Soyutlamacılık: En ünlü 11 eseri keşfedin

Soyutlama ya da Soyut Sanat, non-figüratif çizimlerden geometrik kompozisyonlardan oluşan tuvallere kadar oldukça çeşitli üretimleri bir araya getiren bir akımdır.

Soyut çalışmaların amacı, şekilleri, renkleri ve dokuları vurgulamak, tanınmayan unsurları ortaya çıkarmak ve nesnel olmayan bir sanat türü aracılığıyla dünyanın okunmasını teşvik etmektir.

1. Sarı-Kırmızı-Mavi tarafından Wassily Kandinsky

Rus Wassily Kandinsky (1866) tarafından resmedilen ve şu anda Paris'teki (Fransa) Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou'da bulunan 1925 tarihli tuvalin başlığında ana renklerin isimleri yer almaktadır.

Kandinsky soyut stilin öncüsü olarak kabul edilir ve müzikle yakından bağlantılı bir sanatçıydı, öyle ki soyut kompozisyonlarının çoğu, örneğin Sarı-Kırmızı-Mavi müzik, renkler ve şekiller arasındaki ilişkiden yaratılmıştır.

Büyük tuval (127 cm'ye 200 cm), ağırlıklı olarak ana renklerle işlenmiş çeşitli geometrik şekilleri (daireler, dikdörtgenler ve üçgenler gibi) göstermektedir. Sanatçının amacı, renklerin ve şekillerin insanlar üzerindeki psikolojik etkilerine dikkat çekmektir.

Konuyla ilgili olarak Kandinsky o dönemde şunları söylemiştir:

"Renk, ruh üzerinde doğrudan bir etki yaratmanın aracıdır. Renk anahtardır; göz, çekiç. Ruh, binlerce telden oluşan bir enstrüman. Sanatçı, şu ya da bu anahtara dokunarak ruhtan doğru titreşimi elde eden eldir. En hassas noktasına dokunulan insan ruhu yanıt verir."

2. 5 Numara tarafından Jackson Pollock

Ekran 5 Numara 1948 yılında Amerikalı ressam Jackson Pollock tarafından yaratıldı ve bir önceki yıl eserlerini bestelemek için tamamen yeni bir yol keşfetmeye başlamıştı.

Yöntemi, stüdyosunun zeminine yerleştirdiği gerilmiş bir tuval üzerine emaye boyayı fırlatıp damlatmaktan ibaretti. Bu teknik, çizgilerden oluşan bir karmaşa yaratmasını sağladı ve daha sonra ona "damla resimler" adını kazandırdı (veya damlama Pollock, soyutlamacılığın en büyük isimlerinden biriydi.

1940'tan beri eleştirmenler ve halk tarafından tanınan ressamın tuvali 5 Numara Kariyerinin zirvesindeyken yaptığı bu tablo 2,4 metreye 1,2 metre ölçüleriyle muazzamdır.

Eser Mayıs 2006'da özel bir koleksiyoncuya 140 milyon dolara satılarak o zaman için bir fiyat rekoru kırdı - o zamana kadar tarihteki en yüksek ücretli tabloydu.

3. Dulcamara Insula tarafından Paul Klee

İsviçre doğumlu Alman Paul Klee, 1938 yılında yatay formatta yedi büyük panel resmetti. Dulcamara Insula bu panellerden biridir.

Tüm eserler, Klee'nin havlu ya da keten üzerine yapıştırdığı ve böylece pürüzsüz ve kendine özgü bir yüzey elde ettiği gazete üzerine karakalemle çizilmiştir. Panellerin bazı bölümlerinde, Klee'nin kendisi için bile hoş ve beklenmedik bir sürpriz olan, kullanılan gazeteden alıntılar okumak mümkündür.

Insula Dulcamara, özgür, seyrek ve biçimsiz aksesuarlarıyla ressamın en neşeli eserlerinden biridir. Eserin adı Latince olup "insula" (ada), "dulcis" (tatlı, sevimli) ve "amarus" (acı) anlamına gelir ve "Tatlı ve acı ada" olarak yorumlanabilir.

Yaşamının son yıllarında yaptığı bu tuval hakkında Klee şu açıklamayı yapmıştır:

"Kendimizi daha hazmedilmez unsurların ortasında bulmaktan korkmamalıyız; sadece özümsenmesi daha zor olan şeylerin dengeyi bozmayacağını ummalıyız. Bu şekilde, hayat kesinlikle çok düzenli bir burjuva hayatından daha heyecan vericidir. Ve her biri, terazinin iki kefesindeki tatlı ve tuzlu arasında seçim yapmakta kendi hareketlerine göre özgürdür."

4. Sarı, Mavi ve Kırmızı ile Kompozisyon tarafından Piet Mondrian

Sarı, Mavi ve Kırmızı ile Kompozisyon İlk olarak 1937 ve 1938 yılları arasında Paris'te boyanmış, ancak Mondrian'ın bazı siyah çizgileri yeniden konumlandırdığı ve diğerlerini eklediği 1940 ve 1942 yılları arasında New York'ta geliştirilmiştir. 1964'ten beri Tate St Ives (Cornwall, İngiltere) koleksiyonundadır.

Mondrian'ın ilgisi çizginin soyut niteliğine yönelikti. Kariyerine figüratif çalışmalarla başlamasına rağmen, ressam zamanla soyutlamaya yatırım yaptı ve 1914'te radikalleşerek eğri çizgileri çalışmalarından neredeyse tamamen çıkardı.

Fransız ressam, yeni bir titiz soyutlama biçimi geliştirdi. neoplasti̇zm Genel olarak kompozisyonları simetrik değildi. Bir merak: yatay çizgiler genellikle dikey olanlardan önce boyanırdı.

Mondrian, bu özel sanat türünün figüratif resmin vaaz ettiğinden daha büyük ve evrensel bir gerçeği yansıttığını düşünüyordu.

5. Süprematist kompozisyon , Kazimir Malevich

Mondrian gibi Sovyet ressam Kazimir Malevich de yeni bir sanat formu yarattı. Süprematizm 1915-1916 yılları arasında Rusya'da doğdu. Soyutlamacı meslektaşları gibi onun da en büyük arzusu her türlü nesnenin fiziksel varlığını reddetmekti. Fikir, saflığa ya da yaratıcının kendisinin de belirttiği gibi "saf duyumun üstünlüğüne" ulaşmaktı.

Böylece, soyut bir eser yarattı Süprematist kompozisyon 1916'da bu yeni tarzın temel özelliklerini ortaya koyar. 88,5 cm × 71 cm ölçülerinde bir eserdir ve özel bir koleksiyonun parçasıdır.

Bu teknik, basit geometrik şekillerin kullanımı ve yine basit, birincil ve ikincil, bazen üst üste binen, bazen de yan yana konumlandırılan bir renk paletinin tercih edilmesiyle karakterize edilir. Malevich'in eserlerinde arka plan neredeyse her zaman beyazdır ve boşluğu temsil eder.

6. Gök kubbenin altını Joan Miró tarafından

İspanyol Joan Miró, basit biçimlerden, çoğunlukla gözlemcinin hayal gücüne ve yorumuna bağlı olan görkemli anlamlar çıkarmaya kendini adamış bir sanatçıydı.

Bu durum Gök kubbenin altını Bu resim 1967 yılında tuval üzerine akrilik kullanılarak yapılmıştır ve bugün Barselona'daki Joan Miro Vakfı koleksiyonuna aittir.

Bu kompozisyonda, tüm formları içeren neşeyle bağlantılı sıcak bir renk olan sarının baskınlığını görüyoruz.

Büyük, dumanlı bir mavi kütle var ki, diğer şekiller ve çizgiler onun etrafında yüzüyor gibi göründüğü için gururla yer alıyor.

Eser, kendini resimde hem spontanlığı hem de kesin formlar yaratmayı araştırmaya adamış olan Miró'nun yaratıcı sürecinin bir sentezi olarak kabul edilir.

7. Bir Şişe Rom ve Gazete tarafından Juan Gris

İspanyol kübist Juan Gris'in 1913-1914 yılları arasında tuval üzerine yağlı boya ile yaptığı bu eser günümüzde Tate Modern (Londra) koleksiyonunun bir parçasıdır. Gris sıklıkla üst üste binen renk ve doku düzlemleri kullanmış ve Bir Şişe Rom ve Gazete tekniğinin değerli bir örneğidir.

Sanatçının en temsili eserleri arasında yer alan resim, görüntüyü kesişen açısal düzlemlerden taşır. Birçoğunun arka planında, belki de bir masa tablasını çağrıştıran ahşap bölümler vardır, ancak bunların üst üste binme ve birbirine bağlanma biçimi, gerçeklikle bağlantılı herhangi bir perspektif olasılığını ortadan kaldırır.

Başlıktaki şişe ve gazete minimum ipucu ile belirtilmiştir: birkaç harf, bir taslak ve bir yer önerisi nesnelerin kimliğine işaret etmek için yeterlidir. Resim nispeten küçük boyutlara sahiptir (46 cm'ye 37 cm).

8. Koyu kırmızı siyah tarafından Mark Rothko

Güçlü, cenaze renkleri nedeniyle trajik bir resim olarak kabul edilir, Koyu Kırmızı Siyah Rothko, 1950'lerde resim yapmaya başladığından beri, formun giderek basitleşmesini karşılayarak evrenselliğe ulaşmayı hedeflemiştir.

Koyu Kırmızı Siyah Sanatçının eserlerinin karakteristik formatını takip ediyor; monokrom renklerden oluşan dikdörtgenler çerçevenin sınırları içinde yüzüyor gibi görünüyor.

Ressam, tuvali birçok ince pigment katmanıyla doğrudan boyayarak ve alanların etkileşime girdiği kenarlara özel bir dikkat göstererek görüntünün kendisinden yayılan ışığın etkisi.

Eser, 2000 yılında üç milyon doların üzerinde bir fiyata satıldıktan sonra şu anda özel bir koleksiyona aittir.

9. Concetto spaziale 'Attesa tarafından Lúcio Fontana

Yukarıdaki tuval, Arjantinli ressam Lucio Fontana'nın 1958-1968 yılları arasında Milano'dayken ürettiği bir dizi eserin parçasıdır. Bir veya birden fazla kez kesilmiş tuvallerden oluşan bu eserler toplu olarak Tagli ("kesikler") olarak bilinir.

Birlikte ele alındıklarında, Fontana'nın eserleri arasında en kapsamlı ve çeşitli grubu oluştururlar ve onun estetiğinin simgesi olarak görülmeye başlanmışlardır. Deliklerin amacı, izleyicinin ötesindeki mekânı algılayabilmesi için eserin yüzeyini tam anlamıyla yarmaktır.

Lúcio Fontana, 1940'larda tuvalleri delme tekniğini geliştirmeye başladı. 1950'ler ve 1960'larda sanatçı, karakteristik jesti olarak delikleri geliştirmenin farklı yollarını aramaya devam etti.

Fontana yarıkları keskin bir bıçakla açar ve tuvaller daha sonra güçlü siyah gazlı bezle desteklenerek arkada bir boşluk görüntüsü verir. 1968'de Fontana bir röportajcısına şöyle demiştir:

"Sonsuz bir boyut yarattım (...) keşfim delikti ve hepsi bu. Böyle bir keşiften sonra mezara gideceğim için mutluyum"

10. Karşı-Kompozisyon VI tarafından Theo van Doesburg

Hollandalı sanatçı Theo van Doesburg (1883-1931) yukarıdaki çalışmayı 1925 yılında tuval üzerine yağlı boya kullanarak kare formatında resmetmiştir.

Geometrik ve simetrik şekiller boya ile kaplanmadan önce dikkatlice düzenlenmiş, siyah çizgiler önceden kalemle çizilmiştir. Karşı-Kompozisyon VI özellikle diyagonal şekli ve monokromatik tonları vurgulayan bir koleksiyonun parçasıdır.

Ressamlığının yanı sıra yazar, şair ve mimar olan van Doesburg, De Stijl sanatçı grubuyla da ilişkilidir. Karşı-Kompozisyon VI 50 cm'ye 50 cm boyutlarındaki bu eser 1982 yılında Tate Modern (Londra) tarafından satın alınmıştır.

11. Meta şema tarafından Hélio Oiticica

Brezilyalı sanatçı Hélio Oiticica 1957 ve 1958 yılları arasında yaptığı birkaç çalışmayı meta şemalar olarak adlandırdı. Bunlar bir karton üzerine guaj boya ile boyanmış eğimli dikdörtgenler taşıyan resimlerdi.

Bunlar, pürüzsüz ve görünüşte boş bir yüzeye doğrudan uygulanan, tek bir renkten (bu durumda kırmızı) çerçevelere sahip geometrik şekillerdir. Şekiller, eğimli ızgaraları andıran yoğun kompozisyonlar halinde düzenlenmiştir.

Oiticica'nın Rio de Janeiro'da yaşarken ve çalışırken ürettiği bu resim serisi, ressamın kendi ifadesiyle "mekânın saplantılı bir şekilde incelenmesi "dir.

Bunlar, sanatçının ileride geliştireceği daha karmaşık üç boyutlu çalışmalar için ilk araştırma başlangıcıydı. 2010 yılında bir Meta şema Christie's müzayedesinde 122.500 ABD dolarına satılmıştır.

Soyutlamacılık neydi?

Tarihsel olarak soyut çalışmalar Avrupa'da 20. yüzyılın başlarında Modern Sanat hareketi bağlamında gelişmeye başlamıştır.

Bu eserler, tanınan nesneleri temsil etmeyi amaçlamıyor ve doğayı taklit etmeyi taahhüt etmiyor. Bu nedenle, halkın ve eleştirmenlerin ilk tepkisi, anlaşılmaz olduğu düşünülen eserleri reddetmek oldu.

Soyut sanat tam da figüratif modelden koptuğu için eleştirilmiştir. Bu tür çalışmalarda dış gerçeklik ve temsil ile herhangi bir bağlantıya gerek yoktur.

Ancak zaman geçtikçe eserler daha fazla kabul gördü ve sanatçılar kendi tarzlarını derinlemesine keşfedebildiler.