Abstracționismul: descoperă cele mai cunoscute 11 lucrări

Abstracționismul, sau arta abstractă, este o mișcare care reunește producții destul de diverse, de la desene nonfigurative la pânze realizate din compoziții geometrice.

Intenția lucrărilor abstracte este de a evidenția formele, culorile și texturile, dezvăluind elemente de nerecunoscut și stimulând o lectură a lumii printr-un tip de artă non-obiectivă.

1. Galben-roșu-albastru de Wassily Kandinsky

Pânza, datată 1925, are în titlu numele culorilor primare, a fost pictată de rusul Wassily Kandinsky (1866) și se află în prezent la Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, din Paris (Franța).

Kandinsky este considerat precursorul stilului abstract și a fost un artist strâns legat de muzică, atât de mult încât multe dintre compozițiile sale abstracte, precum Galben-roșu-albastru au fost create din relația dintre muzică, culori și forme.

Pânza de mari dimensiuni (127 cm pe 200 cm) prezintă diverse forme geometrice (cercuri, dreptunghiuri și triunghiuri) executate în principal în culori primare, artistul dorind să atragă atenția asupra efectelor psihologice pe care culorile și formele le au asupra oamenilor.

În legătură cu acest subiect, Kandinsky a declarat la vremea respectivă:

"Culoarea este un mijloc de a exercita o influență directă asupra sufletului. Culoarea este cheia; ochiul, ciocanul. Sufletul, instrumentul cu o mie de coarde. Artistul este mâna care, atingând această sau acea cheie, obține din suflet vibrația justă. Sufletul uman, atins în punctul său cel mai sensibil, răspunde."

2. Numărul 5 de Jackson Pollock

Ecranul Numărul 5 a fost creat în 1948 de pictorul american Jackson Pollock, care în anul precedent începuse să exploreze un mod complet nou de a-și compune lucrările.

Metoda sa consta în aruncarea și picurarea de vopsea smălțuită pe o pânză întinsă, așezată pe podeaua atelierului său. Această tehnică îi permitea să creeze o încâlceală de linii, ceea ce i-a adus mai târziu denumirea de "picturi cu picură" (sau picurare Pollock a fost unul dintre cele mai mari nume ale abstracționismului.

Din 1940, pictorul a fost recunoscut de critici și de public. pânza Numărul 5 , realizată la apogeul carierei sale, este imensă, măsurând 2,4 metri pe 1,2 metri.

Lucrarea a fost vândută unui colecționar privat în mai 2006 pentru 140 de milioane de dolari, doborând un record de preț pentru acea vreme - până atunci fusese cel mai bine plătit tablou din istorie.

3. Dulcamara Insula de Paul Klee

În 1938, germanul naturalizat elvețian Paul Klee a pictat șapte panouri mari în format orizontal. Dulcamara Insula este unul dintre aceste panouri.

Toate lucrările au fost schițate cu cărbune pe ziar, pe care Klee l-a lipit pe prosoape sau pe pânză, obținând astfel o suprafață netedă și distinctă. În mai multe părți ale panourilor se pot citi extrase din ziarul folosit, o surpriză plăcută și neașteptată chiar și pentru Klee însuși.

Insula Dulcamara este una dintre cele mai vesele lucrări ale pictorului, cu accesoriile sale libere, rare și lipsite de formă. Titlul lucrării este în limba latină și înseamnă "insula" (insulă), "dulcis" (dulce, îndrăgit) și "amarus" (amar), putând fi interpretat ca "Insula dulce și amară".

Pânza a fost creată în ultimii ani de viață, iar despre ea Klee a făcut următoarea declarație:

"Nu trebuie să ne temem să ne găsim învăluiți în mijlocul unor elemente mai indigeste; trebuie doar să sperăm că lucrurile mai greu de asimilat nu vor tulbura echilibrul. În felul acesta, viața este cu siguranță mai incitantă decât o viață burgheză foarte ordonată. Și fiecare este liber, în funcție de gesturile sale, să aleagă între dulcele și săratul din cele două platouri ale balanței."

4. Compoziție cu galben, albastru și roșu de Piet Mondrian

Compoziție cu galben, albastru și roșu a fost pictată pentru prima dată la Paris între 1937 și 1938, dar a fost dezvoltată la New York între 1940 și 1942, când Mondrian a repoziționat unele dintre liniile negre și a adăugat altele. Lucrarea se află în colecția Tate St Ives (Cornwall, Anglia) din 1964.

Interesul lui Mondrian era legat de calitatea abstractă a liniei. Deși și-a început cariera cu lucrări figurative, în timp pictorul a investit în abstracționism, iar în 1914 s-a radicalizat și a eliminat practic liniile curbe din lucrările sale.

Pictorul francez a dezvoltat o nouă formă de abstractizare riguroasă numită neoplasticism În general, compozițiile sale nu erau simetrice. O curiozitate: liniile orizontale erau de obicei pictate înaintea celor verticale.

Mondrian a simțit că acest tip specific de artă reflectă un adevăr mai mare și mai universal decât predica pictura figurativă.

5. Compoziție suprematistă , Kazimir Malevici

Ca și Mondrian, pictorul sovietic Kazimir Malevici a creat o nouă formă de artă. Suprematismul s-a născut în Rusia între 1915 și 1916. La fel ca și colegii săi abstracționiști, dorința sa cea mai mare a fost de a nega prezența fizică a oricărui obiect. Ideea era de a atinge puritatea sau, după cum a declarat însuși creatorul, "supremația senzației pure".

Astfel, el a creat lucrarea abstractă Compoziție suprematistă în 1916, care prezintă caracteristicile esențiale ale acestui nou stil. Este o lucrare care măsoară 88,5 cm × 71 cm și face parte dintr-o colecție privată.

Tehnica se caracterizează prin utilizarea unor forme geometrice simple și preferința pentru o paletă de culori de asemenea simple, primare și secundare, uneori suprapuse, alteori poziționate una lângă alta. Fundalul este aproape întotdeauna alb în creațiile lui Malevici, reprezentând golul.

6. Aurul firmamentului de Joan Miró

Spaniolul Joan Miró a fost un artist angajat în a extrage din forme simple semnificații grandioase, care depind în mare parte de imaginația și interpretarea observatorului.

Acesta este cazul lui Aurul firmamentului Acest tablou a fost pictat în 1967 cu acrilic pe pânză și face parte astăzi din colecția Fundației Joan Miro din Barcelona.

În această compoziție, vedem predominanța galbenului, o culoare caldă legată de bucurie, care implică toate formele.

Există o mare masă fumurie de albastru, care ocupă un loc de cinste, restul formelor și liniilor părând să plutească în jurul ei.

Lucrarea este considerată o sinteză a procesului creativ al lui Miró, care s-a dedicat cercetării atât a spontaneității, cât și a creării de forme precise în pictură.

7. Sticlă de rom și ziar de Juan Gris

Pictată între 1913 și 1914 de cubistul spaniol Juan Gris, lucrarea în ulei pe pânză face parte acum din colecția Tate Modern (Londra). Gris a folosit adesea planuri de culoare și textură care se suprapun, iar Sticlă de rom și ziar este un exemplu prețios al tehnicii sale.

Pictura, care se numără printre cele mai reprezentative lucrări ale sale, poartă imaginea din planuri unghiulare care se intersectează. Multe dintre ele au în fundal secțiuni de lemn, sugerând poate un blat de masă, deși modul în care se suprapun și se interconectează neagă orice posibilitate de perspectivă legată de realitate.

Sticla și ziarul din titlu sunt indicate cu un minim de indicii: câteva litere, un contur și o sugestie de locație sunt suficiente pentru a indica identitatea obiectelor. Tabloul are dimensiuni relativ mici (46 cm pe 37 cm).

8. Negru în roșu intens de Mark Rothko

Considerată o pictură tragică din cauza culorilor sale puternice și funebre, Negru în roșu intens De când a început să picteze, în anii 1950, Rothko a urmărit să atingă universalitatea prin simplificarea tot mai mare a formei.

Negru în roșu intens urmează formatul caracteristic al lucrărilor artistului, în care dreptunghiuri de culoare monocromă par să plutească în limitele cadrului.

Prin colorarea directă a pânzei cu mai multe straturi subțiri de pigment și acordând o atenție deosebită marginilor în care câmpurile interacționează, pictorul a obținut efect al luminii care radiază din imaginea însăși.

În prezent, lucrarea face parte dintr-o colecție privată, după ce a fost vândută în anul 2000 pentru suma impresionantă de peste trei milioane de dolari.

9. Concetto spaziale "Attesa de Lúcio Fontana

Pânza de mai sus face parte dintr-o serie de lucrări pe care pictorul argentinian Lucio Fontana le-a realizat în perioada 1958-1968, în timp ce se afla la Milano. Aceste lucrări, care constau în pânze tăiate o dată sau de mai multe ori, sunt cunoscute sub denumirea colectivă de Tagli ("tăieturi").

Luate împreună, acestea reprezintă cel mai extins și variat grup de lucrări ale lui Fontana și au ajuns să fie considerate emblematice pentru estetica sa. Scopul găurilor este de a străpunge literalmente suprafața lucrării, astfel încât privitorul să poată percepe spațiul de dincolo.

Lúcio Fontana a început să dezvolte tehnica perforării pânzelor în anii '40. În anii '50 și '60, artistul a continuat să caute diferite modalități de a transforma găurile în gestul său caracteristic.

Fontana face fantele cu o lamă ascuțită, iar pânzele sunt apoi acoperite cu un tifon negru puternic, dând impresia unui gol în spate. În 1968, Fontana a declarat unui intervievator:

"Am creat o dimensiune infinită (...) descoperirea mea a fost gaura și atât. Sunt fericit să mă duc în mormânt după o asemenea descoperire"

10. Contracompoziție VI de Theo van Doesburg

Artistul olandez Theo van Doesburg (1883-1931) a pictat lucrarea de mai sus în anul 1925, în format pătrat, folosind vopsea în ulei pe pânză.

Formele geometrice și simetrice sunt aranjate cu grijă înainte de a fi acoperite cu vopsea, iar liniile negre au fost trasate a priori cu un pix. Contracompoziție VI face parte dintr-o colecție care pune accentul în special pe forma diagonală și pe tonurile monocrome.

Pe lângă pictor, van Doesburg a fost și scriitor, poet și arhitect, fiind înrudit cu grupul de artiști De Stijl. Opera sa Contracompoziție VI 50 cm pe 50 cm, a fost achiziționată în 1982 de Tate Modern (Londra).

11. Meta-schema de Hélio Oiticica

Artistul brazilian Hélio Oiticica a numit meta-scheme câteva lucrări realizate între 1957 și 1958. Acestea erau tablouri care purtau dreptunghiuri înclinate pictate cu vopsea guașă pe un carton.

Acestea sunt forme geometrice cu rame de o singură culoare (în acest caz roșu), aplicate direct pe o suprafață netedă și aparent goală. Formele sunt aranjate în compoziții dense care seamănă cu rețele înclinate.

Oiticica a realizat această serie de tablouri în timp ce locuia și lucra la Rio de Janeiro. Potrivit pictorului însuși, a fost o "disecție obsesivă a spațiului".

Acestea au fost startul inițial de cercetare pentru lucrări tridimensionale mai complexe, pe care artistul le va dezvolta în viitor. În 2010, un Meta-schema a fost vândut la licitația organizată de Christie's pentru 122.500 USD.

Ce a fost Abstracționismul?

Din punct de vedere istoric, lucrările abstracte au început să fie dezvoltate în Europa la începutul secolului XX, în contextul mișcării de artă modernă.

Aceste lucrări nu sunt menite să reprezinte obiecte recunoscute și nu se angajează să imite natura. Din acest motiv, prima reacție a publicului și a criticilor a fost de respingere a creațiilor, care au fost considerate de neînțeles.

Arta abstractă a fost criticată tocmai pentru că s-a desprins de modelul figurativ. În acest tip de lucrări nu este nevoie de nicio legătură cu realitatea exterioară și cu reprezentarea.

Cu timpul, însă, lucrările au fost mai bine acceptate, iar artiștii au putut să-și exploreze stilurile în profunzime.