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Las obras de arte son manifestaciones humanas que pretenden transmitir preguntas, reflexiones y significados a través de la creación de un producto artístico.
Estos productos suelen ser piezas como objetos, pinturas, esculturas e instalaciones. Sin embargo, los artistas también pueden crear una obra de arte en la que no exista una materialización propiamente dicha, como la música, la danza, el teatro y la performance. Además, hay expresiones en las que estos lenguajes artísticos se mezclan, creando obras híbridas.
La Historia está llena de importantes obras de arte que contribuyen a comprender los deseos de una sociedad, el contexto histórico y político, las definiciones de lo que es bello o no y el comportamiento de una determinada población.
1. Venus de Willendorf
A Venus de Willendorf es una pequeña estatuilla de una figura femenina tallada en piedra, que data de unos 25.000 años a.C., todavía de la era paleolítica.
Fue el equipo del arqueólogo Josef Szombathy quien la encontró en Austria, en una localidad llamada Willendorf, en 1908.
La escultura, una obra de arte prehistórica, muestra pechos voluminosos y caderas anchas, que representan un ideal de mujer para aquella sociedad, ya que estos atributos se relacionaban con la idea de fertilidad y abundancia.
2. Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Mona Lisa es un cuadro pintado entre 1503 y 1506 por el genio italiano Leonardo da Vinci (1452-1519). Es muy difícil clasificar las obras de arte en "grado de importancia", pero podemos decir que este lienzo está considerado la obra de arte más famosa del mundo.
El cuadro, realizado en óleo sobre madera, tiene unas dimensiones reducidas, 77 cm x 53 cm, y se encuentra en el Museo del Louvre de París.
Es una obra maestra, ya que ha conseguido retratar un rasgo femenino envuelto en misterio, mostrando una leve sonrisa incomprensible y una mirada que puede interpretarse como libertinaje o simpatía.
Por ello, la imagen se popularizó, reproduciéndose en diversos espacios y ganando muchas nuevas interpretaciones.
3. Judith decapitando a Holofernes - Artemisia Gentileschi
El cuadro Judith decapitando a Holofernes (1620) de la artista italiana Artemisia Gentileschi (1593-1656) forma parte del movimiento barroco y muestra una escena bíblica del Antiguo Testamento.
El tema había sido pintado anteriormente por otros artistas, hasta el punto de que Artemisia se inspiró en un lienzo de Caravaggio para componer su versión.
Fue una de las primeras mujeres en tener cierto protagonismo como artista en su época, sin embargo, con el tiempo cayó en el olvido y sólo volvió a ser realmente apreciada en la década de 1970.
La obra en cuestión es importante porque retrata la escena desde un punto de vista femenino y está relacionada con un pasaje de la vida de la propia artista, en el que fue violada por su mentor, Agostino Tassi. Así, Artemisia transmite al lienzo toda su revuelta e indignación ante este comportamiento masculino.
4. La habitación de Arles - Van Gogh
Vincent van Gogh (1853-1890) es uno de los artistas más aclamados del mundo. Sus cuadros son muy conocidos y varios de ellos han destacado en la historia del arte, como por ejemplo La habitación de Arles De hecho, el pintor realizó tres versiones muy similares del lienzo entre 1888 y 1889.
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En la escena, Van Gogh retrata su dormitorio, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia, donde realizó la mayor parte de sus obras.
Podemos ver una cama con dos almohadas, algunos cuadros en la pared, sillas, una ventana entreabierta y otros detalles que componen su domicilio.
Es una composición con una paleta de colores intensa y vibrante, como era característico en su arte, y llama nuestra atención porque sitúa al observador más cerca del artista, como si compartiera su espacio con él.
5. Los tiroteos del 3 de mayo - Goya
El pintor español Francisco de Goya (1746-1828) pintó en 1814 Los tiroteos del 3 de mayo Este cuadro se convertiría en uno de los retratos más impactantes e importantes de la violencia.
La pantalla muestra la escena de una ejecución colectiva llevada a cabo por las tropas francesas de Napoleón Bonaparte en Madrid durante la llamada Guerra Peninsular (1807-1814). Se trata de civiles españoles que, opuestos al avance francés, salieron a la calle a protestar y fueron cobardemente asesinados.
El cuadro, de 266 x 345 cm, representa un hito histórico e influyó en otros artistas para que también retrataran los horrores de la guerra, como es el caso de Pablo Picasso, con el gran panel Guernica .
Los fusilamientos del 3 de mayo pueden disfrutarse en el Museo del Prado, en España.
6. El violín de Ingres - Man Ray
El violín de Ingres es una fotografía realizada por el artista estadounidense Man Ray (1890-1976) en 1924. La imagen es muy conocida y en ella aparece la modelo Kiki de Montparnasse con la espalda desnuda, mostrando un dibujo a tinta de las dos grietas acústicas presentes en los violines.
La obra se inspira en un cuadro neoclásico de Dominique Ingres titulado El bañista de Valpinçon (1808), en la que el artista retrata impecablemente la espalda de una mujer.
En la fotografía, Man Ray, que formaba parte del movimiento dadaísta, reproduce la escena e incluye el elemento que hace referencia al violín, sugiriendo que el cuerpo de la mujer tiene las formas del instrumento, ya que el artista era un gran aficionado a la música.
7. Desayuno en cuero - Meret Oppenheim
Objeto o Desayuno en cuero Realizada por el artista y fotógrafo suizo Meret Oppenheim (1913-1985) en 1936, la pieza tiene características surrealistas.
Esta es una de esas obras que provocan en el público una mezcla de sensaciones contradictorias, porque al recubrir un juego de tazas con piel de animal, el artista presenta una contradicción sensorial y transforma un objeto banal en una obra de arte, quitándole su función.
Meret también cuestiona otras reflexiones sobre la vida cotidiana y el universo de las mujeres, mostrando un carácter femenino indócil y rebelde que utiliza como soporte un objeto que representa la educación y la civilidad.
La obra se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
8. La fuente - atribuido a Marcel Duchamp
Una de las obras de arte más emblemáticas de la historia es La Fuente, atribuida al artista francés Marcel Duchamp (1887-1968), pero hoy en día se especula con que fue idea de la artista polaco-alemana baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).
Duchamp lo presentó en una exposición en 1917 y causó escándalo, ya que se trata de un simple urinario de porcelana con el nombre de R. Mutt y la fecha.
La importancia de esta obra se debe a que representa un cambio de paradigma al elevar un simple objeto a la categoría de arte, cuestionando el propio arte y revolucionando la forma de producirlo, entenderlo y apreciarlo.
9. La traición de las imágenes - René Magritte
Otra obra importante que forma parte del surrealismo es La traición de las imágenes En este óleo sobre lienzo vemos la figura de una pipa y debajo la leyenda " Ceci n'est pas une pipe ", con traducción de "Esto no es una tubería".
La obra destaca en la historia del arte porque conlleva un cuestionamiento del concepto y la representación.
Ver también: Filme Divida Mente (resumen, análisis y lecciones)Aquí, el artista presenta la figura de un objeto y advierte al espectador de que esa imagen no es el objeto en sí, sino una representación del mismo. De este modo, Magritte realiza un juego lúdico e irónico con la imagen y la palabra.
El lienzo, fechado en 1929, puede verse actualmente en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
10. Capa de presentación - Arthur Bispo do Rosário
Manto da Apresentação es una obra creada por el brasileño Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) durante su estancia en el centro psiquiátrico Colônia Juliano Moreira de Río de Janeiro.
Bispo do Rosário era un hombre con trastornos psiquiátricos, y fue hospitalizado cuando aún era joven. Creó muchas piezas con los objetos que coleccionaba y su propósito no era artístico, sino más bien dar rienda suelta a sus ansiedades.
O Capa de presentación se considera su obra más valiosa. Es una especie de capa toda bordada con los hilos de las sábanas del hospital. En ella hay dibujos y muchos nombres de personas significativas para él.
Fue construido para ser llevado sobre el cuerpo de Bispo en el momento de su entierro, constituyendo una vestidura sagrada para su llegada al cielo. Sin embargo, tras la muerte del artista, el Manto fue conservado y hoy se encuentra en el Museo Bispo do Rosário, en Río de Janeiro.
11. Plataforma en espiral por Robert Smithson
La obra más conocida de Robert Smithson (1938-1973) es quizás Plataforma en espiral celebrada en Utah, EE.UU., en 1970.
En este tipo de manifestación creativa, el artista utiliza la naturaleza para crear grandes instalaciones que se funden con el paisaje.
En ésta, hecha con roca volcánica, sal y tierra, Smithson crea un diseño en espiral en sentido contrario a las agujas del reloj que desemboca en el Gran Lago Salado, un lago de agua salada del oeste de Estados Unidos.
Sobre el land art, el artista lo define así:
La liberación del arte del espacio de la galería y el reconocimiento de las estructuras geológicas de la Tierra como una forma de arte monumental que no cabe en los museos.
12. El banquete - Judy Chicago
La instalación O banquete ( La cena) es obra de la artista estadounidense Judy Chicago (1939-) y fue realizada en 1974.
Es la obra más conocida de la artista y representa un símbolo del movimiento feminista. Ha sido expuesta en varios países y vista por más de un millón de personas.
Consta de una mesa triangular de 14 x 14 m, con 39 platos decorados con mariposas, flores y vulvas, cubiertos y servilletas.
Hay 13 asientos a cada lado del triángulo, que representa la igualdad. Los asientos llevan bordados nombres de mujeres importantes de la historia, desde diosas míticas hasta personalidades. Es como si un banquete estuviera listo para servirse, esperando la llegada de estas mujeres.
13. Desvío al rojo - Cildo Meireles
Obra del artista brasileño Cildo Meireles (1948-), Desvío al rojo es una instalación idealizada en 1967, pero que tuvo su versión definitiva en 1984.
La obra destaca en el arte brasileño contemporáneo y tiene una fuerte carga dramática al crear ambientes que instigan los sentidos, plantean preguntas y provocan incomodidad en el público.
Es un lugar en el que el color rojo está impregnado en todos los objetos, sugiriendo pasión y violencia. La motivación de su creación se debe a que el artista perdió a un amigo periodista, asesinado por la dictadura, por lo que se trata de una instalación que tiene, sobre todo, un carácter político.
Actualmente se encuentra en el Instituto Inhotim de Arte Contemporáneo de Minas Gerais.
14. Mamam - Louise Bourgeois
Se trata de una serie de esculturas de la artista francesa Louise Bourgeois (1911-2010) que representan una enorme araña. La artista realizó seis arañas.
De grandes proporciones (3 metros de altura), uno de ellos ya ha recorrido varios lugares de Brasil.
Mamam que en francés significa madre, representa el vínculo entre Bourgeois y su madre, sus vivencias infantiles, al tiempo que establece una conexión con objetos como la aguja y el acto de tejer.
Louise explica por qué representa así a su madre:
Mi mejor amiga era mi madre, inteligente, paciente, pulcra y servicial, razonable, indispensable como una araña, que sabía defenderse.
15. Las dos Fridas - Frida Kahlo
Dos Fridas es una pintura de la artista mexicana Frida Kahlo (1907-1954) que data de 1939, y es una de sus obras más famosas. La imagen es un autorretrato en el que aparece la figura duplicada de la artista, una sentada junto a la otra y cogidas de la mano.
En el lienzo, la pintora busca sintetizar su identidad, marcada por las influencias europeas y los orígenes indígenas latinos. La Frida de la izquierda lleva un vestido blanco de estilo victoriano y la de la derecha viste ropas típicas mexicanas.
Los dos muestran el corazón y están conectados a una arteria. El fondo es un cielo cubierto de pesadas nubes y puede simbolizar el atribulado universo íntimo del artista.
El cuadro tiene unas dimensiones de 1,73 x 1,73 cm y puede verse en el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México.
16. Ironía del policía negro - Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) fue un importante artista negro norteamericano de producción contundente y contestataria. Comenzó su carrera en el arte callejero y más tarde conquistó a las galerías.
Su obra más famosa es Ironía del policía negro pintado en 1981 en estilo neoexpresionista.
En ella hay una crítica evidente a la institución policial y al racismo en EE.UU. Basquiat pone de manifiesto la contradicción y la ironía que existe en el hecho de que un hombre negro forme parte de una institución conocida por ejercer la opresión contra la población negra.
Sin embargo, el artista sugiere que esto ocurre porque la policía puede ser una forma de manipulación, opresión y, al mismo tiempo, una oportunidad laboral para esta misma población.
17. Pieza cortada - Yoko Ono
En 1964, la artista japonesa Yoko Ono (1933-) presentó en Nueva York una de las actuaciones más significativas de su carrera.
En este recurso, titulado Pieza cortada La artista se sienta frente al público, tiene unas tijeras a su lado e invita a los participantes a cortarse poco a poco la ropa.
Así, Yoko se pone a disposición de la acción de los demás, trabajando las nociones de vulnerabilidad y de lo que es ser mujer.
La actuación se realizó cuando el artista formaba parte del Grupo Fluxus, formado por artistas de diversas nacionalidades y que aportó importantes innovaciones al universo artístico.
Como es típico en este tipo de acciones, los registros que quedan son fotografías y vídeos.
18. Imposible - María Martins
La escultura Imposible es una obra de la brasileña Maria Martins (1894-1973), realizada en 1945. Forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y fue realizada en bronce. La pieza es la más famosa de la artista, y también destaca en la escultura brasileña.
Maria Martins transmite en Imposible una sensación de impotencia e improbabilidad, como sugiere el título de la obra. Crea dos formas que se relacionan entre sí de manera conflictiva, donde la tensión entre ellas es explícita.
También podemos establecer un paralelismo entre las formas presentadas y la transformación del ser humano en vegetal, como dos plantas carnívoras que buscan en vano alimentarse la una de la otra.
La obra puede considerarse una metáfora visual de las relaciones amorosas, que son mucho más complejas que la idea de amor romántico que se nos presenta habitualmente.
