Abstrakcjonizm: odkryj 11 najsłynniejszych dzieł

Abstrakcjonizm lub sztuka abstrakcyjna to ruch, który łączy w sobie dość różnorodne produkcje, od niefiguratywnych rysunków po płótna wykonane z geometrycznych kompozycji.

Intencją prac abstrakcyjnych jest podkreślenie kształtów, kolorów i faktur, ujawnienie nierozpoznawalnych elementów i stymulowanie czytania świata poprzez nieobiektywny rodzaj sztuki.

1. Żółto-czerwono-niebieski Wassily Kandinsky

Płótno, datowane na 1925 rok, zawiera w tytule nazwy kolorów podstawowych. Zostało namalowane przez Rosjanina Wassily'ego Kandinsky'ego (1866) i obecnie znajduje się w Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, w Paryżu (Francja).

Kandinsky jest uważany za prekursora stylu abstrakcyjnego i był artystą ściśle związanym z muzyką, do tego stopnia, że wiele z jego abstrakcyjnych kompozycji, takich jak Żółto-czerwono-niebieski powstały z połączenia muzyki, kolorów i kształtów.

Duże płótno (127 cm na 200 cm) przedstawia różne kształty geometryczne (takie jak koła, prostokąty i trójkąty) wykonane głównie w kolorach podstawowych. Celem artysty było zwrócenie uwagi na psychologiczny wpływ kolorów i kształtów na ludzi.

Na ten temat Kandinsky stwierdził wówczas:

"Kolor jest środkiem wywierania bezpośredniego wpływu na duszę. Kolor jest kluczem; oko, młotkiem. Dusza, instrumentem tysiąca strun. Artysta jest ręką, która dotykając tego lub innego klucza, uzyskuje od duszy odpowiednią wibrację. Ludzka dusza, dotknięta w najbardziej wrażliwym punkcie, odpowiada".

2. Numer 5 autorstwa Jacksona Pollocka

Ekran Numer 5 został stworzony w 1948 roku przez amerykańskiego malarza Jacksona Pollocka, który rok wcześniej zaczął odkrywać zupełnie nowy sposób komponowania swoich dzieł.

Jego metoda polegała na rzucaniu i kapaniu emaliowanej farby na rozciągnięte płótno umieszczone na podłodze jego pracowni. Technika ta pozwoliła mu stworzyć plątaninę linii, a później przyniosła mu nazwę "drip paintings" (lub kapanie Pollock był jednym z największych nazwisk abstrakcjonizmu.

Od 1940 roku malarz cieszył się uznaniem krytyków i publiczności. Płótno Numer 5 , wykonana u szczytu jego kariery, jest ogromna i mierzy 2,4 metra na 1,2 metra.

Dzieło zostało sprzedane prywatnemu kolekcjonerowi w maju 2006 roku za 140 milionów dolarów, bijąc ówczesny rekord cenowy - do tego czasu był to najwyżej opłacany obraz w historii.

3. Dulcamara Insula Paul Klee

W 1938 roku naturalizowany Niemiec urodzony w Szwajcarii Paul Klee namalował siedem dużych paneli w formacie poziomym. Dulcamara Insula jest jednym z tych paneli.

Wszystkie prace zostały naszkicowane węglem na gazecie, którą Klee nakleił na płótno, uzyskując w ten sposób gładką i charakterystyczną powierzchnię. W kilku częściach paneli można przeczytać fragmenty użytej gazety, co jest miłą i nieoczekiwaną niespodzianką nawet dla samego Klee.

Insula Dulcamara to jedno z najbardziej radosnych dzieł malarza, z jego swobodnymi, oszczędnymi i bezkształtnymi dodatkami. Tytuł dzieła pochodzi z łaciny i oznacza "insula" (wyspa), "dulcis" (słodki, kochany) i "amarus" (gorzki) i może być interpretowany jako "Słodko-gorzka wyspa".

Płótno powstało w ostatnich latach życia artysty, a Klee wypowiedział się na jego temat w następujący sposób:

"Nie możemy obawiać się, że znajdziemy się pośród bardziej niestrawnych elementów; musimy tylko mieć nadzieję, że rzeczy trudniejsze do przyswojenia nie zakłócą równowagi. W ten sposób życie jest z pewnością bardziej ekscytujące niż bardzo uporządkowane życie mieszczańskie. I każdy może swobodnie, zgodnie ze swoimi gestami, wybierać między słodkimi i słonymi dwoma talerzami wagi".

4. Kompozycja z żółtym, niebieskim i czerwonym Piet Mondrian

Kompozycja z żółtym, niebieskim i czerwonym został po raz pierwszy namalowany w Paryżu w latach 1937-1938, ale został opracowany w Nowym Jorku w latach 1940-1942, kiedy Mondrian zmienił położenie niektórych czarnych linii i dodał inne. Dzieło znajduje się w kolekcji Tate St Ives (Kornwalia, Anglia) od 1964 roku.

Mondrian interesował się abstrakcyjną jakością linii. Chociaż rozpoczął swoją karierę od dzieł figuratywnych, z czasem malarz zainwestował w abstrakcjonizm, aw 1914 roku zradykalizował się i praktycznie wyeliminował zakrzywione linie ze swoich prac.

Francuski malarz rozwinął nową formę rygorystycznej abstrakcji zwaną neoplastycyzm Ogólnie rzecz biorąc, jego kompozycje nie były symetryczne. Ciekawostka: poziome linie były zwykle malowane przed pionowymi.

Mondrian uważał, że ten specyficzny rodzaj sztuki odzwierciedla większą i bardziej uniwersalną prawdę, niż głosiło malarstwo figuratywne.

5. Kompozycja suprematystyczna Kazimierz Malewicz

Podobnie jak Mondrian, radziecki malarz Kazimierz Malewicz stworzył nową formę sztuki. Suprematyzm urodził się w Rosji między 1915 a 1916 r. Podobnie jak jego koledzy abstrakcjoniści, jego największym pragnieniem było zaprzeczenie fizycznej obecności wszelkich obiektów. Chodziło o osiągnięcie czystości lub, jak stwierdził sam twórca, "supremacji czystego doznania".

W ten sposób stworzył abstrakcyjne dzieło Kompozycja suprematystyczna Jest to dzieło o wymiarach 88,5 cm × 71 cm, które jest częścią prywatnej kolekcji.

Technika ta charakteryzuje się wykorzystaniem prostych geometrycznych kształtów i preferowaniem palety kolorów, które są również proste, podstawowe i drugorzędne, czasem nakładające się na siebie, czasem umieszczone obok siebie. Tło jest prawie zawsze białe w kreacjach Malewicza, reprezentując pustkę.

6. Złoto firmamentu Joan Miró

Hiszpan Joan Miró był artystą zaangażowanym w wydobywanie z prostych form wielkich znaczeń, które w dużej mierze zależą od wyobraźni i interpretacji obserwatora.

Tak jest w przypadku Złoto firmamentu Obraz ten został namalowany w 1967 roku przy użyciu akrylu na płótnie i dziś należy do kolekcji Fundacji Joana Miro w Barcelonie.

W tej kompozycji widzimy dominację żółtego, ciepłego koloru związanego z radością, która obejmuje wszystkie formy.

Jest tam duża zadymiona masa błękitu, która zajmuje dumne miejsce, ponieważ reszta kształtów i linii wydaje się unosić wokół niej.

Praca jest uważana za syntezę procesu twórczego Miró, który poświęcił się badaniu zarówno spontaniczności, jak i tworzenia precyzyjnych form w malarstwie.

7. Butelka rumu i gazeta Juan Gris

Namalowana w latach 1913-1914 przez hiszpańskiego kubistę Juana Grisa praca olejna na płótnie jest obecnie częścią kolekcji Tate Modern (Londyn). Gris często używał nakładających się na siebie płaszczyzn koloru i tekstury, i Butelka rumu i gazeta jest cennym przykładem jego techniki.

Obraz, który jest jednym z jego najbardziej reprezentatywnych dzieł, przenosi obraz z przecinających się kanciastych płaszczyzn. Wiele z nich ma w tle fragmenty drewna, być może sugerujące blat stołu, chociaż sposób, w jaki nakładają się na siebie i łączą, neguje jakąkolwiek możliwość perspektywy związanej z rzeczywistością.

Butelka i gazeta w tytule są wskazane za pomocą minimum wskazówek: kilka liter, kontur i sugestia lokalizacji wystarczą, aby wskazać tożsamość obiektów. Obraz ma stosunkowo niewielkie wymiary (46 cm na 37 cm).

8. Czarny w głębokiej czerwieni autorstwa Marka Rothko

Uważany za obraz tragiczny ze względu na mocne, żałobne kolory, Czarny w głębokiej czerwieni Odkąd zaczął malować w latach 50-tych, Rothko dążył do osiągnięcia uniwersalności poprzez sprostanie rosnącemu uproszczeniu formy.

Czarny w głębokiej czerwieni podąża za charakterystycznym formatem prac artysty, w którym prostokąty monochromatycznego koloru wydają się unosić w granicach kadru.

Poprzez bezpośrednie barwienie płótna wieloma cienkimi warstwami pigmentu i zwracanie szczególnej uwagi na krawędzie, gdzie pola wchodzą w interakcje, malarz osiągnął efekt efekt światła promieniującego z samego obrazu.

Dzieło należy obecnie do prywatnej kolekcji, po tym jak zostało sprzedane w 2000 roku za oszałamiającą kwotę ponad trzech milionów dolarów.

9. Concetto spaziale 'Attesa Lúcio Fontana

Powyższe płótno jest częścią serii prac, które argentyński malarz Lucio Fontana stworzył podczas pobytu w Mediolanie w latach 1958-1968. Prace te, składające się z płócien ciętych raz lub wielokrotnie, są zbiorczo znane jako Tagli ("cięcia").

Łącznie stanowią one najobszerniejszą i najbardziej zróżnicowaną grupę dzieł Fontany i są postrzegane jako symbol jego estetyki. Celem otworów jest dosłownie przebicie się przez powierzchnię dzieła, aby widz mógł dostrzec przestrzeń poza nim.

Lúcio Fontana zaczął rozwijać technikę perforowania płócien w latach 40. W latach 50. i 60. artysta wciąż poszukiwał różnych sposobów rozwijania otworów jako swojego charakterystycznego gestu.

Fontana wykonuje szczeliny ostrym ostrzem, a płótna są następnie podklejane mocną czarną gazą, dając wrażenie pustki z tyłu. W 1968 roku Fontana powiedział w wywiadzie:

"Stworzyłem nieskończony wymiar (...) moim odkryciem była dziura i to wszystko. Cieszę się, że mogę iść do grobu po takim odkryciu".

10. Counter-Composition VI Theo van Doesburg

Holenderski artysta Theo van Doesburg (1883-1931) namalował powyższe dzieło w 1925 roku w formacie kwadratu, używając farby olejnej na płótnie.

Geometryczne i symetryczne kształty są ostrożnie układane przed pokryciem farbą, czarne linie zostały wcześniej narysowane długopisem. Counter-Composition VI jest częścią kolekcji, która szczególnie podkreśla ukośny kształt i monochromatyczne odcienie.

Oprócz bycia malarzem, van Doesburg był także pisarzem, poetą i architektem i jest związany z grupą artystów De Stijl. Jego prace Counter-Composition VI 50 cm na 50 cm, został nabyty w 1982 roku przez Tate Modern (Londyn).

11. Meta-schemat Hélio Oiticica

Brazylijski artysta Hélio Oiticica nazwał kilka prac wykonanych w latach 1957-1958 meta-schematami. Były to obrazy przedstawiające pochylone prostokąty namalowane gwaszem na kartonie.

Są to geometryczne kształty z ramkami w jednym kolorze (w tym przypadku czerwonym), nakładane bezpośrednio na gładką i pozornie pustą powierzchnię. Kształty są ułożone w gęste kompozycje, które przypominają nachylone siatki.

Oiticica stworzył tę serię obrazów, mieszkając i pracując w Rio de Janeiro. Według samego malarza był to "obsesyjny rozbiór przestrzeni".

Były one początkowym początkiem badań nad bardziej złożonymi trójwymiarowymi pracami, które artysta miał rozwijać w przyszłości. Meta-schemat został sprzedany na aukcji Christie's za 122 500 USD.

Czym był abstrakcjonizm?

Historycznie prace abstrakcyjne zaczęły powstawać w Europie na początku XX wieku, w kontekście ruchu sztuki nowoczesnej.

Prace te nie mają na celu reprezentowania uznanych obiektów i nie są zaangażowane w naśladowanie natury. Z tego powodu pierwszą reakcją publiczności i krytyków było odrzucenie kreacji, które uznano za niezrozumiałe.

Sztuka abstrakcyjna była krytykowana właśnie dlatego, że zerwała z modelem figuratywnym. W tego typu pracach nie ma potrzeby żadnego związku z zewnętrzną rzeczywistością i reprezentacją.

W miarę upływu czasu prace były jednak bardziej akceptowane, a artyści mogli dogłębnie zbadać swoje style.