Cuprins
Operele de artă sunt manifestări umane care încearcă să transmită întrebări, reflecții și semnificații prin crearea unui produs artistic.
Astfel de produse sunt, de obicei, piese precum obiecte, picturi, sculpturi și instalații. Cu toate acestea, artiștii pot crea, de asemenea, o operă de artă în care nu există o materializare propriu-zisă, cum ar fi muzica, dansul, teatrul și performance-ul. În plus, există expresii în care aceste limbaje artistice sunt amestecate, creând lucrări hibride.
Istoria este plină de opere de artă importante care contribuie la înțelegerea dorințelor unei societăți, a contextului istoric și politic, a definițiilor a ceea ce este frumos sau nu și a comportamentului unei anumite populații.
1. Venus din Willendorf
A Venus din Willendorf este o mică statuetă cu o figură feminină sculptată în piatră, care datează de aproximativ 25.000 de ani î.Hr., încă din epoca paleolitică.
Echipa arheologului Josef Szombathy a fost cea care l-a găsit în Austria, într-un oraș numit Willendorf, în 1908.
Sculptura, o operă de artă preistorică, prezintă sâni voluminoși și șolduri largi, reprezentând un ideal de femeie pentru acea societate, deoarece aceste atribute erau legate de ideea de fertilitate și abundență.
2. Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Mona Lisa este un tablou pictat între anii 1503 și 1506 de geniul italian Leonardo da Vinci (1452-1519). Este foarte dificil de clasificat operele de artă în "grad de importanță", dar putem spune că această pânză este considerată cea mai faimoasă operă de artă din lume.
Pictura, realizată în ulei pe lemn, are dimensiuni reduse, 77 cm x 53 cm, și se află la Muzeul Luvru din Paris.
Este o capodoperă, deoarece a reușit să înfățișeze o trăsătură feminină învăluită în mister, afișând un zâmbet ușor de neînțeles și o privire care poate fi interpretată fie ca fiind desfrânată, fie ca fiind plină de simpatie.
Din acest motiv, imaginea a devenit populară, fiind reprodusă în diverse spații și primind numeroase interpretări noi.
3. Judith îl decapitează pe Holofernes - Artemisia Gentileschi
Pictura Judith îl decapitează pe Holofernes (1620) a artistei italiene Artemisia Gentileschi (1593-1656) face parte din mișcarea barocă și prezintă o scenă biblică din Vechiul Testament.
Tema fusese pictată anterior de alți artiști, atât de mult încât Artemisia s-a inspirat dintr-o pânză a lui Caravaggio pentru a compune versiunea sa.
A fost una dintre primele femei care au avut o oarecare proeminență ca artistă în timpul ei, însă, cu timpul, a fost uitată și a fost apreciată din nou abia în anii 1970.
Lucrarea în cauză este importantă pentru că înfățișează scena din punct de vedere feminin și este legată de un pasaj din viața artistei, în care a fost violată de mentorul ei, Agostino Tassi. Astfel, Artemisia transmite pe pânză toată revolta și indignarea ei față de acest comportament masculin.
4. Camera din Arles - Van Gogh
Vincent van Gogh (1853-1890) este unul dintre cei mai aclamați artiști din lume. Picturile sale sunt foarte cunoscute și câteva dintre ele s-au remarcat în istoria artei, cum ar fi Camera din Arles De fapt, pictorul a realizat trei versiuni foarte asemănătoare ale pânzei între 1888 și 1889.
În această scenă, Van Gogh își înfățișează dormitorul, pe vremea când locuia în Arles, în sudul Franței, unde a realizat majoritatea lucrărilor sale.
Putem vedea un pat cu două perne, câteva tablouri pe perete, scaune, o fereastră întredeschisă și alte detalii care alcătuiesc adresa sa.
Este o compoziție cu o paletă cromatică intensă și vibrantă, caracteristică artei sale, și ne atrage atenția pentru că plasează observatorul mai aproape de artist, ca și cum ar împărți spațiul cu el.
5. Împușcăturile din 3 mai - Goya
Pictorul spaniol Francisco de Goya (1746-1828) a pictat în 1814 Împușcăturile din 3 mai Acest tablou va deveni unul dintre cele mai izbitoare și importante portrete ale violenței.
Ecranul prezintă scena unei execuții colective efectuate de trupele franceze ale lui Napoleon Bonaparte la Madrid, în timpul așa-numitului Război Peninsular (1807-1814). Este vorba de civili spanioli care, opunându-se avansului francez, au ieșit în stradă pentru a protesta și au fost uciși cu lașitate.
Tabloul, de 266 x 345 cm, reprezintă o piatră de hotar istorică și a influențat și alți artiști să înfățișeze ororile războiului, așa cum este cazul lui Pablo Picasso, cu panoul de mari dimensiuni Guernica .
Împușcăturile din 3 mai pot fi admirate la Muzeul Prado din Spania.
6. Vioara de Ingres - Man Ray
Vioara de Ingres este o fotografie realizată de artistul american Man Ray (1890-1976) în 1924. Imaginea este foarte cunoscută și o înfățișează pe modelul Kiki de Montparnasse, cu spatele gol, arătând un desen cu cerneală al celor două crăpături acustice prezente pe viori.
Lucrarea a fost inspirată de un tablou neoclasic al lui Dominique Ingres, intitulat Băiatul din Valpinçon (1808), în care artistul înfățișează impecabil spatele unei femei.
În fotografie, Man Ray, care făcea parte din mișcarea dadaistă, reproduce scena și include elementul care face referire la vioară, sugerând că trupul femeii are formele instrumentului, artistul fiind un mare iubitor de muzică.
Vezi si: Războiul Rece de Pawel Pawlikowski: rezumat, analiză și context istoric al filmului7. Mic dejun în piele - Meret Oppenheim
Obiect sau Mic dejun în piele Realizată de artistul și fotograful elvețian Meret Oppenheim (1913-1985) în 1936, piesa are caracteristici suprarealiste.
Aceasta este una dintre acele lucrări care provoacă în public un amestec de senzații contradictorii, deoarece, prin acoperirea unui set de căni cu piele de animal, artistul prezintă o contradicție senzorială și transformă un obiect banal într-o operă de artă, eliminându-i funcția.
Meret pune în discuție și alte reflecții privind viața cotidiană și universul femeii, afișând un personaj feminin indolent și rebel care folosește ca suport un obiect ce reprezintă educația și civilizația.
Lucrarea se află la Muzeul de Artă Modernă din New York.
8. Sursa - atribuit lui Marcel Duchamp
Una dintre cele mai emblematice opere de artă din istorie este Fântâna, atribuită artistului francez Marcel Duchamp (1887-1968), dar în prezent se speculează că ar fi fost ideea artistei germano-poloneze baroneasa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).
Duchamp l-a prezentat la o expoziție în 1917 și a provocat scandal, fiind vorba de un simplu pisoar de porțelan cu numele R. Mutt și data.
Importanța acestei lucrări se datorează faptului că reprezintă o schimbare de paradigmă, ridicând un simplu obiect la statutul de artă, punând sub semnul întrebării arta însăși și revoluționând modul în care aceasta era produsă, înțeleasă și apreciată.
9. Trădarea imaginilor - René Magritte
O altă lucrare importantă care face parte din suprarealism este Trădarea imaginilor În acest ulei pe pânză vedem figura unei țevi și sub ea legenda " Ceci n'est pas une pipe ", cu traducerea "Aceasta nu este o țeavă".
Lucrarea se remarcă în istoria artei prin faptul că poartă o interogație a conceptului și a reprezentării.
Aici, artistul prezintă figura unui obiect și îl avertizează pe privitor că acea imagine nu este obiectul în sine, ci o reprezentare a acestuia. În acest fel, Magritte realizează un joc jucăuș și ironic folosind imaginea și cuvântul.
Pânza, datată 1929, poate fi văzută în prezent la Los Angeles County Museum of Art.
10. Mantia de prezentare - Arthur Bispo do Rosário
Manto da Apresentação este o lucrare creată de brazilianul Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) în perioada în care a fost internat în centrul psihiatric Colônia Juliano Moreira din Rio de Janeiro.
Bispo do Rosário a fost un bărbat cu tulburări psihiatrice, fiind internat în spital încă din tinerețe. A creat numeroase piese cu obiectele pe care le colecționa, iar scopul său nu era unul artistic, ci mai degrabă acela de a-și da frâu liber anxietăților.
O Mantia de prezentare este considerată cea mai valoroasă lucrare a sa. Este un fel de pelerină brodată cu fire de cearceafuri de la spital. Pe ea se află desene și multe nume de persoane importante pentru el.
Vezi si: Marina Abramović: cele mai importante 12 lucrări ale artisteiA fost construită pentru a fi purtată pe corpul lui Bispo în momentul înmormântării sale, constituind un veșmânt sacru pentru sosirea sa în ceruri. Cu toate acestea, după moartea artistului, mantia a fost păstrată, iar astăzi se află în Muzeul Bispo do Rosário, din Rio de Janeiro.
11. Platforma spiralată de Robert Smithson
Cea mai cunoscută lucrare a lui Robert Smithson (1938-1973) este probabil Platforma spiralată care a avut loc în Utah, SUA, în 1970.
În acest tip de manifestare creativă, artistul se folosește de natură pentru a crea instalații de mari dimensiuni care se integrează în peisaj.
În această lucrare, realizată din rocă vulcanică, sare și pământ, Smithson creează o spirală în sens invers acelor de ceasornic care se varsă în Marele Lac Sărat, un lac cu apă sărată din vestul Statelor Unite.
Despre land art, artista îl definește astfel:
Eliberarea artei din spațiul galeriei și recunoașterea structurilor geologice ale Pământului ca o formă de artă monumentală care nu se potrivește în muzee.
12. Banchetul - Judy Chicago
Instalarea O banchet ( Dineul) este opera artistei americane Judy Chicago (1939-) și a fost realizată în 1974.
Este cea mai cunoscută lucrare a artistei și reprezintă un simbol al mișcării feministe, fiind expusă în mai multe țări și văzută de peste un milion de persoane.
Aceasta constă într-o masă triunghiulară de 14 x 14 m, cu 39 de farfurii decorate cu fluturi, flori și vulve, tacâmuri și șervețele.
De fiecare parte a triunghiului, care reprezintă egalitatea, se află 13 scaune, pe care sunt brodate numele unor femei importante din istorie, de la zeițe mitice la personalități. Este ca și cum un banchet este gata să fie servit, așteptând doar sosirea acestor femei.
13. Devierea spre roșu - Cildo Meireles
Lucrări ale artistului brazilian Cildo Meireles (1948-), Devierea spre roșu este o instalație idealizată în 1967, dar care a avut versiunea finală în 1984.
Lucrările se remarcă în arta braziliană contemporană și au o puternică încărcătură dramatică prin crearea unor medii care instigă simțurile, prezintă întrebări și provoacă disconfort în rândul publicului.
Este un loc în care culoarea roșie este impregnată în toate obiectele, sugerând pasiunea și violența. Motivația creării sale se datorează faptului că artistul și-a pierdut un prieten jurnalist, ucis de dictatură. Așadar, este o instalație care are, înainte de toate, un caracter politic.
În prezent, aceasta se află la Institutul de Artă Contemporană Inhotim din Minas Gerais.
14. Mamam - Louise Bourgeois
Aceasta este o serie de sculpturi ale artistei franceze Louise Bourgeois (1911-2010) care reprezintă un păianjen uriaș. Artista a realizat șase păianjeni.
Cu proporții mari (3 metri înălțime), unul dintre ei a fost deja în diverse locații din Brazilia.
Mamam care în franceză înseamnă mamă, reprezintă legătura dintre Bourgeois și mama sa, experiențele sale din copilărie, făcând în același timp o legătură cu obiecte precum acul și actul de țesut.
Louise explică de ce își reprezintă mama în acest fel:
Cea mai bună prietenă a mea a fost mama, care era la fel de inteligentă, răbdătoare, îngrijită și serviabilă, rezonabilă, indispensabilă ca un păianjen. Știa să se apere.
15. Cele două Fridas - Frida Kahlo
Două Fridas este o pictură a artistei mexicane Frida Kahlo (1907-1954) din 1939, fiind una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale. Imaginea este un autoportret în care apare figura duplicată a artistei, una așezată lângă cealaltă și ținându-se de mână.
Pe pânză, pictorița caută să sintetizeze identitatea sa, marcată de influențe europene și de origini indigene latine. Frida din stânga poartă o rochie albă în stil victorian, iar cea din dreapta este îmbrăcată în haine tipic mexicane.
Cele două arată inima și sunt conectate la o arteră. Fundalul este un cer acoperit de nori grei și poate simboliza universul intim tulburat al artistului.
Tabloul are dimensiunile de 1,73 x 1,73 cm și poate fi admirat la Muzeul de Artă Modernă din Mexico City.
16. Ironia polițistului negru - Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) a fost un important artist nord-american de culoare, cu o producție contondentă și contestatară. Și-a început cariera în arta stradală, iar mai târziu a cucerit galeriile de artă.
Cea mai cunoscută lucrare a sa este Ironia polițistului negru pictat în 1981 în stil neoexpresionist.
În ea există o critică evidentă a instituției poliției și a rasismului din SUA. Basquiat aduce contradicția și ironia care există în faptul că un bărbat de culoare face parte dintr-o instituție cunoscută pentru că exercită opresiunea împotriva populației de culoare.
Cu toate acestea, artistul sugerează că acest lucru se întâmplă deoarece poliția poate fi o formă de manipulare, opresiune și, în același timp, o oportunitate de angajare pentru aceeași populație.
17. Bucată tăiată - Yoko Ono
În 1964, artista japoneză Yoko Ono (1933-) a prezentat la New York unul dintre cele mai importante spectacole din cariera sa.
În această acțiune, intitulată Tăiat bucată Artista stă în fața publicului, are o foarfecă la îndemână și îi invită pe participanți să își taie treptat hainele.
Astfel, Yoko se pune la dispoziția acțiunii celorlalți, prelucrând noțiunile de vulnerabilitate și de ceea ce înseamnă să fii femeie.
Spectacolul a fost realizat în perioada în care artistul făcea parte din Grupul Fluxus, format din artiști de diferite naționalități și care a adus inovații importante în universul artistic.
Așa cum este tipic pentru acest tip de acțiune, înregistrările care rămân sunt fotografii și înregistrări video.
18. Imposibil - Maria Martins
Sculptura Imposibil este o lucrare a braziliancăi Maria Martins (1894-1973), realizată în 1945. Face parte din colecția Muzeului de Artă Modernă din Rio de Janeiro și a fost realizată în bronz. Piesa este cea mai cunoscută a artistei și este, de asemenea, proeminentă în sculptura braziliană.
Maria Martins transmite în Imposibil un sentiment de neputință și improbabilitate, așa cum sugerează și titlul lucrării. Ea creează două forme care se raportează una la cealaltă într-o manieră conflictuală, în care tensiunea dintre ele este explicită.
De asemenea, putem face o paralelă între formele prezentate și transformarea ființei umane în legumă, ca două plante carnivore care caută în zadar să se hrănească una cu cealaltă.
Lucrarea poate fi văzută ca o metaforă vizuală pentru relațiile de dragoste, care sunt mult mai complexe decât ideea de dragoste romantică care ne este prezentată în mod obișnuit.
