20 de opere de artă celebre și curiozitățile lor

Operele de artă celebre din istorie au puterea de a fascina și de a stimula curiozitatea oamenilor din momentul în care au dobândit recunoaștere și proiecție.

Multe dintre aceste piese au povești și curiozități care, de multe ori, nu ajung în atenția publicului larg.

Așadar, am selectat lucrări emblematice și cunoscute și vă prezentăm câteva dintre curiozitățile care le înconjoară.

1. Pietá de Michelangelo (1498-1499)

Una dintre cele mai cunoscute sculpturi din istoria artei este Pietá care o reprezintă pe Fecioara Maria cu Iisus fără viață în brațele ei.

Sculptura poate fi văzută în Bazilica Sfântul Petru din Vatican și a fost realizată între 1498 și 1499 de artistul renascentist Michelangelo.

O curiozitate pe care puțini o știu despre această lucrare este că ea este singurul semnat de artist Numele său poate fi citit pe un stindard pe pieptul Fecioarei Maria, pe care scrie: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. Traducerea frazei este: Michelangelo Buonarroti, florentinul, a făcut.

Artistul și-a inclus numele abia după ce piesa fusese deja livrată. Semnătura a apărut într-un moment de furie, deoarece circulau zvonuri că autorul ar fi aparținut altcuiva, din cauza vârstei fragede a lui Michelangelo.

Așa că, pentru a clarifica îndoielile, geniul a decis să îi înscrie numele pe sculptură, marcându-l astfel și pe el în istorie.

2. Mona Lisa a lui da Vinci (1503-1506)

Cea mai faimoasă pictură din lume este, de asemenea, una dintre operele cu cele mai curioase fapte și mistere. Mona Lisa ( La Gioconda (italiană) este un mic tablou de 77 x 53 cm care se află la Muzeul Luvru din Paris.

Pictat de Leonardo Da Vinci între 1503 și 1506, acest ulei pe lemn prezintă portretul unei tinere cu o privire și un zâmbet enigmatic.

În 2015 au fost efectuate studii de înaltă tehnologie pentru a verifica diferitele straturi de vopsea și s-a constatat că există, de fapt, patru portrete distincte în lucrare trei dintre ei erau ascunși în spatele Mona Lisa pe care o cunoaștem astăzi.

O altă curiozitate interesantă descoperită în cadrul aceluiași studiu este că, spre deosebire de ceea ce se credea, Da Vinci a pictat genele și sprâncenele pe portret, dar în pictura reală nu se observă.

În plus, în cadrul pânza era deja furată la începutul secolului XX La momentul respectiv, a fost suspectat pictorul Pablo Picasso, dar ulterior s-a descoperit că un fost angajat a scos lucrarea din muzeu și a încercat să o vândă.

Există multe speculații și povești în jurul lui Mona Lisa ceea ce contribuie și mai mult la faima sa.

Țipătul, de Munch (1893)

Țipătul este una dintre acele opere de artă care devin o icoană a unui moment istoric și, mai mult decât atât, traduc un tip foarte specific de sentiment: angoasa.

Pictată de norvegianul Edward Munch în 1893, lucrarea a 4 versiuni .

Experții susțin că figura îngrozită pe care o vedem în centrul imaginii a fost inspirație o mumie peruviană prezentă la o expoziție din 1850 la Paris.

Pânza a fost furată și de la Galeria Națională din Oslo, Norvegia. Furtul a avut loc în 1994, iar hoții au avut îndrăzneala să lase un bilet la fața locului în care mulțumeau pentru lipsa de securitate. În anul următor, opera a fost recuperată, iar securitatea galeriei a fost întărită.

Fata cu cercel de perlă, de Vermer (1665)

Cea mai cunoscută lucrare a olandezului Johannes Vermeer este Fata cu un cercel de perle din 1665.

Faima sa este enormă, iar tabloul a ajuns în cinematografe în 2003, cu un film care povestește, sub formă de ficțiune, cum a decurs procesul de creare a pânzei și relația pictorului cu modelul.

Dar în realitate se știu puține lucruri despre ea, doar că muza inspiratoare a fost o tânără femeie portretizată cu seninătate și o anumită senzualitate, observată în buzele întredeschise.

Bijuteria care îi atârnă de ureche capătă importanță pe ecran, dezvăluind o strălucire similară cu cea prezentă în buzele și ochii ei.

De asemenea, este curios să observăm că, în realitate, pictorul nu a inserat în imagine un cârlig care să lege perla de lobul urechii tinerei fete.

Prin urmare, se poate spune că cercel primește o caracteristică supranaturală Putem chiar să comparăm recuzita cu planeta însăși care plutește în spațiu.

Pictura este atât de iconică încât este comparată cu Mona Lisa ceea ce i-a adus statutul de " Mona Lisa olandeză ".

Gânditorul, de Rodin (1917)

Sculptura Gânditorul a francezului Auguste Rodin, este una dintre marile opere ale secolului XX.

Fragment de Gânditorul

Finalizat în 1917, a fost creat inițial pentru a compune Poarta către iad o lucrare care integrează mai multe sculpturi și care a fost realizată în semn de omagiu pentru poemul lui Dante Alighieri Divina Comedie .

Odată cu succesul acestei sculpturi, în special, au fost realizate noi versiuni În total, sculptorul a realizat o duzină de "noi gânditori".

Numele inițial ar fi Poetul cu referire la Alighieri, dar cum figura înfățișată nu se potrivea cu cea a scriitorului, a fost schimbată în Gânditorul .

Artistul era conștient de geniul operei sale și chiar a declarat:

Ceea ce gândește gânditorul meu este că gândește nu numai cu creierul, cu sprâncenele, cu nările dilatate și buzele comprimate, ci și cu fiecare mușchi din brațe, spate și picioare, cu pumnul strâns și cu degetele de la picioare strânse.

Pentru o analiză mai detaliată, citiți: Gânditorul, de August Rodin.

Abaporu, de Tarsila do Amaral (1928)

Când se vorbește despre o pictură braziliană celebră, aproape toată lumea își amintește de Abaporu, de Tarsila do Amaral.

O icoană a primei faze a modernismului în Brazilia, pânza a fost proiectată în 1928 și a fost oferită cadou de Tarsila soțului ei, Oswald de Andrade.

Comparând pictura și sculptura Gânditorul Din acest motiv, cele două lucrări sunt asociate una cu cealaltă, ca și cum Abaporu ar fi un fel de "relectură" a sculpturii lui Rodin.

Pe de altă parte, nepoata artistului a declarat într-un interviu acordat în 2019 că în casa lui Tarsila exista o oglindă mare înclinată. Astfel, se poate spune că figura disproporționată prezentată ar fi un autoportret al artistului , care stătea în fața oglinzii și observa picioarele și mâinile enorme, în detrimentul capului.

În orice caz, pânza a devenit un simbol al "antropofagismului", o mișcare care urmărea să valorifice cultura braziliană.

Tabloul este unul dintre cele mai scumpe din istorie și, fără îndoială, un punct de reper în cultura braziliană, fiind evaluat la 45-200 de milioane de dolari.

Citiți mai multe la: Semnificația lui Abaporu.

Persistența memoriei, de Salvador Dalí (1931)

Celebra pânză suprarealistă Persistența memoriei a spaniolului Salvador Dalí, prezintă imaginea absurdă a unor ceasuri care se topesc, furnici și muște, un corp fără formă și un peisaj neobișnuit în fundal.

Cu dimensiuni reduse (24 x 33 cm), a fost creat în 1931 în doar cinci ore în timpul unui catharsis creativ al artistului.

Povestea spune că Dalí mâncase brânză camembert în acea zi și nu se simțea bine. În timp ce soția sa se distra cu prietenii, artistul a decis să rămână acasă.

Izolându-se în atelierul său, a conceput pictura care a devenit una dintre cele mai importante ale mișcării avangardei europene.

Pentru a aprofunda analiza acestei opere, citiți: The Persistence of Memory a lui Dalí.

8. maman, de Bourgeois

Artista franceză Louise Bourgeois a realizat mai multe sculpturi de păianjen începând cu anii 1990, dintre care una este cunoscută publicului brazilian deoarece a rămas mulți ani în Parcul Ibirapuera, făcând parte din colecția MAM (Muzeul de Artă Modernă din São Paulo).

Faimoșii păianjeni sunt importanți în opera lui Bourgeois, deoarece sunt legați de copilăria sa și de amintirile legate de atelierul de restaurare de tapiserie al părinților săi.

În plus, simbolizează mama ta Artista și-a descris mama în felul următor: "Era deliberată, inteligentă, răbdătoare, liniștitoare, rezonabilă, delicată, subtilă, indispensabilă, pură și utilă ca un păianjen.

Au fost realizate mai multe versiuni de păianjeni, purtând numele Maman, care înseamnă "mamă".

Venus din Milo (circa secolul al II-lea î.Hr.)

Considerată un simbol al artei clasice grecești, sculptura Venus din Milo a fost găsit de Yorgos Kentrotas, un țăran grec, în 1820, pe insula Milos din Marea Egee.

Fragment din Venus din Milo

Cu această ocazie a fost prezent și marinarul francez Olivier Voutier, care l-a încurajat pe Yorgos să dezgroape piesa.

În timpul săpăturilor au fost găsite și alte fragmente, cum ar fi o mână care ține un măr și doi piloni cu busturi masculine.

În urma negocierilor, lucrarea a rămas în posesia francezilor, iar în prezent face parte din Muzeul Luvru din Paris.

În acea perioadă, Franța trăia o perioadă de revalorizare a culturii clasice grecești, iar achiziția unei astfel de relicve a stârnit entuziasm.

La momentul descoperirii sale, pe soclu a fost găsită o inscripție cu textul: "Alexandru, fiul lui Menides, cetățean al Antiohiei, a făcut statuia".

Antiohia a fost un oraș turcesc fondat la un secol după perioada greacă clasică. Astfel, Venus din Milos nu este o sculptură originară din Grecia Antică .

Cu toate acestea, francezii au fost foarte frustrați de posibila paternitate, iar directorul Muzeului Luvru a angajat experți pentru a analiza piesa. S-a afirmat atunci că baza sculpturii fusese încorporată ulterior și că Venus fusese sculptată de Praxíteles, un sculptor grec celebru în antichitate. Baza a fost aruncată la gunoi de către francezi.

Ulterior, după studii suplimentare, s-a descoperit că sculptura era de fapt o creație a lui Alexandru din Menides.

Statuia a fost realizată din marmură, măsoară 2 metri înălțime și cântărește aproximativ 1 tonă.

10. Fântână, atribuită lui Duchamp (1917)

În 1917 sculptura a fost introdusă într-o sală de expoziție Sursa , un pisoar din porțelan semnat cu numele R. Mutt.

Piesa a provocat un scandal, deoarece pune în discuție ceea ce poate sau nu poate fi ridicat la statutul de artă. Astfel, a devenit una dintre cele mai faimoase și importante lucrări ale mișcării dadaiste, dictând noi direcții pentru arta modernă și, mai târziu, pentru arta contemporană.

Dar o curiozitate pe care nu toată lumea o știe este că este posibil ca ideea pentru această lucrare să nu fi fost a lui Marcel Duchamp. artistul francez celebru pentru crearea piesei, ci de la un artist prieten de-al său, germanul Baroneasa Elsa von Freytag Loringhoven .

Aceste speculații au apărut din scrisori ale lui Duchamp însuși, în care acesta declara:

Unul dintre prietenii mei, care a adoptat pseudonimul Richard Mutt, mi-a trimis ca sculptură un pisoar de porțelan; cum nu era nimic indecent în el, nu aveam niciun motiv să îl resping.

11. Noaptea înstelată, de Van Gogh (1889)

Una dintre cele mai reproduse picturi contemporane este Noaptea înstelată de olandezul Vincent Van Gogh.

Pictată în 1889, pânza de 73 x 92 cm prezintă un peisaj nocturn cu un cer imens care se mișcă în spirală, sugerând tulburările emoționale pe care le trăia artistul.

Lucrarea a fost concepută în timpul perioadei de voluntariat în spitalul de psihiatrie din Saint-Rémy-de-Provence și înfățișează priveliștea de la fereastra dormitorului său, combinată cu elemente de imaginație.

Astfel, satul și mica biserică fac aluzie la Țările de Jos, unde și-a petrecut tinerețea.

Studiile sugerează că cerul reprezentat arată poziția exactă a stelelor în acel moment arătând mari cunoștințe de astronomie.

Fetele, Velasquez (1656)

Pictura Fetele a celebrului pictor spaniol Diego Velázquez, a fost realizat în 1656 și se află la Muzeul Prado din Madrid.

Imaginea înfățișează familia regală a monarhului Filip al IV-lea și prezintă câteva elemente curioase care conferă o atmosferă surprinzătoare și originală, determinând privitorul să își imagineze o întreagă narațiune în jurul personajelor.

Este o lucrare inovatoare, deoarece abordează perspectiva într-un mod îndrăzneț, creând o mediu multi-plan De asemenea, în el apare figura artistului însuși într-un autoportret în care este portretizat într-o manieră arogantă, în căutarea recunoașterii profesiei sale.

Scena o prezintă pe micuța prințesă Margareta în centru, alături de doamnele de onoare și de figurile de divertisment de la curte, cum ar fi câinele și persoanele cu dizabilități din dreapta.

O cuplul regal este portretizat într-o oglindă mică lângă ușă.

O altă întrebare interesantă pe care o sugerează pânza se referă la subiectul picturii lui Velázquez în interiorul picturii însăși.

Pentru o mai bună înțelegere a pânzei, citiți: Fetele, de Velázquez: o analiză a operei.

Sărutul, de Klimt (1908)

Una dintre cele mai cunoscute opere de artă la nivel mondial, care în prezent este imprimată pe o varietate de obiecte, este Sărutul de austriacul Gustav Klimt.

Realizată în 1908, pânza înfățișează dragostea unui cuplu și face parte din așa-numita fază de aur a artistului, care a folosit frunza de aur ca unul dintre materiale .

În imagine se observă că mantia care acoperă personajele are puncte circulare, dreptunghiulare și mici de diferite culori.

A inspirația pentru o astfel de standardizare a venit de la imagini ale trombocitelor din sânge , studiat la microscop la vremea respectivă, când oamenii de știință erau fascinați de descoperirile din noul aparat.

Cu ani înainte de crearea pânzei, artistul realizase deja lucrări inspirate de teme medicale.

Astfel, este posibil să identificăm o dorință a lui Klimt de a uni tema romantică cu materializarea corpului uman.

Pentru a afla mai multe, citiți: Sărutul, de Gustav Klimt.

Salvator Mundi, atribuit lui Leonardo Da Vinci (circa 1500)

Cea mai controversată lucrare atribuită lui Da Vinci este pânza Salvator Mundi care îl înfățișează pe Iisus Hristos în stil renascentist.

Deși există controverse cu privire la paternitatea tabloului, acesta este cea mai scumpă lucrare vândută vreodată la licitație Prețul plătit pentru uleiul pe pânză a fost de 450 de milioane de dolari în 2017.

În prezent nu se știe cu exactitate unde se află tabloul, dar a fost cumpărată de un prinț saudit Atunci când a fost achiziționat, ideea era că va fi expus la Muzeul Luvru din Abu Dhabi, ceea ce nu s-a întâmplat. În prezent, se speculează că se află pe una dintre bărcile prințului.

Cultivatorul de cafea, de Portinari (1934)

Cultivatorul de cafea este o pictură realizată de Cândido Portinari în 1934. Scena prezintă un muncitor de câmp cu o sapă, cu picioarele mari și goale, o plantație de cafea și un tren care taie peisajul.

Este una dintre cele mai reprezentative lucrări ale celebrului pictor brazilian și colaborarea muncitorului Nilton Rodrigues, care a pozat și pentru alte pânze ca Mestizo e Cafea .

În ciuda calității scăzute a videoclipului, merită să vedeți un fragment din interviul din 1980 al Globo Repórter cu fostul spălător.

16. The Artist Is Present, de Marina Abramović (2010)

Unul dintre cele mai de succes spectacole ale artistei sârbe Marina Abramović este Artistul este prezent în traducere Artistul este prezent .

Prezentată în 2010 la MoMA (Muzeul de Artă Modernă din New York), lucrarea a fost o acțiune în care Marina a fost prezentă la o expoziție a carierei sale artistice.

Ea a rămas așezată, privindu-i fix pe vizitatori, care se aflau unul câte unul în fața ei.

Punctul culminant al acestui spectacol și motivul pentru care a fost proiectat a fost participarea fostului său partener (și artist) Ulay, care stă față în față cu Marina.

Cei doi nu au mai avut contacte, dar timp de 12 ani au fost iubiți și parteneri în mai multe lucrări Astfel, legătura dintre ei, privirile și gesturile au fost înregistrate și au emoționat publicul.

Seria Silhouettes, de Ana Mendieta (1973-1980)

Ana Mendieta (1948-1985) a fost o importantă artistă cubaneză. Producția sa s-a desfășurat în principal în anii '70, iar domeniul său de acțiune a fost body art și performance, limbaje ale artei contemporane, pentru a aduce în discuție probleme legate de feminism.

Cea mai cunoscută lucrare a artistului a fost seria Siluete în care își folosește corpul pentru a se integra în natură, căutând să-și marcheze corpul feminin în lume și, de asemenea, o conexiune spirituală cu întregul.

Curiozitatea pe care o aducem aici nu se referă în mod special la această serie, ci la artista însăși. Ana a adus puternic reflecții asupra corpului și a violenței împotriva femeilor și, în mod ironic, a murit în circumstanțe dubioase, ceea ce sugerează feminicid .

În 1985, artista a murit de tânără, după o ceartă cu soțul ei, artistul Carl Andre, și a căzut de la etajul 34 al clădirii în care locuia.

Moartea a fost înregistrată ca fiind o sinucidere, dar există dovezi solide că Carl a împins-o. Soțul ei a fost judecat 3 ani mai târziu și achitat.

Trădarea imaginilor, de René Magritte (1928-29)

Unul dintre simbolurile mișcării suprarealiste a fost belgianul René Magritte. Pictorului îi plăcea să se joace cu imaginile pentru a crea contradicții și reflecții dincolo de simpla reprezentare figurativă.

Celebrul tablou Trădarea imaginilor exemplifică bine această caracteristică a operei sale, intrând în istoria artei ca o provocare și o provocare.

Pe pânză vedem o pictură a unei pipe și o frază în franceză care spune "Aceasta nu este o pipă". Astfel, pictorul subliniază diferența dintre reprezentare și obiectul în sine.

Pictată în 1928, lucrarea se află în prezent la Los Angeles County Museum of Art.

O curiozitate este că, la momentul prezentării acestei lucrări, ea a fost foarte discutată, devenind controversat și neînțeles .

Marele val din Kanagawa, de Hokusai (1820-30)

Una dintre cele mai cunoscute xilogravuri japoneze este Marele val din Kanagawa creată în jurul anului 1820 de Hokusai, maestru al tehnicii ukiyo-e, tipărirea japoneză.

Imaginea este cunoscută în întreaga lume, fermecând publicul cu bogăția de detalii și caracterul dramatic al mării. Însă, lucrul curios este că intenția artistului a fost de a portretiza în principal Muntele Fuji în fundalul peisajului.

Lucrarea face parte din seria "Treizeci și șase de vederi ale Muntelui Fuji", în care muntele este prezentat în diferite perioade ale anului și văzut din diferite locuri.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, arta japoneză a devenit populară în Occident. Această lucrare, din care s-au făcut numeroase copii, a devenit cunoscută de colecționarii europeni și multe muzee au adăpostit reproduceri ale lucrării.

Astfel, xilogravura japoneză - și aceasta în special - a ajuns să fie o sursă de inspirație pentru artiștii europeni contribuind la operele lui Van Gogh, Monet, Klimt, Mary Cassat și mulți alții.

20. Casa galbenă, de Anita Malfatti (1915)

În 1917, deci cu 5 ani înainte de Săptămâna Artei Moderne, Anita Malfatti a organizat o expoziție în Brazilia, prezentându-și producția în timp ce studia în străinătate.

Omul galben a făcut parte din această expoziție, dar și din Săptămâna 22, fiind una dintre lucrările sale de mare impact.

Formele și culorile folosite de artist în această lucrare au stârnit controverse într-o perioadă în care arta modernă era încă în curs de sosire în țară.

Bărbatul reprezentat de Anita este, potrivit acesteia, imaginea unui imigrant italian sărac care afișează o privire de neputință .