Abstraksionizëm: zbuloni 11 veprat më të famshme

Abstraksionizmi, ose Arti Abstrakt, është një lëvizje që bashkon prodhime mjaft të ndryshme, duke filluar nga vizatimet jo-figurative deri te pikturat e ekzekutuara nga kompozime gjeometrike.

Qëllimi i veprave abstrakte është të nxjerrë në pah format, ngjyrat dhe tekstura, duke zbuluar elementë të panjohur dhe duke stimuluar një lexim të botës bazuar në një lloj arti jo objektiv.

1. E verdhë-Kuqe-Blu , nga Wassily Kandinsky

Kanavacë, e datës 1925, ka emrat e ngjyrave kryesore në titull. Është pikturuar nga rusi Wassily Kandinsky (1866), dhe aktualisht ndodhet në Musée National d'Art Moderne, Center Georges Pompidou, në Paris (Francë).

Kandinsky konsiderohet si paraardhësi i stilit abstrakt dhe ishte një artist shumë i lidhur me muzikën, aq sa një pjesë e mirë e kompozimeve të tij abstrakte, si Amarelo-Vermelho-Azul , u krijuan nga marrëdhënia mes muzikës, ngjyrave dhe formave.

Një kanavacë me përmasa të mëdha (127 cm me 200 cm) paraqet forma të ndryshme gjeometrike (të tilla si rrathë, drejtkëndësha dhe trekëndësha) të ekzekutuara, mbi të gjitha, me ngjyra kryesore. Objektivi i artistit ishte të tërhiqte vëmendjen për efektet psikologjike që ngjyrat dhe format kanë tek njerëzit.

Lidhur me temën, Kandinsky deklaroi në atë kohë:

“Ngjyra është një mjet për të ushtruar një ndikim në shpirt. Ngjyra është çelësi; syri, çekiçi. Shpirti, instrumentiprej njëmijë vargjesh. Artisti është dora që, duke prekur këtë apo atë çelës, merr dridhjen e duhur nga shpirti. Shpirti i njeriut, i prekur në pikën e tij më të ndjeshme, përgjigjet.”

2. Numri 5 , nga Jackson Pollock

Kanavacë Numri 5 u krijua në vitin 1948 nga piktori amerikan Jackson Pollock, i cili në vitin e kaluar ai filloi të eksploronte një mënyrë krejtësisht të re të kompozimit të veprave të tij.

Metoda e tij konsistonte në hedhjen dhe pikimin e bojës së smaltit në një kanavacë të shtrirë të vendosur në dyshemenë e studios së tij. Kjo teknikë lejoi krijimin e një lëmshi vijash, dhe më vonë fitoi emrin e "pikturave që pikon" (ose dripping , në anglisht) Pollock ishte një nga emrat më të mëdhenj në abstraksionizëm.

Që në 1940 piktori u njoh nga kritika dhe publiku. Telajo Numri 5 , e bërë në kulmin e karrierës së tij, është e madhe, me përmasa 2.4 m me 1.2 m.

Vepra iu shit një koleksionisti privat në maj 2006 për 140 milionë dollarë , duke thyer një çmim rekord për kohën - deri atëherë kjo kishte qenë piktura më e paguar në histori.

3. Insula Dulcamara , nga Paul Klee

Në vitin 1938, zvicerani i natyralizuar gjerman Paul Klee pikturoi shtatë panele të mëdha në format horizontal. Insula Dulcamara është një nga këto panele.

Të gjitha punimet janë skicuar me qymyr në gazetë, të cilën Klee e ngjiti në copa cohë ose liri, duke marrë kështu njësipërfaqe e lëmuar dhe e diferencuar. Në disa pjesë të paneleve mund të lexohen pjesë nga gazeta e përdorur, një surprizë e këndshme dhe e papritur edhe për vetë Kleen.

Insula Dulcamara është një nga veprat më gazmore të piktorit, me të lira, të rralla dhe aksesorë pa formë . Titulli i veprës është latinisht dhe do të thotë "insula" (ishull), "dulcis" (i ëmbël, i sjellshëm) dhe "amarus" (i hidhur), dhe mund të interpretohet si "ishull i ëmbël dhe i hidhur".

Një kanavacë u krijua gjatë viteve të tij të fundit të jetës dhe, lidhur me të, Klee dha deklaratën e mëposhtme:

"Ne nuk duhet të kemi frikë të gjejmë veten të përfshirë në mes të elementëve më të patretshëm; ne vetëm duhet të presim sepse gjërat më të vështira për t'u asimiluar nuk e prishin ekuilibrin. Në këtë mënyrë, jeta është sigurisht më emocionuese se një jetë shumë e rregulluar borgjeze. Dhe secili është i lirë, sipas gjesteve të tij, të zgjedhë midis të ëmblës dhe të kripurës së dyve. peshore."

4. Përbërja me të verdhë, blu dhe të kuqe , nga Piet Mondrian

Përbërja me të verdhë, blu dhe të kuqe fillimisht u pikturua në Paris , midis 1937 dhe 1938, por u zhvillua përfundimisht në Nju Jork midis 1940 dhe 1942, kur Mondrian ripozicionoi disa nga linjat e zeza dhe shtoi të tjera. Vepra ka qenë në koleksionin e Tate St Ives (Cornwall, Angli) që nga viti 1964.

Interesi i Mondrian ishte nëcilësia e linjës abstrakte. Edhe pse e filloi karrierën e tij me vepra figurative, me kalimin e kohës piktori investoi në abstraksionizëm dhe, në vitin 1914, ai u radikalizua dhe praktikisht eliminoi linjat e lakuara në punën e tij.

Piktori francez zhvilloi një mënyrë të re të pikturës. abstraksion rigoroz i quajtur neoplasticizëm , në të cilin ai ishte i kufizuar në vija të drejta, horizontale dhe vertikale, dhe ngjyrat bazë kryesore. Në përgjithësi, kompozimet e tij nuk ishin simetrike. Një kuriozitet: vijat horizontale zakonisht vizatoheshin përpara atyre vertikale.

Mondrian mendonte se ky lloj arti specifik pasqyronte një të vërtetë më të madhe dhe universale sesa ajo që predikonte piktura figurative.

5. Përbërja suprematiste , Kazimir Malevich

Ashtu si Mondrian, piktori sovjetik Kazimir Malevich krijoi një formë të re arti. Suprematizmi lindi në Rusi midis viteve 1915 dhe 1916. Ashtu si kolegët e tij abstraksionistë, dëshira më e madhe ishte të mohonte praninë fizike të çdo objekti. Ideja ishte arritja e pastërtisë, ose, siç deklaroi vetë krijuesi, "supremacia e ndjesisë së pastër".

Kështu, ai krijoi veprën abstrakte Përbërja suprematiste në vitin 1916, e cila paraqet karakteristikat thelbësore të këtij stili të ri. Është një vepër me përmasa 88,5 cm × 71 cm dhe është pjesë e një koleksioni privat.

Teknika karakterizohet nga përdorimi i formaveforma të thjeshta gjeometrike dhe preferenca për një gamë ngjyrash që janë gjithashtu të thjeshta, parësore dhe dytësore, herë të mbivendosura, herë të tjera të pozicionuara krah për krah. Sfondi është pothuajse gjithmonë i bardhë në krijimet e Malevich, duke përfaqësuar zbrazëtinë.

6. Ari i qiellit , nga Joan Miró

Spanjolli Joan Miró ishte një artist i përkushtuar për nxjerrjen e kuptimeve të mëdha nga format e thjeshta, të cilat më së shumti varen nga i imagjinatës dhe interpretimit të vëzhguesit.

Ky është rasti i Ari i qiellit , një pikturë e krijuar në vitin 1967 duke përdorur teknikën akrilik në kanavacë dhe që sot i përket koleksionit të Fondacioni Joan MIró, në Barcelonë.

Në këtë përbërje, ne shohim mbizotërimin e të verdhës, një ngjyrë e ngrohtë e lidhur me gëzimin, e cila mbështjell të gjitha format.

Ka një masë të madhe të tymosur blu , e cila zë vendin e spikatur, pasi pjesa tjetër e formave dhe linjave duket se qarkullojnë rreth saj.

Vepra konsiderohet si një sintezë e procesit krijues të Miros, i cili iu përkushtua hetimit të spontanitetit dhe krijimit. të formave precize në pikturë .

7. Shishe Rum dhe Gazeta , nga Juan Gris

Pikturuar midis viteve 1913 dhe 1914 nga kubisti spanjoll Juan Gris, puna me bojë vaji në kanavacë aktualisht i përket koleksionit të Tate Modern (Londër). Gris shpesh përdorte plane të mbivendosura të ngjyrës dhe strukturës, dhe shishe rumi dheGazeta është një shembull i çmuar i teknikës së tij.

Piktura, e cila është një nga veprat e tij më përfaqësuese, mbart imazhin nga rrafshet këndore të kryqëzuara. Shumë prej tyre kanë copa druri në sfond, ndoshta që sugjerojnë një tavolinë, megjithëse mënyra se si ato mbivendosen dhe ndërlidhen mohon çdo mundësi të një perspektive të lidhur me realitetin.

Shishja dhe gazeta në titull tregohen me një minimum të dhënash: disa shkronja, një skicë dhe një sugjerim për vendndodhjen janë të mjaftueshme për të vënë në dukje identitetin e objekteve. Korniza ka përmasa relativisht të vogla (46 cm me 37 cm).

8. E zezë në të kuqe të thellë , nga Mark Rothko

Konsiderohet një pikturë tragjike për shkak të ngjyrave të saj të forta dhe funerale, E zeza në të kuqe të thellë , e krijuar në vitin 1957, është një nga pikturat më të suksesshme të piktorit amerikan Mark Rothko. Që kur filloi të pikturonte në vitet 1950, Rothko u përpoq të arrinte universalitetin, duke shkuar drejt një thjeshtimi gjithnjë e më të madh të formës.

E zeza në të kuqe të thellë ndjek formatin karakteristik të veprave të tij. të artistit, në të cilin drejtkëndëshat me ngjyrë monokromatike duken të notojnë brenda kufijve të kornizës.

Duke lyer direkt kanavacën me shumë shtresa të holla pigmenti dhe duke i kushtuar vëmendje të veçantë skajeve ku ndërveprojnë fushat, piktori arriti Efektin e dritës që rrezaton nga vetë imazhi.

Avepra aktualisht i përket një koleksioni privat pasi u shit në vitin 2000 për një vlerë marramendëse mbi tre milionë dollarë.

9. Concetto spaziale 'Attesa' , nga Lúcio Fontana

Kanavaca e mësipërme është pjesë e një serie veprash që piktori argjentinas Lúcio Fontana prodhoi ndërsa ishte në Milano midis viteve 1958 dhe 1968. Këto vepra, të cilat përbëhen nga kanavacë të prera një herë ose disa herë, njihen kolektivisht si Tagli ("prerje").

Të marra së bashku, ato janë grupi më i gjerë dhe më i larmishëm i veprave nga Fontana, dhe u pa si emblematike e estetikës së saj. Objektivi i vrimave është, fjalë për fjalë, të thyejnë sipërfaqen e veprës në mënyrë që spektatori të mund të perceptojë hapësirën që shtrihet përtej.

Lúcio Fontana filloi të zhvillojë teknikën e shpimit të kanavacave që nga vitet 1940 e tutje. artist mbeti, në vitet 1950 dhe 1960, duke kërkuar mënyra të ndryshme për të zhvilluar vrimat si gjest karakteristik i tij.

Fontana i bën të çarat me një teh të mprehtë dhe kanavacat më vonë mbështeten me garzë të fortë të zezë, duke i dhënë pamjes një hapësirë ​​bosh pas. Në vitin 1968, Fontana i tha një intervistuesi:

"Kam krijuar një dimension të pafund (...) zbulimi im ishte vrima dhe kaq. Jam i lumtur që shkoj në varr pas një zbulimi të tillë"

10. Kundër-kompozicioni VI , nga Theo van Doesburg

ArtistiHolandezi Theo van Doesburg (1883–1931) e pikturoi veprën e mësipërme në vitin 1925, në formë katrore, duke përdorur bojë vaji në telajo.

Format gjeometrike dhe simetrike janë rregulluar me kujdes përpara se të mbulohen me bojë, e zeza vijat vizatoheshin me stilolaps apriori. Kundërkompozimi VI është pjesë e një koleksioni që vlerëson veçanërisht formën diagonale dhe tonet pikturë njëngjyrëshe.

Përveç të qenit piktor, furgon Doesburg ishte gjithashtu aktiv si shkrimtar, poet dhe arkitekt dhe është i lidhur me grupin e artistëve De Stijl. Vepra Kundër-Përbërja VI , me përmasa 50 cm me 50 cm, u ble në vitin 1982 nga Tate Modern (Londër).

11. Metaesquema , nga Hélio Oiticica

Artisti brazilian Hélio Oiticica emërtoi disa vepra të bëra midis viteve 1957 dhe 1958 metaesquema. Këto ishin piktura që mbanin drejtkëndësha të pjerrëta të pikturuara me bojë gouache në karton.

Këto janë forma gjeometrike me korniza të një ngjyre të vetme (në këtë rast të kuqe), të aplikuara drejtpërdrejt në një sipërfaqe të lëmuar dhe në dukje boshe. Format janë të organizuara në kompozime të dendura që i ngjajnë rrjetave të pjerrëta.

Oiticica e prodhoi këtë seri pikturash ndërsa jetonte dhe punonte në Rio de Zhaneiro. Sipas vetë piktorit, ishte një “disseksion obsesiv i hapësirës”.

Ato ishin pikënisja e kërkimit përvepra më komplekse tredimensionale që artisti do të zhvillonte në të ardhmen. Në vitin 2010, një Metaesquema u shit në ankandin e Christie's për 122,500 dollarë amerikanë.

Çfarë ishte Abstraksionizmi?

Historikisht, veprat abstrakte filluan të zhvillohen në Evropë në fillim të shekulli i 20-të, në kontekstin e lëvizjes së Artit Modern.

Këto janë vepra që nuk synojnë të përfaqësojnë objekte të njohura dhe nuk janë të përkushtuara ndaj imitimit të natyrës. Prandaj, reagimi i parë i publikut dhe i kritikës ishte refuzimi i krijimeve, të konsideruara të pakuptueshme.

Arti abstrakt u kritikua pikërisht për thyerjen e modelit figurativ. Në këtë lloj pune, nuk ka nevojë të lidhet me realitetin dhe përfaqësimin e jashtëm.

Me kalimin e kohës, megjithatë, veprat u pranuan më shumë dhe artistët ishin në gjendje të eksploronin stilet e tyre në thellësi.