Sommario
L'astrattismo, o arte astratta, è un movimento che riunisce produzioni piuttosto diverse, che vanno dai disegni non figurativi alle tele realizzate con composizioni geometriche.
L'intento delle opere astratte è quello di evidenziare forme, colori e texture, rivelando elementi irriconoscibili e stimolando una lettura del mondo attraverso un'arte non oggettiva.
1. Giallo-Rosso-Blu di Wassily Kandinsky
La tela, datata 1925, riporta nel titolo i nomi dei colori primari; è stata dipinta dal russo Wassily Kandinsky (1866) e si trova attualmente al Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, a Parigi (Francia).
Kandinsky è considerato il precursore dello stile astratto ed è stato un artista strettamente legato alla musica, tanto che molte delle sue composizioni astratte, come ad esempio Giallo-Rosso-Blu sono stati creati dalla relazione tra musica, colori e forme.
La grande tela (127 cm per 200 cm) presenta varie forme geometriche (come cerchi, rettangoli e triangoli) eseguite principalmente con colori primari. L'obiettivo dell'artista era quello di attirare l'attenzione sugli effetti psicologici che i colori e le forme hanno sulle persone.
A proposito di questo tema, Kandinsky dichiarò all'epoca:
"Il colore è un mezzo per esercitare un'influenza diretta sull'anima. Il colore è la chiave; l'occhio, il martello. L'anima, lo strumento dalle mille corde. L'artista è la mano che, toccando questo o quel tasto, ottiene dall'anima la giusta vibrazione. L'anima umana, toccata nel suo punto più sensibile, risponde".
2. Numero 5 di Jackson Pollock
Lo schermo Numero 5 è stato creato nel 1948 dal pittore americano Jackson Pollock, che l'anno precedente aveva iniziato a esplorare un modo completamente nuovo di comporre le sue opere.
Il suo metodo consisteva nel gettare e far gocciolare vernice smaltata su una tela tesa posta sul pavimento del suo studio. Questa tecnica gli permetteva di creare un groviglio di linee e gli valse in seguito il nome di "dipinti a goccia" (o sgocciolamento Pollock è stato uno dei nomi più importanti dell'astrattismo.
Dal 1940 il pittore è stato riconosciuto dalla critica e dal pubblico. La tela Numero 5 , realizzato all'apice della sua carriera, è immenso e misura 2,4 metri per 1,2 metri.
L'opera è stata venduta a un collezionista privato nel maggio 2006 per 140 milioni di dollari, battendo un record di prezzo per l'epoca: fino ad allora era stato il dipinto più pagato della storia.
3. Dulcamara Insula di Paul Klee
Nel 1938, il tedesco naturalizzato svizzero Paul Klee dipinse sette grandi pannelli in formato orizzontale. Dulcamara Insula è uno di questi pannelli.
Tutte le opere sono state disegnate a carboncino su carta di giornale, che Klee ha incollato su stoppa o lino, ottenendo così una superficie liscia e particolare. In diversi punti dei pannelli è possibile leggere estratti del giornale utilizzato, una sorpresa piacevole e inaspettata anche per lo stesso Klee.
Insula Dulcamara è una delle opere più gioiose del pittore, con i suoi accessori liberi, sparsi e informi. Il titolo dell'opera è in latino e significa "insula" (isola), "dulcis" (dolce, amabile) e "amarus" (amaro), e può essere interpretato come "Isola dolce e amara".
La tela è stata realizzata negli ultimi anni di vita e a proposito di essa Klee ha rilasciato la seguente dichiarazione:
"Non dobbiamo temere di trovarci avvolti in mezzo a elementi più indigesti; dobbiamo solo sperare che le cose più difficili da assimilare non turbino l'equilibrio. In questo modo, la vita è certamente più eccitante di una vita borghese molto ordinata. E ognuno è libero, secondo i suoi gesti, di scegliere tra il dolce e il salato dei due piatti della bilancia".
4. Composizione con giallo, blu e rosso di Piet Mondrian
Composizione con giallo, blu e rosso è stato dipinto per la prima volta a Parigi tra il 1937 e il 1938, ma è stato sviluppato a New York tra il 1940 e il 1942, quando Mondrian ha riposizionato alcune delle linee nere e ne ha aggiunte altre. L'opera è nella collezione della Tate St Ives (Cornovaglia, Inghilterra) dal 1964.
Guarda anche: Gli 11 dipinti più memorabili di Salvador DalíL'interesse di Mondrian era rivolto alla qualità astratta della linea. Sebbene avesse iniziato la sua carriera con opere figurative, col tempo il pittore investì nell'astrattismo e nel 1914 si radicalizzò, eliminando praticamente le linee curve dalle sue opere.
Il pittore francese ha sviluppato una nuova forma di astrazione rigorosa chiamata neoplasticismo In generale, le sue composizioni non erano simmetriche. Una curiosità: le linee orizzontali erano solitamente dipinte prima di quelle verticali.
Mondrian riteneva che questo specifico tipo di arte riflettesse una verità più grande e universale di quella predicata dalla pittura figurativa.
5. Composizione suprematista , Kazimir Malevich
Come Mondrian, il pittore sovietico Kazimir Malevich ha creato una nuova forma d'arte. Suprematismo Nato in Russia tra il 1915 e il 1916, il suo desiderio più grande, come quello dei suoi colleghi astrattisti, era quello di negare la presenza fisica di tutti gli oggetti, per raggiungere la purezza o, come affermava lo stesso creatore, "la supremazia della sensazione pura".
Così ha creato l'opera astratta Composizione suprematista del 1916, che presenta le caratteristiche essenziali di questo nuovo stile. Si tratta di un'opera di 88,5 cm × 71 cm che fa parte di una collezione privata.
La tecnica è caratterizzata dall'uso di forme geometriche semplici e dalla preferenza per una tavolozza di colori anch'essi semplici, primari e secondari, a volte sovrapposti, a volte affiancati. Lo sfondo è quasi sempre bianco nelle creazioni di Malevich, a rappresentare il vuoto.
6. L'oro del firmamento di Joan Miró
Lo spagnolo Joan Miró era un artista impegnato a estrarre da forme semplici significati grandiosi, che dipendono soprattutto dall'immaginazione e dall'interpretazione dell'osservatore.
Questo è il caso di L'oro del firmamento Questo quadro è stato dipinto nel 1967 con acrilico su tela e oggi appartiene alla collezione della Fondazione Joan Miro di Barcellona.
In questa composizione si nota la predominanza del giallo, un colore caldo legato alla gioia, che coinvolge tutte le forme.
C'è una grande massa fumosa di colore blu, che occupa un posto d'onore, mentre il resto delle forme e delle linee sembrano fluttuare intorno ad essa.
L'opera è considerata una sintesi del processo creativo di Miró, che si dedicava a indagare sia la spontaneità che la creazione di forme precise nella pittura.
7. Bottiglia di rum e giornale di Juan Gris
Dipinta tra il 1913 e il 1914 dal cubista spagnolo Juan Gris, l'opera, realizzata con colori a olio su tela, fa oggi parte della collezione della Tate Modern (Londra). Gris utilizzava spesso piani sovrapposti di colore e texture, e Bottiglia di rum e giornale è un prezioso esempio della sua tecnica.
Il dipinto, che è tra le sue opere più rappresentative, porta l'immagine di piani angolari che si intersecano; molti di essi hanno sullo sfondo sezioni di legno, forse suggestive del piano di un tavolo, anche se il modo in cui si sovrappongono e si interconnettono nega ogni possibilità di prospettiva legata alla realtà.
La bottiglia e il giornale del titolo sono indicati con un minimo di indizi: poche lettere, un contorno e un accenno a un luogo sono sufficienti per indicare l'identità degli oggetti. Il dipinto ha dimensioni relativamente ridotte (46 cm per 37 cm).
8. Nero in rosso intenso di Mark Rothko
Considerato un dipinto tragico per i suoi colori forti e funerei, Nero in rosso intenso Da quando ha iniziato a dipingere negli anni Cinquanta, Rothko ha cercato di raggiungere l'universalità andando incontro alla crescente semplificazione delle forme.
Nero in rosso intenso segue il formato caratteristico delle opere dell'artista, in cui rettangoli di colore monocromatico sembrano fluttuare entro i confini della cornice.
Macchiando direttamente la tela con molti strati sottili di pigmento e prestando particolare attenzione ai bordi in cui i campi interagiscono, il pittore ha ottenuto l'effetto "a macchia d'olio". effetto della luce irradiata dall'immagine stessa.
L'opera appartiene attualmente a una collezione privata dopo essere stata venduta nel 2000 per la cifra sbalorditiva di oltre tre milioni di dollari.
9. Concetto spaziale 'Attesa di Lúcio Fontana
La tela qui sopra fa parte di una serie di opere che il pittore argentino Lucio Fontana realizzò a Milano tra il 1958 e il 1968. Queste opere, che consistono in tele tagliate una o più volte, sono note collettivamente come Tagli.
Nel loro insieme, costituiscono il gruppo più ampio e variegato di opere di Fontana e sono stati considerati emblematici della sua estetica. L'obiettivo dei fori è letteralmente quello di sfondare la superficie dell'opera in modo che lo spettatore possa percepire lo spazio al di là.
Lúcio Fontana ha iniziato a sviluppare la tecnica della perforazione delle tele negli anni Quaranta. Negli anni Cinquanta e Sessanta l'artista ha continuato a cercare modi diversi per sviluppare i fori come suo gesto caratteristico.
Fontana realizza le fessure con una lama affilata e le tele vengono successivamente sostenute con una robusta garza nera, dando l'impressione di un vuoto dietro. Nel 1968 Fontana disse a un intervistatore:
"Ho creato una dimensione infinita (...) la mia scoperta è stata il buco e basta. Sono felice di andare nella tomba dopo una simile scoperta".
10. Controcomposizione VI di Theo van Doesburg
L'artista olandese Theo van Doesburg (1883-1931) dipinse l'opera qui sopra nel 1925 in un formato quadrato utilizzando colori a olio su tela.
Le forme geometriche e simmetriche sono disposte con cautela prima di essere ricoperte di pittura, le linee nere sono state tracciate a priori con una penna. Controcomposizione VI fa parte di una collezione che enfatizza particolarmente la forma diagonale e i toni monocromatici.
Oltre che pittore, van Doesburg è stato anche scrittore, poeta e architetto ed è legato al gruppo di artisti De Stijl. La sua opera Controcomposizione VI 50 cm per 50 cm, è stato acquisito nel 1982 dalla Tate Modern (Londra).
11. Meta-schema di Hélio Oiticica
L'artista brasiliano Hélio Oiticica ha dato il nome di meta-schemi a diverse opere realizzate tra il 1957 e il 1958. Si tratta di dipinti che riportano rettangoli inclinati dipinti con colori a guazzo su un cartone.
Si tratta di forme geometriche con cornici di un unico colore (in questo caso il rosso), applicate direttamente su una superficie liscia e apparentemente vuota. Le forme sono disposte in composizioni dense che ricordano griglie inclinate.
Oiticica ha realizzato questa serie di dipinti mentre viveva e lavorava a Rio de Janeiro. Secondo lo stesso pittore, si tratta di una "dissezione ossessiva dello spazio".
Sono stati il punto di partenza della ricerca per opere tridimensionali più complesse che l'artista avrebbe sviluppato in futuro. Nel 2010, un'opera di Meta-schema è stato venduto all'asta di Christie's per 122.500 dollari.
Che cos'era l'Astrattismo?
Storicamente le opere astratte hanno iniziato a svilupparsi in Europa all'inizio del XX secolo, nel contesto del movimento dell'Arte Moderna.
Queste opere non intendono rappresentare oggetti riconosciuti e non si impegnano a imitare la natura. Per questo motivo, la prima reazione del pubblico e della critica è stata quella di rifiutare le creazioni, considerate incomprensibili.
L'arte astratta è stata criticata proprio perché si è distaccata dal modello figurativo: in questo tipo di opere non c'è bisogno di alcun legame con la realtà esterna e la rappresentazione.
Con il passare del tempo, tuttavia, le opere sono state più accettate e gli artisti hanno potuto esplorare i loro stili in profondità.
