Სარჩევი
აბსტრაქციონიზმი, ან აბსტრაქტული ხელოვნება, არის მოძრაობა, რომელიც აერთიანებს საკმაოდ მრავალფეროვან ნაწარმოებებს, დაწყებული არაფიგურალური ნახატებიდან გეომეტრიული კომპოზიციებიდან შესრულებულ ტილოებამდე.
აბსტრაქტული ნამუშევრების მიზანია გამოკვეთოს ფორმები, ფერები და ტექსტურები, ამოუცნობი ელემენტების გამოვლენა და ხელოვნების არაობიექტური ტიპის საფუძველზე სამყაროს კითხვის სტიმულირება.
1. ყვითელი-წითელი-ლურჯი , ვასილი კანდინსკის
ტილო, დათარიღებული 1925 წლით, სათაურში აქვს ძირითადი ფერების სახელები. იგი დახატა რუსმა ვასილი კანდინსკიმ (1866 წ.) და ამჟამად იმყოფება თანამედროვე ხელოვნების ნაციონალურ მუზეუმში, ჟორჟ პომპიდუს ცენტრში, პარიზში (საფრანგეთი).
კანდინსკი ითვლება აბსტრაქტული სტილის და წინამორბედად. იყო მხატვარი ძალიან დაკავშირებული მუსიკასთან, იმდენად, რომ მისი აბსტრაქტული კომპოზიციების დიდი ნაწილი, როგორიცაა Amarelo-Vermelho-Azul , შეიქმნა მუსიკის, ფერების და ფორმების ურთიერთმიმართებიდან.
დიდი ზომის ტილო (127 სმ 200 სმ) წარმოადგენს სხვადასხვა გეომეტრიულ ფორმებს (როგორიცაა წრეები, მართკუთხედები და სამკუთხედები) შესრულებული, უპირველეს ყოვლისა, ძირითად ფერებში. მხატვრის მიზანი იყო ყურადღების მიპყრობა იმ ფსიქოლოგიურ ზემოქმედებაზე, რომელსაც ფერები და ფორმები ახდენენ ადამიანებზე.
თემასთან დაკავშირებით კანდინსკიმ იმ დროს თქვა:
„ფერი არის საშუალება პირდაპირი მოქმედების განსახორციელებლად. გავლენა სულზე. ფერი არის გასაღები; თვალი, ჩაქუჩი. სული, ინსტრუმენტიათასი სიმისგან. მხატვარი ის ხელია, რომელიც ამა თუ იმ გასაღებზე შეხებით იღებს სულიდან სწორ ვიბრაციას. ადამიანის სული, შეხებული მის ყველაზე მგრძნობიარე ადგილზე, პასუხობს.”
2. ნომერი 5 , ჯექსონ პოლოკის მიერ
ტილო ნომერი 5 შეიქმნა 1948 წელს ამერიკელმა მხატვარმა ჯექსონ პოლოკმა, რომელიც ქ. წინა წელს მან დაიწყო თავისი ნამუშევრების შედგენის სრულიად ახალი ხერხის შესწავლა.
მისი მეთოდი შედგებოდა მისი სტუდიის იატაკზე დაჭიმულ ტილოზე დაჭიმულ ტილოზე მინანქრის საღებავის გადაყრისა და წვეთებით. ეს ტექნიკა საშუალებას აძლევდა შექმნას ხაზები, და მოგვიანებით მიიღო სახელი "dripping paintings" (ან dripping , ინგლისურად) პოლოკი იყო აბსტრაქციონიზმის ერთ-ერთი ყველაზე დიდი სახელი. 1940 წელს მხატვარი აღიარებული იქნა კრიტიკოსებისა და საზოგადოების მიერ. ტილო ნომერი 5 , რომელიც მისი კარიერის მწვერვალზეა შესრულებული, არის უზარმაზარი, ზომით 2,4 მ 1,2 მ.
ნამუშევარი კერძო კოლექციონერს 2006 წლის მაისში 140 მილიონ დოლარად მიჰყიდა. , მოხსნა რეკორდული ფასი იმ დროისთვის - მანამდე ეს იყო ყველაზე მაღალანაზღაურებადი ნახატი ისტორიაში.
3. ინსულა დულკამარა , პოლ კლეის მიერ
1938 წელს შვეიცარიელმა ნატურალიზებულმა გერმანელმა პოლ კლეემ დახატა შვიდი დიდი პანელი ჰორიზონტალურ ფორმატში. ინსულა დულკამარა ერთ-ერთი ასეთი პანელია.
ყველა ნამუშევარი დახატული იყო ნახშირით გაზეთზე, რომელიც კლემ გააკრა ბურლაკზე ან თეთრეულზე, რითაც მიიღოგლუვი და დიფერენცირებული ზედაპირი. პანელების რამდენიმე ნაწილში შესაძლებელია ნაწყვეტების წაკითხვა გამოყენებული გაზეთიდან, რაც სასიამოვნო და მოულოდნელი სიურპრიზი იყო თვით კლეისთვისაც კი.
ინსულა დულკამარა მხატვრის ერთ-ერთი ყველაზე ხალისიანი ნამუშევარია, თავისი თავისუფალი, მწირი და უფორმო აქსესუარები. ნაწარმოების სათაური ლათინურია და ნიშნავს "insula" (კუნძული), "dulcis" (ტკბილი, კეთილი) და "amarus" (მწარე) და შეიძლება განიმარტოს როგორც "ტკბილი და მწარე კუნძული".
ტილო შეიქმნა მისი სიცოცხლის ბოლო წლებში და ამასთან დაკავშირებით კლეიმ შემდეგი განცხადება გააკეთა:
„ჩვენ არ უნდა გვეშინოდეს, რომ აღმოვჩნდეთ უფრო მოუნელებელ ელემენტებში, უბრალოდ უნდა დაველოდოთ. უფრო რთული ასიმილაციის საგნები არ არღვევს წონასწორობას. ამ გზით ცხოვრება, რა თქმა უნდა, უფრო ამაღელვებელია, ვიდრე ძალიან მოწესრიგებული ბურჟუაზიული ცხოვრება. და თითოეულ მათგანს შეუძლია, თავისი ჟესტების მიხედვით, აირჩიოს ორი ტკბილი და მარილიანი. სასწორები."
4. კომპოზიცია ყვითელი, ლურჯი და წითელი , პიეტ მონდრიანის მიერ
კომპოზიცია ყვითელი, ლურჯი და წითელი თავდაპირველად დახატული იყო პარიზში , 1937-1938 წლებში, მაგრამ საბოლოოდ განვითარდა ნიუ-იორკში 1940-1942 წლებში, როდესაც მონდრიანმა შეცვალა ზოგიერთი შავი ხაზი და დაამატა სხვები. ნამუშევარი 1964 წლიდან ინახება ტეიტ სენტ აივის (კორნუოლი, ინგლისი) კოლექციაში.
მონდრიანის ინტერესი იყოაბსტრაქტული ხაზის ხარისხი. მიუხედავად იმისა, რომ მან კარიერა ფიგურალური ნამუშევრებით დაიწყო, დროთა განმავლობაში მხატვარმა ინვესტიცია ჩადო აბსტრაქციონიზმში და 1914 წელს რადიკალიზდა და პრაქტიკულად აღმოფხვრა მრუდი ხაზები მის ნამუშევრებში.
ფრანგმა მხატვარმა ფერწერის ახალი ხერხი შეიმუშავა. მკაცრი აბსტრაქცია სახელწოდებით ნეოპლასტიკა , რომელშიც ის შემოიფარგლებოდა სწორი ხაზებით, ჰორიზონტალური და ვერტიკალური და ძირითადი ძირითადი ფერებით. ზოგადად, მისი კომპოზიციები არ იყო სიმეტრიული. ცნობისმოყვარეობა: ჰორიზონტალური ხაზები, ჩვეულებრივ, ვერტიკალურ ხაზებზე ადრე იყო დახატული.
მონდრიანი გრძნობდა, რომ ხელოვნების ეს კონკრეტული ტიპი ასახავდა უფრო დიდ და უნივერსალურ ჭეშმარიტებას, ვიდრე ის, რასაც ფიგურული მხატვრობა ქადაგებდა.
5. სუპრემატისტური კომპოზიცია , კაზიმირ მალევიჩი
მონდრიანის მსგავსად, საბჭოთა მხატვარმა კაზიმირ მალევიჩმა შექმნა ხელოვნების ახალი ფორმა. სუპრემატიზმი დაიბადა რუსეთში 1915-1916 წლებში. მისი აბსტრაქციონისტი კოლეგების მსგავსად, უდიდესი სურვილი იყო ნებისმიერი და ყველა ობიექტის ფიზიკური არსებობის უარყოფა. იდეა იყო სიწმინდის მიღწევა, ან, როგორც თავად შემოქმედმა თქვა, "სუფთა შეგრძნების უზენაესობა".
ამგვარად, მან შექმნა აბსტრაქტული ნაწარმოები Suprematist Composition 1916 წელს, რომელიც წარმოადგენს ამ ახალი სტილის ძირითადი მახასიათებლები. ეს არის 88,5 სმ × 71 სმ ზომების ნამუშევარი და არის კერძო კოლექციის ნაწილი.
ტექნიკას ახასიათებს ფორმების გამოყენება.მარტივი გეომეტრიული ფორმები და ფერების პალიტრას უპირატესობა, რომლებიც ასევე მარტივია, პირველადი და მეორეხარისხოვანი, ზოგჯერ გადახურული, სხვა დროს განლაგებული გვერდიგვერდ. მალევიჩის შემოქმედებაში ფონი თითქმის ყოველთვის თეთრია, რაც სიცარიელეს წარმოადგენს.
6. სამყაროს ოქრო , ჯოან მიროს მიერ
ესპანელი ხოან მირო იყო მხატვარი, რომელიც მზად იყო ამოეღო დიდი მნიშვნელობები მარტივი ფორმებიდან, რომლებიც ძირითადად დამოკიდებულია დამკვირვებლის წარმოსახვისა და ინტერპრეტაციის შესახებ.
ეს არის შემთხვევა სამყაროს ოქრო , ნახატი, რომელიც შეიქმნა 1967 წელს აკრილის ტილოზე ტექნიკის გამოყენებით და რომელიც დღეს ეკუთვნის კოლექციას. Joan MIró Foundation, ბარსელონაში.
ამ კომპოზიციაში ჩვენ ვხედავთ ყვითელის უპირატესობას, თბილ ფერს, რომელიც დაკავშირებულია სიხარულთან, რომელიც მოიცავს ყველა ფორმას.
არსებობს ლურჯის დიდი კვამლის მასა. , რომელიც გამორჩევის ადგილს იკავებს, რადგან მის ირგვლივ ცურავს დანარჩენი ფორმები და ხაზები.
ნამუშევარი განიხილება მიროს შემოქმედებითი პროცესის სინთეზად, რომელიც მიეძღვნა როგორც სპონტანურობის, ასევე შემოქმედების გამოკვლევას. ზუსტი ფორმები მხატვრობაში .
7. რომის ბოთლი და გაზეთი , ხუან გრის მიერ
დახატულია 1913-1914 წლებში ესპანელი კუბისტის ხუან გრისის მიერ, ზეთის საღებავით გაკეთებული ნამუშევარი ტილოზე. ეკუთვნის Tate Modern-ის კოლექციას (ლონდონი). გრისი ხშირად იყენებდა ფერისა და ტექსტურის გადახურულ სიბრტყეებს და რომის ბოთლს დაგაზეთი მისი ტექნიკის ძვირფასი მაგალითია.
ნახატი, რომელიც მისი ერთ-ერთი ყველაზე წარმომადგენლობითი ნამუშევარია, გამოსახულებას გადაკვეთს კუთხოვანი სიბრტყეებიდან. ბევრ მათგანს უკანა პლანზე აქვს ხის ნატეხები, შესაძლოა მაგიდის დაფაზე მიუთითებდეს, თუმცა მათი გადახურვა და ურთიერთდაკავშირება უარყოფს რეალობასთან დაკავშირებულ პერსპექტივის ნებისმიერ შესაძლებლობას.
Იხილეთ ასევე: კარავაჯო: 10 ფუნდამენტური ნამუშევარი და მხატვრის ბიოგრაფიასათაურში ბოთლი და გაზეთი მითითებულია მინიმალური მინიშნებები: რამდენიმე ასო, მონახაზი და ადგილმდებარეობის შემოთავაზება საკმარისია ობიექტების იდენტურობის აღსანიშნავად. ჩარჩოს აქვს შედარებით მცირე ზომები (46 სმ 37 სმ).
8. შავი ღრმა წითელში , მარკ როტკოს
მიჩნეულია ტრაგიკულ ნახატად მისი ძლიერი და დაკრძალვის ფერების გამო, შავი ღრმა წითელში , შექმნილი 1957 წელს, არის ამერიკელი მხატვრის მარკ როტკოს ერთ-ერთი ყველაზე წარმატებული ნახატი. მას შემდეგ, რაც მან ხატვა დაიწყო 1950-იან წლებში, როტკო ცდილობდა მიეღწია უნივერსალურობისკენ, მიდიოდა ფორმის მზარდი გამარტივებისაკენ.
შავი ღრმა წითელში მისდევს მისი ნამუშევრების დამახასიათებელ ფორმატს. მხატვრის, რომლებშიც მონოქრომატული ფერის ოთხკუთხედები ჩანს ჩარჩოს საზღვრებში ცურავს.
ტილოზე უშუალოდ შეზელვით პიგმენტის მრავალი თხელი ფენით და განსაკუთრებული ყურადღების მიქცევით იმ კიდეებზე, სადაც ველები ურთიერთქმედებენ, მხატვარმა მიაღწია სინათლის ეფექტს, რომელიც გამოსხივება თავად სურათიდან.
ანამუშევარი ამჟამად კერძო კოლექციას ეკუთვნის 2000 წელს გასაოცრად სამ მილიონ დოლარად გაყიდვის შემდეგ.
9. Concetto spaziale 'Attesa' , ავტორი ლუსიო ფონტანა
ზემოთ ტილო არის ნამუშევრების სერიის ნაწილი, რომელიც არგენტინელმა მხატვარმა ლუჩიო ფონტანამ შექმნა, როდესაც ის იყო. მილანში 1958 და 1968 წლებში. ეს ნამუშევრები, რომლებიც შედგება ერთხელ ან მრავალჯერ ამოჭრილი ტილოებისგან, ერთობლივად ცნობილია როგორც თაგლი ("ჭრები").
ერთად აღებული, ისინი წარმოადგენს ნამუშევრების ყველაზე ვრცელ და მრავალფეროვან ჯგუფს. ფონტანას მიერ და აღიქმებოდა, როგორც მისი ესთეტიკური ემბლემა. ხვრელების მიზანია, სიტყვასიტყვით, გატეხონ ნამუშევრის ზედაპირი ისე, რომ მაყურებელმა შეძლოს აღიქვას სივრცე, რომელიც დევს მის ფარგლებს გარეთ.
ლუსიო ფონტანამ ტილოების პერფორაციის ტექნიკის შემუშავება დაიწყო 1940-იანი წლებიდან. მხატვარი. დარჩა 1950-იან და 1960-იან წლებში, ეძებდა სხვადასხვა გზებს ხვრელების გასავითარებლად, როგორც მისთვის დამახასიათებელი ჟესტი.
ფონტანა ჭრილებს აკეთებს ბასრი დანით და მოგვიანებით ტილოები დამაგრებულია ძლიერი შავი მარლით, რაც იერსახეს აძლევს. უკან ცარიელი ადგილი. 1968 წელს ფონტანამ ინტერვიუერს განუცხადა:
"მე შევქმენი უსასრულო განზომილება (...) ჩემი აღმოჩენა იყო ხვრელი და ეს არის ის. მოხარული ვარ, რომ ასეთი აღმოჩენის შემდეგ საფლავში წავალ"
10. კონტრკომპოზიცია VI , თეო ვან დოესბურგის
მხატვარიჰოლანდიელმა თეო ვან დოესბურგმა (1883–1931) ზემოაღნიშნული ნამუშევარი დახატა 1925 წელს, კვადრატული ფორმით, ზეთის საღებავის გამოყენებით ტილოზე. ხაზები დახატული იყო კალმით აპრიორი. Counter-Composition VI არის კოლექციის ნაწილი, რომელიც განსაკუთრებით აფასებს დიაგონალურ ფორმას და მონოქრომული ტონებს.
გარდა იმისა, რომ მხატვარია, ფურგონი დოესბურგი ასევე აქტიური იყო როგორც მწერალი, პოეტი და არქიტექტორი და დაკავშირებულია მხატვრების ჯგუფთან De Stijl. ნამუშევარი Counter-Composition VI , ზომით 50 სმ 50 სმ, შეიძინა 1982 წელს Tate Modern-მა (ლონდონი).
11. Metaesquema , ავტორი Hélio Oiticica
ბრაზილიელმა მხატვარმა Hélio Oiticica-მ დაასახელა 1957-1958 წლებში შესრულებული რამდენიმე ნამუშევარი metaesquema. ეს იყო ნახატები, რომლებსაც მუყაოზე გუაშის საღებავით მოხატული დახრილი ოთხკუთხედები ჰქონდათ.
ეს არის გეომეტრიული ფიგურები ერთი ფერის ჩარჩოებით (ამ შემთხვევაში წითელი), პირდაპირ დატანილი გლუვ და აშკარად ცარიელ ზედაპირზე. ფორმები დალაგებულია მკვრივ კომპოზიციებად, რომლებიც წააგავს დახრილ ბადეებს.
Oiticica-მ შექმნა ნახატების ეს სერია რიო-დე-ჟანეიროში ცხოვრებისა და მუშაობის დროს. თავად მხატვრის თქმით, ეს იყო „სივრცის აკვიატებული ამოკვეთა“.
Იხილეთ ასევე: რა იყო მოდერნიზმი? ისტორიული კონტექსტი, ნაწარმოებები და ავტორებიისინი იყო კვლევის ამოსავალი წერტილი.უფრო რთული სამგანზომილებიანი ნამუშევრები, რომლებსაც მხატვარი მომავალში განავითარებდა. 2010 წელს Metaesquema იყიდა Christie's-ის აუქციონზე $122,500 აშშ დოლარად.
რა იყო აბსტრაქციონიზმი?
ისტორიულად, აბსტრაქტული ნაწარმოებების განვითარება ევროპაში დაიწყო დასაწყისში. მე-20 საუკუნე, თანამედროვე ხელოვნების მოძრაობის კონტექსტში.
ეს არის ნამუშევრები, რომლებიც არ აპირებენ აღიარებული ობიექტების წარმოჩენას და არ არიან მოწოდებულნი ბუნების იმიტაციისკენ. ამიტომ საზოგადოებისა და კრიტიკოსების პირველი რეაქცია იყო ქმნილებებზე უარის თქმა, გაუგებრად მიჩნეული.
აბსტრაქტულ ხელოვნებას აკრიტიკებდნენ სწორედ ფიგურული მოდელის დარღვევის გამო. ამ ტიპის ნამუშევრებში არ არის საჭირო გარე რეალობასთან და რეპრეზენტაციასთან დაკავშირება.
თუმცა, რაც დრო გადიოდა, ნამუშევრები უფრო მეტად მიიღეს და მხატვრებმა შეძლეს მათი სტილის სიღრმისეულად შესწავლა.
