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Der Abstraktionismus oder die abstrakte Kunst ist eine Bewegung, die ganz unterschiedliche Werke umfasst, von ungegenständlichen Zeichnungen bis zu Leinwänden mit geometrischen Kompositionen.
Die Absicht der abstrakten Werke ist es, Formen, Farben und Texturen hervorzuheben, unerkennbare Elemente zu enthüllen und eine Lesart der Welt durch eine ungegenständliche Art der Kunst anzuregen.
1. Gelb-Rot-Blau von Wassily Kandinsky
Das 1925 datierte Gemälde, dessen Titel die Namen der Grundfarben enthält, wurde von dem Russen Wassily Kandinsky (1866) gemalt und befindet sich heute im Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, in Paris (Frankreich).
Kandinsky gilt als Wegbereiter des abstrakten Stils und war ein Künstler, der eng mit der Musik verbunden war, so sehr, dass viele seiner abstrakten Kompositionen, wie z. B. Gelb-Rot-Blau sind aus der Beziehung zwischen Musik, Farben und Formen entstanden.
Die große Leinwand (127 cm x 200 cm) zeigt verschiedene geometrische Formen (wie Kreise, Rechtecke und Dreiecke), die hauptsächlich in Primärfarben ausgeführt sind. Die Künstlerin wollte damit auf die psychologische Wirkung von Farben und Formen auf den Menschen aufmerksam machen.
Kandinsky äußerte sich damals zu diesem Thema:
"Die Farbe ist ein Mittel, um einen direkten Einfluss auf die Seele auszuüben. Die Farbe ist der Schlüssel, das Auge der Hammer, die Seele das Instrument mit den tausend Saiten. Der Künstler ist die Hand, die, indem sie diese oder jene Taste berührt, der Seele die richtige Schwingung entlockt. Die menschliche Seele, an ihrem empfindlichsten Punkt berührt, antwortet."
2. Nummer 5 von Jackson Pollock
Der Bildschirm Nummer 5 wurde 1948 von dem amerikanischen Maler Jackson Pollock geschaffen, der im Jahr zuvor damit begonnen hatte, eine völlig neue Art der Komposition seiner Werke zu erforschen.
Seine Methode bestand darin, emaillierte Farbe auf eine auf dem Boden seines Ateliers aufgespannte Leinwand zu werfen und zu tropfen. Diese Technik ermöglichte es ihm, ein Wirrwarr von Linien zu schaffen und brachte ihm später den Namen "Tropfbilder" (oder tropft Pollock war einer der größten Namen der Abstraktion.
Seit 1940 wurde der Maler von Kritikern und Publikum anerkannt. Die Leinwand Nummer 5 das auf dem Höhepunkt seiner Karriere entstand, ist mit 2,4 m x 1,2 m riesig.
Das Werk wurde im Mai 2006 für 140 Millionen Dollar an einen Privatsammler verkauft und brach damit den damaligen Preisrekord - bis dahin war es das höchstbezahlte Gemälde der Geschichte.
3. Dulcamara-Insel von Paul Klee
1938 malte der in der Schweiz eingebürgerte Deutsche Paul Klee sieben große Tafeln im Querformat. Dulcamara-Insel ist eines dieser Gremien.
Alle Werke sind mit Kohle auf Zeitungspapier gezeichnet, das Klee auf Werg oder Leinen geklebt hat, um eine glatte und unverwechselbare Oberfläche zu erhalten. An mehreren Stellen der Tafeln kann man Auszüge aus der verwendeten Zeitung lesen, was selbst für Klee eine angenehme und unerwartete Überraschung war.
Insula Dulcamara ist eines der fröhlichsten Werke des Malers, mit seinen freien, spärlichen und formlosen Accessoires. Der Titel des Werks ist lateinisch und bedeutet "insula" (Insel), "dulcis" (süß, liebenswert) und "amarus" (bitter) und kann als "Süße und bittere Insel" interpretiert werden.
Die Leinwand entstand in seinen letzten Lebensjahren, und Klee gab dazu folgende Erklärung ab:
"Wir müssen nicht fürchten, uns inmitten unverdaulicherer Elemente wiederzufinden; wir müssen nur hoffen, dass die schwieriger zu assimilierenden Dinge das Gleichgewicht nicht stören. Auf diese Weise ist das Leben sicherlich aufregender als ein sehr geordnetes bürgerliches Leben. Und jeder ist frei, je nach seinen Gesten zwischen dem Süßen und dem Salzigen der beiden Teller der Waage zu wählen."
4. Komposition mit Gelb, Blau und Rot von Piet Mondrian
Komposition mit Gelb, Blau und Rot entstand zwischen 1937 und 1938 in Paris, wurde aber zwischen 1940 und 1942 in New York weiterentwickelt, als Mondrian einige der schwarzen Linien neu anordnete und andere hinzufügte. Das Werk befindet sich seit 1964 in der Sammlung der Tate St Ives (Cornwall, England).
Mondrian interessierte sich für die abstrakte Qualität der Linie. Obwohl er seine Karriere mit figurativen Werken begann, wandte sich der Maler im Laufe der Zeit der Abstraktion zu und radikalisierte sich 1914, indem er geschwungene Linien praktisch aus seinem Werk verbannte.
Der französische Maler entwickelte eine neue Form der strengen Abstraktion, die er Neoplastik Im Allgemeinen waren seine Kompositionen nicht symmetrisch. Ein Kuriosum: Die horizontalen Linien wurden meist vor den vertikalen gemalt.
Mondrian war der Meinung, dass diese spezielle Art von Kunst eine größere und universelle Wahrheit widerspiegelt, als die figurative Malerei predigt.
5. Suprematistische Komposition Kasimir Malewitsch
Wie Mondrian schuf auch der sowjetische Maler Kasimir Malewitsch eine neue Kunstform. Suprematismus wurde zwischen 1915 und 1916 in Russland geboren. Wie seine abstraktistischen Kollegen war es sein größtes Anliegen, die physische Präsenz jeglicher Objekte zu verleugnen. Die Idee war, Reinheit zu erreichen, oder, wie der Schöpfer selbst sagte, "die Vorherrschaft der reinen Empfindung".
So schuf er das abstrakte Werk Suprematistische Komposition Es handelt sich um ein Werk von 88,5 cm × 71 cm aus einer Privatsammlung aus dem Jahr 1916, das die wesentlichen Merkmale dieses neuen Stils aufweist.
Kennzeichnend für diese Technik sind die Verwendung einfacher geometrischer Formen und die Vorliebe für eine ebenfalls einfache Farbpalette aus Primär- und Sekundärfarben, die sich mal überlagern, mal nebeneinander stehen. Der Hintergrund ist in Malewitschs Werken fast immer weiß und steht für die Leere.
6. Das Gold des Firmaments von Joan Miró
Der Spanier Joan Miró war ein Künstler, der sich dafür einsetzte, einfachen Formen großartige Bedeutungen zu entlocken, die zumeist von der Vorstellungskraft und der Interpretation des Betrachters abhängen.
Dies ist der Fall bei Das Gold des Firmaments Das Gemälde wurde 1967 mit Acryl auf Leinwand gemalt und befindet sich heute in der Sammlung der Joan-Miro-Stiftung in Barcelona.
In dieser Komposition überwiegt Gelb, eine warme Farbe, die mit Freude verbunden ist und alle Formen einbezieht.
Es gibt eine große rauchige blaue Masse, die einen Ehrenplatz einnimmt, während der Rest der Formen und Linien um sie herum zu schweben scheint.
Das Werk gilt als Synthese des kreativen Prozesses von Miró, der sich sowohl der Erforschung der Spontaneität als auch der Schaffung präziser Formen in der Malerei widmete.
Siehe auch: 3 Gedichte von Machado de Assis mit Kommentaren7. Flasche Rum und Zeitungspapier von Juan Gris
Das zwischen 1913 und 1914 von dem spanischen Kubisten Juan Gris gemalte Werk aus Ölfarbe auf Leinwand ist heute Teil der Sammlung der Tate Modern (London). Gris verwendete häufig überlappende Farb- und Texturebenen und Flasche Rum und Zeitungspapier ist ein wertvolles Beispiel für seine Technik.
Das Gemälde, das zu seinen repräsentativsten Werken gehört, trägt das Bild von sich überschneidenden winkligen Flächen. Viele von ihnen haben Holzteile im Hintergrund, die vielleicht an eine Tischplatte erinnern, obwohl die Art und Weise, wie sie sich überschneiden und miteinander verbunden sind, jede Möglichkeit einer mit der Realität verbundenen Perspektive negiert.
Die Flasche und die Zeitung im Titel werden mit einem Minimum an Hinweisen angegeben: einige Buchstaben, ein Umriss und eine Andeutung des Ortes reichen aus, um die Identität der Objekte zu verdeutlichen. Das Gemälde hat relativ kleine Abmessungen (46 cm x 37 cm).
8. Schwarz in tiefem Rot von Mark Rothko
Wegen seiner kräftigen, todbringenden Farben gilt es als tragisches Gemälde, Schwarz in Tiefrot Seit er in den 1950er Jahren zu malen begann, hat Rothko versucht, Universalität zu erreichen, indem er der zunehmenden Vereinfachung der Form begegnete.
Schwarz in Tiefrot folgt dem für die Werke des Künstlers charakteristischen Format, in dem rechteckige, monochrome Farbflächen innerhalb des Rahmens zu schweben scheinen.
Indem er die Leinwand direkt mit vielen dünnen Pigmentschichten einfärbte und besonders auf die Ränder achtete, an denen die Felder aufeinandertreffen, erzielte der Maler die Wirkung des Lichts, das vom Bild selbst ausgeht.
Das Werk befindet sich heute in einer Privatsammlung, nachdem es im Jahr 2000 für sage und schreibe über drei Millionen Dollar verkauft wurde.
9. Raumkonzept 'Attesa von Lúcio Fontana
Die oben abgebildete Leinwand gehört zu einer Serie von Werken, die der argentinische Maler Lucio Fontana zwischen 1958 und 1968 in Mailand schuf. Diese Werke, die aus ein- oder mehrfach geschnittenen Leinwänden bestehen, sind unter dem Namen Tagli ("Schnitte") bekannt.
Zusammengenommen bilden sie die umfangreichste und vielfältigste Gruppe von Fontanas Werken und gelten als emblematisch für seine Ästhetik. Das Ziel der Löcher ist es, die Oberfläche des Werks buchstäblich zu durchbrechen, damit der Betrachter den Raum dahinter wahrnehmen kann.
Lúcio Fontana begann in den 1940er Jahren, die Technik der Perforation von Leinwänden zu entwickeln. In den 1950er und 1960er Jahren suchte der Künstler immer wieder nach neuen Möglichkeiten, die Löcher als seine charakteristische Geste zu entwickeln.
Fontana macht die Schlitze mit einer scharfen Klinge, und die Leinwände werden anschließend mit starker schwarzer Gaze hinterlegt, so dass der Eindruck entsteht, dass sich dahinter eine Leere befindet. 1968 sagte Fontana in einem Interview:
"Ich habe eine unendliche Dimension geschaffen (...) meine Entdeckung war das Loch und das war's. Ich bin froh, nach einer solchen Entdeckung ins Grab zu gehen.
10. Gegensätzliche Zusammensetzung VI von Theo van Doesburg
Der niederländische Künstler Theo van Doesburg (1883-1931) malte das obige Werk im Jahr 1925 in einem quadratischen Format mit Ölfarbe auf eine Leinwand.
Die geometrischen und symmetrischen Formen werden sorgfältig angeordnet, bevor sie mit Farbe bedeckt werden, die schwarzen Linien wurden vorher mit einem Stift gezogen. Gegensätzliche Zusammensetzung VI ist Teil einer Kollektion, die besonders die diagonale Form und die monochromen Töne betont.
Van Doesburg war nicht nur Maler, sondern auch Schriftsteller, Dichter und Architekt und wird der Künstlergruppe De Stijl zugerechnet. Sein Werk Gegensätzliche Zusammensetzung VI 50 cm x 50 cm, wurde 1982 von der Tate Modern (London) erworben.
11. Meta-Schema von Hélio Oiticica
Der brasilianische Künstler Hélio Oiticica nannte mehrere Werke, die zwischen 1957 und 1958 entstanden, Meta-Schemata: Gemälde, die schräge Rechtecke mit Gouache-Farbe auf einem Karton tragen.
Es handelt sich um geometrische Formen mit einfarbigen Rahmen (in diesem Fall rot), die direkt auf eine glatte und scheinbar leere Fläche aufgetragen werden. Die Formen sind in dichten Kompositionen angeordnet, die an schräge Gitter erinnern.
Oiticica schuf diese Gemäldeserie, während er in Rio de Janeiro lebte und arbeitete, nach eigener Aussage eine "obsessive Sezierung des Raums".
Sie waren die Initialzündung für komplexere dreidimensionale Arbeiten, die der Künstler in Zukunft entwickeln sollte. 2010 wurde eine Meta-Schema wurde bei Christie's für 122.500 US-Dollar versteigert.
Was war Abstraktionismus?
Historisch gesehen wurden abstrakte Werke in Europa zu Beginn des 20. Jahrhunderts im Zusammenhang mit der modernen Kunst entwickelt.
Diese Werke sollen keine anerkannten Objekte darstellen und sind nicht der Nachahmung der Natur verpflichtet, weshalb die erste Reaktion des Publikums und der Kritiker darin bestand, die als unverständlich empfundenen Kreationen abzulehnen.
Die abstrakte Kunst ist gerade deshalb in die Kritik geraten, weil sie sich vom figurativen Modell löst, weil sie keinen Bezug zur äußeren Realität und zur Darstellung braucht.
Im Laufe der Zeit wurden die Werke jedoch immer mehr akzeptiert und die Künstler konnten ihren Stil vertiefen.
