Spis treści
Dzieła sztuki to ludzkie manifestacje, które mają na celu przekazanie pytań, refleksji i znaczeń poprzez stworzenie produktu artystycznego.
Takie produkty to zazwyczaj przedmioty, obrazy, rzeźby i instalacje. Jednak artyści mogą również tworzyć dzieła sztuki, w których nie ma rzeczywistej materializacji, takie jak muzyka, taniec, teatr i performance. Ponadto istnieją wyrażenia, w których te języki sztuki są mieszane, tworząc dzieła hybrydowe.
Historia jest pełna ważnych dzieł sztuki, które przyczyniają się do zrozumienia pragnień społeczeństwa, kontekstu historycznego i politycznego, definicji tego, co jest piękne, a co nie, oraz zachowania określonej populacji.
1. Wenus z Willendorfu
A Wenus z Willendorfu to niewielka figurka kobiecej postaci wyrzeźbiona w kamieniu, datowana na około 25 000 lat p.n.e., jeszcze z epoki paleolitu.
To właśnie zespół archeologa Josefa Szombathy'ego znalazł go w Austrii, w mieście Willendorf w 1908 roku.
Rzeźba, prehistoryczne dzieło sztuki, przedstawia obszerne piersi i szerokie biodra, reprezentujące ideał kobiety dla tego społeczeństwa, ponieważ atrybuty te były związane z ideą płodności i obfitości.
2. Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Mona Lisa to obraz namalowany w latach 1503-1506 przez włoskiego geniusza Leonarda da Vinci (1452-1519). Bardzo trudno jest sklasyfikować dzieła sztuki według "stopnia ważności", ale możemy powiedzieć, że to płótno jest uważane za najsłynniejsze dzieło sztuki na świecie.
Obraz, wykonany w technice olejnej na drewnie, ma niewielkie wymiary 77 cm x 53 cm i znajduje się w Luwrze w Paryżu.
Jest to arcydzieło, ponieważ udało mu się przedstawić kobiece cechy owiane tajemnicą, ukazujące lekki niezrozumiały uśmiech i spojrzenie, które można interpretować zarówno jako rozpustę, jak i współczucie.
Z tego powodu obraz stał się popularny, powielany w różnych przestrzeniach i zyskał wiele nowych interpretacji.
3. Judyta ścinająca głowę Holofernesowi - Artemisia Gentileschi
Obraz Judyta ścinająca głowę Holofernesowi (1620) włoskiej artystki Artemisii Gentileschi (1593-1656) należy do nurtu barokowego i przedstawia scenę biblijną ze Starego Testamentu.
Temat ten był już wcześniej malowany przez innych artystów, do tego stopnia, że Artemisia zainspirowała się płótnem Caravaggia do skomponowania swojej wersji.
Była jedną z pierwszych kobiet, które zyskały rozgłos jako artystki w swoich czasach, jednak z czasem została zapomniana i ponownie doceniona dopiero w latach 70-tych.
Praca, o której mowa, jest ważna, ponieważ przedstawia scenę z kobiecego punktu widzenia i jest związana z fragmentem życia artystki, w którym została zgwałcona przez swojego mentora, Agostino Tassi. W ten sposób Artemisia przekazuje na płótnie cały swój bunt i oburzenie z powodu tego męskiego zachowania.
4. Pokój w Arles - Van Gogh
Vincent van Gogh (1853-1890) jest jednym z najbardziej cenionych artystów na świecie. Jego obrazy są bardzo dobrze znane, a kilka z nich zapisało się w historii sztuki, jak np. Pokój w Arles W rzeczywistości malarz stworzył trzy bardzo podobne wersje płótna w latach 1888-1889.
W tej scenie Van Gogh przedstawia swój dormitorium, kiedy mieszkał w Arles, na południu Francji, gdzie stworzył większość swoich dzieł.
Widzimy łóżko z dwiema poduszkami, kilka obrazów na ścianie, krzesła, półotwarte okno i inne szczegóły, które składają się na jego adres.
Jest to kompozycja o intensywnej i żywej palecie barw, co było charakterystyczne dla jego sztuki, i przyciąga naszą uwagę, ponieważ umieszcza obserwatora bliżej artysty, jakby dzieląc z nim jego przestrzeń.
5. Strzelanina 3 maja - Goya
Hiszpański malarz Francisco de Goya (1746-1828) namalował w 1814 r. Strzelanina 3 maja Obraz ten stał się jednym z najbardziej uderzających i najważniejszych portretów przemocy.
Ekran przedstawia scenę zbiorowej egzekucji przeprowadzonej przez francuskie oddziały Napoleona Bonaparte w Madrycie podczas tzw. wojny półwyspowej (1807-1814). Są to hiszpańscy cywile, którzy sprzeciwiając się francuskiemu natarciu, wyszli na ulice, aby zaprotestować i zostali tchórzliwie zamordowani.
Obraz o wymiarach 266 x 345 cm stanowi historyczny kamień milowy i wpłynął na innych artystów, aby również przedstawiali okropności wojny, tak jak w przypadku Pabla Picassa, z dużym panelem Guernica .
Strzelaninę z 3 maja można podziwiać w Muzeum Prado w Hiszpanii.
6. Skrzypce autorstwa Ingresa - Man Ray
Skrzypce autorstwa Ingresa to fotografia wykonana przez amerykańskiego artystę Man Raya (1890-1976) w 1924 r. Zdjęcie jest dobrze znane i przedstawia modelkę Kiki de Montparnasse z nagimi plecami, na których widać rysunek tuszem dwóch pęknięć akustycznych obecnych w skrzypcach.
Praca została zainspirowana neoklasycznym obrazem Dominique'a Ingresa, zatytułowanym Kąpiący się w Valpinçon (1808), na którym artysta nienagannie sportretował kobiece plecy.
Na fotografii Man Ray, który był częścią ruchu dadaistycznego, odtwarza scenę i zawiera element nawiązujący do skrzypiec, sugerując, że ciało kobiety ma kształty instrumentu, ponieważ artysta był wielkim miłośnikiem muzyki.
7. Śniadanie w skórze - Meret Oppenheim
Obiekt lub Śniadanie w skórze Stworzony przez szwajcarskiego artystę i fotografa Mereta Oppenheima (1913-1985) w 1936 roku obraz ma cechy surrealistyczne.
Jest to jedna z tych prac, które wywołują u publiczności mieszankę sprzecznych wrażeń, ponieważ pokrywając zestaw filiżanek zwierzęcą skórą, artysta przedstawia sprzeczność sensoryczną i przekształca banalny przedmiot w dzieło sztuki, usuwając z niego jego funkcję.
Meret kwestionuje również inne refleksje dotyczące codziennego życia i wszechświata kobiet, pokazując niepokorną i zbuntowaną kobiecą postać, która używa jako wsparcia obiektu reprezentującego edukację i grzeczność.
Dzieło znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
8. Źródło - przypisywany Marcelowi Duchampowi
Jednym z najbardziej emblematycznych dzieł sztuki w historii jest Fontanna, przypisywana francuskiemu artyście Marcelowi Duchampowi (1887-1968), ale obecnie spekuluje się, że był to pomysł polsko-niemieckiej artystki baronowej Elsy von Freytag-Loringhoven (1874-1927).
Duchamp zaprezentował go na wystawie w 1917 roku i wywołał skandal, ponieważ jest to prosty porcelanowy pisuar z nazwiskiem R. Mutta i datą.
Znaczenie tego dzieła wynika z faktu, że reprezentuje ono zmianę paradygmatu, podnosząc prosty przedmiot do rangi sztuki, kwestionując samą sztukę i rewolucjonizując sposób jej produkcji, rozumienia i doceniania.
9. Zdrada obrazów - René Magritte
Innym ważnym dziełem, które jest częścią surrealizmu, jest Zdrada obrazów Na tym obrazie olejnym na płótnie widzimy postać fajki, a pod nią legendę " Ceci n'est pas une pipe ", z tłumaczeniem "To nie jest fajka".
Praca wyróżnia się w historii sztuki, ponieważ niesie ze sobą kwestionowanie koncepcji i reprezentacji.
Artysta przedstawia postać obiektu i ostrzega widza, że obraz ten nie jest samym obiektem, ale jego reprezentacją. W ten sposób Magritte prowadzi zabawną i ironiczną grę, używając obrazu i słowa.
Płótno, datowane na 1929 rok, można obecnie oglądać w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles.
10. Płaszcz prezentacyjny - Arthur Bispo do Rosário
Manto da Apresentação to dzieło stworzone przez Brazylijczyka Arthura Bispo do Rosário (1911-1989) podczas jego pobytu w ośrodku psychiatrycznym Colônia Juliano Moreira w Rio de Janeiro.
Bispo do Rosário był człowiekiem cierpiącym na zaburzenia psychiczne i był hospitalizowany, gdy był jeszcze młody. Stworzył wiele dzieł z przedmiotów, które zebrał, a jego celem nie była sztuka, ale raczej danie upustu swoim lękom.
O Płaszcz prezentacyjny Jest to rodzaj peleryny wyhaftowanej nićmi z prześcieradeł ze szpitala, na której znajdują się rysunki i wiele nazwisk ważnych dla niego osób.
Został zbudowany, aby być noszonym na ciele Bispo w momencie jego pochówku, stanowiąc świętą szatę na jego przybycie do nieba. Jednak po śmierci artysty płaszcz został zachowany i dziś znajduje się w Muzeum Bispo do Rosário w Rio de Janeiro.
11. Platforma spiralna Robert Smithson
Najbardziej znaną pracą Roberta Smithsona (1938-1973) jest prawdopodobnie Platforma spiralna która odbyła się w Utah, USA, w 1970 roku.
Zobacz też: 10 słynnych dzieł Romero Britto (komentarz)
W tego typu twórczej manifestacji artysta wykorzystuje naturę do tworzenia dużych instalacji, które wtapiają się w krajobraz.
W tym, wykonanym ze skał wulkanicznych, soli i ziemi, Smithson tworzy przeciwny do ruchu wskazówek zegara spiralny wzór, który wpada do Wielkiego Jeziora Słonego, słonowodnego jeziora w zachodnich Stanach Zjednoczonych.
Jeśli chodzi o land art, artysta definiuje go w następujący sposób:
Wyzwolenie sztuki z przestrzeni galeryjnej i uznanie struktur geologicznych Ziemi za monumentalną formę sztuki, która nie pasuje do muzeów.
12. Bankiet - Judy Chicago
Instalacja O bankiet ( Przyjęcie) jest autorstwa amerykańskiej artystki Judy Chicago (1939-) i został wykonany w 1974 roku.
Jest to najbardziej znane dzieło artystki i symbol ruchu feministycznego. Było wystawiane w kilku krajach i obejrzało je ponad milion osób.
Składa się z trójkątnego stołu o wymiarach 14 x 14 m, z 39 talerzami ozdobionymi motylami, kwiatami i sromami, sztućcami i serwetkami.
Po każdej stronie trójkąta znajduje się 13 siedzeń, co symbolizuje równość. Siedzenia noszą wyhaftowane imiona znaczących kobiet w historii, od mitycznych bogiń po osobistości. Wygląda to tak, jakby bankiet był gotowy do podania, czekając tylko na przybycie tych kobiet.
13. Przekierowanie na czerwono - Cildo Meireles
Praca brazylijskiego artysty Cildo Meirelesa (1948-), Przekierowanie na czerwono to instalacja wyidealizowana w 1967 roku, ale swoją ostateczną wersję miała w 1984 roku.
Jego prace wyróżniają się we współczesnej sztuce brazylijskiej i mają silny ładunek dramatyczny poprzez tworzenie środowisk, które pobudzają zmysły, stawiają pytania i prowokują dyskomfort u publiczności.
Jest to miejsce, w którym kolor czerwony jest zaimpregnowany we wszystkich przedmiotach, sugerując pasję i przemoc. Motywacją do jego stworzenia jest fakt, że artysta stracił przyjaciela dziennikarza, zabitego przez dyktaturę. Jest to więc instalacja, która ma przede wszystkim charakter polityczny.
Obecnie znajduje się w Instytucie Sztuki Współczesnej Inhotim w Minas Gerais.
14. Mamam - Louise Bourgeois
Jest to seria rzeźb francuskiej artystki Louise Bourgeois (1911-2010) przedstawiająca ogromnego pająka. Artystka stworzyła sześć pająków.
Dzięki ogromnym rozmiarom (3 metry wysokości), jeden z nich był już w różnych miejscach w Brazylii.
Mamam co po francusku oznacza matkę, reprezentuje więź między Bourgeois a jego matką, jego doświadczenia z dzieciństwa, jednocześnie nawiązując do przedmiotów takich jak igła i akt tkania.
Louise wyjaśnia, dlaczego reprezentuje swoją matkę w ten sposób:
Moją najlepszą przyjaciółką była moja matka, która była inteligentna, cierpliwa, schludna i pomocna, rozsądna, niezastąpiona jak pająk. Wiedziała, jak się bronić.
15. Dwie Fridy - Frida Kahlo
Dwie Fridy to obraz meksykańskiej artystki Fridy Kahlo (1907-1954) pochodzący z 1939 roku i jedno z jej najbardziej znanych dzieł. Obraz jest autoportretem przedstawiającym zdublowaną postać artystki, siedzącą obok siebie i trzymającą się za ręce.
Na płótnie malarka stara się zsyntetyzować swoją tożsamość, naznaczoną wpływami europejskimi i rdzennymi latynoskimi korzeniami. Frida po lewej stronie ma na sobie białą suknię w stylu wiktoriańskim, a ta po prawej jest ubrana w typowe meksykańskie ubrania.
Tło stanowi niebo pokryte ciężkimi chmurami, które może symbolizować niespokojny, intymny wszechświat artysty.
Obraz ma wymiary 1,73 x 1,73 cm i można go zobaczyć w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Mexico City.
16. Ironia czarnego policjanta - Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) był ważnym czarnoskórym artystą północnoamerykańskim o dosadnej i kontrowersyjnej twórczości. Rozpoczął karierę w sztuce ulicznej, a później podbił galerie.
Jego najbardziej znanym dziełem jest Ironia czarnego policjanta namalowany w 1981 roku w stylu neoekspresjonistycznym.
Jest to oczywista krytyka instytucji policji i rasizmu w USA. Basquiat ukazuje sprzeczność i ironię, która istnieje w fakcie, że czarny mężczyzna jest częścią instytucji znanej z ucisku wobec czarnej populacji.
Artysta sugeruje jednak, że dzieje się tak, ponieważ policja może być formą manipulacji, ucisku, a jednocześnie szansą na pracę dla tej samej populacji.
17. Wycięty kawałek - Yoko Ono
W 1964 roku japońska artystka Yoko Ono (1933-) zaprezentowała w Nowym Jorku jeden z najważniejszych występów w swojej karierze.
Zobacz też: Rupi Kaur: 12 wierszy indyjskiej pisarki z przypisamiW tej skardze, zatytułowanej Wycięty element Artystka siedzi przed publicznością z nożyczkami u boku i zaprasza uczestników do stopniowego cięcia swoich ubrań.
W ten sposób Yoko oddaje się do dyspozycji działań innych, pracując nad pojęciami wrażliwości i tego, co to znaczy być kobietą.
Performance został wykonany, gdy artysta był częścią Grupy Fluxus, utworzonej przez artystów różnych narodowości, która wniosła ważne innowacje do artystycznego wszechświata.
Jak to jest typowe dla tego rodzaju działań, dokumentacja, która pozostała, to zdjęcia i filmy.
18. Niemożliwe - Maria Martins
Rzeźba Niemożliwe to dzieło Brazylijki Marii Martins (1894-1973), wyprodukowane w 1945 r. Jest częścią kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Rio de Janeiro i zostało wykonane z brązu. Dzieło jest najbardziej znanym dziełem artystki, a także znaczącym w rzeźbie brazylijskiej.
Maria Martins transmituje w Niemożliwe Tworzy dwie formy, które odnoszą się do siebie w sposób konfliktowy, gdzie napięcie między nimi jest wyraźne.
Możemy również narysować paralelę między przedstawionymi formami a transformacją człowieka w warzywo, jak dwie mięsożerne rośliny, które na próżno próbują się nawzajem karmić.
Praca może być postrzegana jako wizualna metafora relacji miłosnych, które są znacznie bardziej złożone niż idea romantycznej miłości, która jest nam powszechnie przedstawiana.
