18 belangrijke kunstwerken door de geschiedenis heen

Kunstwerken zijn menselijke uitingen die trachten vragen, overwegingen en betekenissen over te brengen door het creëren van een artistiek product.

Het gaat daarbij meestal om objecten, schilderijen, sculpturen en installaties. Kunstenaars kunnen echter ook een kunstwerk maken waarin geen sprake is van een feitelijke materialisatie, zoals muziek, dans, theater en performance. Verder zijn er uitingen waarin deze kunsttalen met elkaar worden vermengd, waardoor hybride werken ontstaan.

De geschiedenis staat bol van belangrijke kunstwerken die bijdragen tot het begrijpen van de verlangens van een samenleving, de historische en politieke context, de definities van wat mooi is of niet en het gedrag van een bepaalde bevolking.

1. Venus van Willendorf

A Venus van Willendorf is een klein beeldje van een in steen gehouwen vrouwenfiguur uit ongeveer 25.000 jaar voor Christus, nog uit het paleolithicum.

Het team van archeoloog Josef Szombathy vond het in 1908 in Oostenrijk, in de stad Willendorf.

Het beeld, een prehistorisch kunstwerk, toont volumineuze borsten en brede heupen, een vrouwelijk ideaal voor die samenleving, aangezien deze attributen verband hielden met het idee van vruchtbaarheid en overvloed.

2. Mona Lisa - Leonardo da Vinci

Mona Lisa is een schilderij geschilderd tussen 1503 en 1506 door het Italiaanse genie Leonardo da Vinci (1452-1519). Het is erg moeilijk om kunstwerken in te delen in "mate van belangrijkheid", maar we kunnen zeggen dat dit doek wordt beschouwd als het beroemdste kunstwerk ter wereld.

Het schilderij, gemaakt in olieverf op hout, heeft kleine afmetingen, 77 cm x 53 cm, en bevindt zich in het Louvre Museum in Parijs.

Het is een meesterwerk omdat het erin geslaagd is een vrouwenfiguur te portretteren die gehuld is in mysterie, met een lichte onbegrijpelijke glimlach en een blik die geïnterpreteerd kan worden als losbandigheid of sympathie.

Hierdoor werd het beeld populair, werd het op verschillende plaatsen gereproduceerd en kreeg het vele nieuwe interpretaties.

3. Judith onthoofdt Holofernes - Artemisia Gentileschi

Het schilderij Judith onthoofdt Holofernes (1620) van de Italiaanse kunstenares Artemisia Gentileschi (1593-1656) behoort tot de barok en toont een bijbels tafereel uit het Oude Testament.

Het thema was al eerder door andere kunstenaars geschilderd, zozeer zelfs dat Artemisia zich liet inspireren door een doek van Caravaggio om haar versie te componeren.

Zij was een van de eerste vrouwen die in haar tijd enige bekendheid kreeg als kunstenaar, maar na verloop van tijd werd zij vergeten en pas in de jaren zeventig weer echt gewaardeerd.

Het werk in kwestie is belangrijk omdat het de scène weergeeft vanuit een vrouwelijk standpunt en verband houdt met een passage uit het leven van de kunstenares zelf, waarin zij werd verkracht door haar mentor, Agostino Tassi. Zo brengt Artemisia al haar opstand en verontwaardiging over dit mannelijke gedrag over op het doek.

4. De kamer in Arles - Van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) is een van 's werelds meest geprezen kunstenaars. Zijn schilderijen zijn zeer bekend en verschillende ervan hebben een prominente plaats ingenomen in de kunstgeschiedenis, zoals De kamer in Arles In feite maakte de schilder tussen 1888 en 1889 drie zeer vergelijkbare versies van het doek.

In de scène portretteert Van Gogh zijn slaapzaal, toen hij in Arles woonde, in het zuiden van Frankrijk, waar hij de meeste van zijn werken maakte.

We zien een bed met twee kussens, enkele schilderijen aan de muur, stoelen, een halfopen raam en andere details die zijn adres vormen.

Het is een compositie met een intens en levendig kleurenpalet, zoals kenmerkend was voor zijn kunst, en het trekt onze aandacht omdat het de toeschouwer dichter bij de kunstenaar plaatst, alsof hij zijn ruimte met hem deelt.

5. De schietpartij van 3 mei - Goya

De Spaanse schilder Francisco de Goya (1746-1828) schilderde in 1814 De schietpartij van 3 mei Dit schilderij zou een van de meest opvallende en belangrijke portretten van geweld worden.

Het scherm toont de scène van een collectieve executie door de Franse troepen van Napoleon Bonaparte in Madrid tijdens de zogenaamde Schiereilandoorlog (1807-1814). Het gaat om Spaanse burgers die, in verzet tegen de Franse opmars, de straat opgingen om te protesteren en lafhartig werden vermoord.

Het schilderij, 266 x 345 cm, vormt een historische mijlpaal en beïnvloedde andere kunstenaars om ook de verschrikkingen van de oorlog uit te beelden, zoals Pablo Picasso, met het grote paneel Guernica .

De opnames van 3 mei zijn te zien in het Prado Museum in Spanje.

6. De viool van Ingres - Man Ray

De viool van Ingres is een foto gemaakt door de Amerikaanse kunstenaar Man Ray (1890-1976) in 1924. Het beeld is zeer bekend en toont het model Kiki de Montparnasse met haar blote rug, waarop een inkttekening te zien is van de twee akoestische scheuren die in de violen aanwezig zijn.

Het werk is geïnspireerd op een neoklassiek schilderij van Dominique Ingres, getiteld De bader van Valpinçon (1808), waarin de kunstenaar feilloos de rug van een vrouw uitbeeldt.

In de foto reproduceert Man Ray, die deel uitmaakte van de dadaïstische beweging, het tafereel en neemt het element op dat verwijst naar de viool, waarmee hij suggereert dat het lichaam van de vrouw de vormen van het instrument heeft, omdat de kunstenaar een groot muziekliefhebber was.

7. Ontbijt in leer - Meret Oppenheim

Object of Ontbijt in leer Gemaakt door de Zwitserse kunstenaar en fotograaf Meret Oppenheim (1913-1985) in 1936, heeft het werk surrealistische kenmerken.

Dit is een van die werken die bij het publiek een mengeling van tegenstrijdige gewaarwordingen oproepen, want door een set kopjes met dierenhuid te bekleden, presenteert de kunstenaar een zintuiglijke tegenstelling en verandert hij een banaal voorwerp in een kunstwerk, waarbij hij de functie ervan wegneemt.

Meret stelt ook andere beschouwingen over het dagelijks leven en het universum van de vrouw ter discussie, door een indociel en opstandig vrouwelijk karakter te tonen dat als steun een object gebruikt dat staat voor opvoeding en beschaafdheid.

Het werk bevindt zich in het Museum of Modern Art in New York.

8. De bron - toegeschreven aan Marcel Duchamp

Een van de meest emblematische kunstwerken uit de geschiedenis is De fontein, toegeschreven aan de Franse kunstenaar Marcel Duchamp (1887-1968), maar tegenwoordig wordt gespeculeerd dat het een idee was van de Pools-Duitse kunstenares Barones Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).

Duchamp presenteerde het op een tentoonstelling in 1917 en veroorzaakte een schandaal, want het is een eenvoudig porseleinen urinoir met de naam R. Mutt en datum.

Het belang van dit werk is gelegen in het feit dat het een paradigmaverschuiving vertegenwoordigt door een eenvoudig object tot kunst te verheffen, de kunst zelf in twijfel te trekken en een revolutie teweeg te brengen in de manier waarop zij werd geproduceerd, begrepen en gewaardeerd.

9. Het verraad van beelden - René Magritte

Een ander belangrijk werk dat deel uitmaakt van het surrealisme is Het verraad van beelden In deze olieverf op doek zien we de figuur van een pijp met daaronder het opschrift " Ceci n'est pas une pipe ", met als vertaling "Dit is geen pijp".

Het werk valt op in de kunstgeschiedenis omdat het een bevraging van concept en representatie in zich draagt.

Hier presenteert de kunstenaar de figuur van een object en waarschuwt hij de kijker dat dat beeld niet het object zelf is, maar een voorstelling ervan. Zo speelt Magritte een speels en ironisch spel met het beeld en het woord.

Het doek, gedateerd 1929, is momenteel te zien in het Los Angeles County Museum of Art.

10. Presentatiemantel - Arthur Bispo do Rosário

Manto da Apresentação is een werk gemaakt door de Braziliaan Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) tijdens zijn verblijf in het psychiatrisch centrum Colônia Juliano Moreira in Rio de Janeiro.

Bispo do Rosário was een man met psychiatrische stoornissen, die op jonge leeftijd werd opgenomen. Hij maakte veel stukken met de voorwerpen die hij verzamelde en zijn doel was niet artistiek, maar eerder om zijn angsten te uiten.

O Presentatiemantel wordt beschouwd als zijn meest waardevolle werk. Het is een soort cape helemaal geborduurd met de draden van lakens uit het ziekenhuis. Er staan tekeningen op en veel namen van mensen die belangrijk voor hem waren.

Het was bedoeld om op Bispo's lichaam te worden gedragen op het moment van zijn begrafenis, als een heilig gewaad voor zijn aankomst in de hemel. Na de dood van de kunstenaar werd de mantel echter bewaard en tegenwoordig bevindt het zich in het Bispo do Rosário Museum, in Rio de Janeiro.

11. Spiraal Platform door Robert Smithson

Het bekendste werk van Robert Smithson (1938-1973) is misschien wel Spiraal Platform gehouden in Utah, USA, in 1970.

Bij dit soort creatieve uitingen gebruikt de kunstenaar de natuur om grote installaties te maken die opgaan in het landschap.

In dit exemplaar, gemaakt van vulkanisch gesteente, zout en aarde, creëert Smithson een spiraalvormig ontwerp tegen de klok in dat uitmondt in het Great Salt Lake, een zoutwatermeer in het westen van de Verenigde Staten.

De kunstenaar definieert land art als volgt:

De bevrijding van de kunst uit de galerieruimte en de erkenning van de geologische structuren van de aarde als een monumentale kunstvorm die niet in musea past.

12. Het banket - Judy Chicago

De installatie O banket ( Het etentje) is van de Amerikaanse kunstenares Judy Chicago (1939-) en is gemaakt in 1974.

Het is het bekendste werk van de kunstenaar en staat symbool voor de feministische beweging. Het is in verschillende landen tentoongesteld en door meer dan een miljoen mensen gezien.

Het bestaat uit een driehoekige tafel van 14 x 14 m, met 39 borden versierd met vlinders, bloemen en vulva's, bestek en servetten.

Er zijn 13 stoelen aan elke kant van de driehoek, die staat voor gelijkheid. Op de stoelen staan geborduurde namen van belangrijke vrouwen uit de geschiedenis, van mythische godinnen tot persoonlijkheden. Het is alsof er een banket klaarstaat, wachtend op de komst van deze vrouwen.

13. Omleiding naar het rood - Cildo Meireles

Werk van de Braziliaanse kunstenaar Cildo Meireles (1948-), Omleiding naar het rood is een installatie die in 1967 werd geïdealiseerd, maar zijn definitieve versie kreeg in 1984.

Het werk valt op in de hedendaagse Braziliaanse kunst en heeft een sterke dramatische lading door het creëren van omgevingen die de zintuigen prikkelen, vragen oproepen en ongemak bij het publiek uitlokken.

Het is een plek waar de kleur rood in alle objecten is geïmpregneerd, wat passie en geweld suggereert. De motivatie voor de creatie ervan is te wijten aan het feit dat de kunstenaar een bevriende journalist heeft verloren, vermoord door de dictatuur. Dit is dus een installatie die vooral een politiek karakter heeft.

Het is momenteel ondergebracht in het Inhotim Contemporary Art Institute in Minas Gerais.

14. Mamam - Louise Bourgeois

Dit is een serie sculpturen van de Franse kunstenares Louise Bourgeois (1911-2010) die een enorme spin voorstelt. De kunstenares maakte zes spinnen.

Met grote afmetingen (3 meter hoog) is een van hen al op verschillende plaatsen in Brazilië geweest.

Mamam wat in het Frans moeder betekent, verbeeldt de band tussen Bourgeois en zijn moeder, zijn jeugdervaringen, terwijl hij een verband legt met voorwerpen als de naald en het weven.

Louise legt uit waarom ze haar moeder zo voorstelt:

Mijn beste vriendin was mijn moeder, die zo intelligent, geduldig, netjes en behulpzaam, redelijk en onmisbaar was als een spin. Ze wist hoe ze zich moest verdedigen.

15. De twee Fridas - Frida Kahlo

Twee Fridas is een schilderij van de Mexicaanse kunstenares Frida Kahlo (1907-1954) uit 1939, en is een van haar beroemdste werken. De afbeelding is een zelfportret met de dubbele figuur van de kunstenares, de een zittend naast de ander en handen vasthoudend.

Op het doek probeert de schilder haar identiteit, gekenmerkt door Europese invloeden en inheemse Latijnse afkomst, samen te voegen. De linker Frida draagt een witte jurk in Victoriaanse stijl en de rechter is gekleed in typisch Mexicaanse kleding.

De twee tonen het hart en zijn verbonden met een slagader. De achtergrond is een hemel bedekt met zware wolken en symboliseert wellicht het onrustige intieme universum van de kunstenaar.

Het schilderij heeft afmetingen van 1,73 x 1,73 cm en is te zien in het Museum voor Moderne Kunst in Mexico-Stad.

16. De ironie van de zwarte politieman - Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) was een belangrijke zwarte Noord-Amerikaanse kunstenaar met een botte en twistzieke productie. Hij begon zijn carrière in de straatkunst en veroverde later galeries.

Zijn beroemdste werk is De ironie van de zwarte politieman geschilderd in 1981 in een neo-expressionistische stijl.

Basquiat brengt de tegenstrijdigheid en ironie naar voren die bestaat in het feit dat een zwarte man deel uitmaakt van een instelling die bekend staat om haar onderdrukking van de zwarte bevolking.

De kunstenaar suggereert echter dat dit gebeurt omdat de politie een vorm van manipulatie, onderdrukking en tegelijkertijd een kans op werk voor diezelfde bevolking kan zijn.

17. Snij stuk - Yoko Ono

In 1964 gaf de Japanse kunstenares Yoko Ono (1933-) in New York een van de belangrijkste optredens uit haar carrière.

In dit beroep, getiteld Gesneden stuk De kunstenares zit voor een publiek, heeft een schaar aan haar zijde en nodigt de deelnemers uit om geleidelijk hun kleren door te knippen.

Zo stelt Yoko zichzelf ter beschikking van het optreden van anderen, waarbij ze noties van kwetsbaarheid en van wat het is om vrouw te zijn bewerkt.

De voorstelling werd uitgevoerd toen de kunstenaar deel uitmaakte van de Fluxusgroep, die werd gevormd door kunstenaars van verschillende nationaliteiten en die belangrijke vernieuwingen bracht in het artistieke universum.

Zoals typisch is voor dit soort acties, blijven er foto's en video's over.

18. Onmogelijk - Maria Martins

Het beeldhouwwerk Onmogelijk is een werk van de Braziliaanse Maria Martins (1894-1973), gemaakt in 1945. Het maakt deel uit van de collectie van het Museum voor Moderne Kunst in Rio de Janeiro en is uitgevoerd in brons. Het werk is het beroemdste van de kunstenaar en is ook prominent aanwezig in de Braziliaanse beeldhouwkunst.

Maria Martins zendt in Onmogelijk Een gevoel van onmacht en onwaarschijnlijkheid, zoals de titel van het werk suggereert. Ze creëert twee vormen die zich op een conflictueuze manier tot elkaar verhouden, waarbij de spanning tussen beide expliciet is.

We kunnen ook een parallel trekken tussen de gepresenteerde vormen en de transformatie van de mens in een groente, als twee vleesetende planten die tevergeefs proberen zich van elkaar te voeden.

Het werk kan worden gezien als een visuele metafoor voor liefdesrelaties, die veel complexer zijn dan het idee van romantische liefde dat ons gewoonlijk wordt voorgehouden.