Апстракционизам: откријте ги 11-те најпознати дела

Апстракционизмот, или апстрактната уметност, е движење кое обединува доста разновидни продукции, кои се движат од нефигуративни цртежи до платна изведени од геометриски композиции.

Намерата на апстрактните дела е да се истакнат формите, боите и текстури, откривање на непрепознатливи елементи и стимулирање на читање на светот врз основа на необјективен тип на уметност.

1. Жолто-црвено-сино , од Василиј Кандински

Платно, датирано од 1925 година, ги има имињата на основните бои во насловот. Сликана е од Русинот Василиј Кандински (1866), а моментално се наоѓа во Музејот национален модерна уметност, Центар Жорж Помпиду, во Париз (Франција).

Кандински се смета за претходник на апстрактниот стил и беше уметник многу поврзан со музиката, толку многу што добар дел од неговите апстрактни композиции, како што е Amarelo-Vermelho-Azul , беа создадени од односот помеѓу музиката, боите и формите.

Платно со голема големина (127 cm на 200 cm) прикажува различни геометриски форми (како кругови, правоаголници и триаголници) изведени, пред сè, во основни бои. Целта на уметникот беше да го привлече вниманието на психолошките ефекти што боите и облиците ги имаат врз луѓето.

Во врска со темата, Кандински изјави во тоа време:

„Бојата е средство за вршење директна влијание врз душата. Бојата е клучот; окото, чеканот. Душата, инструментотод илјада жици. Уметникот е раката која со допирање на овој или оној клуч ја добива вистинската вибрација од душата. Човечката душа, допрена во нејзиното најчувствително место, одговара.“

2. Број 5 , од Џексон Полок

Платното Број 5 е создадено во 1948 година од американскиот сликар Џексон Полок, кој во Претходната година тој почна да истражува сосема нов начин на компонирање на неговите дела.

Неговиот метод се состоеше од фрлање и капење емајлирана боја на испружено платно поставено на подот од неговото студио. Оваа техника овозможи создавање на сплет од линии, а подоцна го доби името „слики што капе“ (или капе , на англиски) Полок беше едно од најголемите имиња во апстракционизмот.

Од во 1940 сликарот беше препознаен од критичарите и јавноста. Платното Број 5 , направено во екот на неговата кариера, е огромно, со димензии 2,4 m на 1,2 m.

Делото беше продадено на приватен колекционер во мај 2006 година за 140 милиони долари , соборувајќи рекордна цена за тоа време - дотогаш ова беше најплатената слика во историјата.

3. Инсула Дулкамара , од Пол Кле

Во 1938 година, Швајцарецот натурализиран Германец Пол Кле насликал седум големи панели во хоризонтален формат. Инсула Дулкамара е една од овие панели.

Сите дела се скицирани со јаглен на весник, кој Кле го залепил на бура или лен, со што добилмазна и диференцирана површина. На неколку делови од панелите е можно да се прочитаат извадоци од користениот весник, пријатно и неочекувано изненадување дури и за самиот Кле.

Инсула Дулкамара е едно од највеселите дела на сликарот, со своите слободни, ретки и додатоци без облик. Насловот на делото е на латински и значи „insula“ (остров), „dulcis“ (сладок, љубезен) и „amarus“ (горчлив), а може да се протолкува како „сладок и горчлив остров“.

За време на неговите последни години од животот беше создадено платно и во врска со тоа, Кле ја даде следнава изјава:

„Не смееме да се плашиме да се најдеме вмешани во средината на повеќе несварливи елементи; само треба да почекаме за потешките нешта да се асимилираат не ја нарушуваат рамнотежата. На овој начин животот е секако повозбудлив од многу уреден буржоаски живот. И секој е слободен, според своите гестови, да избере помеѓу слаткото и соленото од двајца вага."

4. Композиција со жолта, сина и црвена , од Пиет Мондријан

Композиција со жолта, сина и црвена боја првично била насликана во Париз , помеѓу 1937 и 1938 година, но на крајот беше развиен во Њујорк помеѓу 1940 и 1942 година, кога Мондријан репозиционираше некои од црните линии и додаде други. Делото е во колекцијата на Тејт Сент Ајвс (Корнвол, Англија) од 1964 година.

Интересот на Мондријан беше воквалитет на апстрактна линија. Иако ја започнал својата кариера со фигуративни дела, со текот на времето сликарот инвестирал во апстракционизмот и во 1914 година се радикализирал и практично ги елиминирал кривите линии во неговата работа.

Францускиот сликар развил нов начин на сликање. ригорозна апстракција наречена неопластицизам , во која тој беше ограничен на прави линии, хоризонтални и вертикални и основни основни бои. Во принцип, неговите композиции не беа симетрични. Куриозитет: хоризонталните линии обично беа насликани пред вертикалните.

Мондријан сметаше дека овој специфичен тип на уметност одразува поголема и универзална вистина од она што го проповеда фигуративното сликарство.

5. Супрематистичка композиција , Казимир Малевич

Како Мондријан, советскиот сликар Казимир Малевич создаде нова форма на уметност. Супрематизмот е роден во Русија помеѓу 1915 и 1916 година. Како и неговите колеги апстракционисти, најголемата желба беше да се негира физичкото присуство на сите предмети. Идејата била да се постигне чистота, или, како што самиот творец изјавил, „превласт на чистата сензација“.

Така, тој го создал апстрактното дело Супрематистичка композиција во 1916 година, кое го претставува основните карактеристики на овој нов стил. Станува збор за дело со димензии 88,5 cm × 71 cm и е дел од приватна колекција.

Техниката се карактеризира со употреба на формиедноставни геометриски форми и претпочитање за палета на бои кои се исто така едноставни, примарни и секундарни, понекогаш се преклопуваат, други пат позиционирани рамо до рамо. Заднината е скоро секогаш бела во креациите на Малевич, претставувајќи ја празнината.

6. Златото на сводот , од Џоан Миро

Шпанецот Хоан Миро бил уметник посветен на извлекување големи значења од едноставни форми, кои најмногу зависат од на имагинацијата и интерпретацијата на набљудувачот.

Ова е случајот на Златото на сводот , слика создадена во 1967 година со употреба на техниката акрил на платно и која денес припаѓа на колекцијата на Фондацијата Joan MIró, во Барселона.

Во оваа композиција, ја гледаме доминацијата на жолтата, топла боја поврзана со радоста, која ги обвива сите форми.

Постои голема зачадена маса на сина боја , што го зазема местото на издвојување, бидејќи остатокот од облиците и линиите се чини дека лебдат околу него.

Делото се смета за синтеза на креативниот процес на Миро, кој се посветил на истражување и на спонтаноста и на создавањето на прецизни форми во сликарството .

7. Шише рум и весник , од Хуан Грис

Насликано помеѓу 1913 и 1914 година од шпанскиот кубист Хуан Грис, делото во маслена боја на платно моментално припаѓа на колекцијата на Тејт Модерн (Лондон). Gris често користеше преклопувачки рамнини на боја и текстура, и Шише рум иВесникот е скапоцен пример за неговата техника.

Сликата, која е едно од неговите најрепрезентативни дела, ја носи сликата од пресечни аголни рамнини. Многу од нив имаат парчиња дрво во позадина, можеби сугерираат на маса, иако начинот на кој се преклопуваат и меѓусебно се поврзуваат негира секоја можност за перспектива поврзана со реалноста.

Шишето и весникот во насловот се означени со минимум индиции: неколку букви, преглед и предлог за локација се доволни за да се укаже на идентитетот на предметите. Рамката има релативно мали димензии (46 cm на 37 cm).

8. Црно во длабоко црвено , од Марк Ротко

Се смета за трагична слика поради силните и погребни бои, Црното во длабоко црвено , создадена во 1957 година, е една од најуспешните слики на американскиот сликар Марк Ротко. Уште кога почнал да слика во 1950-тите, Ротко се трудел да постигне универзалност, движејќи се кон сè поголемо поедноставување на формата.

Црното во длабоко црвено го следи карактеристичниот формат на неговите дела. на уметникот, во кои правоаголниците со монохроматска боја изгледаат како да лебдат во границите на рамката.

Со директно размачкување на платното со многу тенки слоеви пигмент и посветување посебно внимание на рабовите каде што полињата комуницираат, сликарот го постигна Ефектот на светлината што зрачи од самата слика.

АДелото моментално припаѓа на приватна колекција откако беше продадено во 2000 година за неверојатни над три милиони долари.

9. Concetto spaziale 'Attesa' , од Лусио Фонтана

Платно погоре е дел од серијата дела што аргентинскиот сликар Лусио Фонтана ги изработил додека бил во Милано помеѓу 1958 и 1968 година. Овие дела, кои се состојат од платна исечени еднаш или повеќекратно, се колективно познати како Тагли („резови“).

Земени заедно, тие се најобемната и најразновидна група дела од Фонтана, и стана амблем по неговата естетика. Целта на дупките е, буквално, да се скрши површината на делото за да може гледачот да го воочи просторот што се наоѓа подалеку.

Лусио Фонтана започна да ја развива техниката на перфорирање платна од 1940-тите па наваму. уметник остана, во 1950-тите и 1960-тите, да бара различни начини да ги развие дупките како негов карактеристичен гест.

Фонтана ги прави процепите со остар нож, а платната подоцна се потпираат со силна црна газа, давајќи му на изгледот празен простор позади. Во 1968 година, Фонтана му рече на интервјуерот:

„Создадов бесконечна димензија (...) моето откритие беше дупката и тоа е тоа.

10. Контра-композиција VI , од Тео ван Дозбург

УметникотХоланѓанецот Тео ван Дозбург (1883–1931) го насликал горенаведеното дело во 1925 година, во квадратна форма, користејќи маслена боја на платно.

Геометриските и симетричните форми се внимателно распоредени пред да бидат покриени со мастило, црното линиите се цртаа со пенкало априори. Контра-Композиција VI е дел од колекцијата која особено ја вреднува дијагоналната форма и монохроматските тонови.

Покрај тоа што е сликар, комбе Досбург бил активен и како писател, поет и архитект и е поврзан со уметничката група Де Стијл. Делото Контра-Композиција VI , со димензии 50 см на 50 см, е купено во 1982 година од Тејт Модерн (Лондон).

11. Метаескема , од Хелио Оитичика

Бразилскиот уметник Хелио Оитичика именуваше неколку дела направени помеѓу 1957 и 1958 година метаескема. Тоа беа слики кои носеа наклонети правоаголници насликани со боја на гуаче на картон.

Тоа се геометриски форми со рамки од една боја (во овој случај црвена), директно нанесени на мазна и навидум празна површина. Формите се организирани во густи композиции кои личат на коси решетки.

Оитичика ја направи оваа серија слики додека живееше и работеше во Рио де Жанеиро. Според самиот сликар, тоа било „опсесивна дисекција на просторот“.

Тие биле почетна точка на истражување запосложени тродимензионални дела кои уметникот би ги развивал во иднина. Во 2010 година, Metaesquema беше продадена на аукцијата на Кристи за 122.500 американски долари.

Што беше апстракционизам?

Историски, апстрактните дела почнаа да се развиваат во Европа на почетокот на 20 век, во контекст на движењето Модерна уметност.

Тоа се дела кои немаат намера да претставуваат препознаени предмети и не се посветени на имитирање на природата. Затоа, првата реакција на јавноста и критиката беше отфрлање на креациите, сметани за неразбирливи.

Апстрактната уметност беше критикувана токму поради раскинувањето со фигуративниот модел. Во овој тип на дела, нема потреба да се поврзуваме со надворешната реалност и претставување.

Меѓутоа, како што одминуваше времето, делата беа сè поприфатени и уметниците беа во можност длабински да ги истражат нивните стилови.