Abstractionism: tuklasin ang 11 pinakasikat na gawa

Ang Abstractionism, o Abstract Art, ay isang kilusan na pinagsasama-sama ang medyo magkakaibang mga produksyon, mula sa mga hindi matalinghagang mga guhit hanggang sa mga canvases na ginawa mula sa mga geometric na komposisyon.

Ang layunin ng abstract na mga gawa ay upang i-highlight ang mga hugis, kulay at mga texture, naglalantad ng mga hindi nakikilalang elemento at nagpapasigla sa pagbabasa ng mundo batay sa isang hindi layunin na uri ng sining.

1. Yellow-Red-Blue , ni Wassily Kandinsky

Ang canvas, na may petsang 1925, ay may mga pangalan ng mga pangunahing kulay sa pamagat. Ipininta ito ng Russian Wassily Kandinsky (1866), at kasalukuyang nasa Musée National d'Art Moderne, Center Georges Pompidou, sa Paris (France).

Kandinsky ay itinuturing na nangunguna sa abstract na istilo at ay isang artist na konektado sa musika, kaya't ang isang magandang bahagi ng kanyang abstract na mga komposisyon, tulad ng Amarelo-Vermelho-Azul , ay nilikha mula sa relasyon sa pagitan ng musika, mga kulay at mga hugis.

Ang isang malaking-laki na canvas (127 cm x 200 cm) ay nagpapakita ng iba't ibang mga geometric na hugis (tulad ng mga bilog, parihaba at tatsulok) na isinagawa, higit sa lahat, sa mga pangunahing kulay. Ang layunin ng pintor ay bigyang-pansin ang mga sikolohikal na epekto ng mga kulay at hugis sa mga tao.

Tungkol sa paksa, sinabi ni Kandinsky noong panahong iyon:

“Ang kulay ay isang paraan upang maisagawa ang direktang impluwensya sa kaluluwa. Kulay ang susi; ang mata, ang martilyo. Ang kaluluwa, ang instrumentong isang libong string. Ang pintor ay ang kamay na, sa pamamagitan ng pagpindot dito o sa susi na iyon, ay nakakakuha ng tamang panginginig ng boses mula sa kaluluwa. Ang kaluluwa ng tao, na naantig sa pinakasensitibong bahagi nito, ay tumutugon.”

2. Number 5 , ni Jackson Pollock

Ang canvas Number 5 ay nilikha noong 1948 ng Amerikanong pintor na si Jackson Pollock, na sa noong nakaraang taon sinimulan niyang tuklasin ang isang ganap na bagong paraan ng pagbubuo ng kanyang mga gawa.

Ang kanyang pamamaraan ay binubuo ng paghahagis at pagpatak ng enamel na pintura sa isang nakaunat na canvas na inilagay sa sahig ng kanyang studio. Ang diskarteng ito ay nagbigay-daan sa paglikha ng magkasalungat na linya, at kalaunan ay nakuha ang pangalan ng "mga dripping painting" (o dripping , sa English) Pollock ay isa sa mga pinakamalaking pangalan sa abstractionism.

Mula Noong Noong 1940 ang pintor ay kinilala ng mga kritiko at ng publiko. Ang canvas na Number 5 , na ginawa sa kasagsagan ng kanyang karera, ay napakalaki, na may sukat na 2.4 m by 1.2 m.

Ibinenta ang trabaho sa isang pribadong kolektor noong Mayo 2006 sa halagang 140 milyong dolyar , na sumisira sa rekord na presyo sa panahong iyon - hanggang noon ito ang pinakamataas na bayad na pagpipinta sa kasaysayan.

3. Insula Dulcamara , ni Paul Klee

Noong 1938, ang Swiss naturalized German na si Paul Klee ay nagpinta ng pitong malalaking panel sa pahalang na format. Ang Insula Dulcamara ay isa sa mga panel na ito.

Ang lahat ng mga gawa ay inilarawan sa uling sa pahayagan, na idinikit ni Klee sa burlap o linen, kaya nakakuha ngmakinis at magkakaibang ibabaw. Sa ilang bahagi ng mga panel ay posibleng basahin ang mga sipi mula sa pahayagang ginamit, isang kaaya-aya at hindi inaasahang sorpresa kahit para kay Klee mismo.

Ang Insula Dulcamara ay isa sa mga pinaka-masayang gawa ng pintor, na may libre, kalat-kalat at walang hugis na mga accessories. Ang pamagat ng akda ay nasa Latin at nangangahulugang “insula” (isla), “dulcis” (matamis, mabait) at “amarus” (mapait), at maaaring bigyang-kahulugan bilang “matamis at mapait na isla”.

Nalikha ang isang canvas sa kanyang mga huling taon ng buhay at, tungkol dito, ibinigay ni Klee ang sumusunod na pahayag:

"Hindi tayo dapat matakot na makita ang ating sarili na nasa gitna ng mas hindi natutunaw na mga elemento; kailangan lang nating maghintay. para sa mga bagay na mas mahirap i-assimilate ay huwag guluhin ang balanse. Sa ganitong paraan, ang buhay ay tiyak na mas kapana-panabik kaysa sa isang napakaayos burges na buhay. At ang bawat isa ay malaya, ayon sa kanilang mga kilos, na pumili sa pagitan ng matamis at maalat ng dalawa kaliskis."

4. Ang komposisyon na may Dilaw, Asul at Pula , ni Piet Mondrian

Ang komposisyon na may Dilaw, Asul at Pula ay unang ipininta sa Paris , sa pagitan ng 1937 at 1938, ngunit sa kalaunan ay binuo sa New York sa pagitan ng 1940 at 1942, nang muling iposisyon ni Mondrian ang ilan sa mga itim na linya at idinagdag ang iba. Ang gawain ay nasa koleksyon ng Tate St Ives (Cornwall, England) mula noong 1964.

Ang interes ni Mondrian ay nasaabstract na kalidad ng linya. Bagama't sinimulan niya ang kanyang karera sa mga makasagisag na gawa, sa paglipas ng panahon ang pintor ay namuhunan sa abstractionism at, noong 1914, siya ay naging radikal at halos inalis ang mga kurbadong linya sa kanyang trabaho.

Ang pintor ng Pranses ay bumuo ng isang bagong paraan ng pagpipinta. mahigpit na abstraction na tinatawag na neoplasticism , kung saan siya ay limitado sa mga tuwid na linya, pahalang at patayo, at mga pangunahing pangunahing kulay. Sa pangkalahatan, ang kanyang mga komposisyon ay hindi simetriko. Isang kuryusidad: ang mga pahalang na linya ay karaniwang pinipintura bago ang mga patayo.

Nadama ni Mondrian na ang partikular na uri ng sining na ito ay sumasalamin sa isang mas malaki at unibersal na katotohanan kaysa sa ipinangangaral ng matalinghagang pagpipinta.

5. Suprematist Composition , Kazimir Malevich

Tulad ng Mondrian, ang pintor ng Sobyet na si Kazimir Malevich ay lumikha ng bagong anyo ng sining. Ang Suprematism ay isinilang sa Russia sa pagitan ng 1915 at 1916. Tulad ng mga abstractionist na kasamahan nito, ang pinakamalaking pagnanais ay tanggihan ang pisikal na presensya ng anuman at lahat ng bagay. Ang ideya ay upang makamit ang kadalisayan, o, gaya ng sinabi mismo ng lumikha, "ang kataas-taasang kapangyarihan ng dalisay na sensasyon".

Kaya, nilikha niya ang abstract na gawa Suprematist Composition noong 1916, na nagpapakita ng mga katangiang mahalaga sa bagong istilong ito. Ito ay isang akda na may sukat na 88.5 cm × 71 cm at bahagi ng isang pribadong koleksyon.

Ang pamamaraan ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga hugismga simpleng geometric na hugis at ang kagustuhan para sa isang palette ng mga kulay na simple din, pangunahin at pangalawa, kung minsan ay magkakapatong, minsan ay nakaposisyon nang magkatabi. Ang background ay halos palaging puti sa mga likha ni Malevich, na kumakatawan sa kawalan ng laman.

6. Ang ginto ng kalawakan , ni Joan Miró

Ang Kastila na si Joan Miró ay isang pintor na nakatuon sa pagkuha ng magagandang kahulugan mula sa mga simpleng anyo, na kadalasang nakadepende sa ng imahinasyon at interpretasyon ng nagmamasid.

Ito ang kaso ng Ang ginto ng kalangitan , isang pagpipinta na nilikha noong 1967 gamit ang teknik na acrylic sa canvas at ngayon ay kabilang sa koleksyon ng Joan MIró Foundation , sa Barcelona.

Sa komposisyong ito, nakikita natin ang nangingibabaw na dilaw, isang mainit na kulay na nauugnay sa kagalakan, na bumabalot sa lahat ng anyo.

May napakalaking mausok na masa ng asul , na pumapalit sa kakaiba, dahil ang iba pang mga hugis at linya ay tila lumulutang sa paligid nito.

Ang akda ay itinuturing na isang synthesis ng malikhaing proseso ni Miró, na nakatuon sa sarili nito sa pagsisiyasat sa parehong spontaneity at sa paglikha ng mga tiyak na anyo sa pagpipinta .

7. Bote ng Rum at Dyaryo , ni Juan Gris

Pinicturan sa pagitan ng 1913 at 1914 ng Spanish cubist na si Juan Gris, ang gawa sa oil paint sa canvas na kasalukuyang nabibilang sa koleksyon ng Tate Modern (London). Madalas na ginagamit ni Gris ang magkakapatong na mga eroplano ng kulay at texture, at Bote ng Rum atAng pahayagan ay isang mahalagang halimbawa ng kanyang pamamaraan.

Ang pagpipinta, na isa sa kanyang pinakakinakatawan na mga gawa, ay nagdadala ng imahe mula sa mga intersecting na angular na eroplano. Marami sa kanila ay may mga piraso ng kahoy sa background, marahil ay nagpapahiwatig ng isang tabletop, bagama't ang paraan ng pag-overlap at pagkakaugnay ng mga ito ay tinatanggihan ang anumang posibilidad ng isang pananaw na nauugnay sa katotohanan.

Ang bote at pahayagan sa pamagat ay ipinahiwatig ng isang minimum na mga pahiwatig: ang ilang mga titik, isang balangkas at isang mungkahi ng lokasyon ay sapat na upang ituro ang pagkakakilanlan ng mga bagay. Ang frame ay may medyo maliit na sukat (46 cm by 37 cm).

8. Itim sa malalim na pula , ni Mark Rothko

Itinuturing na isang kalunos-lunos na pagpipinta dahil sa matitibay at funereal na kulay nito, Black in Deep Red , na nilikha noong 1957, ay isa sa pinakamatagumpay na pagpipinta ng Amerikanong pintor na si Mark Rothko. Mula noong nagsimula siyang magpinta noong 1950s, sinikap ni Rothko na makamit ang pagiging pangkalahatan, patungo sa patuloy na pagpapasimple ng anyo.

Black in Deep Red ay sumusunod sa katangiang format ng kanyang mga gawa. ng artist, kung saan lumilitaw na lumulutang ang mga parihaba ng kulay na monochromatic sa loob ng mga hangganan ng frame.

Sa pamamagitan ng direktang pagpapahid sa canvas na may maraming manipis na layer ng pigment at pagbibigay ng espesyal na pansin sa mga gilid kung saan nakikipag-ugnayan ang mga field, ang nakamit ng pintor ang Epekto ng liwanag na nagmumula sa mismong larawan.

Aang trabaho ay kasalukuyang nabibilang sa isang pribadong koleksyon pagkatapos na ibenta noong 2000 para sa isang nakakagulat na higit sa tatlong milyong dolyar.

9. Concetto spaziale 'Attesa' , ni Lúcio Fontana

Ang canvas sa itaas ay bahagi ng isang serye ng mga gawa na ginawa ng pintor ng Argentina na si Lúcio Fontana noong siya ay sa Milan sa pagitan ng 1958 at 1968. Ang mga gawang ito, na binubuo ng mga canvases na ginupit nang isang beses o maraming beses, ay sama-samang kilala bilang Tagli ("pagputol").

Kung sama-sama, sila ang pinakamalawak at iba't ibang grupo ng mga gawa ni Fontana, at nakita bilang emblematic ng aesthetic nito. Ang layunin ng mga butas ay, literal, upang basagin ang ibabaw ng trabaho upang ang manonood ay mapansin ang espasyo na nasa kabila.

Si Lúcio Fontana ay nagsimulang bumuo ng pamamaraan ng pagbubutas ng mga canvases mula noong 1940s. artist nanatili, noong 1950s at 1960s, naghahanap ng iba't ibang paraan upang bumuo ng mga butas bilang kanyang katangiang kilos.

Ginagawa ni Fontana ang mga biyak gamit ang isang matalim na talim at ang mga canvases ay sinuportahan ng malakas na itim na gasa, na nagbibigay ng hitsura ng isang bakanteng espasyo sa likod. Noong 1968, sinabi ni Fontana sa isang tagapanayam:

"Gumawa ako ng walang katapusang dimensyon (...) ang aking natuklasan ay ang butas at iyon na. Masaya akong pumunta sa libingan pagkatapos ng gayong pagtuklas"

10. Counter-Composition VI , ni Theo van Doesburg

Ang artistPinintura ng Dutchman na si Theo van Doesburg (1883–1931) ang gawain sa itaas noong taong 1925, sa hugis na parisukat, gamit ang pintura ng langis sa canvas.

Ang mga geometric at simetriko na hugis ay maingat na inayos bago lagyan ng tinta, ang itim ang mga linya ay iginuhit gamit ang isang panulat a priori. Counter-Composition VI ay bahagi ng isang koleksyon na partikular na nagpapahalaga sa diagonal na hugis at mga tono ng monochrome.

Bukod pa sa pagiging pintor, van Aktibo rin si Doesburg bilang isang manunulat, makata at arkitekto at nauugnay sa grupo ng artist na De Stijl. Ang gawaing Counter-Composition VI , na may sukat na 50 cm by 50 cm, ay nakuha noong 1982 ng Tate Modern (London).

11. Metaesquema , ni Hélio Oiticica

Pinangalanan ng Brazilian artist na si Hélio Oiticica ang ilang mga gawa na ginawa sa pagitan ng 1957 at 1958 na metaesquema. Ito ay mga painting na may mga hilig na parihaba na pininturahan ng gouache na pintura sa karton.

Ito ay mga geometric na hugis na may mga frame ng iisang kulay (sa kasong ito ay pula), direktang inilapat sa isang makinis at tila walang laman na ibabaw. Ang mga hugis ay isinaayos sa mga makakapal na komposisyon na kahawig ng mga slanted grid.

Ginawa ni Oiticica ang seryeng ito ng mga painting habang naninirahan at nagtatrabaho sa Rio de Janeiro. Ayon mismo sa pintor, ito ay isang "obsessive dissection of space".

Sila ang simula ng pananaliksik para samas kumplikadong three-dimensional na mga gawa na bubuo ng artist sa hinaharap. Noong 2010, isang Metaesquema ay ibinenta sa auction ni Christie sa halagang US$122,500.

Ano ang Abstractionism?

Sa kasaysayan, nagsimulang bumuo ng mga abstract na gawa sa Europe sa simula ng ang ika-20 siglo, sa konteksto ng kilusang Modern Art.

Ito ay mga akdang hindi naglalayong kumatawan sa mga kinikilalang bagay at hindi nakatuon sa panggagaya sa kalikasan. Samakatuwid, ang unang reaksyon ng publiko at mga kritiko ay ang pagtanggi sa mga likha, na itinuturing na hindi maintindihan.

Ang abstract na sining ay pinuna nang eksakto para sa paglabag sa matalinghagang modelo. Sa ganitong uri ng trabaho, hindi na kailangang mag-ugnay sa panlabas na realidad at representasyon.

Gayunpaman, habang lumilipas ang panahon, mas tinatanggap ang mga gawa at nagawang tuklasin ng mga artista ang kanilang mga istilo nang malalim.