamento Este cuadro fue pintado en 1967 con acrílico sobre lienzo y hoy pertenece a la colección de la Fundación Joan Miró de Barcelona.
En esta composición, vemos el predominio del amarillo, un color cálido vinculado a la alegría, que envuelve todas las formas.
Hay una gran masa ahumada de color azul, que ocupa un lugar privilegiado, ya que el resto de las formas y líneas parecen flotar a su alrededor.
La obra se considera una síntesis del proceso creativo de Miró, que se dedicó a investigar tanto la espontaneidad como la creación de formas precisas en la pintura.
7. Botella de ron y periódico por Juan Gris
Pintada entre 1913 y 1914 por el cubista español Juan Gris, la obra en óleo sobre lienzo forma parte hoy de la colección de la Tate Modern (Londres). Gris utilizaba a menudo planos superpuestos de color y textura, y Botella de ron y periódico es un precioso ejemplo de su técnica.
Esta pintura, que se cuenta entre sus obras más representativas, lleva la imagen a partir de planos angulosos que se entrecruzan. Muchos de ellos tienen al fondo secciones de madera, quizá sugerentes de un tablero de mesa, aunque la forma en que se superponen e interconectan niega cualquier posibilidad de perspectiva ligada a la realidad.
La botella y el periódico del título se indican con un mínimo de pistas: unas letras, un contorno y una sugerencia de ubicación bastan para señalar la identidad de los objetos. El cuadro tiene unas dimensiones relativamente reducidas (46 cm por 37 cm).
8. Negro en rojo intenso por Mark Rothko
Considerado un cuadro trágico por sus colores fuertes y fúnebres, Negro en rojo intenso Desde que comenzó a pintar en la década de 1950, Rothko ha pretendido alcanzar la universalidad respondiendo a la creciente simplificación de las formas.
Negro en rojo intenso sigue el formato característico de las obras del artista, en las que rectángulos de color monocromo parecen flotar dentro de los límites del marco.
Manchando directamente el lienzo con muchas capas finas de pigmento y prestando especial atención a los bordes donde interactúan los campos, el pintor logró la efecto de la luz que irradia la propia imagen.
La obra pertenece actualmente a una colección privada tras ser vendida en 2000 por la friolera de más de tres millones de dólares.
9. Concetto spaziale 'Attesa por Lúcio Fontana
El lienzo de arriba forma parte de una serie de obras que el pintor argentino Lucio Fontana realizó durante su estancia en Milán entre 1958 y 1968. Estas obras, que consisten en lienzos cortados una o varias veces, se conocen colectivamente como Tagli ("cortes").
En conjunto, constituyen el grupo más extenso y variado de las obras de Fontana, y han llegado a considerarse emblemáticas de su estética. El objetivo de los agujeros es, literalmente, romper la superficie de la obra para que el espectador pueda percibir el espacio que hay más allá.
Lúcio Fontana comenzó a desarrollar la técnica de perforar lienzos en la década de 1940. En los años 50 y 60, el artista siguió buscando diferentes formas de desarrollar los agujeros como su gesto característico.
Fontana hace las hendiduras con una cuchilla afilada y los lienzos se cubren posteriormente con una fuerte gasa negra, dando la apariencia de un vacío detrás. En 1968, Fontana dijo a un entrevistador:
"He creado una dimensión infinita (...) mi descubrimiento ha sido el agujero y ya está. Me alegro de irme a la tumba después de semejante descubrimiento"
10. Contracomposición VI por Theo van Doesburg
El artista holandés Theo van Doesburg (1883-1931) pintó esta obra en el año 1925 en un formato cuadrado con pintura al óleo sobre lienzo.
Ver también: Géneros cinematográficos: 8 tipos de películas y ejemplosLas formas geométricas y simétricas se disponen con cautela antes de cubrirlas con pintura; las líneas negras se trazaron a priori con bolígrafo. Contracomposición VI forma parte de una colección que destaca especialmente la forma diagonal y los tonos monocromáticos.
Además de pintor, van Doesburg fue escritor, poeta y arquitecto, y está relacionado con el grupo de artistas De Stijl. Su obra Contracomposición VI 50 cm por 50 cm, fue adquirida en 1982 por la Tate Modern (Londres).
11. Metaesquema por Hélio Oiticica
El artista brasileño Hélio Oiticica denominó metaesquemas a varias obras realizadas entre 1957 y 1958. Se trataba de cuadros con rectángulos inclinados pintados con témpera sobre un cartón.
Se trata de formas geométricas con marcos de un solo color (en este caso rojo), aplicadas directamente sobre una superficie lisa y aparentemente vacía. Las formas se disponen en composiciones densas que recuerdan retículas inclinadas.
Oiticica realizó esta serie de pinturas mientras vivía y trabajaba en Río de Janeiro. Según el propio pintor, se trataba de una "disección obsesiva del espacio".
Fueron el puntapié inicial de la investigación para obras tridimensionales más complejas que el artista desarrollaría en el futuro. En 2010, un Metaesquema se vendió en una subasta de Christie's por 122.500 dólares.
¿Qué era el abstraccionismo?
Históricamente, las obras abstractas comenzaron a desarrollarse en Europa a principios del siglo XX, en el contexto del movimiento del Arte Moderno.
Estas obras no pretenden representar objetos reconocidos ni se comprometen a imitar la naturaleza. Por ello, la primera reacción del público y de la crítica fue rechazar las creaciones, que se consideraron incomprensibles.
El arte abstracto fue criticado precisamente porque rompía con el modelo figurativo. En este tipo de obras no hay necesidad de ningún vínculo con la realidad exterior y la representación.
Con el paso del tiempo, sin embargo, las obras fueron más aceptadas y los artistas pudieron explorar sus estilos en profundidad.
