Sommario
Le opere d'arte sono manifestazioni umane che cercano di trasmettere domande, riflessioni e significati attraverso la creazione di un prodotto artistico.
Tali prodotti sono di solito pezzi come oggetti, dipinti, sculture e installazioni. Tuttavia, gli artisti possono anche creare un'opera d'arte in cui non c'è una vera e propria materializzazione, come la musica, la danza, il teatro e la performance. Inoltre, ci sono espressioni in cui questi linguaggi artistici sono mescolati insieme, creando opere ibride.
La storia è piena di importanti opere d'arte che contribuiscono a comprendere i desideri di una società, il contesto storico e politico, le definizioni di ciò che è bello o meno e il comportamento di una certa popolazione.
1. Venere di Willendorf
A Venere di Willendorf è una statuetta di figura femminile scolpita nella pietra, risalente a circa 25.000 anni a.C., sempre del Paleolitico.
È stata l'équipe dell'archeologo Josef Szombathy a trovarlo in Austria, nella città di Willendorf, nel 1908.
La scultura, un'opera d'arte preistorica, mostra seni voluminosi e fianchi larghi, che rappresentano un ideale di donna per quella società, poiché questi attributi erano legati all'idea di fertilità e abbondanza.
2. Monna Lisa - Leonardo da Vinci
Monna Lisa è un quadro dipinto tra il 1503 e il 1506 dal genio italiano Leonardo da Vinci (1452-1519). È molto difficile classificare le opere d'arte in "grado di importanza", ma possiamo dire che questa tela è considerata l'opera d'arte più famosa del mondo.
Il dipinto, realizzato a olio su tavola, ha dimensioni ridotte, 77 cm x 53 cm, e si trova al Museo del Louvre di Parigi.
È un capolavoro perché è riuscito a ritrarre un volto femminile avvolto nel mistero, con un lieve sorriso incomprensibile e uno sguardo che può essere interpretato come dissolutezza o simpatia.
Per questo motivo, l'immagine è diventata popolare, venendo riprodotta in vari spazi e ottenendo molte nuove interpretazioni.
3. Giuditta che decapita Oloferne - Artemisia Gentileschi
Il dipinto Giuditta che decapita Oloferne (1620) dell'artista italiana Artemisia Gentileschi (1593-1656) fa parte del movimento barocco e mostra una scena biblica dell'Antico Testamento.
Il tema era già stato dipinto da altri artisti, tanto che Artemisia si ispirò a una tela di Caravaggio per comporre la sua versione.
È stata una delle prime donne ad avere un certo rilievo come artista nel suo tempo, ma col tempo è stata dimenticata e apprezzata di nuovo solo negli anni Settanta.
L'opera in questione è importante perché ritrae la scena da un punto di vista femminile e si ricollega a un passaggio della vita dell'artista stessa, in cui fu violentata dal suo mentore, Agostino Tassi. Così, Artemisia trasmette alla tela tutta la sua rivolta e la sua indignazione per questo comportamento maschile.
4. La camera ad Arles - Van Gogh
Vincent van Gogh (1853-1890) è uno degli artisti più acclamati al mondo. I suoi dipinti sono molto noti e alcuni di essi si sono imposti nella storia dell'arte, come ad esempio La camera ad Arles In effetti, il pittore realizzò tre versioni molto simili della tela tra il 1888 e il 1889.
Nella scena, Van Gogh ritrae il suo dormitorio, quando viveva ad Arles, nel sud della Francia, dove realizzò la maggior parte delle sue opere.
Possiamo vedere un letto con due cuscini, alcuni quadri alle pareti, sedie, una finestra semiaperta e altri dettagli che compongono il suo indirizzo.
È una composizione con una tavolozza di colori intensa e vibrante, come era caratteristica della sua arte, e attira la nostra attenzione perché avvicina l'osservatore all'artista, come se condividesse con lui il suo spazio.
5. La sparatoria del 3 maggio - Goya
Il pittore spagnolo Francisco de Goya (1746-1828) ha dipinto nel 1814 La sparatoria del 3 maggio Questo quadro sarebbe diventato uno dei ritratti più suggestivi e importanti della violenza.
Lo schermo mostra la scena di un'esecuzione collettiva eseguita dalle truppe francesi di Napoleone Bonaparte a Madrid durante la cosiddetta Guerra Peninsulare (1807-1814). Si tratta di civili spagnoli che, opponendosi all'avanzata francese, sono scesi in strada per protestare e sono stati vigliaccamente uccisi.
Il dipinto, 266 x 345 cm, rappresenta una pietra miliare della storia e ha influenzato altri artisti a ritrarre anch'essi gli orrori della guerra, come nel caso di Pablo Picasso, con il grande pannello Guernica .
Le riprese del 3 maggio possono essere ammirate al Museo del Prado in Spagna.
6. Il violino di Ingres - Man Ray
Il violino di Ingres è una fotografia realizzata dall'artista americano Man Ray (1890-1976) nel 1924. L'immagine è molto nota e ritrae la modella Kiki de Montparnasse con la schiena nuda, che mostra un disegno a inchiostro delle due crepe acustiche presenti nei violini.
L'opera si ispira a un dipinto neoclassico di Dominique Ingres, intitolato Il bagnante di Valpinçon (1808), in cui l'artista ritrae in modo impeccabile la schiena di una donna.
Nella fotografia, Man Ray, che faceva parte del movimento dadaista, riproduce la scena e include l'elemento che rimanda al violino, suggerendo che il corpo della donna ha le forme dello strumento, dato che l'artista era un grande appassionato di musica.
7. Colazione in pelle - Meret Oppenheim
Oggetto o Colazione in pelle Realizzata dall'artista e fotografa svizzera Meret Oppenheim (1913-1985) nel 1936, l'opera presenta caratteristiche surreali.
È una di quelle opere che provocano nel pubblico un misto di sensazioni contrastanti, perché rivestendo un set di tazze con pelle di animale, l'artista presenta una contraddizione sensoriale e trasforma un oggetto banale in un'opera d'arte, togliendogli la sua funzione.
Meret chiama in causa anche altre riflessioni sulla vita quotidiana e sull'universo femminile, mostrando un personaggio femminile indocile e ribelle che utilizza come supporto un oggetto che rappresenta l'educazione e la civiltà.
L'opera si trova al Museum of Modern Art di New York.
8. La fonte - attribuito a Marcel Duchamp
Una delle opere d'arte più emblematiche della storia è La fontana, attribuita all'artista francese Marcel Duchamp (1887-1968), ma oggi si ipotizza che sia stata un'idea dell'artista polacco-tedesca Baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).
Duchamp lo presentò a una mostra nel 1917 e suscitò scandalo, poiché si tratta di un semplice orinatoio di porcellana con il nome R. Mutt e la data.
L'importanza di quest'opera è dovuta al fatto che rappresenta un cambiamento di paradigma, elevando un semplice oggetto al rango di arte, mettendo in discussione l'arte stessa e rivoluzionando il modo in cui veniva prodotta, compresa e apprezzata.
9. Il tradimento delle immagini - René Magritte
Un'altra opera importante che fa parte del surrealismo è Il tradimento delle immagini In questo olio su tela vediamo la figura di una pipa e sotto di essa la legenda " Ceci n'est pas une pipe ", con traduzione di "Questo non è un tubo".
L'opera si distingue nella storia dell'arte perché porta con sé una messa in discussione del concetto e della rappresentazione.
In questo caso, l'artista presenta la figura di un oggetto e avverte lo spettatore che quell'immagine non è l'oggetto stesso, ma una sua rappresentazione. In questo modo, Magritte realizza un gioco ludico e ironico utilizzando l'immagine e la parola.
La tela, datata 1929, è attualmente esposta al Los Angeles County Museum of Art.
10. Mantello di presentazione - Arthur Bispo do Rosário
Manto da Apresentação è un'opera creata dal brasiliano Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) durante il periodo di permanenza nel centro psichiatrico Colônia Juliano Moreira di Rio de Janeiro.
Bispo do Rosário era un uomo con disturbi psichiatrici e fu ricoverato in ospedale quando era ancora giovane. Creò molti pezzi con gli oggetti che collezionava e il suo scopo non era artistico, ma piuttosto quello di dare sfogo alle sue ansie.
O Mantello di presentazione È considerata la sua opera più preziosa: una sorta di mantello tutto ricamato con i fili delle lenzuola dell'ospedale, su cui sono riportati disegni e molti nomi di persone significative per lui.
Fu costruito per essere indossato sul corpo di Bispo al momento della sua sepoltura, costituendo un paramento sacro per il suo arrivo in cielo. Tuttavia, dopo la morte dell'artista, il Mantello fu conservato e oggi si trova nel Museo Bispo do Rosário, a Rio de Janeiro.
11. Piattaforma a spirale di Robert Smithson
L'opera più conosciuta di Robert Smithson (1938-1973) è forse Piattaforma a spirale tenutosi nello Utah, negli Stati Uniti, nel 1970.
In questo tipo di manifestazione creativa, l'artista utilizza la natura per creare grandi installazioni che si fondono con il paesaggio.
In questo, realizzato con roccia vulcanica, sale e terra, Smithson crea un disegno a spirale in senso antiorario che sfocia nel Grande Lago Salato, un lago di acqua salata negli Stati Uniti occidentali.
A proposito della land art, l'artista la definisce così:
La liberazione dell'arte dallo spazio della galleria e il riconoscimento delle strutture geologiche della Terra come forma d'arte monumentale che non si adatta ai musei.
12. Il banchetto - Judy Chicago
L'installazione O banchetto ( La cena) è dell'artista americana Judy Chicago (1939) ed è stato realizzato nel 1974.
È l'opera più nota dell'artista e rappresenta un simbolo del movimento femminista; è stata esposta in diversi paesi e vista da oltre un milione di persone.
Si tratta di un tavolo triangolare di 14 x 14 m, con 39 piatti decorati con farfalle, fiori e vulve, posate e tovaglioli.
Su ogni lato del triangolo, che rappresenta l'uguaglianza, ci sono 13 posti a sedere, sui quali sono ricamati i nomi di donne significative della storia, dalle dee mitiche alle personalità. È come se un banchetto fosse pronto per essere servito, in attesa dell'arrivo di queste donne.
13. Deviazione verso il rosso - Cildo Meireles
Opere dell'artista brasiliano Cildo Meireles (1948-), Deviazione verso il rosso è un'installazione ideata nel 1967, ma che ha avuto la sua versione definitiva nel 1984.
L'opera si distingue nell'ambito dell'arte brasiliana contemporanea e ha una forte carica drammatica, creando ambienti che sollecitano i sensi, presentano domande e provocano disagio nel pubblico.
È un luogo in cui il colore rosso è impregnato in tutti gli oggetti, suggerendo passione e violenza. La motivazione della sua creazione è dovuta al fatto che l'artista ha perso un amico giornalista, ucciso dalla dittatura. Si tratta quindi di un'installazione che ha soprattutto un carattere politico.
Guarda anche: Racconto Love, di Clarice Lispector: analisi e interpretazioneAttualmente è ospitata presso l'Istituto d'arte contemporanea Inhotim di Minas Gerais.
14. Mamam - Louise Bourgeois
Si tratta di una serie di sculture dell'artista francese Louise Bourgeois (1911-2010) che raffigurano un enorme ragno. L'artista ha realizzato sei ragni.
Di grandi proporzioni (3 metri di altezza), uno di loro è già stato in varie località del Brasile.
Mamam che in francese significa madre, rappresenta il legame tra Bourgeois e sua madre, le sue esperienze d'infanzia, creando un legame con oggetti come l'ago e l'atto del tessere.
Louise spiega perché rappresenta sua madre in questo modo:
La mia migliore amica era mia madre, intelligente, paziente, ordinata e disponibile, ragionevole, indispensabile come un ragno, che sapeva difendersi.
15. I due Fridas - Frida Kahlo
Due Fridas è un dipinto del 1939 dell'artista messicana Frida Kahlo (1907-1954), una delle sue opere più famose. L'immagine è un autoritratto con la doppia figura dell'artista, una seduta accanto all'altra che si tiene per mano.
Sulla tela, la pittrice cerca di sintetizzare la sua identità, segnata da influenze europee e origini indigene latine: la Frida di sinistra indossa un abito bianco in stile vittoriano, mentre quella di destra è vestita con abiti tipici messicani.
I due mostrano il cuore e sono collegati a un'arteria. Lo sfondo è un cielo coperto da pesanti nuvole e potrebbe simboleggiare l'universo intimo e tormentato dell'artista.
Il dipinto ha dimensioni di 1,73 x 1,73 cm e può essere ammirato al Museo d'Arte Moderna di Città del Messico.
16. L'ironia del poliziotto nero - Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) è stato un importante artista nero nordamericano dalla produzione schietta e contestatrice. Ha iniziato la sua carriera con la street art e in seguito ha conquistato le gallerie.
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La sua opera più famosa è L'ironia del poliziotto nero dipinto nel 1981 in stile neo-espressionista.
In esso vi è un'evidente critica all'istituzione della polizia e al razzismo negli Stati Uniti. Basquiat mette in luce la contraddizione e l'ironia che esistono nel fatto che un uomo di colore faccia parte di un'istituzione nota per aver esercitato l'oppressione contro la popolazione nera.
Tuttavia, l'artista suggerisce che ciò avviene perché la polizia può essere una forma di manipolazione, di oppressione e, allo stesso tempo, un'opportunità di lavoro per questa stessa popolazione.
17. Tagliare il pezzo - Yoko Ono
Nel 1964 l'artista giapponese Yoko Ono (1933-) presentò a New York una delle performance più significative della sua carriera.
In questa azione, intitolata Pezzo tagliato L'artista siede di fronte a un pubblico, ha un paio di forbici al suo fianco e invita i partecipanti a tagliare gradualmente i loro vestiti.
Così, Yoko si mette a disposizione dell'azione altrui, elaborando nozioni di vulnerabilità e di cosa significhi essere donna.
La performance è stata eseguita quando l'artista faceva parte del Gruppo Fluxus, formato da artisti di varie nazionalità e che ha portato importanti innovazioni nell'universo artistico.
Come è tipico di questo tipo di azione, i documenti che rimangono sono fotografie e video.
18. Impossibile - Maria Martins
La scultura Impossibile è un'opera della brasiliana Maria Martins (1894-1973), realizzata nel 1945. Fa parte della collezione del Museo d'Arte Moderna di Rio de Janeiro ed è stata realizzata in bronzo. L'opera è la più famosa dell'artista ed è anche importante nella scultura brasiliana.
Maria Martins trasmette in Impossibile L'artista crea due forme che si relazionano in modo conflittuale, dove la tensione tra loro è esplicita.
Possiamo anche fare un parallelo tra le forme presentate e la trasformazione dell'essere umano in un vegetale, come due piante carnivore che cercano invano di nutrirsi l'una dell'altra.
L'opera può essere vista come una metafora visiva delle relazioni amorose, che sono molto più complesse dell'idea di amore romantico che ci viene comunemente presentata.
