Αφαίρεση: ανακαλύψτε τα 11 πιο διάσημα έργα

Ο αφηρητισμός, ή αφηρημένη τέχνη, είναι ένα κίνημα που συγκεντρώνει αρκετά διαφορετικές παραγωγές, που κυμαίνονται από μη παραστατικά σχέδια μέχρι καμβάδες από γεωμετρικές συνθέσεις.

Η πρόθεση των αφηρημένων έργων είναι να αναδείξουν σχήματα, χρώματα και υφές, αποκαλύπτοντας μη αναγνωρίσιμα στοιχεία και διεγείροντας την ανάγνωση του κόσμου μέσω ενός μη αντικειμενικού τύπου τέχνης.

1. Κίτρινο-κόκκινο-μπλε από Wassily Kandinsky

Ο καμβάς, με ημερομηνία 1925, έχει στον τίτλο του τα ονόματα των βασικών χρωμάτων. Ζωγραφίστηκε από τον Ρώσο Wassily Kandinsky (1866) και βρίσκεται σήμερα στο Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, στο Παρίσι (Γαλλία).

Ο Καντίνσκι θεωρείται ο πρόδρομος του αφηρημένου στυλ και ήταν ένας καλλιτέχνης στενά συνδεδεμένος με τη μουσική, σε τέτοιο βαθμό που πολλές από τις αφηρημένες συνθέσεις του, όπως οι Κίτρινο-κόκκινο-μπλε δημιουργήθηκαν από τη σχέση μεταξύ μουσικής, χρωμάτων και σχημάτων.

Ο μεγάλος καμβάς (127 cm επί 200 cm) παρουσιάζει διάφορα γεωμετρικά σχήματα (όπως κύκλους, ορθογώνια και τρίγωνα) εκτελεσμένα κυρίως με βασικά χρώματα. Στόχος του καλλιτέχνη ήταν να επιστήσει την προσοχή στις ψυχολογικές επιδράσεις που έχουν τα χρώματα και τα σχήματα στους ανθρώπους.

Σχετικά με το θέμα, ο Καντίνσκι δήλωσε τότε:

"Το χρώμα είναι ένα μέσο άσκησης άμεσης επιρροής στην ψυχή. Το χρώμα είναι το κλειδί- το μάτι, το σφυρί. Η ψυχή, το όργανο με τις χίλιες χορδές. Ο καλλιτέχνης είναι το χέρι που, αγγίζοντας αυτό ή εκείνο το κλειδί, παίρνει από την ψυχή τη δίκαιη δόνηση. Η ανθρώπινη ψυχή, αγγιγμένη στο πιο ευαίσθητο σημείο της, ανταποκρίνεται".

2. Αριθμός 5 από τον Jackson Pollock

Η οθόνη Αριθμός 5 δημιουργήθηκε το 1948 από τον Αμερικανό ζωγράφο Τζάκσον Πόλοκ, ο οποίος τον προηγούμενο χρόνο είχε αρχίσει να εξερευνά έναν εντελώς νέο τρόπο σύνθεσης των έργων του.

Η μέθοδός του συνίστατο στο να ρίχνει και να στάζει σμαλτωμένο χρώμα πάνω σε έναν τεντωμένο καμβά που ήταν τοποθετημένος στο πάτωμα του εργαστηρίου του. Αυτή η τεχνική του επέτρεπε να δημιουργεί ένα κουβάρι από γραμμές, και αργότερα του χάρισε το όνομα "πίνακες που στάζουν" (ή στάζει Ο Πόλοκ ήταν ένα από τα μεγαλύτερα ονόματα του αφηρητισμού.

Από το 1940 ο ζωγράφος είχε αναγνωριστεί από τους κριτικούς και το κοινό. Ο καμβάς Αριθμός 5 , που έγινε στο απόγειο της καριέρας του, είναι τεράστιο, με διαστάσεις 2,4 μέτρα επί 1,2 μέτρα.

Το έργο πωλήθηκε σε ιδιώτη συλλέκτη τον Μάιο του 2006 έναντι 140 εκατομμυρίων δολαρίων, σπάζοντας ένα ρεκόρ τιμής για την εποχή εκείνη - μέχρι τότε ήταν ο πιο ακριβοπληρωμένος πίνακας στην ιστορία.

3. Dulcamara Insula από τον Paul Klee

Το 1938, ο γεννημένος στην Ελβετία Γερμανός Paul Klee ζωγράφισε επτά μεγάλους πίνακες σε οριζόντιο σχήμα. Dulcamara Insula είναι ένα τέτοιο πάνελ.

Όλα τα έργα σχεδιάστηκαν με κάρβουνο πάνω σε εφημερίδα, την οποία ο Klee κόλλησε πάνω σε πετσετέ ή λινό, αποκτώντας έτσι μια λεία και χαρακτηριστική επιφάνεια. Σε αρκετά σημεία των πάνελ είναι δυνατόν να διαβάσει κανείς αποσπάσματα από την εφημερίδα που χρησιμοποιήθηκε, μια ευχάριστη και απροσδόκητη έκπληξη ακόμη και για τον ίδιο τον Klee.

Το Insula Dulcamara είναι ένα από τα πιο χαρούμενα έργα του ζωγράφου, με τα ελεύθερα, λιτά και άμορφα αξεσουάρ του. Ο τίτλος του έργου είναι στα λατινικά και σημαίνει "insula" (νησί), "dulcis" (γλυκός, αξιαγάπητος) και "amarus" (πικρός) και μπορεί να ερμηνευτεί ως "Γλυκό και πικρό νησί".

Ο καμβάς δημιουργήθηκε τα τελευταία χρόνια της ζωής του και ο Κλέε έκανε την ακόλουθη δήλωση:

"Δεν πρέπει να φοβόμαστε ότι θα βρεθούμε τυλιγμένοι ανάμεσα σε πιο δύσπεπτα στοιχεία- πρέπει μόνο να ελπίζουμε ότι τα πιο δύσκολα αφομοιώσιμα πράγματα δεν θα διαταράξουν την ισορροπία. Με αυτόν τον τρόπο, η ζωή είναι σίγουρα πιο συναρπαστική από μια πολύ τακτοποιημένη αστική ζωή. Και ο καθένας είναι ελεύθερος, ανάλογα με τις χειρονομίες του, να επιλέξει ανάμεσα στο γλυκό και το αλμυρό από τα δύο πιάτα της ζυγαριάς".

4. Σύνθεση με κίτρινο, μπλε και κόκκινο από Piet Mondrian

Σύνθεση με κίτρινο, μπλε και κόκκινο ζωγραφίστηκε για πρώτη φορά στο Παρίσι μεταξύ 1937 και 1938, αλλά αναπτύχθηκε στη Νέα Υόρκη μεταξύ 1940 και 1942, όταν ο Mondrian επανατοποθέτησε ορισμένες από τις μαύρες γραμμές και πρόσθεσε άλλες. Το έργο βρίσκεται στη συλλογή της Tate St Ives (Κορνουάλη, Αγγλία) από το 1964.

Το ενδιαφέρον του Mondrian ήταν η αφηρημένη ποιότητα της γραμμής. Αν και ξεκίνησε την καριέρα του με παραστατικά έργα, με την πάροδο του χρόνου ο ζωγράφος επένδυσε στον αφηρητισμό και το 1914 ριζοσπαστικοποιήθηκε και ουσιαστικά εξαφάνισε τις καμπύλες γραμμές από το έργο του.

Ο Γάλλος ζωγράφος ανέπτυξε μια νέα μορφή αυστηρής αφαίρεσης που ονομάζεται νεοπλασία Γενικά, οι συνθέσεις του δεν ήταν συμμετρικές. Μια περιέργεια: οι οριζόντιες γραμμές ζωγραφίζονταν συνήθως πριν από τις κάθετες.

Ο Mondrian ένιωθε ότι αυτός ο συγκεκριμένος τύπος τέχνης αντανακλούσε μια μεγαλύτερη και καθολική αλήθεια απ' ό,τι πρέσβευε η παραστατική ζωγραφική.

5. Σουπρεματιστική σύνθεση , Kazimir Malevich

Όπως ο Mondrian, ο σοβιετικός ζωγράφος Kazimir Malevich δημιούργησε μια νέα μορφή τέχνης. Σουπρεματισμός γεννήθηκε στη Ρωσία μεταξύ 1915 και 1916. Όπως και οι αφηρημένοι συνάδελφοί του, η μεγαλύτερη επιθυμία του ήταν να αρνηθεί τη φυσική παρουσία οποιουδήποτε και όλων των αντικειμένων. Η ιδέα ήταν να επιτύχει την καθαρότητα ή, όπως δήλωσε ο ίδιος ο δημιουργός, "την υπεροχή της καθαρής αίσθησης".

Έτσι, δημιούργησε το αφηρημένο έργο Σουπρεματιστική σύνθεση το 1916, το οποίο παρουσιάζει τα βασικά χαρακτηριστικά αυτής της νέας τεχνοτροπίας. Πρόκειται για ένα έργο διαστάσεων 88,5 cm × 71 cm, το οποίο ανήκει σε ιδιωτική συλλογή.

Η τεχνική χαρακτηρίζεται από τη χρήση απλών γεωμετρικών σχημάτων και την προτίμηση σε μια παλέτα χρωμάτων επίσης απλών, πρωτογενών και δευτερογενών, που άλλοτε επικαλύπτονται και άλλοτε τοποθετούνται το ένα δίπλα στο άλλο. Το φόντο είναι σχεδόν πάντα λευκό στις δημιουργίες του Malevich, αντιπροσωπεύοντας το κενό.

6. Το χρυσάφι του στερέωμα από τον Joan Miró

Ο Ισπανός Joan Miró ήταν ένας καλλιτέχνης αφοσιωμένος στο να εξάγει από απλές μορφές μεγαλεπήβολες έννοιες, οι οποίες εξαρτώνται κυρίως από τη φαντασία και την ερμηνεία του παρατηρητή.

Αυτή είναι η περίπτωση της Το χρυσάφι του στερέωμα Αυτός ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1967 με ακρυλικό σε καμβά και σήμερα ανήκει στη συλλογή του Ιδρύματος Joan Miro στη Βαρκελώνη.

Σε αυτή τη σύνθεση, βλέπουμε την κυριαρχία του κίτρινου, ενός ζεστού χρώματος που συνδέεται με τη χαρά, η οποία περιλαμβάνει όλες τις μορφές.

Υπάρχει μια μεγάλη καπνιστή μάζα μπλε, η οποία κατέχει περίοπτη θέση, καθώς τα υπόλοιπα σχήματα και οι γραμμές μοιάζουν να αιωρούνται γύρω της.

Το έργο θεωρείται σύνθεση της δημιουργικής διαδικασίας του Μιρό, ο οποίος ήταν αφοσιωμένος στη διερεύνηση τόσο του αυθορμητισμού όσο και της δημιουργίας ακριβών μορφών στη ζωγραφική.

7. Μπουκάλι ρούμι και εφημερίδα από τον Juan Gris

Ζωγραφισμένο μεταξύ 1913 και 1914 από τον Ισπανό κυβιστή Χουάν Γκρις, το έργο με ελαιοχρώματα σε καμβά αποτελεί σήμερα μέρος της συλλογής της Tate Modern (Λονδίνο). Ο Γκρις χρησιμοποιούσε συχνά επικαλυπτόμενα επίπεδα χρώματος και υφής, και Μπουκάλι ρούμι και εφημερίδα είναι ένα πολύτιμο παράδειγμα της τεχνικής του.

Ο πίνακας, ο οποίος συγκαταλέγεται στα πιο αντιπροσωπευτικά έργα του, μεταφέρει την εικόνα από διασταυρούμενα γωνιακά επίπεδα. Πολλά από αυτά έχουν στο βάθος τμήματα ξύλου, που ίσως παραπέμπουν σε επιφάνεια τραπεζιού, αν και ο τρόπος με τον οποίο επικαλύπτονται και συνδέονται μεταξύ τους αναιρεί κάθε δυνατότητα προοπτικής που συνδέεται με την πραγματικότητα.

Το μπουκάλι και η εφημερίδα στον τίτλο υποδεικνύονται με ελάχιστα στοιχεία: μερικά γράμματα, ένα περίγραμμα και μια υπόδειξη της τοποθεσίας αρκούν για να υποδείξουν την ταυτότητα των αντικειμένων. Ο πίνακας έχει σχετικά μικρές διαστάσεις (46 cm επί 37 cm).

8. Μαύρο σε βαθύ κόκκινο από τον Mark Rothko

Θεωρείται τραγικός πίνακας λόγω των έντονων, νεκρικών χρωμάτων του, Μαύρο σε βαθύ κόκκινο Από τη δεκαετία του 1950 που άρχισε να ζωγραφίζει, ο Ρόθκο προσπάθησε να πετύχει την καθολικότητα, ανταποκρινόμενος στην αυξανόμενη απλοποίηση της φόρμας.

Μαύρο σε βαθύ κόκκινο ακολουθεί τη χαρακτηριστική μορφή των έργων του καλλιτέχνη, όπου ορθογώνια μονοχρωματικά χρώματα μοιάζουν να αιωρούνται μέσα στα όρια του κάδρου.

Χρωματίζοντας απευθείας τον καμβά με πολλές λεπτές στρώσεις χρωστικής και δίνοντας ιδιαίτερη προσοχή στις άκρες όπου τα πεδία αλληλεπιδρούν, ο ζωγράφος πέτυχε την επίδραση του φωτός που ακτινοβολεί από την ίδια την εικόνα.

Το έργο ανήκει σήμερα σε ιδιωτική συλλογή, αφού πωλήθηκε το 2000 για το ιλιγγιώδες ποσό των τριών εκατομμυρίων δολαρίων.

9. Concetto spaziale 'Attesa από τον Lúcio Fontana

Ο παραπάνω καμβάς είναι μέρος μιας σειράς έργων που δημιούργησε ο Αργεντινός ζωγράφος Lucio Fontana κατά την παραμονή του στο Μιλάνο μεταξύ 1958 και 1968. Τα έργα αυτά, τα οποία αποτελούνται από καμβάδες που κόβονται μία ή περισσότερες φορές, είναι συλλογικά γνωστά ως Tagli ("κοψίματα").

Όλα μαζί αποτελούν την πιο εκτεταμένη και ποικίλη ομάδα έργων του Fontana και έχουν θεωρηθεί εμβληματικά για την αισθητική του. Στόχος των οπών είναι κυριολεκτικά να διαπεράσουν την επιφάνεια του έργου, ώστε ο θεατής να μπορεί να αντιληφθεί τον χώρο πέρα από αυτό.

Ο Lúcio Fontana άρχισε να αναπτύσσει την τεχνική της διάτρησης των καμβάδων τη δεκαετία του '40. Στις δεκαετίες του '50 και του '60 ο καλλιτέχνης συνέχισε να αναζητά διαφορετικούς τρόπους για να αναπτύξει τις τρύπες ως χαρακτηριστική του χειρονομία.

Ο Fontana κάνει τις σχισμές με μια κοφτερή λεπίδα και οι καμβάδες στη συνέχεια καλύπτονται με ισχυρή μαύρη γάζα, δίνοντας την εντύπωση ενός κενού από πίσω. Το 1968, ο Fontana είπε σε έναν συνεντευκτή:

"Δημιούργησα μια άπειρη διάσταση (...) η ανακάλυψή μου ήταν η τρύπα και αυτό είναι όλο. Είμαι ευτυχής που θα πάω στον τάφο μου μετά από μια τέτοια ανακάλυψη"

10. Αντισύνθεση VI από τον Theo van Doesburg

Ο Ολλανδός καλλιτέχνης Theo van Doesburg (1883-1931) ζωγράφισε το παραπάνω έργο το έτος 1925 σε τετράγωνο σχήμα χρησιμοποιώντας ελαιοχρώματα σε καμβά.

Τα γεωμετρικά και συμμετρικά σχήματα είναι προσεκτικά τοποθετημένα πριν καλυφθούν με χρώμα, ενώ οι μαύρες γραμμές σχεδιάστηκαν εκ των προτέρων με στυλό. Αντισύνθεση VI αποτελεί μέρος μιας συλλογής που δίνει ιδιαίτερη έμφαση στο διαγώνιο σχήμα και στους μονοχρωματικούς τόνους.

Εκτός από ζωγράφος, ο van Doesburg ήταν επίσης συγγραφέας, ποιητής και αρχιτέκτονας και συνδέεται με την ομάδα καλλιτεχνών De Stijl. Το έργο του Αντισύνθεση VI 50 cm επί 50 cm, αποκτήθηκε το 1982 από την Tate Modern (Λονδίνο).

11. Μετα-σχήμα από τον Hélio Oiticica

Ο Βραζιλιάνος καλλιτέχνης Hélio Oiticica ονόμασε διάφορα έργα που έγιναν μεταξύ 1957 και 1958 μετα-σχήματα. Πρόκειται για πίνακες που έφεραν κεκλιμένα ορθογώνια ζωγραφισμένα με χρώμα γκουάς πάνω σε χαρτόνι.

Πρόκειται για γεωμετρικά σχήματα με πλαίσια από ένα μόνο χρώμα (στην προκειμένη περίπτωση κόκκινο), που εφαρμόζονται απευθείας σε μια λεία και φαινομενικά κενή επιφάνεια. Τα σχήματα είναι τοποθετημένα σε πυκνές συνθέσεις που μοιάζουν με κεκλιμένα πλέγματα.

Ο Oiticica δημιούργησε αυτή τη σειρά πινάκων ενώ ζούσε και εργαζόταν στο Ρίο ντε Τζανέιρο. Σύμφωνα με τον ίδιο τον ζωγράφο, επρόκειτο για μια "εμμονική ανατομία του χώρου".

Ήταν το αρχικό εναρκτήριο λάκτισμα της έρευνας για πιο σύνθετα τρισδιάστατα έργα που ο καλλιτέχνης θα ανέπτυσσε στο μέλλον. Το 2010, ένα Μετα-σχήμα πωλήθηκε σε δημοπρασία του Christie's έναντι 122.500 δολαρίων ΗΠΑ.

Τι ήταν ο αφηρητισμός;

Ιστορικά, τα αφηρημένα έργα άρχισαν να αναπτύσσονται στην Ευρώπη στις αρχές του 20ού αιώνα, στο πλαίσιο του κινήματος της Μοντέρνας Τέχνης.

Τα έργα αυτά δεν αποσκοπούν στην αναπαράσταση αναγνωρισμένων αντικειμένων και δεν δεσμεύονται να μιμηθούν τη φύση. Για το λόγο αυτό, η πρώτη αντίδραση του κοινού και των κριτικών ήταν η απόρριψη των δημιουργιών, οι οποίες θεωρήθηκαν ακατανόητες.

Η αφηρημένη τέχνη επικρίθηκε ακριβώς επειδή ξέφυγε από το παραστατικό μοντέλο. Σε αυτού του είδους τα έργα δεν υπάρχει ανάγκη για οποιαδήποτε σύνδεση με την εξωτερική πραγματικότητα και την αναπαράσταση.

Με την πάροδο του χρόνου, ωστόσο, τα έργα έγιναν περισσότερο αποδεκτά και οι καλλιτέχνες μπόρεσαν να εξερευνήσουν σε βάθος τις τεχνοτροπίες τους.