20 słynnych dzieł sztuki i ich ciekawostek

Słynne dzieła sztuki w historii mają moc fascynowania i pobudzania ciekawości ludzi od momentu, gdy zyskają uznanie i projekcję.

Wiele z tych utworów zawiera historie i ciekawostki, które często nie są znane ogółowi społeczeństwa.

Wybraliśmy więc emblematyczne i dobrze znane prace i przedstawiamy kilka ciekawostek na ich temat.

1. pieta Michała Anioła (1498-1499)

Jedną z najsłynniejszych rzeźb w historii sztuki jest Pietá który przedstawia Dziewicę Maryję z martwym Jezusem w ramionach.

Rzeźba znajduje się w Bazylice Świętego Piotra w Watykanie i została wykonana w latach 1498-1499 przez renesansowego artystę Michała Anioła.

Ciekawostką, o której niewielu wie na temat tego dzieła, jest to, że jest jedynym podpisanym przez artystę Jego imię można przeczytać na sztandarze na piersi Matki Boskiej, który brzmi: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. Tłumaczenie tej frazy brzmi: Michał Anioł Buonarroti, Florentczyk, stworzył.

Artysta zamieścił swoje nazwisko dopiero po dostarczeniu dzieła. Podpis pojawił się w chwili gniewu, ponieważ krążyły plotki, że autorstwo należy do kogoś innego, ze względu na młody wiek Michała Anioła.

Tak więc, aby rozwiać wątpliwości, geniusz postanowił zaznaczyć swoje imię na rzeźbie, zaznaczając go również w historii.

2. Mona Lisa da Vinci (1503-1506)

Najsłynniejszy obraz na świecie jest również jednym z dzieł o najbardziej interesujących faktach i tajemnicach. Mona Lisa ( La Gioconda (Włoski) to niewielki obraz o wymiarach 77 x 53 cm, który znajduje się w Luwrze w Paryżu.

Namalowany przez Leonarda Da Vinci w latach 1503-1506 olej na drewnie przedstawia portret młodej kobiety o enigmatycznym spojrzeniu i uśmiechu.

W 2015 roku przeprowadzono zaawansowane technologicznie badania w celu sprawdzenia różnych warstw farby i stwierdzono, że w rzeczywistości tak jest, cztery różne portrety w utworze trzy z nich były ukryte za Mona Lisa które znamy dzisiaj.

Inną interesującą ciekawostką odkrytą w tym samym badaniu jest to, że w przeciwieństwie do tego, co sobie wyobrażano, Da Vinci namalował rzęsy i brwi na portrecie, ale na rzeczywistym obrazie nie jest to zauważalne.

Ponadto płótno zostało skradzione już na początku XX wieku W tym czasie podejrzewano malarza Pabla Picassa, ale później odkryto, że były pracownik usunął dzieło z muzeum i próbował je sprzedać.

Istnieje wiele spekulacji i historii dotyczących Mona Lisa co dodatkowo przyczynia się do jej sławy.

3. "Krzyk" Muncha (1893)

Krzyk jest jednym z tych dzieł sztuki, które stają się ikoną historycznego momentu i, co więcej, tłumaczą bardzo specyficzny rodzaj uczucia: udrękę.

Dzieło namalowane przez norweskiego malarza Edwarda Muncha w 1893 roku 4 wersje .

Eksperci twierdzą, że przerażona postać, którą widzimy w centrum obrazu, była inspiracja peruwiańską mumią obecny na wystawie w Paryżu w 1850 roku.

Płótno zostało również skradzione z Galerii Narodowej w Oslo w Norwegii. Kradzież miała miejsce w 1994 roku, a złodzieje mieli czelność zostawić notatkę na miejscu, dziękując za brak ochrony. W następnym roku dzieło zostało odzyskane, a ochrona galerii została wzmocniona.

Dziewczyna z kolczykiem z pereł, autor: Vermer (1665)

Najbardziej znanym dziełem Holendra Johannesa Vermeera jest Dziewczyna z perłowym kolczykiem z 1665 roku.

Jego sława jest ogromna, a obraz trafił do kin w 2003 roku wraz z filmem, który w fabularnej formie opowiada o procesie tworzenia płótna i relacji malarza z modelką.

W rzeczywistości jednak niewiele wiadomo na ten temat, a jedynie to, że inspirującą muzą była młoda kobieta przedstawiona ze spokojem i pewną zmysłowością, widoczną w jej uchylonych ustach.

Klejnot zwisający z jej ucha zyskuje na widoczności na ekranie, ujawniając blask podobny do tego obecnego w jej ustach i oczach.

Ciekawe jest również to, że w rzeczywistości malarz nie umieścił na obrazie haczyka łączącego perłę z płatkiem ucha młodej dziewczyny.

Tak więc kolczyk otrzymuje nadprzyrodzoną funkcję Możemy nawet porównać rekwizyt do samej planety unoszącej się w kosmosie.

Obraz jest tak ikoniczny, że porównuje się go do Mona Lisa uzyskując status " Holenderska Mona Lisa ".

Myśliciel autorstwa Rodina (1917)

Rzeźba The Thinker autorstwa Francuza Auguste'a Rodina, jest jednym z największych dzieł XX wieku.

Fragment Myśliciel

Ukończony w 1917 roku, został początkowo stworzony do komponowania Brama do piekła dzieło, które łączy w sobie kilka rzeźb i zostało wykonane w hołdzie poematowi Dantego Alighieri Boska komedia .

Z sukcesem tej rzeźby w szczególności, powstały nowe wersje W sumie rzeźbiarz stworzył tuzin "nowych myślicieli".

Początkowa nazwa brzmiałaby Poeta w odniesieniu do Alighieriego, ale ponieważ przedstawiona postać nie pasowała do postaci pisarza, została zmieniona na Myśliciel .

Artysta był świadomy geniuszu swojej pracy i nawet stwierdził:

Mój myśliciel myśli nie tylko mózgiem, brwiami, rozszerzonymi nozdrzami i zaciśniętymi ustami, ale także każdym mięśniem rąk, pleców i nóg, zaciśniętą pięścią i zaciśniętymi palcami.

Aby uzyskać bardziej szczegółową analizę, przeczytaj: The Thinker, autorstwa Augusta Rodina.

Abaporu, autor: Tarsila do Amaral (1928)

Kiedy wspomina się o słynnym brazylijskim obrazie, prawie każdy pamięta Abaporu, autorstwa Tarsila do Amaral.

Ikona pierwszej fazy modernizmu w Brazylii, płótno zostało zaprojektowane w 1928 roku i zostało podarowane przez Tarsilę jej mężowi Oswaldowi de Andrade w prezencie.

Porównanie malarstwa i rzeźby Myśliciel Z tego powodu obie prace są ze sobą kojarzone, tak jakby Abaporu był rodzajem "ponownego odczytania" rzeźby Rodina.

Z drugiej strony, wnuczka artysty stwierdziła w wywiadzie z 2019 roku, że w domu Tarsila znajdowało się duże, pochylone lustro. pokazana nieproporcjonalna postać byłaby autoportretem artysty , który stał przed lustrem i obserwował ogromne stopy i dłonie, ze szkodą dla głowy.

W każdym razie płótno stało się symbolem "antropofagizmu", ruchu mającego na celu docenienie brazylijskiej kultury.

Obraz jest jednym z najdroższych w historii i bez wątpienia stanowi kamień milowy w brazylijskiej kulturze, będąc wycenianym na 45-200 milionów dolarów.

Czytaj więcej o: Znaczenie Abaporu.

Trwałość pamięci, autor: Salvador Dalí (1931)

Słynne surrealistyczne płótno Trwałość pamięci autorstwa Hiszpana Salvadora Dalí, przedstawia absurdalny obraz topniejących zegarów, mrówek i much, bezkształtnego ciała i niezwykłego krajobrazu w tle.

Przy zmniejszonych wymiarach (24 x 33 cm), był to stworzony w 1931 roku w zaledwie pięć godzin podczas twórczego katharsis artysty.

Historia głosi, że Dalí zjadł tego dnia ser camembert i źle się poczuł. Podczas gdy jego żona bawiła się z przyjaciółmi, artysta postanowił zostać w domu.

Izolując się w swojej pracowni, stworzył obraz, który stał się jednym z najważniejszych w europejskim ruchu awangardowym.

Aby zagłębić się w analizę tego dzieła, przeczytaj: Dalí's The Persistence of Memory.

8. maman, autor: Bourgeois

Francuska artystka Louise Bourgeois wykonała kilka rzeźb pająków począwszy od lat 90-tych, z których jedna jest znana brazylijskiej publiczności, ponieważ przez wiele lat pozostawała w parku Ibirapuera, będąc częścią kolekcji MAM (Muzeum Sztuki Nowoczesnej w São Paulo).

Słynne pająki są ważne w twórczości Bourgeois, ponieważ są związane z jej dzieciństwem i wspomnieniami z warsztatu renowacji gobelinów jej rodziców.

Ponadto, symbolizują twoją matkę Artystka tak opisała swoją matkę: "Była rozważna, inteligentna, cierpliwa, uspokajająca, rozsądna, delikatna, subtelna, niezbędna, czysta i pożyteczna jak pająk.

Powstało kilka wersji pająków, noszących nazwę Maman, co oznacza "matka".

Wenus z Milo (ok. II w. p.n.e.)

Uważana za symbol klasycznej sztuki greckiej, rzeźba Wenus z Milo została znaleziona przez Yorgosa Kentrotasa, greckiego chłopa, w 1820 roku na wyspie Milos na Morzu Egejskim.

Fragment Wenus z Milo

W wydarzeniu uczestniczył również francuski żeglarz Olivier Voutier, który zachęcił Yorgosa do odnalezienia tego utworu.

Podczas wykopalisk znaleziono również inne fragmenty, takie jak dłoń trzymająca jabłko i dwa filary z męskimi popiersiami.

Po negocjacjach dzieło pozostało w posiadaniu Francuzów i obecnie jest częścią Muzeum Luwru w Paryżu.

Francja doświadczała w tym okresie rewaloryzacji klasycznej kultury greckiej i entuzjazm wzbudziło nabycie takiej relikwii.

W momencie jego odkrycia na jego podstawie znaleziono inskrypcję z tekstem: "Aleksander, syn Menidesa, obywatel Antiochii, wykonał ten posąg".

Antiochia była tureckim miastem założonym sto lat po klasycznym okresie greckim. Tak więc, Wenus z Milos nie jest rzeźbą pochodzącą ze starożytnej Grecji .

Jednak Francuzi byli bardzo sfrustrowani możliwym autorstwem, a dyrektor Luwru zatrudnił ekspertów do analizy dzieła. Twierdzono wówczas, że podstawa rzeźby została wbudowana później, a Wenus została wyrzeźbiona przez Praksytelesa, słynnego greckiego rzeźbiarza w starożytności. Podstawa została odrzucona przez Francuzów.

Później, po dalszych badaniach, odkryto, że rzeźba była w rzeczywistości dziełem Aleksandra z Menides.

Posąg został wykonany z marmuru, mierzy 2 metry wysokości i waży około 1 tony.

10. fontanna przypisywana Duchampowi (1917)

W 1917 roku rzeźba została umieszczona w sali wystawowej Źródło porcelanowy pisuar sygnowany nazwiskiem R. Mutta.

Dzieło wywołało skandal, ponieważ kwestionuje to, co można, a czego nie można podnieść do rangi sztuki. W ten sposób stało się jednym z najsłynniejszych i najważniejszych dzieł ruchu dadaistycznego, dyktując nowe kierunki dla sztuki nowoczesnej, a później dla sztuki współczesnej.

Ale ciekawostką, o której nie wszyscy wiedzą, jest to, że Pomysł na tę pracę mógł nie być pomysłem Marcela Duchampa. francuskiego artysty, który jest znany ze stworzenia tego dzieła, ale od jego przyjaciela artysty, Niemca Baronowa Elsa von Freytag Loringhoven .

Spekulacje te powstały na podstawie listów samego Duchampa, w których stwierdza on:

Jeden z moich przyjaciół, który przyjął pseudonim Richard Mutt, wysłał mi porcelanowy pisuar jako rzeźbę; ponieważ nie było w nim nic nieprzyzwoitego, nie było powodu, by go odrzucać.

11. gwiaździsta noc, Van Gogh (1889)

Jednym z najczęściej reprodukowanych współczesnych obrazów jest Gwiaździsta noc autorstwa Holendra Vincenta Van Gogha.

Namalowane w 1889 roku płótno o wymiarach 73 x 92 cm przedstawia nocny krajobraz z ogromnym niebem, które porusza się spiralnie, sugerując emocjonalne zawirowania, których doświadczał artysta.

Dzieło powstało podczas jego dobrowolnego pobytu w szpitalu psychiatrycznym w Saint-Rémy-de-Provence i przedstawia widok z okna jego sypialni w połączeniu z elementami wyobraźni.

Tak więc wioska i mały kościół nawiązują do Holandii, w której spędził młodość.

Badania sugerują, że przedstawione niebo pokazuje dokładną pozycję gwiazd w danym momencie wykazując się świetną znajomością astronomii.

Dziewczęta, Velasquez (1656)

Obraz Dziewczyny autorstwa słynnego hiszpańskiego malarza Diego Velázqueza, został wykonany w 1656 roku i znajduje się w Muzeum Prado w Madrycie.

Obraz przedstawia rodzinę królewską monarchy Filipa IV i zawiera kilka ciekawych elementów, które nadają zaskakującą i oryginalną atmosferę, prowadząc widza do wyobrażenia sobie całej narracji wokół postaci.

Jest to innowacyjne dzieło, ponieważ w odważny sposób zajmuje się perspektywą, tworząc Środowisko wieloplanowe Pojawia się na nim również postać samego artysty w autoportrecie, na którym jest on przedstawiony w wyniosły sposób, w poszukiwaniu uznania dla swojej profesji.

Scena przedstawia małą księżniczkę Małgorzatę w centrum obok dam dworu i dworskich postaci rozrywkowych, takich jak pies i osoby niepełnosprawne po prawej stronie.

O para królewska jest przedstawiona w małym lustrze obok drzwi.

Innym interesującym pytaniem, które sugeruje płótno, jest to, co może być tematem obrazu Velázqueza w samym obrazie.

Aby lepiej zrozumieć płótno, przeczytaj: Dziewczęta Velázqueza: analiza dzieła.

Pocałunek Klimta (1908)

Jednym z najbardziej znanych na całym świecie dzieł sztuki, które jest obecnie drukowane na różnych przedmiotach, jest Pocałunek autorstwa Austriaka Gustava Klimta.

Wyprodukowane w 1908 roku płótno przedstawia miłość pary i jest częścią tak zwanej złotej fazy artysty, który używał złoty liść jako jeden z materiałów .

Na obrazie widzimy, że płaszcz zakrywający postacie ma okrągłe, prostokątne i małe kropki w różnych kolorach.

A Inspiracją dla takiej standaryzacji były obrazy płytek krwi , studiował pod mikroskopem w czasie, gdy naukowcy byli zafascynowani odkryciami w nowej aparaturze.

Na wiele lat przed stworzeniem płótna artysta tworzył już prace inspirowane tematyką medyczną.

W ten sposób można zidentyfikować pragnienie Klimta, aby połączyć romantyczny temat z materializacją ludzkiego ciała.

Aby dowiedzieć się więcej, przeczytaj: Pocałunek Gustava Klimta.

Salvator Mundi, przypisywany Leonardowi Da Vinci (około 1500 r.)

Najbardziej kontrowersyjnym dziełem przypisywanym Da Vinci jest płótno Salvator Mundi który przedstawia Jezusa Chrystusa w stylu renesansowym.

Chociaż istnieją kontrowersje dotyczące autorstwa obrazu, jest to najdroższe dzieło kiedykolwiek sprzedane na aukcji Cena zapłacona za olej na płótnie wyniosła 450 milionów dolarów w 2017 roku.

Obecnie nie wiadomo dokładnie, gdzie znajduje się obraz, ale był on kupiony przez saudyjskiego księcia Kiedy został nabyty, zakładano, że zostanie wystawiony w Luwrze w Abu Zabi, ale tak się nie stało. Dziś spekuluje się, że znajduje się na jednej z łodzi księcia.

Farmer kawy, autor: Portinari (1934)

Rolnik uprawiający kawę to obraz Cândido Portinariego z 1934 r. Scena przedstawia robotnika polowego z motyką, duże bose stopy, plantację kawy i pociąg przecinający krajobraz.

Jest to jedno z najbardziej reprezentatywnych dzieł słynnego brazylijskiego malarza. współpraca pracownika Niltona Rodriguesa, który pozował również do innych płócien jak Metys e Kawa .

Pomimo niskiej jakości materiału wideo, warto obejrzeć fragment wywiadu z byłym myśliwym z Globo Repórter z 1980 roku.

16) Artysta jest obecny, Marina Abramović (2010)

Jednym z najbardziej udanych występów serbskiej artystki Mariny Abramović jest Artysta jest obecny w tłumaczeniu Artysta jest obecny .

Odbywająca się w 2010 roku w MoMA (Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku) praca była akcją, w której Marina była obecna na wystawie swojej kariery artystycznej.

Pozostała w pozycji siedzącej, wpatrując się w gości, którzy jeden po drugim stawali przed nią.

Punktem kulminacyjnym tego występu i powodem, dla którego zyskał on projekcję, był udział jej byłego kolegi (a także artysty) Ulaya, stojącego twarzą w twarz z Mariną.

Oboje nie mieli już kontaktu, ale przez 12 lat byli kochankami i partnerami w kilku pracach W ten sposób połączenie między nimi, spojrzenia i gesty zostały zarejestrowane i poruszyły publiczność.

Seria Silhouettes, autor: Ana Mendieta (1973-1980)

Ana Mendieta (1948-1985) była ważną kubańską artystką, która tworzyła głównie w latach 70., a jej polem działania była sztuka ciała i performance, języki sztuki współczesnej, poruszające kwestie związane z feminizmem.

Najbardziej znanym dziełem artysty była seria Sylwetki w którym wykorzystuje swoje ciało do integracji z naturą, starając się zaznaczyć swoje kobiece ciało w świecie, a także duchowe połączenie z całością.

Ciekawostka, którą tu przedstawiamy, nie dotyczy konkretnie tej serii, ale samej artystki. Ana przyniosła silne refleksje na temat ciała i przemocy wobec kobiet i jak na ironię zginął w wątpliwych okolicznościach, co sugeruje kobietobójstwo .

W 1985 roku artystka zmarła młodo po kłótni z mężem, artystą Carlem Andre. Spadła z 34. piętra budynku, w którym mieszkała.

Śmierć została uznana za samobójstwo, ale istnieją mocne dowody na to, że Carl ją popchnął. Jej mąż został osądzony 3 lata później i uniewinniony.

Zdrada obrazów, René Magritte (1928-29)

Jedną z ikon ruchu surrealistycznego był Belg René Magritte. Malarz lubił bawić się obrazami, aby tworzyć sprzeczności i refleksje wykraczające poza proste przedstawienie figuratywne.

Słynny obraz Zdrada obrazów dobrze ilustruje tę cechę jego twórczości, wkraczając w historię sztuki jako wyzwanie i prowokacja.

Na płótnie widzimy obraz fajki i zdanie w języku francuskim, które mówi "To nie jest fajka". W ten sposób malarz podkreśla różnicę między reprezentacją a samym przedmiotem.

Namalowane w 1928 roku dzieło znajduje się obecnie w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles.

Ciekawostką jest to, że w czasie, gdy ta praca została zaprezentowana, była ona szeroko dyskutowana, stając się kontrowersyjny i niezrozumiany .

Wielka fala Kanagawy, autor: Hokusai (1820-30)

Jednym z najbardziej znanych japońskich drzeworytów jest Wielka fala w Kanagawie stworzony około 1820 roku przez Hokusai, mistrza techniki ukiyo-e, japońskiego druku.

Obraz jest znany na całym świecie, zachwycając publiczność bogatymi szczegółami i dramatycznym charakterem morza. Ale ciekawostką jest to, że Zamiarem artysty było sportretowanie głównie góry Fuji w tle krajobrazu.

Praca jest częścią serii "Thirty-six Views of Mount Fuji", w której góra jest pokazana w różnych porach roku i widziana z różnych miejsc.

Pod koniec XIX wieku sztuka japońska stała się popularna na Zachodzie. Dzieło to, którego powstało wiele kopii, stało się znane europejskim kolekcjonerom, a w wielu muzeach znajdowały się jego reprodukcje.

W ten sposób powstały japońskie drzeworyty - a ten w szczególności źródło inspiracji dla europejskich artystów przyczyniając się do powstania dzieł Van Gogha, Moneta, Klimta, Mary Cassat i wielu innych.

20. żółty dom, Anita Malfatti (1915)

W 1917 roku, a więc 5 lat przed Tygodniem Sztuki Nowoczesnej, Anita Malfatti zorganizowała w Brazylii wystawę prezentującą jej prace powstałe podczas studiów za granicą.

Żółty człowiek był częścią tej wystawy, a także Tygodnia 22, będąc jednym z jego dzieł o największym wpływie.

Kształty i kolory użyte przez artystę w tym dziele wywołały kontrowersje w czasie, gdy sztuka nowoczesna wciąż napływała do kraju.

Mężczyzna reprezentowany przez Anitę jest według niej obrazem biedny włoski imigrant, który wygląda na bezradnego .