Mục lục
Chủ nghĩa trừu tượng, hay Nghệ thuật trừu tượng, là một phong trào tập hợp các tác phẩm khá đa dạng, từ các bản vẽ phi hình tượng đến các bức tranh sơn dầu được thực hiện từ các bố cục hình học.
Mục đích của các tác phẩm trừu tượng là làm nổi bật các hình dạng, màu sắc và kết cấu, bộc lộ những yếu tố khó nhận biết và kích thích việc đọc thế giới dựa trên một loại hình nghệ thuật phi khách quan.
1. Vàng-Đỏ-Xanh dương , của Wassily Kandinsky
Tấm canvas, ngày 1925, có tên của các màu cơ bản trong tiêu đề. Bức tranh được vẽ bởi họa sĩ người Nga Wassily Kandinsky (1866) và hiện đang ở Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Quốc gia, Trung tâm Georges Pompidou, ở Paris (Pháp).
Kandinsky được coi là tiền thân của phong cách trừu tượng và là một nghệ sĩ rất gắn bó với âm nhạc, đến nỗi một phần hay trong các tác phẩm trừu tượng của anh ấy, chẳng hạn như Amarelo-Vermelho-Azul , được tạo ra từ mối quan hệ giữa âm nhạc, màu sắc và hình khối.
Một canvas khổ lớn (127 cm x 200 cm) thể hiện nhiều hình dạng hình học khác nhau (chẳng hạn như hình tròn, hình chữ nhật và hình tam giác) được thực hiện, trên hết, bằng các màu cơ bản. Mục tiêu của nghệ sĩ là thu hút sự chú ý đến các tác động tâm lý mà màu sắc và hình dạng gây ra cho con người.
Về chủ đề này, Kandinsky đã phát biểu vào thời điểm đó:
“Màu sắc là phương tiện để tác động trực tiếp ảnh hưởng đến tâm hồn. Màu sắc là chìa khóa; con mắt, cái búa. Linh hồn, nhạc cụcủa một ngàn chuỗi. Người nghệ sĩ là bàn tay, khi chạm vào phím này hay phím kia, sẽ có được sự rung động đúng đắn từ tâm hồn. Tâm hồn con người, khi chạm vào điểm nhạy cảm nhất của nó, sẽ phản ứng.”
2. Number 5 , của Jackson Pollock
Tranh canvas Number 5 được tạo ra vào năm 1948 bởi họa sĩ người Mỹ Jackson Pollock, người trong năm trước, anh ấy bắt đầu khám phá một cách hoàn toàn mới để sáng tác các tác phẩm của mình.
Phương pháp của anh ấy bao gồm ném và nhỏ sơn men lên một tấm vải căng đặt trên sàn xưởng vẽ của anh ấy. Kỹ thuật này cho phép tạo ra một mớ đường nét, và sau này được đặt tên là “tranh nhỏ giọt” (hoặc nhỏ giọt , trong tiếng Anh) Pollock là một trong những tên tuổi lớn nhất của trường phái trừu tượng.
Kể từ năm 1940 họa sĩ được giới phê bình và công chúng công nhận. Bức tranh sơn dầu Number 5 , được thực hiện ở đỉnh cao sự nghiệp của anh ấy, rất lớn, có kích thước 2,4 m x 1,2 m.
Tác phẩm đã được bán cho một nhà sưu tập tư nhân vào tháng 5 năm 2006 với giá 140 triệu đô la , phá vỡ mức giá kỷ lục vào thời điểm đó - cho đến lúc đó, đây là bức tranh được trả giá cao nhất trong lịch sử.
3. Insula Dulcamara , của Paul Klee
Năm 1938, Paul Klee, người Đức nhập tịch Thụy Sĩ, đã vẽ bảy tấm lớn ở định dạng ngang. Insula Dulcamara là một trong những tấm bảng này.
Tất cả các tác phẩm đều được phác thảo bằng than trên giấy báo, sau đó Klee dán lên vải bố hoặc vải lanh, do đó có được mộtbề mặt mịn và khác biệt. Trong một số phần của bảng điều khiển, có thể đọc các đoạn trích từ tờ báo được sử dụng, một điều ngạc nhiên thú vị và bất ngờ ngay cả đối với chính Klee.
Insula Dulcamara là một trong những tác phẩm vui nhộn nhất của họa sĩ, với sự tự do, thưa thớt và phụ kiện vô hình. Tên tác phẩm theo tiếng Latinh và có nghĩa là “insula” (hòn đảo), “dulcis” (ngọt ngào, tử tế) và “amarus” (đắng), và có thể hiểu là “hòn đảo ngọt ngào và cay đắng”.
Một bức tranh vẽ đã được tạo ra trong những năm cuối đời của anh ấy và về nó, Klee đã đưa ra tuyên bố sau:
"Chúng ta không được sợ hãi khi thấy mình bị cuốn vào giữa những yếu tố khó tiêu hóa hơn; chúng ta chỉ cần chờ đợi để những thứ khó tiêu hóa hơn không làm xáo trộn sự cân bằng. Bằng cách này, cuộc sống chắc chắn thú vị hơn một cuộc sống tư sản rất trật tự. Và mỗi người được tự do, tùy theo cử chỉ của mình, lựa chọn giữa ngọt và mặn của hai cân."
4. Bố cục với Vàng, Xanh lam và Đỏ , của Piet Mondrian
Bố cục với Vàng, Xanh lam và Đỏ ban đầu được vẽ ở Paris , từ năm 1937 đến 1938, nhưng cuối cùng được phát triển ở New York từ năm 1940 đến 1942, khi Mondrian định vị lại một số đường màu đen và thêm các đường khác. Tác phẩm nằm trong bộ sưu tập của Tate St Ives (Cornwall, Anh) từ năm 1964.
Mondrian quan tâm đếnchất lượng dòng trừu tượng. Mặc dù bắt đầu sự nghiệp của mình với các tác phẩm tượng hình, nhưng theo thời gian, họa sĩ đã đầu tư vào chủ nghĩa trừu tượng và đến năm 1914, ông trở nên cực đoan hóa và thực tế đã loại bỏ các đường cong trong tác phẩm của mình.
Xem thêm: Người Vitruvius của Leonardo da VinciHọa sĩ người Pháp đã phát triển một phong cách hội họa mới. trừu tượng nghiêm ngặt được gọi là neoplasticism , trong đó ông bị giới hạn ở các đường thẳng, ngang và dọc và các màu cơ bản cơ bản. Nhìn chung, các tác phẩm của ông không đối xứng. Một sự tò mò: các đường ngang thường được vẽ trước các đường thẳng đứng.
Mondrian cảm thấy rằng loại hình nghệ thuật cụ thể này phản ánh một chân lý phổ quát và rộng lớn hơn những gì bức tranh tượng hình rao giảng.
5. Sáng tác Suprematist , Kazimir Malevich
Giống như Mondrian, họa sĩ Liên Xô Kazimir Malevich đã tạo ra một loại hình nghệ thuật mới. Chủ nghĩa tối cao ra đời ở Nga từ năm 1915 đến năm 1916. Giống như các đồng nghiệp theo chủ nghĩa trừu tượng của nó, mong muốn lớn nhất là phủ nhận sự hiện diện vật chất của bất kỳ và tất cả các đối tượng. Ý tưởng là để đạt được sự thuần khiết, hay, như chính người sáng tạo đã tuyên bố, "ưu thế của cảm giác thuần khiết".
Vì vậy, ông đã tạo ra tác phẩm trừu tượng Thành phần của chủ nghĩa tối cao vào năm 1916, trong đó trình bày đặc điểm cơ bản của phong cách mới này. Nó là một tác phẩm có kích thước 88,5 cm × 71 cm và là một phần của bộ sưu tập cá nhân.
Kỹ thuật này được đặc trưng bởi việc sử dụng các hình khốicác hình dạng hình học đơn giản và sở thích cho một bảng màu cũng đơn giản, chính và phụ, đôi khi chồng lên nhau, đôi khi được đặt cạnh nhau. Nền hầu như luôn có màu trắng trong các tác phẩm của Malevich, tượng trưng cho sự trống rỗng.
6. Vàng của bầu trời , của Joan Miró
Người Tây Ban Nha Joan Miró là một nghệ sĩ cam kết rút ra những ý nghĩa tuyệt vời từ những hình thức đơn giản, phần lớn phụ thuộc vào trí tưởng tượng và diễn giải của người quan sát.
Đây là trường hợp của Vàng của bầu trời , một bức tranh được tạo ra vào năm 1967 bằng kỹ thuật acrylic trên canvas và ngày nay thuộc bộ sưu tập của Joan MIró Foundation , ở Barcelona.
Trong bố cục này, chúng tôi thấy màu vàng chiếm ưu thế, một màu ấm liên quan đến niềm vui, bao trùm mọi hình thức.
Có một khối màu xanh khói lớn , chiếm vị trí nổi bật, vì phần còn lại của các hình dạng và đường nét dường như nổi xung quanh nó.
Tác phẩm được coi là sự tổng hợp quá trình sáng tạo của Miró, người đã cống hiến hết mình để khám phá cả tính tự phát và sự sáng tạo của các hình thức chính xác trong hội họa.
7. Chai rượu Rum và tờ báo , của Juan Gris
Được vẽ từ năm 1913 đến 1914 bởi họa sĩ lập thể người Tây Ban Nha Juan Gris, hiện là tác phẩm bằng sơn dầu trên canvas thuộc bộ sưu tập của Tate Modern (London). Gris thường sử dụng các mặt phẳng màu sắc và kết cấu chồng lên nhau, và Chai rượu Rum vàTờ báo là một ví dụ quý giá về kỹ thuật của ông.
Bức tranh, một trong những tác phẩm tiêu biểu nhất của ông, mang hình ảnh từ các mặt phẳng góc giao nhau. Nhiều trong số chúng có các mảnh gỗ ở hậu cảnh, có lẽ gợi ý về mặt bàn, mặc dù cách chúng chồng lên nhau và liên kết với nhau phủ nhận mọi khả năng về một góc nhìn liên kết với thực tế.
Cái chai và tờ báo trong tiêu đề được biểu thị bằng một số manh mối tối thiểu: một vài chữ cái, phác thảo và gợi ý về vị trí là đủ để chỉ ra danh tính của các đối tượng. Khung có kích thước tương đối nhỏ (46 cm x 37 cm).
8. Đen trong sắc đỏ đậm , của Mark Rothko
Được coi là một bức tranh bi thảm do màu sắc mạnh mẽ và tang tóc của nó, Đen trong sắc đỏ đậm , được tạo ra vào năm 1957, là một trong những bức tranh thành công nhất của họa sĩ người Mỹ Mark Rothko. Kể từ khi bắt đầu vẽ tranh vào những năm 1950, Rothko đã cố gắng đạt được tính phổ quát, hướng tới sự đơn giản hóa ngày càng tăng về hình thức.
Đen trong Đỏ đậm tuân theo định dạng đặc trưng trong các tác phẩm của ông. của nghệ sĩ, trong đó các hình chữ nhật có màu đơn sắc dường như nổi trong ranh giới của khung.
Bằng cách bôi trực tiếp lên canvas nhiều lớp sắc tố mỏng và đặc biệt chú ý đến các cạnh nơi các trường tương tác, họa sĩ đạt được Hiệu ứng ánh sáng tỏa ra từ chính hình ảnh.
Atác phẩm hiện thuộc sở hữu của một bộ sưu tập tư nhân sau khi được bán vào năm 2000 với giá đáng kinh ngạc hơn ba triệu đô la.
Xem thêm: Không thể không yêu (Elvis Presley): ý nghĩa và lời bài hát9. Concetto spaziale 'Attesa' , của Lúcio Fontana
Bức tranh vẽ trên là một phần trong loạt tác phẩm mà họa sĩ người Argentina Lúcio Fontana đã vẽ khi còn trẻ ở Milan trong khoảng thời gian từ 1958 đến 1968. Những tác phẩm này, bao gồm các bức tranh sơn dầu được cắt một lần hoặc nhiều lần, được gọi chung là Tagli ("ảnh cắt").
Tổng hợp lại, chúng là nhóm tác phẩm phong phú và đa dạng nhất bởi Fontana, và được coi là biểu tượng cho tính thẩm mỹ của nó. Mục đích của các lỗ, theo nghĩa đen, là phá vỡ bề mặt của tác phẩm để người xem có thể cảm nhận được không gian bên ngoài.
Lúcio Fontana bắt đầu phát triển kỹ thuật đục lỗ trên các bức tranh sơn dầu từ những năm 1940 trở đi. vẫn còn, trong những năm 1950 và 1960, tìm kiếm những cách khác nhau để phát triển các lỗ như một cử chỉ đặc trưng của mình.
Fontana tạo các đường rạch bằng một lưỡi dao sắc bén và các tấm bạt sau đó được hỗ trợ bằng gạc đen chắc chắn, tạo vẻ ngoài ấn tượng khoảng trống phía sau. Năm 1968, Fontana nói với một người phỏng vấn:
"Tôi đã tạo ra một chiều vô tận (...) khám phá của tôi là cái lỗ và thế là xong. Tôi rất vui khi được xuống mồ sau một khám phá như vậy"
10. Count-Composition VI , của Theo van Doesburg
Nghệ sĩHọa sĩ người Hà Lan Theo van Doesburg (1883–1931) vẽ tác phẩm trên vào năm 1925, dạng hình vuông, sử dụng sơn dầu trên vải.
Các hình khối, đối xứng được sắp xếp cẩn thận trước khi phủ mực đen các đường kẻ được vẽ tiên nghiệm bằng bút. Count-Composition VI là một phần của bộ sưu tập đặc biệt coi trọng hình dạng đường chéo và tông màu đơn sắc.
Ngoài việc là một họa sĩ, van Doesburg cũng hoạt động với tư cách là một nhà văn, nhà thơ và kiến trúc sư và có quan hệ họ hàng với nhóm nghệ sĩ De Stijl. Tác phẩm Count-Composition VI , có kích thước 50 cm x 50 cm, được Tate Modern (London) mua lại vào năm 1982.
11. Metaesquema , của Hélio Oiticica
Nghệ sĩ người Brazil Hélio Oiticica đã đặt tên cho một số tác phẩm được thực hiện từ năm 1957 đến 1958 là metaesquema. Đây là những bức tranh có hình chữ nhật nghiêng được vẽ bằng bột màu trên bìa cứng.
Đây là những hình dạng hình học có khung một màu (trong trường hợp này là màu đỏ), được áp trực tiếp lên một bề mặt nhẵn và có vẻ trống. Các hình dạng được sắp xếp thành bố cục dày đặc giống như những ô lưới nghiêng.
Oiticica đã thực hiện loạt tranh này khi sống và làm việc tại Rio de Janeiro. Theo chính họa sĩ, đó là một “mổ xẻ không gian đầy ám ảnh”.
Họ là điểm khởi đầu cho những nghiên cứu vềcác tác phẩm ba chiều phức tạp hơn mà nghệ sĩ sẽ phát triển trong tương lai. Vào năm 2010, một Metaesquema đã được bán tại cuộc đấu giá của Christie với giá 122.500 đô la Mỹ.
Chủ nghĩa trừu tượng là gì?
Trong lịch sử, các tác phẩm trừu tượng bắt đầu được phát triển ở châu Âu vào đầu thế kỷ thế kỷ 20, trong bối cảnh của phong trào Nghệ thuật Hiện đại.
Đây là những tác phẩm không có ý định đại diện cho các đối tượng đã được công nhận và không bắt chước tự nhiên. Do đó, phản ứng đầu tiên của công chúng và các nhà phê bình là từ chối những sáng tạo được coi là không thể hiểu được.
Nghệ thuật trừu tượng bị chỉ trích chính xác vì đã phá vỡ mô hình tượng hình. Trong loại tác phẩm này, không cần phải liên kết với thực tế bên ngoài và sự thể hiện.
Tuy nhiên, khi thời gian trôi qua, các tác phẩm đã được chấp nhận nhiều hơn và các nghệ sĩ có thể khám phá sâu phong cách của họ.
