Sommario
Le opere d'arte più famose della storia hanno il potere di affascinare e stimolare la curiosità delle persone dal momento in cui vengono riconosciute e proiettate.
Molti di questi pezzi hanno storie e fatti curiosi che spesso non sono noti al grande pubblico.
Abbiamo quindi selezionato opere emblematiche e conosciute e vi proponiamo alcune delle curiosità che le circondano.
1. pietá di Michelangelo (1498-1499)
Una delle sculture più famose della storia dell'arte è Pietá che rappresenta la Vergine Maria con Gesù senza vita tra le braccia.
La scultura si trova nella Basilica di San Pietro in Vaticano e fu realizzata tra il 1498 e il 1499 dall'artista rinascimentale Michelangelo.
Una curiosità che pochi conoscono dell'opera è che essa è l'unico firmato dall'artista Il suo nome si legge su uno stendardo posto sul petto della Vergine Maria, che recita: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. La traduzione della frase recita: Michelangelo Buonarroti, il fiorentino, fece.
L'artista inserì il suo nome solo dopo che l'opera era già stata consegnata. La firma avvenne in un momento di rabbia, poiché circolavano voci che la paternità fosse di qualcun altro, a causa della giovane età di Michelangelo.
Così, per chiarire i dubbi, il genio decise di apporre il suo nome sulla scultura, segnandolo anche nella storia.
2. La Gioconda di da Vinci (1503-1506)
Il dipinto più famoso del mondo è anche una delle opere con i fatti più curiosi e misteriosi. Monna Lisa ( La Gioconda (italiano) è un piccolo dipinto di 77 x 53 cm che si trova al Museo del Louvre di Parigi.
Dipinto da Leonardo Da Vinci tra il 1503 e il 1506, questo olio su tavola mostra il ritratto di una giovane donna dallo sguardo e dal sorriso enigmatici.
Nel 2015 sono stati effettuati studi ad alta tecnologia per verificare i vari strati di vernice e si è scoperto che in effetti ci sono, quattro ritratti distinti nell'opera tre di loro sono rimasti nascosti dietro la Monna Lisa che conosciamo oggi.
Un'altra curiosità interessante scoperta in quello stesso studio è che, contrariamente a quanto si immaginava, Da Vinci dipinse ciglia e sopracciglia sul ritratto, ma nel dipinto reale non si notano.
Inoltre, il la tela era già stata rubata all'inizio del XX secolo All'epoca si sospettava il pittore Pablo Picasso, ma in seguito si scoprì che un ex dipendente aveva rimosso l'opera dal museo e aveva cercato di venderla.
Ci sono molte speculazioni e storie che circondano il Monna Lisa che contribuisce ulteriormente alla sua fama.
L'urlo, di Munch (1893)
L'urlo è una di quelle opere d'arte che diventano icona di un momento storico e, soprattutto, traducono un tipo di sentimento molto specifico: l'angoscia.
Dipinto dal norvegese Edward Munch nel 1893, l'opera ha 4 versioni .
Gli esperti sostengono che la figura terrorizzata che vediamo al centro dell'immagine sia stata ispirazione una mummia peruviana presente a un'esposizione del 1850 a Parigi.
La tela è stata rubata anche dalla Galleria Nazionale di Oslo, in Norvegia. Il furto è avvenuto nel 1994 e i ladri hanno avuto l'ardire di lasciare un biglietto sul posto ringraziando la mancanza di sicurezza. L'anno successivo l'opera è stata recuperata e la sicurezza della galleria è stata rafforzata.
Ragazza con orecchino di perla, di Vermer (1665)
L'opera più nota dell'olandese Johannes Vermeer è Ragazza con orecchino di perla del 1665.
La sua fama è enorme e il dipinto è arrivato al cinema nel 2003 con un film che racconta in forma di fiction il processo di creazione della tela e il rapporto del pittore con la modella.
Ma in realtà se ne sa poco, solo che la musa ispiratrice era una giovane donna ritratta con serenità e una certa sensualità, osservabile nelle labbra socchiuse.
Il gioiello che pende dall'orecchio acquista risalto sullo schermo rivelando un bagliore simile a quello presente nelle labbra e negli occhi.
È anche curioso notare che, in realtà, il pittore non ha inserito nell'immagine un gancio che collega la perla al lobo dell'orecchio della giovane.
Pertanto, il l'orecchino diventa un elemento soprannaturale Possiamo anche paragonare il puntello al pianeta stesso che fluttua nello spazio.
Il dipinto è talmente iconico da essere paragonato alla Monna Lisa guadagnandosi lo status di " Monna Lisa olandese ".
Il pensatore, di Rodin (1917)
La scultura Il pensatore del francese Auguste Rodin, è una delle grandi opere del XX secolo.
Frammento di Il pensatore
Completato nel 1917, è stato inizialmente creato per comporre La porta dell'inferno un'opera che integra diverse sculture ed è stata realizzata in omaggio al poema di Dante Alighieri La Divina Commedia .
Con il successo di questa scultura in particolare, sono state realizzate nuove versioni In tutto, lo scultore ha realizzato una dozzina di "nuovi pensatori".
Il nome iniziale sarebbe Il poeta in riferimento all'Alighieri, ma poiché la figura ritratta non corrispondeva a quella dello scrittore, fu cambiato in Il pensatore .
L'artista era consapevole della genialità della sua opera e ha persino dichiarato:
Il mio pensatore pensa non solo con il cervello, con le sopracciglia, le narici dilatate e le labbra compresse, ma con tutti i muscoli delle braccia, della schiena e delle gambe, con i pugni stretti e le dita dei piedi serrate.
Per un'analisi più dettagliata, leggere: Il pensatore, di August Rodin.
Abaporu, di Tarsila do Amaral (1928)
Quando si parla di un famoso dipinto brasiliano, quasi tutti ricordano Abaporu, di Tarsila do Amaral.
Icona della prima fase del modernismo in Brasile, la tela fu concepita nel 1928 e regalata da Tarsila al marito Oswald de Andrade.
Confronto tra pittura e scultura Il pensatore Per questo motivo, le due opere vengono associate l'una all'altra, come se Abaporu fosse una sorta di "rilettura" della scultura di Rodin.
D'altra parte, la nipote dell'artista ha dichiarato in un'intervista del 2019 che nella casa di Tarsila c'era un grande specchio inclinato. Così, il La figura sproporzionata mostrata sarebbe un autoritratto dell'artista che si metteva davanti allo specchio e osservava gli enormi piedi e le mani, a scapito della testa.
In ogni caso, la tela divenne un simbolo dell'"antropofagismo", un movimento che mirava a valorizzare la cultura brasiliana.
Il dipinto è uno dei più costosi della storia e senza dubbio una pietra miliare della cultura brasiliana, con una valutazione di 45-200 milioni di dollari.
Per saperne di più: Significato di Abaporu.
La persistenza della memoria, di Salvador Dalí (1931)
La famosa tela surrealista La persistenza della memoria dello spagnolo Salvador Dalí, mostra l'immagine assurda di orologi che si sciolgono, formiche e mosche, un corpo informe e un paesaggio insolito sullo sfondo.
Con dimensioni ridotte (24 x 33 cm), è stato creato nel 1931 in sole cinque ore durante una catarsi creativa dell'artista.
Si racconta che quel giorno Dalí aveva mangiato del formaggio camembert e non stava bene. Mentre la moglie si divertiva con gli amici, l'artista decise di rimanere a casa.
Isolandosi nel suo studio, concepì il dipinto che divenne uno dei più importanti del movimento d'avanguardia europeo.
Per approfondire l'analisi di quest'opera, leggere: La persistenza della memoria di Dalí.
8. maman, di Bourgeois
L'artista francese Louise Bourgeois ha realizzato diverse sculture di ragni a partire dagli anni '90, una delle quali è nota al pubblico brasiliano perché è rimasta per molti anni nel Parco Ibirapuera, parte della collezione del MAM (Museo d'Arte Moderna di San Paolo).
I famosi ragni sono importanti nell'opera di Bourgeois perché sono legati alla sua infanzia e ai ricordi del negozio di restauro di arazzi dei suoi genitori.
Inoltre, simboleggiano tua madre L'artista descrive così la madre: "Era deliberata, intelligente, paziente, calmante, ragionevole, delicata, sottile, indispensabile, pura e utile come un ragno.
Sono state realizzate diverse versioni di ragni che portano il nome di Maman, che significa "madre".
Venere di Milo (circa II secolo a.C.)
Considerata un simbolo dell'arte greca classica, la scultura Venere di Milo è stato trovato da Yorgos Kentrotas, un contadino greco, nel 1820 sull'isola di Milos, nel Mar Egeo.
Frammento di Venere di Milo
Per l'occasione è intervenuto anche il marinaio francese Olivier Voutier, che ha incoraggiato Yorgos a recuperare l'opera.
Durante gli scavi sono stati trovati altri frammenti, come una mano che tiene una mela e due pilastri con busti maschili.
Dopo le trattative, l'opera è rimasta in possesso dei francesi e attualmente fa parte del Museo del Louvre di Parigi.
In quel periodo la Francia stava vivendo una rivalutazione della cultura greca classica e l'acquisizione di un simile cimelio suscitava entusiasmo.
Al momento del ritrovamento, sulla sua base è stata trovata un'iscrizione con il testo: "Alessandro, figlio di Menide, cittadino di Antiochia, fece la statua".
Antiochia era una città turca fondata un secolo dopo l'epoca greca classica. Così, La Venere di Milo non è una scultura originaria dell'Antica Grecia .
Tuttavia, i francesi erano molto frustrati dalla possibile paternità e il direttore del Museo del Louvre assunse degli esperti per analizzare l'opera. Si sostenne allora che la base della scultura era stata incorporata in un secondo momento e che Venere era stata scolpita da Prassitele, un famoso scultore greco dell'antichità. La base fu scartata dai francesi.
In seguito, dopo ulteriori studi, si scoprì che la scultura era in realtà una creazione di Alessandro di Menide.
La statua è stata realizzata in marmo, misura 2 metri di altezza e pesa circa 1 tonnellata.
10. fontana, attribuita a Duchamp (1917)
Nel 1917 la scultura è stata inserita in una sala espositiva Fonte , un orinatoio in porcellana firmato con il nome di R. Mutt.
L'opera ha suscitato scandalo, in quanto mette in discussione ciò che può o non può essere elevato allo status di arte, ed è diventata una delle opere più famose e importanti del movimento dadaista, dettando nuove direzioni per l'arte moderna e, in seguito, per l'arte contemporanea.
Ma una curiosità che non tutti sanno è che l'idea di quest'opera potrebbe non essere stata quella di Marcel Duchamp l'artista francese famoso per la creazione dell'opera, ma da un suo amico artista, il tedesco Baronessa Elsa von Freytag Loringhoven .
Queste speculazioni sono nate dalle lettere dello stesso Duchamp in cui afferma:
Uno dei miei amici, che ha adottato lo pseudonimo di Richard Mutt, mi ha inviato un orinatoio di porcellana come scultura; poiché non c'era nulla di indecente, non c'era motivo di rifiutarlo.
11. Notte stellata, di Van Gogh (1889)
Uno dei dipinti contemporanei più riprodotti è La notte stellata dell'olandese Vincent Van Gogh.
Dipinta nel 1889, la tela di 73 x 92 cm mostra un paesaggio notturno con un enorme cielo che si muove a spirale, suggerendo il tumulto emotivo che l'artista stava vivendo.
L'opera è stata concepita durante il periodo di volontariato nell'ospedale psichiatrico di Saint-Rémy-de-Provence e raffigura la vista dalla finestra della sua camera da letto combinata con elementi di fantasia.
Così, il villaggio e la piccola chiesa alludono ai Paesi Bassi dove ha trascorso la sua giovinezza.
Gli studi suggeriscono che il cielo raffigurato mostra l'esatta posizione delle stelle in quel momento mostrando una grande conoscenza dell'astronomia.
Le ragazze, Velasquez (1656)
Il dipinto Le ragazze del famoso pittore spagnolo Diego Velázquez, è stato realizzato nel 1656 ed è conservato al Museo del Prado di Madrid.
L'immagine mostra la famiglia reale del monarca Filippo IV e presenta diversi elementi curiosi che conferiscono un'atmosfera sorprendente e originale, portando lo spettatore a immaginare un'intera narrazione intorno ai personaggi.
Si tratta di un'opera innovativa, in quanto tratta la prospettiva in modo audace, creando una mbiente con diversi piani Inoltre, vi compare la figura dell'artista stesso in un autoritratto in cui è ritratto in modo altero, alla ricerca del riconoscimento della sua professione.
La scena mostra la piccola principessa Margaret al centro, accanto alle dame di compagnia e ai personaggi di corte, come il cane e i disabili sulla destra.
O la coppia reale è ritratta in un piccolo specchio accanto alla porta.
Un'altra domanda interessante che la tela suggerisce è su quale possa essere il soggetto del dipinto di Velázquez all'interno del quadro stesso.
Per una migliore comprensione della tela, leggere: Le ragazze, di Velázquez: un'analisi dell'opera.
Il bacio, di Klimt (1908)
Una delle opere d'arte più conosciute in tutto il mondo, che attualmente viene stampata su una varietà di oggetti, è Il bacio dell'austriaco Gustav Klimt.
Realizzata nel 1908, la tela raffigura l'amore di una coppia e fa parte della cosiddetta fase d'oro dell'artista, che usava foglia d'oro come uno dei materiali .
Nell'immagine vediamo che il mantello che copre le figure presenta punti circolari, rettangolari e piccoli di vari colori.
A L'ispirazione per tale standardizzazione è venuta dalle immagini delle piastrine del sangue , studiata al microscopio all'epoca, quando gli scienziati erano affascinati dalle scoperte del nuovo apparecchio.
Anni prima della creazione della tela, l'artista aveva già realizzato opere ispirate a temi medici.
È quindi possibile individuare il desiderio di Klimt di unire il tema romantico alla materializzazione del corpo umano.
Per saperne di più, leggi: Il bacio, di Gustav Klimt.
Salvator Mundi, attribuito a Leonardo Da Vinci (1500 circa)
L'opera più controversa attribuita a Da Vinci è la tela Salvator Mundi che raffigura Gesù Cristo in stile rinascimentale.
Sebbene vi siano controversie sulla paternità del dipinto, questa è la l'opera più costosa mai venduta all'asta Il prezzo pagato per l'olio su tela è stato di 450 milioni di dollari nel 2017.
Attualmente non si sa esattamente dove si trovi il dipinto, ma è stato acquistata da un principe saudita Quando è stata acquistata, si pensava che sarebbe stata esposta al Museo del Louvre di Abu Dhabi, cosa che non è avvenuta. Oggi si ipotizza che si trovi su una delle barche del Principe.
Il coltivatore di caffè, di Portinari (1934)
Il coltivatore di caffè è un dipinto di Cândido Portinari del 1934. La scena mostra un lavoratore dei campi con una zappa, grandi piedi nudi, una piantagione di caffè e un treno che attraversa il paesaggio.
Si tratta di una delle opere più rappresentative del celebre pittore brasiliano e collaborazione dell'operaio Nilton Rodrigues, che ha posato anche per altre tele come Mestizo e Caffè .
Nonostante la bassa qualità del video, vale la pena di vedere un estratto dell'intervista di Globo Repórter del 1980 all'ex lavatore.
Modello Portinari per il caffè e altre opere16. L'artista è presente, di Marina Abramović (2010)
Una delle performance di maggior successo dell'artista serba Marina Abramović è L'artista è presente in traduzione L'artista è presente .
Tenutosi nel 2010 al MoMA (Museo d'Arte Moderna di New York), l'opera è stata un'azione in cui Marina era presente a una mostra della sua carriera artistica.
Rimase seduta a fissare i visitatori, che uno dopo l'altro le si pararono davanti.
Il momento culminante di questa performance, e il motivo per cui è stata proiettata, è stato quando il suo ex partner (e anch'egli artista) Ulay ha partecipato, trovandosi faccia a faccia con Marina.
Marina Abramović e Ulay - MoMA 2010I due non hanno più avuto contatti, ma per 12 anni sono stati amanti e partner in diverse opere Così, il legame tra loro, gli sguardi e i gesti sono stati registrati e hanno commosso il pubblico.
Serie Silhouettes, di Ana Mendieta (1973-1980)
Ana Mendieta (1948-1985) è stata un'importante artista cubana. La sua produzione si è svolta principalmente negli anni Settanta e il suo campo d'azione è stato la body art e la performance, linguaggi dell'arte contemporanea, per sollevare questioni legate al femminismo.
L'opera più famosa dell'artista è stata la serie Sagome in cui usa il suo corpo per integrarsi con la natura, cercando di marcare il suo corpo femminile nel mondo e anche una connessione spirituale con il tutto.
La curiosità che portiamo qui non è specificamente su questa serie, ma sull'artista stessa. Ana ha portato forte riflessioni sul corpo e sulla violenza contro le donne e, ironia della sorte, morì in circostanze dubbie, che suggeriscono femminicidio .
Nel 1985 l'artista muore giovane dopo una lite con il marito, l'artista Carl Andre, cadendo dal 34° piano dell'edificio in cui viveva.
La morte fu registrata come un suicidio, ma ci sono forti prove che Carl l'abbia spinta. Il marito fu processato 3 anni dopo e assolto.
Il tradimento delle immagini, di René Magritte (1928-29)
Una delle icone del movimento surrealista è stato il belga René Magritte, pittore che amava giocare con le immagini per creare contraddizioni e riflessioni al di là della semplice rappresentazione figurativa.
Il famoso dipinto Il tradimento delle immagini esemplifica bene questa caratteristica del suo lavoro, entrando nella storia dell'arte come una sfida e una provocazione.
Sulla tela si vede il dipinto di una pipa e la frase in francese "Questa non è una pipa": il pittore sottolinea così la differenza tra la rappresentazione e l'oggetto stesso.
Dipinta nel 1928, l'opera si trova attualmente al Los Angeles County Museum of Art.
Una curiosità è che all'epoca della presentazione di questo lavoro, esso fu molto discusso, diventando controverso e incompreso .
La grande onda di Kanagawa, di Hokusai (1820-30)
Una delle più famose xilografie giapponesi è La grande onda di Kanagawa creato intorno al 1820 da Hokusai, maestro della tecnica dell'ukiyo-e, la stampa giapponese.
L'immagine è conosciuta in tutto il mondo e incanta il pubblico con la ricchezza di dettagli e la drammaticità del mare. Ma la cosa curiosa è che il L'intenzione dell'artista era quella di ritrarre principalmente il Monte Fuji sullo sfondo del paesaggio.
L'opera fa parte della serie "Trentasei vedute del Monte Fuji", in cui la montagna viene mostrata in vari periodi dell'anno e vista da luoghi diversi.
Alla fine del XIX secolo l'arte giapponese divenne popolare in Occidente. Quest'opera, di cui furono fatte molte copie, divenne nota ai collezionisti europei e molti musei ospitarono riproduzioni dell'opera.
Così, le stampe su legno giapponesi, e questa in particolare, sono nate una fonte di ispirazione per gli artisti europei contribuendo alle opere di Van Gogh, Monet, Klimt, Mary Cassat e molti altri.
20. casa gialla, di Anita Malfatti (1915)
Nel 1917, quindi 5 anni prima della Settimana dell'Arte Moderna, Anita Malfatti tenne una mostra in Brasile esponendo la sua produzione mentre studiava all'estero.
L'uomo giallo faceva parte di questa mostra e anche della Settimana dei 22, essendo una delle sue opere di maggior impatto.
Le forme e i colori utilizzati dall'artista in quest'opera hanno suscitato polemiche in un periodo in cui l'arte moderna stava ancora arrivando nel Paese.
L'uomo rappresentato da Anita è, secondo lei, l'immagine di un povero immigrato italiano che mostra uno sguardo di impotenza .
