តារាងមាតិកា
Abstractionism ឬ Abstract Art គឺជាចលនាមួយដែលប្រមូលផ្តុំនូវផលិតកម្មចម្រុះ រាប់ចាប់ពីគំនូរដែលមិនមែនជារូបភាព រហូតដល់ផ្ទាំងក្រណាត់ដែលត្រូវបានអនុវត្តចេញពីសមាសភាពធរណីមាត្រ។
គោលបំណងនៃស្នាដៃអរូបីគឺដើម្បីរំលេចរូបរាង ពណ៌ និង វាយនភាព បង្ហាញធាតុដែលមិនអាចស្គាល់បាន និងជំរុញការអានពិភពលោកដោយផ្អែកលើប្រភេទសិល្បៈដែលមិនមានគោលបំណង។
1. លឿង-ក្រហម-ខៀវ ដោយ Wassily Kandinsky
ផ្ទាំងក្រណាត់ចុះកាលបរិច្ឆេទឆ្នាំ 1925 មានឈ្មោះពណ៌ចម្បងនៅក្នុងចំណងជើង។ វាត្រូវបានគូរដោយជនជាតិរុស្សី Wassily Kandinsky (1866) ហើយបច្ចុប្បន្នស្ថិតនៅក្នុង Musée National d'Art Moderne មជ្ឈមណ្ឌល Georges Pompidou ក្នុងទីក្រុងប៉ារីស (ប្រទេសបារាំង)។
Kandinsky ត្រូវបានចាត់ទុកថាជាអ្នកនាំមុខនៃរចនាប័ទ្មអរូបី និង គឺជាសិល្បករម្នាក់ដែលមានទំនាក់ទំនងយ៉ាងជិតស្និទ្ធជាមួយតន្ត្រី ដូច្នេះផ្នែកដ៏ល្អនៃការតែងនិពន្ធអរូបីរបស់គាត់ដូចជា Amarelo-Vermelho-Azul ត្រូវបានបង្កើតឡើងពីទំនាក់ទំនងរវាងតន្ត្រី ពណ៌ និងរូបរាង។
ផ្ទាំងក្រណាត់ដែលមានទំហំធំ (127 សង់ទីម៉ែត្រ គុណនឹង 200 សង់ទីម៉ែត្រ) បង្ហាញរាងធរណីមាត្រផ្សេងៗ (ដូចជា រង្វង់ ចតុកោណកែង និងត្រីកោណ) ដែលត្រូវបានអនុវត្តជាពណ៌ចម្បង។ គោលបំណងរបស់វិចិត្រករគឺដើម្បីទាក់ទាញចំណាប់អារម្មណ៍ទៅលើឥទ្ធិពលផ្លូវចិត្តដែលពណ៌ និងរូបរាងមានលើមនុស្ស។
ទាក់ទងនឹងប្រធានបទនេះ Kandinsky បាននិយាយនៅពេលនោះថា:
“ពណ៌គឺជាមធ្យោបាយសម្រាប់អនុវត្តផ្ទាល់។ ឥទ្ធិពលលើព្រលឹង។ ពណ៌គឺជាគន្លឹះ; ភ្នែក, ញញួរ។ ព្រលឹង, ឧបករណ៍នៃខ្សែមួយពាន់។ វិចិត្រករគឺជាដៃដែលតាមរយៈការប៉ះនេះ ឬគន្លឹះនោះ ទទួលបានរំញ័រត្រឹមត្រូវពីព្រលឹង។ ព្រលឹងមនុស្សដែលបានប៉ះនៅកន្លែងដែលរសើបបំផុត ឆ្លើយតប។"
2. លេខ 5 ដោយ Jackson Pollock
ផ្ទាំងក្រណាត់ លេខ 5 ត្រូវបានបង្កើតឡើងក្នុងឆ្នាំ 1948 ដោយវិចិត្រករជនជាតិអាមេរិក Jackson Pollock ដែលនៅក្នុង កាលពីឆ្នាំមុន គាត់បានចាប់ផ្តើមស្វែងរកវិធីថ្មីទាំងស្រុងក្នុងការតែងស្នាដៃរបស់គាត់។
វិធីសាស្ត្ររបស់គាត់រួមមានការបោះ និងស្រក់ថ្នាំលាបអេណាមលទៅលើផ្ទាំងក្រណាត់ដែលលាតសន្ធឹងដាក់នៅលើឥដ្ឋនៃស្ទូឌីយោរបស់គាត់។ បច្ចេកទេសនេះអនុញ្ញាតឱ្យបង្កើតខ្សែបន្ទាត់ច្របូកច្របល់ ហើយក្រោយមកបានទទួលឈ្មោះជា "គំនូរស្រក់" (ឬ dripping ជាភាសាអង់គ្លេស) Pollock គឺជាឈ្មោះដ៏ធំបំផុតមួយនៅក្នុង abstractionism ។
ចាប់តាំងពីពេលនោះមក 1940 វិចិត្រករត្រូវបានទទួលស្គាល់ដោយអ្នករិះគន់ និងសាធារណជន។ ផ្ទាំងក្រណាត់ លេខ 5 ផលិតនៅកម្ពស់នៃអាជីពរបស់គាត់គឺធំធេងណាស់ ដែលមានទំហំ 2.4 ម៉ែត្រ គុណនឹង 1.2 ម៉ែត្រ។
ការងារនេះត្រូវបានលក់ទៅឱ្យអ្នកប្រមូលឯកជនក្នុងខែឧសភា ឆ្នាំ 2006 ក្នុងតម្លៃ 140 លានដុល្លារ។ បំបែកឯតទគ្គកម្មតម្លៃមួយសម្រាប់ពេលនោះ - រហូតមកដល់ពេលនោះ នេះជាគំនូរដែលមានតម្លៃថ្លៃជាងគេបំផុតក្នុងប្រវត្តិសាស្ត្រ។
3. Insula Dulcamara ដោយ Paul Klee
នៅឆ្នាំ 1938 ជនជាតិស្វីស Paul Klee ជនជាតិអាល្លឺម៉ង់បានគូរផ្ទាំងធំចំនួនប្រាំពីរក្នុងទម្រង់ផ្ដេក។ Insula Dulcamara គឺជាបន្ទះមួយក្នុងចំណោមបន្ទះទាំងនេះ។
ស្នាដៃទាំងអស់ត្រូវបានគូរដោយធ្យូងនៅលើកាសែត ដែល Klee បានបិទភ្ជាប់នៅលើក្រវិល ឬក្រណាត់ទេសឯក ដូច្នេះទទួលបានផ្ទៃរលោងនិងខុសគ្នា។ នៅក្នុងផ្នែកជាច្រើននៃផ្ទាំងនោះ គេអាចអានអត្ថបទដកស្រង់ចេញពីកាសែតដែលបានប្រើ ដែលជាការភ្ញាក់ផ្អើលដ៏រីករាយ និងមិននឹកស្មានដល់សូម្បីតែ Klee ខ្លួនឯងក៏ដោយ។
Insula Dulcamara គឺជាស្នាដៃដ៏រីករាយបំផុតមួយរបស់វិចិត្រករ ដោយវាឥតគិតថ្លៃ ស្រាល និង គ្រឿងបន្លាស់គ្មានរូបរាង។ ចំណងជើងនៃការងារជាភាសាឡាតាំង ហើយមានន័យថា "insula" (កោះ) "dulcis" (ផ្អែម, ប្រភេទ) និង "amarus" (ជូរចត់) ហើយអាចត្រូវបានបកស្រាយថាជា "កោះផ្អែម និងជូរចត់"។
ផ្ទាំងក្រណាត់មួយត្រូវបានបង្កើតឡើងក្នុងកំឡុងឆ្នាំចុងក្រោយនៃជីវិតរបស់គាត់ ហើយទាក់ទងនឹងវា Klee បានផ្តល់សេចក្តីថ្លែងការណ៍ដូចខាងក្រោម:
"យើងមិនត្រូវខ្លាចក្នុងការរកឃើញថាខ្លួនយើងជាប់ពាក់ព័ន្ធក្នុងពាក់កណ្តាលនៃធាតុដែលមិនអាចរំលាយបាននោះទេ យើងគ្រាន់តែត្រូវរង់ចាំ ដើម្បីឱ្យអ្វីៗកាន់តែពិបាកបូកបញ្ចូលគ្នា កុំរំខានតុល្យភាព។ តាមរបៀបនេះ ជីវិតពិតជារំភើបជាងជីវិត bourgeois បញ្ជាទិញខ្លាំងណាស់។ ហើយម្នាក់ៗមានសេរីភាពតាមកាយវិការរបស់ពួកគេដើម្បីជ្រើសរើសរវាងផ្អែមនិងប្រៃ។ មាត្រដ្ឋាន។"
4. ការតែងដោយពណ៌លឿង ខៀវ និងក្រហម ដោយ Piet Mondrian
សមាសភាពពណ៌លឿង ខៀវ និងក្រហម ត្រូវបានលាបពណ៌ដំបូងនៅទីក្រុងប៉ារីស រវាងឆ្នាំ 1937 និង 1938 ប៉ុន្តែនៅទីបំផុតត្រូវបានបង្កើតឡើងនៅទីក្រុងញូវយ៉ក ចន្លោះឆ្នាំ 1940 និង 1942 នៅពេលដែល Mondrian ផ្លាស់ប្តូរទីតាំងបន្ទាត់ខ្មៅមួយចំនួន និងបន្ថែមផ្នែកផ្សេងទៀត។ ការងារនេះមាននៅក្នុងបណ្តុំនៃ Tate St Ives (Cornwall, England) តាំងពីឆ្នាំ 1964។
ចំណាប់អារម្មណ៍របស់ Mondrian គឺនៅក្នុងគុណភាពបន្ទាត់អរូបី។ ទោះបីជាគាត់បានចាប់ផ្តើមអាជីពរបស់គាត់ជាមួយនឹងការងារជារូបភាពក៏ដោយ យូរៗទៅវិចិត្រកររូបនេះបានវិនិយោគលើអរូបីនិយម ហើយនៅឆ្នាំ 1914 គាត់បានក្លាយជារ៉ាឌីកាល់ ហើយបានលុបបំបាត់បន្ទាត់កោងនៅក្នុងស្នាដៃរបស់គាត់។
វិចិត្រករជនជាតិបារាំងបានបង្កើតវិធីថ្មីនៃការគូរ។ អរូបីយ៉ាងម៉ត់ចត់ហៅថា neoplasticism ដែលក្នុងនោះគាត់ត្រូវបានកំណត់ចំពោះបន្ទាត់ត្រង់ ផ្ដេក និងបញ្ឈរ និងពណ៌ចម្បងជាមូលដ្ឋាន។ ជាទូទៅសមាសភាពរបស់គាត់មិនស៊ីមេទ្រីទេ។ ការចង់ដឹងចង់ឃើញ៖ ជាធម្មតា បន្ទាត់ផ្តេកត្រូវបានលាបពណ៌នៅពីមុខបន្ទាត់បញ្ឈរ។
Mondrian មានអារម្មណ៍ថាសិល្បៈប្រភេទជាក់លាក់នេះឆ្លុះបញ្ចាំងពីការពិតដ៏អស្ចារ្យ និងជាសកលជាងអ្វីដែលគំនូរក្នុងន័យធៀបបានផ្សព្វផ្សាយ។
5. Suprematist Composition , Kazimir Malevich
ដូច Mondrian វិចិត្រករសូវៀត Kazimir Malevich បានបង្កើតទម្រង់សិល្បៈថ្មីមួយ។ Suprematism បានកើតនៅក្នុងប្រទេសរុស្ស៊ីចន្លោះឆ្នាំ 1915 និង 1916។ ដូចមិត្តរួមការងារ abstractionist របស់ខ្លួន បំណងប្រាថ្នាដ៏ធំបំផុតគឺដើម្បីបដិសេធវត្តមានរាងកាយនៃវត្ថុណាមួយនិងទាំងអស់។ គំនិតនេះគឺដើម្បីសម្រេចបាននូវភាពបរិសុទ្ធ ឬដូចអ្នកបង្កើតខ្លួនឯងបាននិយាយថា "ឧត្តមភាពនៃអារម្មណ៍ដ៏បរិសុទ្ធ"។
ដូច្នេះគាត់បានបង្កើតការងារអរូបី Suprematist Composition នៅក្នុងឆ្នាំ 1916 ដែលបង្ហាញពី លក្ខណៈសំខាន់ៗនៃរចនាប័ទ្មថ្មីនេះ។ វាជាការងារដែលមានវិមាត្រ 88.5 សង់ទីម៉ែត្រ × 71 សង់ទីម៉ែត្រ និងជាផ្នែកមួយនៃបណ្តុំឯកជន។
បច្ចេកទេសត្រូវបានកំណត់លក្ខណៈដោយការប្រើប្រាស់ទម្រង់រាងធរណីមាត្រសាមញ្ញ និងចំណូលចិត្តសម្រាប់ក្ដារលាយនៃពណ៌ដែលសាមញ្ញផងដែរ បឋម និងអនុវិទ្យាល័យ ជួនកាលត្រួតលើគ្នា ពេលផ្សេងទៀតដាក់នៅសងខាង។ ផ្ទៃខាងក្រោយស្ទើរតែតែងតែជាពណ៌សនៅក្នុងការបង្កើតរបស់ Malevich ដែលតំណាងឱ្យភាពទទេ។
6. The gold of the firmament ដោយ Joan Miró
The Spaniard Joan Miró គឺជាវិចិត្រករម្នាក់ដែលបានប្តេជ្ញាចិត្តក្នុងការទាញយកអត្ថន័យដ៏អស្ចារ្យពីទម្រង់សាមញ្ញ ដែលភាគច្រើនពឹងផ្អែកលើ នៃការស្រមើលស្រមៃ និងការបកស្រាយរបស់អ្នកសង្កេតការណ៍។
សូមមើលផងដែរ: 17 កំណាព្យខ្លីសម្រាប់កុមារនេះគឺជាករណីនៃ មាសនៃផ្ទៃមេឃ ដែលជាគំនូរដែលត្រូវបានបង្កើតឡើងក្នុងឆ្នាំ 1967 ដោយប្រើបច្ចេកទេស acrylic នៅលើផ្ទាំងក្រណាត់ ហើយសព្វថ្ងៃនេះជាកម្មសិទ្ធិរបស់បណ្តុំនៃ មូលនិធិ Joan MIró នៅទីក្រុងបាសេឡូណា។
នៅក្នុងសមាសភាពនេះ យើងឃើញភាពលេចធ្លោនៃពណ៌លឿង ដែលជាពណ៌ដ៏កក់ក្តៅដែលភ្ជាប់ទៅនឹងភាពរីករាយ ដែលគ្របដណ្ដប់គ្រប់ទម្រង់ទាំងអស់។
សូមមើលផងដែរ: សិល្បៈអរូបី (អរូបីនិយម)៖ ស្នាដៃសំខាន់ៗ សិល្បករ និងអ្វីៗគ្រប់យ៉ាងអំពីមានពណ៌ខៀវដែលមានផ្សែងខ្លាំង។ ដែលនឹងធ្វើឱ្យមានភាពលេចធ្លោ ដោយសារតែរូបរាង និងបន្ទាត់ដែលនៅសល់ហាក់ដូចជាអណ្តែតជុំវិញវា។
ការងារនេះត្រូវបានចាត់ទុកថាជាការសំយោគនៃដំណើរការច្នៃប្រឌិតរបស់Miró ដែលបានឧទ្ទិសដល់ការស៊ើបអង្កេតទាំងឯកឯង និងការបង្កើត។ នៃទម្រង់ច្បាស់លាស់ក្នុងការគូរ។
7. Bottle of Rum and Newspaper ដោយ Juan Gris
គូររវាងឆ្នាំ 1913 និង 1914 ដោយកូនកាត់ជនជាតិអេស្ប៉ាញ Juan Gris ដែលជាស្នាដៃគូរគំនូរប្រេងនៅលើផ្ទាំងក្រណាត់បច្ចុប្បន្ន ជាកម្មសិទ្ធិរបស់បណ្តុំនៃ Tate Modern (ទីក្រុងឡុងដ៍) ។ Gris ជាញឹកញាប់បានប្រើប្លង់ត្រួតគ្នានៃពណ៌ និងវាយនភាព ហើយ ដបនៃ Rum និងកាសែត គឺជាឧទាហរណ៍ដ៏មានតម្លៃនៃបច្ចេកទេសរបស់គាត់។
គំនូរដែលជាស្នាដៃតំណាងបំផុតរបស់គាត់ ផ្ទុករូបភាពពីយន្តហោះជ្រុងប្រសព្វគ្នា។ ពួកវាជាច្រើនមានបំណែកឈើនៅផ្ទៃខាងក្រោយ ប្រហែលជាបង្ហាញពីកម្រាលតុ ទោះបីជាវិធីដែលពួកវាត្រួតលើគ្នា និងទំនាក់ទំនងគ្នាបដិសេធលទ្ធភាពនៃទស្សនវិស័យដែលភ្ជាប់ទៅនឹងការពិតក៏ដោយ។
ដប និងកាសែតនៅក្នុងចំណងជើងត្រូវបានចង្អុលបង្ហាញជាមួយ អប្បរមានៃតម្រុយ៖ អក្សរពីរបី គ្រោង និងការណែនាំអំពីទីតាំងគឺគ្រប់គ្រាន់ដើម្បីចង្អុលបង្ហាញអត្តសញ្ញាណរបស់វត្ថុ។ ស៊ុមមានទំហំតូច (46 សង់ទីម៉ែត្រ គុណនឹង 37 សង់ទីម៉ែត្រ)
8. ពណ៌ខ្មៅនៅក្នុងពណ៌ក្រហមជ្រៅ ដោយ Mark Rothko
បានចាត់ទុកថាជាគំនូរដ៏សោកនាដកម្មមួយ ដោយសារតែពណ៌ដ៏ខ្លាំង និងពិធីបុណ្យសពរបស់វា ពណ៌ខ្មៅនៅក្នុងពណ៌ក្រហមជ្រៅ ដែលត្រូវបានបង្កើតឡើងក្នុងឆ្នាំ 1957 គឺជាផ្ទាំងគំនូរដ៏ជោគជ័យបំផុតមួយរបស់វិចិត្រករជនជាតិអាមេរិក Mark Rothko ។ ចាប់តាំងពីគាត់ចាប់ផ្តើមគូររូបក្នុងទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1950 មក Rothko បានខិតខំដើម្បីសម្រេចបាននូវភាពជាសាកល ដោយឆ្ពោះទៅរកភាពសាមញ្ញនៃទម្រង់ដែលចេះតែកើនឡើង។
ខ្មៅក្នុងក្រហមជ្រៅ ធ្វើតាមទម្រង់លក្ខណៈនៃស្នាដៃរបស់គាត់។ របស់វិចិត្រករ ដែលក្នុងនោះចតុកោណនៃពណ៌ monochromatic ហាក់ដូចជាអណ្តែតក្នុងព្រំដែននៃស៊ុម។
ដោយការលាបលើផ្ទាំងក្រណាត់ដោយផ្ទាល់ជាមួយនឹងស្រទាប់ស្តើងជាច្រើននៃសារធាតុពណ៌ និងយកចិត្តទុកដាក់ជាពិសេសទៅលើគែមដែលវាលមានអន្តរកម្ម។ វិចិត្រករបានសម្រេចបាន ឥទ្ធិពលនៃពន្លឺដែលបញ្ចេញពីរូបភាពខ្លួនវាផ្ទាល់។
កការងារបច្ចុប្បន្នជាកម្មសិទ្ធិរបស់បណ្តុំឯកជន បន្ទាប់ពីត្រូវបានលក់ក្នុងឆ្នាំ 2000 ក្នុងតម្លៃដ៏គួរឱ្យភ្ញាក់ផ្អើលជាងបីលានដុល្លារ។
9. Concetto spaziale 'Attesa' ដោយ Lúcio Fontana
ផ្ទាំងក្រណាត់ខាងលើគឺជាផ្នែកមួយនៃស្នាដៃជាច្រើនដែលវិចិត្រករជនជាតិអាហ្សង់ទីន Lúcio Fontana ផលិតនៅពេលគាត់នៅ នៅទីក្រុង Milan ចន្លោះឆ្នាំ 1958 និង 1968 ។ ស្នាដៃទាំងនេះដែលមានផ្ទាំងក្រណាត់ដែលកាត់ម្តង ឬច្រើនដង ត្រូវបានគេស្គាល់ថាជា Tagli ("កាត់")។
ត្រូវបានយកមកជាមួយគ្នា ពួកវាជាក្រុមដែលទូលំទូលាយ និងចម្រុះបំផុតនៃការងារ ដោយ Fontana ហើយត្រូវបានគេមើលឃើញថាជានិមិត្តរូបនៃសោភ័ណភាពរបស់វា។ គោលបំណងនៃរន្ធគឺដើម្បីបំបែកផ្ទៃនៃការងារ ដើម្បីឱ្យអ្នកទស្សនាអាចយល់ឃើញពីលំហដែលហួសពីនោះ។
Lúcio Fontana បានចាប់ផ្តើមអភិវឌ្ឍបច្ចេកទេសនៃការបិតផ្ទាំងក្រណាត់តាំងពីទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1940 មក។ វិចិត្រករ នៅតែមាននៅក្នុងទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1950 និងឆ្នាំ 1960 ដោយកំពុងស្វែងរកវិធីផ្សេងៗដើម្បីអភិវឌ្ឍរន្ធដែលជាកាយវិការលក្ខណៈរបស់គាត់។
Fontana ធ្វើឱ្យរន្ធដោយប្រើកាំបិតមុតស្រួច ហើយផ្ទាំងក្រណាត់ក្រោយមកត្រូវបានគាំទ្រជាមួយនឹងមារៈបង់រុំខ្មៅខ្លាំង ដែលផ្តល់នូវរូបរាង។ កន្លែងទំនេរនៅខាងក្រោយ។ នៅឆ្នាំ 1968 Fontana បានប្រាប់អ្នកសម្ភាសន៍ថា:
"ខ្ញុំបានបង្កើតវិមាត្រគ្មានកំណត់ (...) ការរកឃើញរបស់ខ្ញុំគឺប្រហោង ហើយនោះហើយជាវា។ ខ្ញុំសប្បាយចិត្តដែលបានទៅផ្នូរបន្ទាប់ពីការរកឃើញបែបនេះ"
10. Counter-Composition VI ដោយ Theo van Doesburg
សិល្បករបុរសជនជាតិហូឡង់ Theo van Doesburg (1883–1931) បានគូរស្នាដៃខាងលើក្នុងឆ្នាំ 1925 ជារាងការ៉េ ដោយប្រើថ្នាំលាបប្រេងលើផ្ទាំងក្រណាត់។
ទម្រង់ធរណីមាត្រ និងស៊ីមេទ្រីត្រូវបានរៀបចំយ៉ាងប្រុងប្រយ័ត្ន មុនពេលត្រូវបានគ្របដណ្ដប់ដោយទឹកថ្នាំពណ៌ខ្មៅ។ បន្ទាត់ត្រូវបានគូរដោយប៊ិច a priori។ Counter-Composition VI គឺជាផ្នែកមួយនៃបណ្តុំដែលផ្តល់តម្លៃជាពិសេសទៅលើរូបរាងអង្កត់ទ្រូង និងពណ៌ monochrome។
បន្ថែមពីលើការធ្វើជាវិចិត្រករ វ៉ាន់ Doesburg ក៏សកម្មជាអ្នកនិពន្ធ កវី និងស្ថាបត្យករ ហើយមានទំនាក់ទំនងជាមួយក្រុមសិល្បករ De Stijl ។ ការងារ Counter-Composition VI ដែលមានទំហំ 50 សង់ទីម៉ែត្រ គុណនឹង 50 សង់ទីម៉ែត្រ ត្រូវបានទិញនៅឆ្នាំ 1982 ដោយ Tate Modern (London)។
11. Metaesquema ដោយ Hélio Oiticica
វិចិត្រករជនជាតិប្រេស៊ីល Hélio Oiticica បានដាក់ឈ្មោះស្នាដៃជាច្រើនដែលធ្វើឡើងនៅចន្លោះឆ្នាំ 1957 និង 1958 metaesquema ។ ទាំងនេះគឺជារូបគំនូរដែលមានចតុកោណកែងដែលលាបជាមួយថ្នាំលាប gouache នៅលើក្រដាសកាតុងធ្វើកេស។
ទាំងនេះគឺជារូបធរណីមាត្រដែលមានស៊ុមនៃពណ៌តែមួយ (ក្នុងករណីនេះពណ៌ក្រហម) អនុវត្តដោយផ្ទាល់ទៅលើផ្ទៃរលោង និងជាក់ស្តែង។ រូបរាងត្រូវបានរៀបចំជាសមាសភាពក្រាស់ដែលស្រដៀងនឹងក្រឡាចត្រង្គ។
Oiticica បានផលិតគំនូរស៊េរីនេះនៅពេលកំពុងរស់នៅ និងធ្វើការនៅទីក្រុង Rio de Janeiro។ យោងទៅតាមវិចិត្រករខ្លួនឯង វាគឺជា "ការមើលរំលងនៃលំហ"។
ពួកគេគឺជាចំណុចចាប់ផ្តើមនៃការស្រាវជ្រាវសម្រាប់ស្នាដៃបីវិមាត្រដែលស្មុគស្មាញជាងនេះ ដែលវិចិត្រករនឹងអភិវឌ្ឍនាពេលអនាគត។ ក្នុងឆ្នាំ 2010 Metaesquema ត្រូវបានលក់នៅឯការដេញថ្លៃរបស់ Christie ក្នុងតម្លៃ $122,500។
តើអ្វីទៅជា Abstractionism?
ជាប្រវត្តិសាស្ត្រ ស្នាដៃអរូបីបានចាប់ផ្តើមត្រូវបានបង្កើតឡើងនៅអឺរ៉ុបនៅដើមដំបូងនៃ សតវត្សទី 20 នៅក្នុងបរិបទនៃចលនាសិល្បៈសម័យទំនើប។
ទាំងនេះគឺជាស្នាដៃដែលមិនមានបំណងតំណាងឱ្យវត្ថុដែលគេទទួលស្គាល់ និងមិនត្រូវបានប្តេជ្ញាចិត្តក្នុងការធ្វើត្រាប់តាមធម្មជាតិ។ ដូច្នេះហើយ ប្រតិកម្មដំបូងរបស់សាធារណជន និងអ្នករិះគន់គឺការបដិសេធចំពោះការបង្កើត ដែលចាត់ទុកថាមិនអាចយល់បាន។
សិល្បៈអរូបីត្រូវបានរិះគន់យ៉ាងជាក់លាក់ចំពោះការបំបែកជាមួយគំរូរូបភាព។ នៅក្នុងការងារប្រភេទនេះ មិនចាំបាច់ភ្ជាប់ជាមួយភាពពិតខាងក្រៅ និងការតំណាងទេ។
ទោះជាយ៉ាងនេះក្តី យូរៗទៅ ស្នាដៃទាំងនោះត្រូវបានទទួលយកកាន់តែច្រើន ហើយសិល្បករអាចស្វែងយល់ពីរចនាប័ទ្មរបស់ពួកគេយ៉ាងស៊ីជម្រៅ។
