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Kunstwerke sind menschliche Manifestationen, die durch die Schaffung eines künstlerischen Produkts Fragen, Überlegungen und Bedeutungen zu vermitteln suchen.
Bei diesen Produkten handelt es sich in der Regel um Objekte, Gemälde, Skulpturen und Installationen. Künstler können aber auch ein Kunstwerk schaffen, das nicht materiell ist, wie Musik, Tanz, Theater und Performance. Darüber hinaus gibt es Ausdrucksformen, in denen diese Kunstsprachen miteinander vermischt werden, wodurch hybride Werke entstehen.
Die Geschichte ist voll von wichtigen Kunstwerken, die dazu beitragen, die Wünsche einer Gesellschaft, den historischen und politischen Kontext, die Definitionen dessen, was schön ist oder nicht, und das Verhalten einer bestimmten Bevölkerung zu verstehen.
1. Venus von Willendorf
A Venus von Willendorf ist eine kleine, in Stein gehauene Statuette einer weiblichen Figur, die auf etwa 25.000 Jahre v. Chr., also noch aus der Altsteinzeit, datiert wird.
Es war das Team des Archäologen Josef Szombathy, das es 1908 in Österreich, in der Stadt Willendorf, fand.
Die Skulptur, ein prähistorisches Kunstwerk, zeigt voluminöse Brüste und breite Hüften, die für die damalige Gesellschaft ein Idealbild der Frau darstellten, da diese Attribute mit der Vorstellung von Fruchtbarkeit und Fülle verbunden waren.
2. Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Mona Lisa ist ein Bild, das zwischen 1503 und 1506 von dem italienischen Genie Leonardo da Vinci (1452-1519) gemalt wurde. Es ist sehr schwierig, Kunstwerke nach ihrem "Bedeutungsgrad" zu klassifizieren, aber wir können sagen, dass diese Leinwand als das berühmteste Kunstwerk der Welt gilt.
Das Gemälde, das in Öl auf Holz gemalt wurde, hat eine geringe Größe von 77 cm x 53 cm und befindet sich im Louvre-Museum in Paris.
Es ist ein Meisterwerk, da es ein geheimnisumwittertes weibliches Gesicht zeigt, mit einem leicht unverständlichen Lächeln und einem Blick, der entweder als Ausschweifung oder als Sympathie interpretiert werden kann.
Dadurch wurde das Bild populär, wurde in verschiedenen Räumen reproduziert und erhielt viele neue Interpretationen.
3. Judith enthauptet Holofernes - Artemisia Gentileschi
Das Gemälde Judith enthauptet Holofernes (1620) der italienischen Künstlerin Artemisia Gentileschi (1593-1656) ist Teil der Barockbewegung und zeigt eine biblische Szene aus dem Alten Testament.
Das Thema war bereits von anderen Künstlern gemalt worden, so dass sich Artemisia von einem Gemälde von Caravaggio zu ihrer Version inspirieren ließ.
Sie war eine der ersten Frauen, die zu ihrer Zeit als Künstlerin eine gewisse Bekanntheit erlangten, geriet jedoch im Laufe der Zeit in Vergessenheit und wurde erst in den 1970er Jahren wieder richtig geschätzt.
Das betreffende Werk ist wichtig, weil es die Szene aus weiblicher Sicht schildert und sich auf einen Abschnitt im Leben der Künstlerin bezieht, in dem sie von ihrem Mentor Agostino Tassi vergewaltigt wurde. So überträgt Artemisia ihre ganze Empörung über dieses männliche Verhalten auf die Leinwand.
4. Das Zimmer in Arles - Van Gogh
Vincent van Gogh (1853-1890) ist einer der berühmtesten Künstler der Welt. Seine Gemälde sind sehr bekannt und einige von ihnen sind in die Kunstgeschichte eingegangen, wie z. B. Das Zimmer in Arles Der Maler fertigte zwischen 1888 und 1889 drei sehr ähnliche Versionen des Bildes an.
In der Szene stellt Van Gogh seinen Schlafraum dar, als er in Arles in Südfrankreich lebte, wo er die meisten seiner Werke schuf.
Wir sehen ein Bett mit zwei Kissen, einige Bilder an der Wand, Stühle, ein halb geöffnetes Fenster und andere Details, die seine Adresse ausmachen.
Es handelt sich um eine Komposition mit einer intensiven und lebendigen Farbpalette, wie sie für seine Kunst charakteristisch war, und sie zieht unsere Aufmerksamkeit auf sich, weil sie den Betrachter näher an den Künstler heranführt, als würde er seinen Raum mit ihm teilen.
5. Die Schießereien vom 3. Mai - Goya
Der spanische Maler Francisco de Goya (1746-1828) malte im Jahr 1814 Die Schießereien vom 3. Mai Dieses Gemälde wurde zu einem der eindrucksvollsten und wichtigsten Porträts von Gewalt.
Der Bildschirm zeigt die Szene einer kollektiven Hinrichtung durch die französischen Truppen Napoleon Bonapartes in Madrid während des so genannten Halbinselkriegs (1807-1814). Es handelt sich um spanische Zivilisten, die sich dem französischen Vormarsch widersetzten, auf die Straße gingen, um zu protestieren, und feige ermordet wurden.
Das 266 x 345 cm große Gemälde stellt einen historischen Meilenstein dar und beeinflusste auch andere Künstler, die Schrecken des Krieges darzustellen, wie z. B. Pablo Picasso mit der großen Tafel Guernica .
Die Dreharbeiten vom 3. Mai können im Prado-Museum in Spanien besichtigt werden.
6. Die Geige von Ingres - Man Ray
Die Geige von Ingres ist eine Fotografie des amerikanischen Künstlers Man Ray (1890-1976) aus dem Jahr 1924, auf der das Modell Kiki de Montparnasse mit nacktem Rücken zu sehen ist, auf dem eine Tuschezeichnung der beiden akustischen Risse in den Geigen zu sehen ist.
Das Werk wurde durch ein neoklassisches Gemälde von Dominique Ingres mit dem Titel Der Badende von Valpinçon (1808), in dem der Künstler auf tadellose Weise den Rücken einer Frau darstellt.
Man Ray, der der dadaistischen Bewegung angehörte, reproduziert die Szene und fügt ein Element hinzu, das auf die Geige verweist und suggeriert, dass der Körper der Frau die Formen des Instruments hat, da der Künstler ein großer Musikliebhaber war.
7. Frühstück in Leder - Meret Oppenheim
Objekt oder Frühstück in Leder Das 1936 von der Schweizer Künstlerin und Fotografin Meret Oppenheim (1913-1985) geschaffene Werk weist surrealistische Züge auf.
Dies ist eines jener Werke, die beim Publikum eine Mischung aus widersprüchlichen Empfindungen hervorrufen, denn durch die Beschichtung eines Bechersets mit Tierhaut präsentiert der Künstler einen sensorischen Widerspruch und verwandelt einen banalen Gegenstand in ein Kunstwerk, indem er ihm seine Funktion nimmt.
Meret stellt auch andere Überlegungen zum Alltag und zum Universum der Frauen in Frage, indem sie einen widerspenstigen und rebellischen weiblichen Charakter zeigt, der sich auf ein Objekt stützt, das für Bildung und Höflichkeit steht.
Das Werk befindet sich im Museum of Modern Art in New York.
8. Die Quelle - Marcel Duchamp zugeschrieben
Eines der emblematischsten Kunstwerke der Geschichte ist der Brunnen, der dem französischen Künstler Marcel Duchamp (1887-1968) zugeschrieben wird. Heutzutage wird jedoch spekuliert, dass die Idee dazu von der polnisch-deutschen Künstlerin Baronin Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927) stammt.
Duchamp präsentierte es 1917 auf einer Ausstellung und löste damit einen Skandal aus, denn es handelt sich um ein einfaches Porzellanurinal mit dem Namen R. Mutt und der Jahreszahl.
Die Bedeutung dieses Werks liegt darin, dass es einen Paradigmenwechsel darstellt, indem es einen einfachen Gegenstand zur Kunst erhebt, die Kunst selbst in Frage stellt und die Art und Weise, wie sie produziert, verstanden und geschätzt wird, revolutioniert.
9. Der Verrat an den Bildern - René Magritte
Ein weiteres wichtiges Werk, das dem Surrealismus zuzuordnen ist, ist Der Verrat an den Bildern In diesem Öl auf Leinwand sehen wir die Figur einer Pfeife und darunter die Legende " Ceci n'est pas une pipe ", mit der Übersetzung "Dies ist kein Rohr".
Das Werk ragt in der Kunstgeschichte heraus, weil es eine Hinterfragung von Konzept und Darstellung beinhaltet.
Hier stellt der Künstler die Figur eines Objekts dar und warnt den Betrachter, dass dieses Bild nicht das Objekt selbst ist, sondern eine Darstellung desselben. Auf diese Weise führt Magritte ein spielerisches und ironisches Spiel mit dem Bild und dem Wort durch.
Die auf 1929 datierte Leinwand ist derzeit im Los Angeles County Museum of Art zu sehen.
10. Präsentation Mantel - Arthur Bispo do Rosário
Manto da Apresentação ist ein Werk des Brasilianers Arthur Bispo do Rosário (1911-1989), das er während seines Aufenthalts in der psychiatrischen Anstalt Colônia Juliano Moreira in Rio de Janeiro schuf.
Bispo do Rosário war ein psychisch kranker Mann, der in jungen Jahren in eine Klinik eingewiesen wurde und mit den von ihm gesammelten Objekten zahlreiche Werke schuf, die nicht künstlerischen Zwecken dienten, sondern vielmehr dazu, seinen Ängsten Ausdruck zu verleihen.
O Präsentation Mantel gilt als sein wertvollstes Werk. Es handelt sich um eine Art Umhang, der mit den Fäden von Bettlaken aus dem Krankenhaus bestickt ist. Darauf befinden sich Zeichnungen und viele Namen von Menschen, die ihm wichtig waren.
Er sollte bei der Beerdigung von Bispo getragen werden und ein heiliges Gewand für seine Ankunft im Himmel darstellen. Nach dem Tod des Künstlers wurde der Mantel jedoch aufbewahrt und befindet sich heute im Museum Bispo do Rosário in Rio de Janeiro.
11. Spiralförmige Plattform von Robert Smithson
Robert Smithsons (1938-1973) bekanntestes Werk ist vielleicht Spiralförmige Plattform die 1970 in Utah, USA, stattfand.
Bei dieser Art der kreativen Manifestation nutzt der Künstler die Natur, um große Installationen zu schaffen, die sich in die Landschaft einfügen.
In diesem aus Vulkangestein, Salz und Erde gefertigten Werk entwirft Smithson ein gegen den Uhrzeigersinn laufendes Spiralmuster, das in den Großen Salzsee, einen Salzwassersee im Westen der Vereinigten Staaten, mündet.
Die Künstlerin definiert Land Art wie folgt:
Die Befreiung der Kunst aus dem Galerieraum und die Anerkennung der geologischen Strukturen der Erde als eine monumentale Kunstform, die nicht in Museen passt.
12. Das Bankett - Judy Chicago
Die Installation O Bankett ( Die Dinnerparty) stammt von der amerikanischen Künstlerin Judy Chicago (1939-) und wurde 1974 hergestellt.
Es ist das bekannteste Werk der Künstlerin und ein Symbol der feministischen Bewegung. Es wurde in mehreren Ländern ausgestellt und von über einer Million Menschen gesehen.
Es besteht aus einem 14 x 14 m großen dreieckigen Tisch mit 39 Tellern, die mit Schmetterlingen, Blumen und Vulven verziert sind, sowie Besteck und Servietten.
Auf jeder Seite des Dreiecks, das die Gleichheit symbolisiert, befinden sich 13 Sitze, die mit den Namen bedeutender Frauen aus der Geschichte, von mythischen Göttinnen bis hin zu Persönlichkeiten, bestickt sind. Es ist, als ob ein Festmahl bereitsteht, das nur auf die Ankunft dieser Frauen wartet.
13. Abzweigung in den roten Bereich - Cildo Meireles
Werke des brasilianischen Künstlers Cildo Meireles (1948-), Abzweigung in den roten Bereich ist eine Installation, die 1967 idealisiert wurde, aber erst 1984 ihre endgültige Fassung erhielt.
Das Werk hebt sich von der zeitgenössischen brasilianischen Kunst ab und hat eine starke dramatische Ladung, indem es Umgebungen schafft, die die Sinne anregen, Fragen aufwerfen und beim Publikum Unbehagen hervorrufen.
Es ist ein Ort, an dem die Farbe Rot alle Objekte durchdringt und Leidenschaft und Gewalt suggeriert. Die Motivation für die Kreation ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass der Künstler einen befreundeten Journalisten verloren hat, der von der Diktatur ermordet wurde. Es handelt sich also um eine Installation, die vor allem einen politischen Charakter hat.
Derzeit ist sie im Institut für zeitgenössische Kunst Inhotim in Minas Gerais untergebracht.
14. Mamam - Louise Bourgeois
Es handelt sich um eine Serie von Skulpturen der französischen Künstlerin Louise Bourgeois (1911-2010), die eine riesige Spinne darstellen. Die Künstlerin hat sechs Spinnen hergestellt.
Einer von ihnen, der sehr groß ist (3 Meter hoch), war bereits an verschiedenen Orten in Brasilien.
Mamam was im Französischen "Mutter" bedeutet, stellt die Bindung zwischen Bourgeois und seiner Mutter und seine Kindheitserfahrungen dar, wobei er eine Verbindung zu Gegenständen wie der Nadel und dem Akt des Webens herstellt.
Louise erklärt, warum sie ihre Mutter auf diese Weise darstellt:
Meine beste Freundin war meine Mutter, die so intelligent, geduldig, ordentlich und hilfsbereit, vernünftig und unentbehrlich wie eine Spinne war. Sie wusste sich zu wehren.
15. Die beiden Fridas - Frida Kahlo
Zwei Fridas ist ein Gemälde der mexikanischen Künstlerin Frida Kahlo (1907-1954) aus dem Jahr 1939 und eines ihrer berühmtesten Werke. Das Bild ist ein Selbstporträt, das die doppelte Figur der Künstlerin zeigt, eine neben der anderen sitzend und die Hände haltend.
Auf der Leinwand versucht die Malerin, ihre von europäischen Einflüssen und lateinamerikanischen Ursprüngen geprägte Identität zu vereinen: Die Frida auf der linken Seite trägt ein weißes Kleid im viktorianischen Stil, die auf der rechten Seite eine typisch mexikanische Kleidung.
Die beiden zeigen das Herz und sind mit einer Arterie verbunden. Der Hintergrund ist ein mit schweren Wolken bedeckter Himmel und symbolisiert möglicherweise das unruhige, intime Universum des Künstlers.
Das Gemälde hat eine Größe von 1,73 x 1,73 cm und ist im Museum für Moderne Kunst in Mexiko-Stadt zu sehen.
16. Die Ironie des schwarzen Polizisten - Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) war ein bedeutender schwarzer nordamerikanischer Künstler mit einer unverblümten und streitbaren Inszenierung. Er begann seine Karriere mit Straßenkunst und gewann später die Galerien für sich.
Sein berühmtestes Werk ist Die Ironie des schwarzen Polizisten gemalt 1981 in einem neoexpressionistischen Stil.
Basquiat bringt den Widerspruch und die Ironie zum Ausdruck, die darin bestehen, dass ein Schwarzer Teil einer Institution ist, die dafür bekannt ist, Unterdrückung gegen die schwarze Bevölkerung auszuüben.
Die Künstlerin weist jedoch darauf hin, dass dies darauf zurückzuführen ist, dass die Polizei eine Form der Manipulation, der Unterdrückung und gleichzeitig eine Beschäftigungsmöglichkeit für dieselbe Bevölkerung sein kann.
17. Stück schneiden - Yoko Ono
1964 präsentierte die japanische Künstlerin Yoko Ono (1933-) in New York eine der bedeutendsten Performances ihrer Karriere.
In dieser Klage mit dem Titel Stück schneiden Die Künstlerin sitzt vor dem Publikum, hat eine Schere zur Hand und lädt die Teilnehmer ein, ihre Kleidung nach und nach zu zerschneiden.
Auf diese Weise stellt Yoko sich selbst dem Handeln anderer zur Verfügung und arbeitet mit Vorstellungen von Verletzlichkeit und dem, was es heißt, eine Frau zu sein.
Die Performance wurde aufgeführt, als der Künstler Teil der Fluxus-Gruppe war, die sich aus Künstlern verschiedener Nationalitäten zusammensetzte und wichtige Neuerungen in das künstlerische Universum brachte.
Wie bei dieser Art von Verfahren üblich, sind die Aufzeichnungen, die übrig bleiben, Fotos und Videos.
Siehe auch: Brief von Pero Vaz de Caminha18. Unmöglich - Maria Martins
Die Skulptur Unmöglich ist ein Werk der Brasilianerin Maria Martins (1894-1973) aus dem Jahr 1945, das sich in der Sammlung des Museums für Moderne Kunst in Rio de Janeiro befindet und aus Bronze gefertigt wurde. Es ist das berühmteste Werk der Künstlerin, das auch in der brasilianischen Bildhauerei eine wichtige Rolle spielt.
Maria Martins überträgt in Unmöglich Sie schafft zwei Formen, die sich in einer konfliktreichen Weise zueinander verhalten, wobei die Spannung zwischen ihnen explizit ist.
Wir können auch eine Parallele zwischen den dargestellten Formen und der Verwandlung des Menschen in ein Gemüse ziehen, wie zwei fleischfressende Pflanzen, die sich vergeblich voneinander zu ernähren versuchen.
Das Werk kann als eine visuelle Metapher für Liebesbeziehungen gesehen werden, die viel komplexer sind als die Vorstellung von romantischer Liebe, die uns gemeinhin vermittelt wird.
