추상화: 가장 유명한 11개의 작품을 발견하세요

추상주의 또는 추상 미술은 비구상 드로잉에서 기하학적 구성으로 실행된 캔버스에 이르기까지 매우 다양한 작품을 모으는 운동입니다.

추상 작품의 의도는 모양, 색상 및 질감, 인식할 수 없는 요소를 드러내고 비객관적인 유형의 예술을 기반으로 세계 읽기를 자극합니다.

1. Yellow-Red-Blue , 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)

1925년에 제작된 이 캔버스의 제목에는 원색의 이름이 있습니다. 러시아인 바실리 칸딘스키(1866년)가 그린 이 작품은 현재 파리(프랑스)의 조르주 퐁피두 센터 국립현대미술관에 소장되어 있습니다.

칸딘스키는 추상 양식의 선구자로 간주되며 Amarelo-Vermelho-Azul 과 같은 그의 추상적인 구성의 상당 부분이 음악, 색상 및 모양의 관계에서 만들어질 정도로 음악과 매우 밀접한 예술가였습니다.

대형 캔버스(127cm x 200cm)는 무엇보다 원색으로 구현된 다양한 기하학적 형태(원, 직사각형, 삼각형 등)를 보여준다. 작가의 목표는 색상과 형태가 사람들에게 미치는 심리적 효과에 주목하는 것이었습니다.

주제에 대해 당시 칸딘스키는 이렇게 말했습니다.

“색은 영혼에 미치는 영향. 색상이 핵심입니다. 눈, 망치. 영혼, 악기천 줄의. 예술가는 이것저것 건반을 만짐으로써 영혼으로부터 올바른 진동을 얻는 손입니다. 가장 민감한 곳을 만진 인간의 영혼이 반응합니다.”

2. 숫자 5 , 작: 잭슨 폴록

캔버스 숫자 5 는 1948년 미국 화가 잭슨 폴록에 의해 만들어졌습니다. 작년에 그는 작품을 구성하는 완전히 새로운 방식을 탐구하기 시작했습니다.

그의 방법은 작업실 바닥에 놓인 늘어진 캔버스에 에나멜 페인트를 던지고 떨어뜨리는 것이었습니다. 이 기술은 선의 엉킴을 만들 수 있게 했으며 나중에 "물방울 그림"(또는 영어로 물방울 )이라는 이름을 얻었습니다. 폴록은 추상주의에서 가장 큰 이름 중 하나였습니다.

이후 1940 화가는 비평가와 대중의 인정을 받았습니다. 그의 전성기에 제작된 캔버스 넘버 5 는 가로 2.4m, 세로 1.2m로 거대하다.

이 작품은 2006년 5월 개인 수집가에게 1억 4천만 달러에 팔렸다. , 당시 기록적인 가격을 경신했습니다. 그때까지 이 그림은 역사상 가장 높은 유료 그림이었습니다.

3. 인술라 둘카마라 , 파울 클레

1938년 스위스 귀화 독일인 파울 클레는 7개의 대형 패널을 가로 형식으로 그렸다. Insula Dulcamara 는 이러한 패널 중 하나입니다.

모든 작품은 신문에 목탄으로 스케치했으며 Klee는 이를 삼베나 리넨에 붙여부드럽고 차별화된 표면. 패널의 여러 부분에서 사용된 신문의 발췌문을 읽을 수 있으며, 이는 Klee 자신에게도 즐겁고 예상치 못한 놀라움입니다.

Insula Dulcamara는 화가의 가장 쾌활한 작품 중 하나이며, 형체 없는 액세서리 . 작품 제목은 라틴어로 "insula"(섬), "dulcis"(달콤, 친절), "amarus"(쓴)을 의미하며 "달콤하고 쓴 섬"으로 해석될 수 있습니다.

그의 생애 말년에 캔버스가 만들어졌고 이에 대해 Klee는 다음과 같은 말을 했습니다. 소화하기 어려운 것들은 균형을 어지럽히지 않기 때문입니다. 이런 식으로 삶은 질서 정연한 부르주아적 삶보다 확실히 더 흥미진진합니다. 그리고 각자는 자신의 몸짓에 따라 둘 중 단 것과 짠 것 중에서 자유롭게 선택할 수 있습니다. 저울."

4. 노랑, 파랑, 빨강의 구도 , 피에트 몬드리안

노랑, 파랑, 빨강의 구도 는 파리에서 처음 그렸다. , 1937년에서 1938년 사이에 몬드리안이 검은색 선의 일부를 재배치하고 다른 선을 추가한 1940년에서 1942년 사이에 결국 뉴욕에서 개발되었습니다. 이 작품은 1964년부터 Tate St Ives(영국 콘월 소재)에 소장되어 있습니다.

Mondrian의 관심은추상 선 품질. 그는 비유적인 작품으로 경력을 시작했지만 시간이 지남에 따라 추상주의에 투자했으며 1914년에는 급진적이 되어 작품에서 곡선을 거의 제거했습니다.

프랑스 화가는 새로운 회화 방식을 개발했습니다. 신조형주의 라 불리는 엄격한 추상으로, 직선, 수평과 수직, 기본적인 원색에 국한되었다. 일반적으로 그의 구성은 대칭적이지 않았습니다. 호기심: 일반적으로 수평선은 수직선보다 먼저 그려집니다.

몬드리안은 이 특정 유형의 예술이 비유적 회화가 설교하는 것보다 더 크고 보편적인 진리를 반영한다고 느꼈습니다.

5. 슈프레마티스트 구성 , 카지미르 말레비치

몬드리안처럼 소련의 화가 카지미르 말레비치도 새로운 예술 형식을 창조했다. 슈프레마티즘 은 1915년에서 1916년 사이에 러시아에서 탄생했습니다. 추상주의 동료들과 마찬가지로, 가장 큰 욕망은 모든 사물의 물리적 존재를 부정하는 것이었습니다. 아이디어는 순수함, 즉 창작자 자신이 말했듯이 "순수한 감각의 최고"를 달성하는 것이었습니다.

따라서 그는 1916년 추상 작품 슈프리마티스트 구성 을 만들어 이 새로운 스타일의 필수 요소입니다. 88.5cm × 71cm 크기의 작품으로 개인 소장품입니다.

이 기법은 형태를 사용하는 것이 특징입니다.단순한 기하학적 모양과 단순하고 기본 및 보조 색상 팔레트에 대한 선호도, 때로는 겹치거나 나란히 배치되는 경우도 있습니다. Malevich의 작품에서 배경은 거의 항상 흰색으로 공허함을 나타냅니다.

6. The gold of the firmament , by Joan Miró

스페인인 Joan Miró는 주로 의존하는 단순한 형태에서 위대한 의미를 추출하는 데 전념하는 예술가였습니다.

창공의 금 은 1967년 캔버스에 아크릴화 기법으로 제작된 그림으로 현재 소장품이다. 호안 미로 재단, 바르셀로나.

이 구성에서 우리는 기쁨과 연결된 따뜻한 색상인 노란색이 우세하며 모든 형태를 감싸고 있음을 볼 수 있습니다.

거대한 연기가 자욱한 파란색 덩어리가 있습니다. , 나머지 모양과 선이 주위를 떠다니는 것처럼 보이기 때문에 눈에 띄는 자리를 차지합니다.

이 작업은 자발성과 창조성을 모두 탐구하는 데 전념한 Miró의 창작 과정을 종합한 것으로 간주됩니다. 회화의 정확한 형태 .

7. Bottle of Rum and Newspaper , Juan Gris 작

스페인 입체파 화가 Juan Gris가 1913년에서 1914년 사이에 그린 작품으로 현재 캔버스에 유채로 그린 작품입니다. Tate Modern (런던) 컬렉션에 속합니다. Gris는 종종 색상과 질감의 겹치는 면을 사용했으며 Bottle of Rum과신문 은 그의 기법을 보여주는 귀중한 예이다.

그의 대표작 중 하나인 이 그림은 교차하는 각진 평면의 이미지를 담고 있다. 그들 중 다수는 탁상을 암시하는 배경에 나무 조각을 가지고 있지만, 겹치고 상호 연결되는 방식은 현실과 연결된 관점의 가능성을 부인합니다.

제목의 병과 신문은 다음과 같이 표시됩니다. 최소한의 단서: 몇 글자, 개요 및 위치 제안만으로도 물체의 정체성을 지적하기에 충분합니다. 프레임의 크기는 비교적 작습니다(46cm x 37cm).

8. 짙은 붉은색 속의 검은색 , 마크 로스코 작

강하고 장엄한 색채 때문에 비극적 그림으로 여겨졌던 검은색 속의 검은색 는 1957년에 제작된 미국 화가 마크 로스코의 가장 성공적인 그림 중 하나입니다. 1950년대부터 그림을 그리기 시작한 로스코는 보편성을 추구했고, 점점 형태의 단순화를 향해 나아가고 있다. 단색의 사각형이 프레임의 테두리 안에서 부유하는 것처럼 보이는 작가의 작품.

많은 얇은 안료 층을 캔버스에 직접 바르고 필드가 상호 작용하는 가장자리에 특히 주의를 기울임으로써 화가는 이미지 자체에서 발산되는 빛의 효과를 달성했습니다.

A작품은 2000년에 300만 달러가 넘는 엄청난 가격에 판매된 후 현재 개인 소장품에 속해 있습니다.

9. Concetto spaziale 'Attesa' , by Lúcio Fontana

위의 캔버스는 아르헨티나 화가 루시우 폰타나가 19세기에 제작한 일련의 작품 중 일부입니다. 1958년에서 1968년 사이 밀라노에서. 한 번 또는 여러 번 잘라낸 캔버스로 구성된 이 작업을 총칭하여 Tagli("컷")라고 합니다.

이 작업을 종합하면 가장 광범위하고 다양한 작업 그룹입니다. Fontana에 의해 그 미학의 상징으로 간주되었습니다. 구멍의 목적은 말 그대로 작품의 표면을 부수어 관객이 그 너머에 있는 공간을 인식할 수 있도록 하는 것입니다.

Lúcio Fontana는 1940년대부터 캔버스 천공 기술을 개발하기 시작했습니다. 1950년대와 1960년대에 그의 특징적인 몸짓으로 구멍을 개발하는 다양한 방법을 모색했습니다.

Fontana는 날카로운 칼날로 슬릿을 만들고 나중에 강한 검은 거즈로 캔버스를 지탱하여 외관을 부여합니다. 뒤에 빈 공간. 1968년에 Fontana는 면접관에게 다음과 같이 말했습니다.

"나는 무한한 차원을 창조했습니다(...) 나의 발견은 구멍이었고 그게 전부입니다. 그러한 발견 후에 무덤에 가게 되어 기쁩니다."

10. 대응 구성 VI , Theo van Doesburg

작가네덜란드인 Theo van Doesburg(1883–1931)는 위의 작품을 1925년에 캔버스에 유성 페인트를 사용하여 정사각형 모양으로 그렸습니다. 선은 펜으로 선험적으로 그렸습니다. 카운터 컴포지션 VI 는 특히 사선 모양과 단색 톤을 중요시하는 컬렉션의 일부입니다.

화가인 것 외에도 반 Doesburg는 작가, 시인 및 건축가로도 활동했으며 아티스트 그룹 De Stijl과 관련이 있습니다. 작품 Counter-Composition VI 는 50cm x 50cm 크기로 1982년 Tate Modern(런던)에 소장되었다.

11. Metaesquema , by Hélio Oiticica

브라질 예술가 Hélio Oiticica는 1957년에서 1958년 사이에 제작된 여러 작품에 metaesquema를 명명했습니다. 골판지에 구아슈 페인트로 칠한 기울어진 직사각형을 가지고 있는 그림이었습니다.

단색(이 경우 빨간색) 프레임이 있는 기하학적 모양으로 매끄럽고 비어 있는 표면에 직접 적용되었습니다. 모양은 비스듬한 격자와 유사한 조밀한 구성으로 구성됩니다.

Oiticica는 리우데자네이루에서 살면서 일하면서 이 그림 시리즈를 제작했습니다. 화가 자신에 따르면 그것은 "공간에 대한 강박적인 해부"였습니다.

작가가 미래에 개발할 더 복잡한 입체 작품. 2010년에는 Metaesquema 가 Christie 경매에서 US$122,500에 판매되었습니다.

추상주의란 무엇입니까?

역사적으로 추상 작품은 19세기 초 유럽에서 발전하기 시작했습니다. 현대 미술 운동의 맥락에서 20세기.

이 작품들은 인식된 대상을 나타내려는 의도가 없으며 자연을 모방하지도 않습니다. 따라서 대중과 비평가들의 첫 번째 반응은 이해할 수 없는 창작물에 대한 거부였다. 이러한 유형의 작업에서는 외부 현실과 재현을 연결할 필요가 없습니다.

그러나 시간이 지남에 따라 작품이 수용되고 작가는 자신의 스타일을 깊이 탐구할 수 있게 되었습니다.