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L'abstractionnisme, ou art abstrait, est un mouvement qui regroupe des productions très diverses, allant du dessin non figuratif à la toile réalisée à partir de compositions géométriques.
L'intention des œuvres abstraites est de mettre en évidence les formes, les couleurs et les textures, en révélant des éléments méconnaissables et en stimulant une lecture du monde par le biais d'un type d'art non objectif.
1. Jaune-Rouge-Bleu de Wassily Kandinsky
La toile, datée de 1925 et portant dans son titre le nom des couleurs primaires, a été peinte par le Russe Wassily Kandinsky (1866) et se trouve actuellement au Musée national d'art moderne, Centre Georges Pompidou, à Paris (France).
Kandinsky est considéré comme le précurseur du style abstrait et était un artiste étroitement lié à la musique, à tel point qu'une grande partie de ses compositions abstraites, comme le Jaune-Rouge-Bleu ont été créées à partir de la relation entre la musique, les couleurs et les formes.
La grande toile (127 cm sur 200 cm) présente diverses formes géométriques (telles que des cercles, des rectangles et des triangles) exécutées principalement dans des couleurs primaires. L'objectif de l'artiste était d'attirer l'attention sur les effets psychologiques que les couleurs et les formes ont sur les gens.
À ce sujet, Kandinsky a déclaré à l'époque :
"La couleur est un moyen d'exercer une influence directe sur l'âme. La couleur est la clé ; l'oeil, le marteau. L'âme, l'instrument aux mille cordes. L'artiste est la main qui, en touchant telle ou telle clé, obtient de l'âme la vibration juste. L'âme humaine, touchée en son point le plus sensible, répond."
2. Numéro 5 par Jackson Pollock
L'écran Numéro 5 a été créée en 1948 par le peintre américain Jackson Pollock, qui avait commencé l'année précédente à explorer une toute nouvelle façon de composer ses œuvres.
Sa méthode consiste à jeter et à faire couler de la peinture émaillée sur une toile tendue posée sur le sol de son atelier. Cette technique lui permet de créer un enchevêtrement de lignes, ce qui lui vaudra plus tard le nom de "drip paintings" (ou "peintures au goutte-à-goutte"). goutte à goutte Pollock était l'un des plus grands noms de l'abstractionnisme.
Depuis 1940, le peintre est reconnu par la critique et le public. La toile Numéro 5 réalisée à l'apogée de sa carrière, est immense, mesurant 2,4 mètres sur 1,2 mètre.
L'œuvre a été vendue à un collectionneur privé en mai 2006 pour 140 millions de dollars, battant ainsi un record de prix pour l'époque - jusqu'alors, il s'agissait du tableau le plus cher de l'histoire.
3. Dulcamara Insula par Paul Klee
En 1938, l'Allemand Paul Klee, naturalisé suisse, a peint sept grands panneaux de format horizontal. Dulcamara Insula est l'un de ces panneaux.
Toutes les œuvres ont été dessinées au fusain sur du papier journal, que Klee a collé sur de l'étoffe de coton ou du lin, obtenant ainsi une surface lisse et caractéristique. À plusieurs endroits des panneaux, il est possible de lire des extraits du journal utilisé, une surprise agréable et inattendue, même pour Klee lui-même.
Insula Dulcamara est l'une des œuvres les plus joyeuses du peintre, avec ses accessoires libres, dépouillés et sans forme. Le titre de l'œuvre est en latin et signifie "insula" (île), "dulcis" (doux, aimable) et "amarus" (amer), et peut être interprété comme "Île douce et amère".
La toile a été réalisée au cours des dernières années de sa vie et Klee a fait la déclaration suivante à son sujet :
"Il ne faut pas craindre de se retrouver enveloppé au milieu d'éléments plus indigestes ; il faut seulement espérer que des choses plus difficiles à assimiler ne viendront pas rompre l'équilibre. Ainsi, la vie est certainement plus excitante qu'une vie bourgeoise très ordonnée. Et chacun est libre, selon ses gestes, de choisir entre le sucré et le salé des deux plateaux de la balance."
4. Composition avec du jaune, du bleu et du rouge de Piet Mondrian
Composition avec du jaune, du bleu et du rouge a été peinte pour la première fois à Paris entre 1937 et 1938, mais a été développée à New York entre 1940 et 1942, lorsque Mondrian a repositionné certaines des lignes noires et en a ajouté d'autres. L'œuvre fait partie de la collection de la Tate St Ives (Cornouailles, Angleterre) depuis 1964.
Bien qu'il ait commencé sa carrière par des œuvres figuratives, le peintre s'est progressivement investi dans l'abstraction et, en 1914, il s'est radicalisé et a pratiquement éliminé les lignes courbes de son œuvre.
Le peintre français a développé une nouvelle forme d'abstraction rigoureuse appelée néoplasie En général, ses compositions ne sont pas symétriques. Une curiosité : les lignes horizontales sont généralement peintes avant les lignes verticales.
Mondrian estimait que ce type d'art spécifique reflétait une vérité plus grande et universelle que celle prônée par la peinture figurative.
5. Composition suprématiste Kazimir Malevich
Comme Mondrian, le peintre soviétique Kazimir Malevitch a créé une nouvelle forme d'art. Suprématisme est né en Russie entre 1915 et 1916. Comme ses collègues abstractionnistes, son plus grand désir est de nier la présence physique de tout objet, afin d'atteindre la pureté ou, comme le créateur lui-même l'a déclaré, "la suprématie de la sensation pure".
C'est ainsi qu'il a créé l'œuvre abstraite Composition suprématiste en 1916, qui présente les caractéristiques essentielles de ce nouveau style. Il s'agit d'une œuvre de 88,5 cm × 71 cm qui fait partie d'une collection privée.
La technique se caractérise par l'utilisation de formes géométriques simples et la préférence pour une palette de couleurs également simples, primaires et secondaires, parfois superposées, parfois placées côte à côte. Le fond est presque toujours blanc dans les créations de Malevitch, représentant le vide.
6. L'or du firmament par Joan Miró
L'Espagnol Joan Miró était un artiste qui s'attachait à extraire des formes simples des significations grandioses, qui dépendent essentiellement de l'imagination et de l'interprétation de l'observateur.
C'est le cas de L'or du firmament Ce tableau a été peint en 1967 à l'acrylique sur toile et appartient aujourd'hui à la collection de la Fondation Joan Miro à Barcelone.
Dans cette composition, on observe la prédominance du jaune, une couleur chaude liée à la joie, qui s'exprime sous toutes ses formes.
Il y a une grande masse fumeuse de bleu, qui occupe une place prépondérante car le reste des formes et des lignes semble flotter autour d'elle.
L'œuvre est considérée comme une synthèse du processus créatif de Miró, qui s'est attaché à étudier à la fois la spontanéité et la création de formes précises en peinture.
7. Bouteille de rhum et journal par Juan Gris
Peinte entre 1913 et 1914 par le cubiste espagnol Juan Gris, cette œuvre à la peinture à l'huile sur toile fait aujourd'hui partie de la collection de la Tate Modern (Londres). Bouteille de rhum et journal est un exemple précieux de sa technique.
Le tableau, qui compte parmi les œuvres les plus représentatives de l'artiste, porte l'image de plans angulaires qui se croisent. Plusieurs d'entre eux ont des sections de bois à l'arrière-plan, évoquant peut-être un plateau de table, bien que la façon dont ils se chevauchent et s'interconnectent annule toute possibilité de perspective liée à la réalité.
La bouteille et le journal du titre sont indiqués avec un minimum d'indices : quelques lettres, un contour et une suggestion de lieu suffisent à signaler l'identité des objets. Le tableau a des dimensions relativement réduites (46 cm x 37 cm).
8. Noir en rouge foncé par Mark Rothko
Considéré comme un tableau tragique en raison de ses couleurs fortes et funèbres, Noir en rouge foncé Depuis qu'il a commencé à peindre dans les années 1950, Rothko a cherché à atteindre l'universalité en répondant à la simplification croissante des formes.
Noir en rouge foncé suit le format caractéristique des œuvres de l'artiste, dans lesquelles des rectangles de couleur monochrome semblent flotter dans les limites du cadre.
En colorant directement la toile avec de nombreuses et fines couches de pigments et en accordant une attention particulière aux bords où les champs interagissent, le peintre a obtenu le résultat que l'on attend de lui. l'effet de la lumière rayonnant de l'image elle-même.
L'œuvre appartient actuellement à une collection privée après avoir été vendue en 2000 pour la somme astronomique de plus de trois millions de dollars.
9. Concetto spaziale 'Attesa par Lúcio Fontana
La toile ci-dessus fait partie d'une série d'œuvres que le peintre argentin Lucio Fontana a réalisées lors de son séjour à Milan entre 1958 et 1968. Ces œuvres, qui consistent en des toiles coupées une ou plusieurs fois, sont collectivement connues sous le nom de Tagli ("coupures").
Voir également: Graffiti : histoire, caractéristiques et œuvres au Brésil et dans le monde entierL'ensemble de ces œuvres constitue le groupe le plus vaste et le plus varié de Fontana et est considéré comme emblématique de son esthétique. Le but des trous est littéralement de percer la surface de l'œuvre afin que le spectateur puisse percevoir l'espace au-delà.
Lúcio Fontana a commencé à développer la technique de la perforation des toiles dans les années 1940. Dans les années 1950 et 1960, l'artiste a continué à chercher différentes manières de développer les trous comme son geste caractéristique.
Fontana fait les fentes avec une lame tranchante et les toiles sont ensuite recouvertes d'une solide gaze noire, ce qui donne l'impression d'un vide à l'arrière. En 1968, Fontana a déclaré à un intervieweur :
"J'ai créé une dimension infinie (...) ma découverte a été le trou et c'est tout. Je suis heureux d'aller dans ma tombe après une telle découverte.
10. Contre-Composition VI par Theo van Doesburg
L'artiste néerlandais Theo van Doesburg (1883-1931) a peint l'œuvre ci-dessus en 1925 dans un format carré en utilisant de la peinture à l'huile sur une toile.
Les formes géométriques et symétriques sont soigneusement disposées avant d'être recouvertes de peinture, les lignes noires étant tracées au stylo a priori. Contre-Composition VI fait partie d'une collection qui met particulièrement l'accent sur la forme diagonale et les tons monochromes.
En plus d'être peintre, van Doesburg était également écrivain, poète et architecte, et il est apparenté au groupe d'artistes De Stijl. Son œuvre Contre-Composition VI 50 cm sur 50 cm, a été acquise en 1982 par la Tate Modern (Londres).
11. Méta-schéma par Hélio Oiticica
L'artiste brésilien Hélio Oiticica a nommé méta-schémas plusieurs œuvres réalisées entre 1957 et 1958. Il s'agit de tableaux portant des rectangles inclinés peints à la gouache sur un carton.
Il s'agit de formes géométriques avec des cadres d'une seule couleur (ici le rouge), appliquées directement sur une surface lisse et apparemment vide. Les formes sont disposées dans des compositions denses qui ressemblent à des grilles inclinées.
Oiticica a réalisé cette série de peintures alors qu'il vivait et travaillait à Rio de Janeiro. Selon le peintre lui-même, il s'agissait d'une "dissection obsessionnelle de l'espace".
Elles ont été le point de départ de recherches pour des œuvres tridimensionnelles plus complexes que l'artiste développera à l'avenir. Méta-schéma a été vendue aux enchères par Christie's pour 122 500 dollars.
Qu'est-ce que l'abstractionnisme ?
Historiquement, les œuvres abstraites ont commencé à se développer en Europe au début du 20e siècle, dans le contexte du mouvement de l'art moderne.
Ces œuvres ne sont pas destinées à représenter des objets reconnus et ne s'attachent pas à imiter la nature. C'est pourquoi la première réaction du public et des critiques a été de rejeter ces créations, considérées comme incompréhensibles.
L'art abstrait a été critiqué précisément parce qu'il s'affranchissait du modèle figuratif. Dans ce type d'œuvre, aucun lien avec la réalité extérieure et la représentation n'est nécessaire.
Au fil du temps, cependant, les œuvres ont été mieux acceptées et les artistes ont pu explorer leur style en profondeur.
