Abstractionism: ค้นพบผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด 11 ชิ้น

ศิลปะนามธรรมหรือศิลปะนามธรรมคือการเคลื่อนไหวที่รวบรวมการผลิตที่หลากหลาย ตั้งแต่ภาพวาดที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างไปจนถึงผืนผ้าใบที่ดำเนินการจากองค์ประกอบทางเรขาคณิต

ความตั้งใจของงานนามธรรมคือการเน้นรูปร่าง สี และ พื้นผิว เผยให้เห็นองค์ประกอบที่ไม่สามารถจดจำได้ และกระตุ้นการอ่านโลกโดยอิงตามประเภทงานศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์

1. เหลือง-แดง-น้ำเงิน โดย Wassily Kandinsky

ผ้าใบนี้ลงวันที่ปี 1925 มีชื่อสีหลักอยู่ในชื่อเรื่อง มันถูกวาดโดย Wassily Kandinsky ชาวรัสเซีย (1866) และปัจจุบันอยู่ใน Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou ในปารีส (ฝรั่งเศส)

Kandinsky ถือเป็นผู้บุกเบิกของสไตล์นามธรรมและ เป็นศิลปินที่ผูกพันกับดนตรีมาก จนส่วนที่ดีในการประพันธ์เพลงนามธรรมของเขา เช่น Amarelo-Vermelho-Azul ถูกสร้างขึ้นจากความสัมพันธ์ระหว่างดนตรี สี และรูปทรง

ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (127 ซม. x 200 ซม.) แสดงรูปทรงเรขาคณิตต่างๆ (เช่น วงกลม สี่เหลี่ยม และสามเหลี่ยม) โดยใช้สีหลักเป็นหลัก วัตถุประสงค์ของศิลปินคือเพื่อดึงความสนใจไปที่ผลทางจิตวิทยาที่สีและรูปร่างมีต่อผู้คน

เกี่ยวกับเรื่องนั้น Kandinsky กล่าวในเวลานั้น:

“สีเป็นวิธีการที่แสดงออกโดยตรง มีอิทธิพลต่อจิตวิญญาณ สีเป็นกุญแจสำคัญ ตาค้อน วิญญาณเครื่องดนตรีเป็นพันสาย ศิลปินคือมือที่เมื่อสัมผัสคีย์นี้หรือคีย์นั้น จะได้รับแรงสั่นสะเทือนที่ถูกต้องจากจิตวิญญาณ วิญญาณของมนุษย์ที่สัมผัสจุดที่อ่อนไหวที่สุดจะตอบสนอง”

2. Number 5 โดย Jackson Pollock

ผ้าใบ Number 5 สร้างขึ้นในปี 1948 โดย Jackson Pollock จิตรกรชาวอเมริกัน ปีที่แล้วเขาเริ่มสำรวจวิธีการใหม่ทั้งหมดในการแต่งผลงานของเขา

วิธีการของเขาประกอบด้วยการขว้างและหยดสีเคลือบฟันลงบนผ้าใบยืดที่วางอยู่บนพื้นสตูดิโอของเขา เทคนิคนี้ทำให้เกิดเส้นที่ยุ่งเหยิง และต่อมาได้ชื่อว่า "ภาพวาดหยด" (หรือ หยด ในภาษาอังกฤษ) พอลลอคเป็นหนึ่งในชื่อที่ใหญ่ที่สุดในลัทธินามธรรม

ตั้งแต่นั้นมา 2483 จิตรกรได้รับการยอมรับจากนักวิจารณ์และสาธารณชน ผืนผ้าใบ หมายเลข 5 ซึ่งทำขึ้นเมื่อถึงจุดสูงสุดของอาชีพการงานของเขา มีขนาดมหึมา โดยวัดได้ 2.4 ม. x 1.2 ม.

งานนี้ถูกขายให้กับนักสะสมส่วนตัวในเดือนพฤษภาคม 2549 ในราคา 140 ล้านดอลลาร์ ทำลายสถิติราคาในช่วงเวลานั้น - จนกระทั่งถึงตอนนั้น นี่เป็นภาพวาดที่ได้รับค่าตอบแทนสูงสุดในประวัติศาสตร์

3. Insula Dulcamara โดย Paul Klee

ในปี 1938 Paul Klee ชาวเยอรมันสัญชาติสวิสได้วาดภาพแผงขนาดใหญ่เจ็ดแผ่นในรูปแบบแนวนอน Insula Dulcamara เป็นหนึ่งในแผงเหล่านี้

ผลงานทั้งหมดร่างด้วยถ่านบนหนังสือพิมพ์ ซึ่ง Klee แปะลงบนผ้ากระสอบหรือผ้าลินิน จึงได้พื้นผิวเรียบและแตกต่าง ในหลายส่วนของแผง คุณสามารถอ่านข้อความที่ตัดตอนมาจากหนังสือพิมพ์ที่ใช้ ซึ่งเป็นเรื่องที่น่ายินดีและคาดไม่ถึงแม้แต่กับตัว Klee เอง

Insula Dulcamara เป็นหนึ่งในผลงานที่ร่าเริงที่สุดของจิตรกร โดยเป็นงานฟรี กระจัดกระจาย และ อุปกรณ์เสริมที่ไม่มีรูปร่าง ชื่อผลงานเป็นภาษาละตินและแปลว่า "insula" (เกาะ), "dulcis" (หวาน, ใจดี) และ "amarus" (ขม) และสามารถตีความได้ว่า "เกาะหวานและขม"

ผืนผ้าใบถูกสร้างขึ้นในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต และเกี่ยวกับเรื่องนี้ Klee ให้คำกล่าวต่อไปนี้:

"เราต้องอย่ากลัวที่จะพบว่าตัวเองเข้าไปพัวพันกับองค์ประกอบที่ย่อยไม่ได้ เราแค่ต้องรอ สำหรับสิ่งที่ยากกว่าที่จะดูดซึมไม่รบกวนความสมดุล ด้วยวิธีนี้ ชีวิตจะน่าตื่นเต้นกว่าชีวิตชนชั้นกลางที่มีระเบียบมากอย่างแน่นอน และแต่ละคนมีอิสระตามท่าทางของพวกเขา ให้เลือกระหว่างสองอย่างหวานและเค็ม ตาชั่ง"

4. องค์ประกอบด้วยสีเหลือง น้ำเงิน และแดง โดย Piet Mondrian

องค์ประกอบด้วยสีเหลือง น้ำเงิน และแดง ถูกวาดครั้งแรกในปารีส ระหว่างปี 1937 ถึง 1938 แต่ในที่สุดก็ได้รับการพัฒนาในนิวยอร์กระหว่างปี 1940 ถึง 1942 เมื่อ Mondrian เปลี่ยนตำแหน่งของเส้นสีดำบางส่วนและเพิ่มเส้นอื่นๆ ผลงานนี้อยู่ในคอลเลกชั่นของ Tate St Ives (คอร์นวอลล์ ประเทศอังกฤษ) ตั้งแต่ปี 1964

ความสนใจของ Mondrian อยู่ที่คุณภาพของเส้นนามธรรม แม้ว่าเขาจะเริ่มต้นอาชีพของเขาด้วยผลงานที่เป็นรูปเป็นร่าง แต่เมื่อเวลาผ่านไป จิตรกรได้ลงทุนในลัทธินามธรรม และในปี พ.ศ. 2457 เขาก็กลายเป็นคนหัวรุนแรงและได้ขจัดเส้นโค้งในงานของเขา

จิตรกรชาวฝรั่งเศสได้พัฒนาวิธีการวาดภาพแบบใหม่ สิ่งที่เป็นนามธรรมอย่างเข้มงวดที่เรียกว่า นีโอพลาสติกนิยม ซึ่งจำกัดอยู่เพียงเส้นตรง แนวนอนและแนวตั้ง และสีหลักพื้นฐาน โดยทั่วไปแล้ว การแต่งเพลงของเขาไม่สมมาตร ความอยากรู้อยากเห็น: เส้นแนวนอนมักถูกวาดก่อนเส้นแนวตั้ง

Mondrian รู้สึกว่างานศิลปะประเภทนี้สะท้อนความจริงที่ยิ่งใหญ่และเป็นสากลมากกว่าที่ภาพวาดอุปมาอุปไมยสั่งสอน

5. นักประพันธ์เพลงเอก , Kazimir Malevich

เช่นเดียวกับ Mondrian จิตรกรชาวโซเวียต Kazimir Malevich ได้สร้างงานศิลปะรูปแบบใหม่ ลัทธิอำนาจสูงสุด ถือกำเนิดขึ้นในรัสเซียระหว่างปี 1915 และ 1916 เช่นเดียวกับเพื่อนร่วมงานที่เป็นนามธรรม ความปรารถนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือการปฏิเสธการมีอยู่จริงของวัตถุใด ๆ และทั้งหมด แนวคิดคือการบรรลุถึงความบริสุทธิ์ หรือตามที่ผู้สร้างเองกล่าวไว้ว่า "อำนาจสูงสุดของความรู้สึกบริสุทธิ์"

ดังนั้น เขาจึงสร้างงานนามธรรม องค์ประกอบสูงสุด ในปี 1916 ซึ่งนำเสนอ ลักษณะสำคัญของสไตล์ใหม่นี้ เป็นงานที่มีขนาด 88.5 ซม. × 71 ซม. และเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันส่วนตัว

เทคนิคนี้โดดเด่นด้วยการใช้รูปทรงรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่ายและการเลือกชุดสีที่มีความเรียบง่าย หลักและรอง บางครั้งก็ทับซ้อนกัน บางครั้งวางเคียงข้างกัน พื้นหลังเกือบทั้งหมดเป็นสีขาวในงานสร้างสรรค์ของ Malevich ซึ่งแสดงถึงความว่างเปล่า

6. ทองคำแห่งนภา โดย Joan Miró

Joan Miró ชาวสเปนเป็นศิลปินที่มุ่งมั่นที่จะดึงความหมายที่ยิ่งใหญ่จากรูปแบบที่เรียบง่าย ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับ ตามจินตนาการและการตีความของผู้สังเกต

นี่คือกรณีของ The gold of the sky ซึ่งเป็นภาพวาดที่สร้างขึ้นในปี 1967 โดยใช้เทคนิคสีอะคริลิกบนผ้าใบ และปัจจุบันอยู่ในคอลเล็กชันของ มูลนิธิ Joan MIró ในบาร์เซโลนา

ในองค์ประกอบนี้ เราเห็นความเด่นของสีเหลือง ซึ่งเป็นสีอบอุ่นที่เชื่อมโยงกับความสุข ซึ่งครอบคลุมทุกรูปแบบ

มีมวลควันสีน้ำเงินจำนวนมาก ซึ่งเข้ามาแทนที่ความโดดเด่น เนื่องจากรูปทรงและเส้นอื่นๆ ดูเหมือนจะลอยอยู่รอบๆ ผลงาน

ผลงานชิ้นนี้ถือเป็นการสังเคราะห์กระบวนการสร้างสรรค์ของมิโร ซึ่งอุทิศตนให้กับการตรวจสอบทั้งความเป็นธรรมชาติและการสร้างสรรค์ ของรูปแบบที่แม่นยำในการลงสี

7. Bottle of Rum and Newspaper โดย Juan Gris

วาดระหว่างปี 1913 และ 1914 โดย Juan Gris นักเขียนแบบลูกบาศก์ชาวสเปน ปัจจุบันผลงานนี้เป็นสีน้ำมันบนผ้าใบ เป็นของสะสมของ Tate Modern (London) Gris มักใช้ระนาบสีและพื้นผิวที่ทับซ้อนกัน และ ขวดเหล้ารัม และหนังสือพิมพ์ เป็นตัวอย่างอันล้ำค่าของเทคนิคของเขา

ภาพวาดซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่เป็นตัวแทนมากที่สุดของเขา นำภาพจากระนาบเชิงมุมมาตัดกัน หลายชิ้นมีแผ่นไม้เป็นพื้นหลัง บางทีอาจสื่อถึงโต๊ะ แม้ว่าวิธีที่ซ้อนทับกันและเชื่อมต่อกันจะปฏิเสธความเป็นไปได้ของมุมมองที่เชื่อมโยงกับความเป็นจริง

ขวดและหนังสือพิมพ์ในชื่อระบุด้วย เบาะแสขั้นต่ำ: ตัวอักษรสองสามตัว โครงร่าง และคำแนะนำของตำแหน่งก็เพียงพอแล้วที่จะชี้ให้เห็นตัวตนของวัตถุ โครงมีขนาดค่อนข้างเล็ก (46 ซม. x 37 ซม.)

8. สีดำในสีแดงเข้ม โดย Mark Rothko

ถือว่าเป็นภาพวาดที่น่าสลดใจเนื่องจากสีที่รุนแรงและให้ความรู้สึกเหมือนศพ สีดำในสีแดงเข้ม สร้างขึ้นในปี 1957 เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดโดย Mark Rothko จิตรกรชาวอเมริกัน นับตั้งแต่เขาเริ่มวาดภาพในทศวรรษที่ 1950 Rothko พยายามอย่างยิ่งยวดที่จะบรรลุความเป็นสากล โดยมุ่งสู่รูปแบบที่เรียบง่ายที่เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ

Black in Deep Red เป็นไปตามรูปแบบเฉพาะของผลงานของเขา ของศิลปิน ซึ่งรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าสีเดียวดูเหมือนจะลอยอยู่ภายในขอบเขตของเฟรม

โดยการทาผ้าใบโดยตรงด้วยเม็ดสีบางๆ หลายๆ ชั้น และให้ความสนใจเป็นพิเศษกับขอบที่ฟิลด์กระทบกัน จิตรกรประสบความสำเร็จ เอฟเฟกต์แสงที่แผ่ออกมาจากภาพ

อผลงานในปัจจุบันเป็นของสะสมส่วนตัวหลังจากขายไปในปี 2000 ในราคากว่าสามล้านดอลลาร์

9. Concetto spaziale 'Attesa' โดย Lúcio Fontana

ผืนผ้าใบด้านบนนี้เป็นส่วนหนึ่งของชุดผลงานที่ Lúcio Fontana จิตรกรชาวอาร์เจนตินาสร้างขึ้นขณะที่เขากำลัง ในมิลานระหว่างปี พ.ศ. 2501 ถึง พ.ศ. 2511 งานเหล่านี้ซึ่งประกอบด้วยผืนผ้าใบที่ตัดเพียงครั้งเดียวหรือหลายครั้ง เรียกโดยรวมว่า Tagli ("การตัด")

เมื่อรวมเข้าด้วยกันแล้ว นับเป็นกลุ่มงานที่กว้างขวางและหลากหลายที่สุด โดย Fontana และถูกมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของความสวยงาม จุดประสงค์ของการเจาะรูคือแท้จริงแล้วเพื่อทำลายพื้นผิวของผลงานเพื่อให้ผู้ชมสามารถรับรู้พื้นที่ที่อยู่ไกลออกไป

ลูซิโอ ฟอนทานา เริ่มพัฒนาเทคนิคการเจาะรูบนผืนผ้าใบตั้งแต่ปี 1940 เป็นต้นมา ศิลปิน ยังคงอยู่ในทศวรรษที่ 1950 และ 1960 โดยมองหาวิธีต่างๆ ในการพัฒนารูตามลักษณะท่าทางของเขา

Fontana กรีดด้วยใบมีดที่คม และต่อมาผืนผ้าใบก็รองรับด้วยผ้าโปร่งสีดำที่แข็งแรง ทำให้มีลักษณะ ที่ว่างด้านหลัง. ในปี 1968 Fontana บอกกับผู้สัมภาษณ์ว่า:

"ฉันสร้างมิติที่ไม่มีที่สิ้นสุด (...) การค้นพบของฉันคือหลุม และแค่นั้น ฉันมีความสุขที่ได้ไปที่หลุมฝังศพหลังจากการค้นพบดังกล่าว"

10. Counter-Composition VI โดย Theo van Doesburg

ศิลปินTheo van Doesburg ชาวดัตช์ (พ.ศ. 2426-2474) วาดภาพงานด้านบนนี้ในปี พ.ศ. 2468 เป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสโดยใช้สีน้ำมันบนผ้าใบ

รูปทรงเรขาคณิตและสมมาตรได้รับการจัดอย่างพิถีพิถันก่อนลงหมึกสีดำ วาดเส้นด้วยปากกา a Priori Counter-Composition VI เป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชั่นที่ให้คุณค่ากับรูปทรงเส้นทแยงมุมและโทนสีเอกรงค์โดยเฉพาะ

นอกจากการเป็นจิตรกรแล้ว Van ดึสเบิร์กยังเป็นนักเขียน กวี และสถาปนิก และมีความเกี่ยวข้องกับกลุ่มศิลปิน De Stijl ผลงาน Counter-Composition VI ขนาด 50 ซม. x 50 ซม. ถูกซื้อกิจการในปี 1982 โดย Tate Modern (ลอนดอน)

11. Metaesquema โดย Hélio Oiticica

Hélio Oiticica ศิลปินชาวบราซิลตั้งชื่อผลงานหลายชิ้นที่ทำขึ้นระหว่างปี 1957 ถึง 1958 metaesquema ภาพเหล่านี้เป็นภาพวาดที่มีสี่เหลี่ยมผืนผ้าเอียงวาดด้วยสี gouache บนกระดาษแข็ง

ภาพเหล่านี้เป็นรูปทรงเรขาคณิตที่มีกรอบสีเดียว (ในกรณีนี้คือสีแดง) ซึ่งถูกนำไปใช้โดยตรงกับพื้นผิวเรียบและดูเหมือนว่างเปล่า รูปทรงต่างๆ ได้รับการจัดระเบียบเป็นองค์ประกอบที่หนาแน่นจนดูเหมือนตารางเอียง

Oiticica ผลิตภาพวาดชุดนี้ขณะที่อาศัยและทำงานในรีโอเดจาเนโร ตามคำบอกเล่าของจิตรกรเอง มันคือ "การแบ่งแยกอวกาศอย่างหมกมุ่น"

สิ่งเหล่านี้เป็นจุดเริ่มต้นของการวิจัยสำหรับงานสามมิติที่ซับซ้อนมากขึ้นซึ่งศิลปินจะพัฒนาในอนาคต ในปี 2010 Metaesquema ถูกขายในการประมูลของ Christie ในราคา 122,500 เหรียญสหรัฐ

Abstractionism คืออะไร

ในอดีต งานนามธรรมเริ่มได้รับการพัฒนาในยุโรปเมื่อช่วงต้นของ ศตวรรษที่ 20 ในบริบทของขบวนการศิลปะสมัยใหม่

เป็นงานที่ไม่ตั้งใจเป็นตัวแทนของวัตถุที่เป็นที่รู้จักและไม่ได้มุ่งมั่นที่จะเลียนแบบธรรมชาติ ดังนั้น ปฏิกิริยาแรกของประชาชนและนักวิจารณ์คือการปฏิเสธการสร้างสรรค์ ซึ่งถือว่าไม่สามารถเข้าใจได้

ศิลปะนามธรรมถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าละเมิดรูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่าง ในงานประเภทนี้ ไม่จำเป็นต้องเชื่อมโยงกับความเป็นจริงภายนอกและการเป็นตัวแทน

อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป ผลงานเหล่านี้ได้รับการยอมรับมากขึ้น และศิลปินสามารถสำรวจสไตล์ของพวกเขาในเชิงลึกได้