Taula de continguts
L'abstraccionisme, o art abstracte, és un moviment que reuneix produccions força diverses, que van des de dibuixos no figuratius fins a llenços realitzats a partir de composicions geomètriques.
La intenció de les obres abstractes és destacar formes, colors i textures, revelant elements irreconeixibles i estimulant una lectura del món basada en un art de tipus no objectiu.
1. Groc-vermell-blau , de Wassily Kandinsky
El llenç, datat l'any 1925, té els noms dels colors primaris al títol. Va ser pintat pel rus Wassily Kandinsky (1866), i actualment es troba al Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, a París (França).
Kandinsky és considerat el precursor de l'estil abstracte i va ser un artista molt vinculat a la música, tant és així que bona part de les seves composicions abstractes, com ara Amarelo-Vermelho-Azul , van ser creades a partir de la relació entre música, colors i formes.
Un llenç de gran mida (127 cm per 200 cm) presenta diverses formes geomètriques (com cercles, rectangles i triangles) executades, sobretot, en colors primaris. L'objectiu de l'artista era cridar l'atenció sobre els efectes psicològics que tenen els colors i les formes en les persones.
Sobre el tema, Kandinsky va afirmar aleshores:
“El color és un mitjà per exercir una influència directa. influència en l'ànima. El color és la clau; l'ull, el martell. L'ànima, l'instrumentde mil cordes. L'artista és la mà que, tocant aquesta o aquella tecla, obté de l'ànima la vibració adequada. L'ànima humana, tocada en el seu punt més sensible, respon.”
2. Número 5 , de Jackson Pollock
El llenç Número 5 va ser creat l'any 1948 pel pintor nord-americà Jackson Pollock, que en l'any anterior va començar a explorar una manera completament nova de compondre les seves obres.
El seu mètode consistia a tirar i degotejar pintura esmaltada sobre un llenç estirat col·locat al terra del seu estudi. Aquesta tècnica va permetre crear un embull de línies, i més tard va guanyar el nom de "dripping paintings" (o dripping , en anglès) Pollock va ser un dels noms més importants de l'abstracció.
Des de l'any 1940 el pintor va ser reconegut per la crítica i el públic. El llenç Número 5 , realitzat en el moment àlgid de la seva carrera, és immens, mesura 2,4 m per 1,2 m.
L'obra es va vendre a un col·leccionista privat el maig de 2006 per 140 milions de dòlars. , batent un preu rècord de l'època -fins aleshores aquest havia estat el quadre més ben pagat de la història.
3. Insula Dulcamara , de Paul Klee
L'any 1938, l'alemany naturalitzat suís Paul Klee va pintar set grans panells en format horitzontal. Insula Dulcamara és un d'aquests panells.
Totes les obres van ser esbossades al carbó sobre paper de diari, que Klee va enganxar sobre arpillera o lli, obtenint així unsuperfície llisa i diferenciada. En diverses parts dels plafons s'hi poden llegir fragments del diari utilitzat, una sorpresa agradable i inesperada fins i tot per al mateix Klee.
Insula Dulcamara és una de les obres més alegres del pintor, amb la seva lliure, escassa i accessoris sense forma. El títol de l'obra és en llatí i significa “insula” (illa), “dulcis” (dolç, amable) i “amarus” (amarg), i es pot interpretar com “illa dolça i amarga”.
Durant els seus darrers anys de vida es va crear un llenç i, al respecte, Klee va fer la següent afirmació:
"No hem de témer de trobar-nos enmig d'elements més indigeribles; només cal esperar. perquè les coses més difícils d'assimilar no pertorbin l'equilibri.D'aquesta manera la vida és certament més emocionant que una vida burgesa molt ordenada.I cadascú és lliure, segons els seus gestos, d'escollir entre el dolç i el salat de dos. escales."
4. Composició amb groc, blau i vermell , de Piet Mondrian
Composició amb groc, blau i vermell va ser pintada inicialment a París , entre 1937 i 1938, però finalment es va desenvolupar a Nova York entre 1940 i 1942, quan Mondrian va reposicionar algunes de les línies negres i n'hi va afegir d'altres. L'obra es troba a la col·lecció de la Tate St Ives (Cornualla, Anglaterra) des de 1964.
L'interès de Mondrian estava en laqualitat de línia abstracta. Tot i que va començar la seva carrera amb obres figuratives, amb el pas del temps el pintor va invertir en l'abstracció i, el 1914, es va radicalitzar i pràcticament va eliminar les línies corbes de la seva obra.
El pintor francès va desenvolupar una nova manera de pintar. abstracció rigorosa anomenada neoplasticisme , en la qual es limitava a les línies rectes, horitzontals i verticals, i els colors primaris bàsics. En general, les seves composicions no eren simètriques. Una curiositat: les línies horitzontals s'acostumaven a pintar abans que les verticals.
Mondrian va sentir que aquest tipus d'art concret reflectia una veritat més gran i universal que la que predicava la pintura figurativa.
5. Composició suprematista , Kazimir Malevich
Com Mondrian, el pintor soviètic Kazimir Malevich va crear una nova forma d'art. El suprematisme va néixer a Rússia entre 1915 i 1916. Com els seus col·legues abstraccionistes, el desig més gran era negar la presència física de qualsevol objecte. La idea era assolir la puresa, o, com va afirmar el mateix creador, "la supremacia de la sensació pura".
Així, el 1916 va crear l'obra abstracta Composició suprematista , que presenta la característiques essencials d'aquest nou estil. Es tracta d'una obra amb unes dimensions de 88,5 cm × 71 cm i que forma part d'una col·lecció privada.
La tècnica es caracteritza per l'ús de formesformes geomètriques senzilles i la preferència per una paleta de colors també simples, primaris i secundaris, de vegades superposats, altres vegades col·locats junts. El fons gairebé sempre és blanc a les creacions de Malevitx, que representa el buit.
6. L'or del firmament , de Joan Miró
L'espanyol Joan Miró va ser un artista compromès amb extreure grans significats de formes simples, que depenen majoritàriament de de la imaginació i la interpretació de l'observador.
És el cas de L'or del firmament , un quadre creat l'any 1967 amb la tècnica de l'acrílic sobre tela i que avui pertany a la col·lecció del Fundació Joan MIró , a Barcelona.
En aquesta composició, s'observa el predomini del groc, un color càlid lligat a l'alegria, que embolcalla totes les formes.
Hi ha una gran massa fumat de blau. , que ocupa el lloc de destacar, ja que la resta de formes i línies semblen surar al seu voltant.
L'obra es considera una síntesi del procés creatiu de Miró, que es va dedicar a investigar tant l'espontaneïtat com la creació. de formes precises en pintura .
7. Ampolla de rom i diari , de Juan Gris
Pintat entre 1913 i 1914 pel cubista espanyol Juan Gris, l'obra en pintura a l'oli sobre tela actualment pertany a la col·lecció de la Tate Modern (Londres). Gris utilitzava sovint plans de color i textura superposats, i ampolla de rom iEl diari és una mostra preciosa de la seva tècnica.
La pintura, que és una de les seves obres més representatives, porta la imatge des de plans angulars que s'entrecreuen. Molts d'ells tenen trossos de fusta al fons, potser suggerents d'un taulell, encara que la manera de superposar-se i d'interconnectar nega qualsevol possibilitat d'una perspectiva vinculada a la realitat.
L'ampolla i el diari del títol estan indicats amb un mínim de pistes: unes quantes lletres, un esquema i un suggeriment de localització són suficients per assenyalar la identitat dels objectes. El marc té unes dimensions relativament petites (46 cm per 37 cm).
8. Negre en vermell profund , de Mark Rothko
Considerada una pintura tràgica pels seus colors forts i funeraris, Negre en vermell profund , creat el 1957, és un dels quadres amb més èxit del pintor nord-americà Mark Rothko. Des que va començar a pintar als anys 50, Rothko es va esforçar per assolir la universalitat, avançant cap a una simplificació de la forma cada cop més gran.
Black in Deep Red segueix el format característic de les seves obres. de l'artista, en què els rectangles de color monocromàtic semblen surar dins dels límits del marc.
En untar directament el llenç amb moltes capes fines de pigment i prestant especial atenció a les vores on interactuen els camps, el pintor va aconseguir l'efecte de la llum que irradia des de la pròpia imatge.
AActualment, l'obra pertany a una col·lecció privada després de ser venuda l'any 2000 per més de tres milions de dòlars.
9. Concetto spaziale 'Attesa' , de Lúcio Fontana
El llenç de dalt forma part d'una sèrie d'obres que el pintor argentí Lúcio Fontana va realitzar mentre era a Milà entre 1958 i 1968. Aquestes obres, que consisteixen en teles tallades una o diverses vegades, es coneixen col·lectivament com Tagli ("talls").
En conjunt, constitueixen el conjunt d'obres més extens i variat. de Fontana, i va arribar a ser vist com un emblemàtic de la seva estètica. L'objectiu dels forats és, literalment, trencar la superfície de l'obra perquè l'espectador pugui percebre l'espai que hi ha més enllà.
Lúcio Fontana va començar a desenvolupar la tècnica de perforar llenços a partir dels anys 40. artista. va romandre, als anys 50 i 60, buscant diferents maneres de desenvolupar els forats com el seu gest característic.
Fontana fa les escletxes amb una fulla esmolada i les teles es recolzen posteriorment amb una forta gasa negra, donant a l'aspecte un aspecte espai buit darrere. L'any 1968, Fontana va dir a un entrevistador:
"Vaig crear una dimensió infinita (...) el meu descobriment va ser el forat i ja està. Estic content d'anar a la tomba després d'un descobriment així"
10. Contracomposició VI , de Theo van Doesburg
L'artistaL'holandès Theo van Doesburg (1883–1931) va pintar l'obra anterior l'any 1925, en forma quadrada, amb pintura a l'oli sobre tela.
Les formes geomètriques i simètriques es disposen acuradament abans de cobrir-les amb tinta, el negre. les línies es dibuixaven a priori amb una ploma. Contracomposició VI forma part d'una col·lecció que valora especialment la forma diagonal i els tons monocroms.
A més de ser pintor, van Doesburg també va ser actiu com a escriptor, poeta i arquitecte i està relacionat amb el grup d'artistes De Stijl. L'obra Counter-Composition VI , de 50 cm per 50 cm, va ser adquirida l'any 1982 per la Tate Modern (Londres).
11. Metaesquema , d'Hélio Oiticica
L'artista brasiler Hélio Oiticica va anomenar metaesquema diverses obres realitzades entre 1957 i 1958. Es tractava de quadres que portaven rectangles inclinats pintats amb pintura guaix sobre cartró.
Són formes geomètriques amb marcs d'un sol color (en aquest cas vermell), aplicats directament sobre una superfície llisa i aparentment buida. Les formes s'organitzen en composicions denses que s'assemblen a quadrícules inclinades.
Oiticica va produir aquesta sèrie de pintures mentre vivia i treballava a Rio de Janeiro. Segons el mateix pintor, es tractava d'una “dissecció obsessiva de l'espai”.
Van ser el punt de partida de la recerca per aobres tridimensionals més complexes que l'artista desenvoluparia en el futur. L'any 2010, un Metaesquema es va vendre a la subhasta de Christie's per 122.500 dòlars EUA.
Què era l'abstracció?
Històricament, les obres abstractes van començar a desenvolupar-se a Europa a principis de el segle XX, en el context del moviment de l'Art Modern.
Són obres que no pretenen representar objectes reconeguts i que no aposten per la imitació de la natura. Per tant, la primera reacció del públic i de la crítica va ser el rebuig a les creacions, considerades incomprensibles.
L'art abstracte va ser criticat precisament per trencar amb el model figuratiu. En aquest tipus d'obres no cal vincular-se amb la realitat i la representació externa.
A mesura que passava el temps, però, les obres van ser més acceptades i els artistes van poder explorar els seus estils en profunditat.
