ສາລະບານ
ຜົນງານສິລະປະທີ່ມີຊື່ສຽງໃນປະຫວັດສາດມີພະລັງທີ່ຈະດຶງດູດ ແລະກະຕຸ້ນຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນຂອງປະຊາຊົນຕັ້ງແຕ່ເວລາທີ່ເຂົາເຈົ້າໄດ້ຮັບການຮັບຮູ້ ແລະການຄາດຄະເນ. ຄວາມຮູ້ຂອງປະຊາຊົນທົ່ວໄປ.
ດັ່ງນັ້ນ, ພວກເຮົາໄດ້ເລືອກຜົນງານທີ່ເປັນສັນຍາລັກ ແລະຊື່ສຽງ ແລະນໍາເອົາຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນມາອ້ອມຕົວເຂົາເຈົ້າ.
1. Pietá, ໂດຍ Michelangelo (1498-1499)
ຫນຶ່ງໃນຮູບປັ້ນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດໃນປະຫວັດສາດສິລະປະແມ່ນ Pietá , ເຊິ່ງເປັນຕົວແທນຂອງເວີຈິນໄອແລນ Mary ກັບພຣະເຢຊູທີ່ບໍ່ມີຊີວິດຢູ່ໃນແຂນຂອງນາງ.
ຮູບປັ້ນດັ່ງກ່າວສາມາດເຫັນໄດ້ໃນໂບດ St. Peter's, ໃນ Vatican, ແລະໄດ້ຖືກຜະລິດໃນລະຫວ່າງ 1498 ແລະ 1499 ໂດຍ Renaissance Michelangelo.
ຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ມີໜ້ອຍຄົນຮູ້ກ່ຽວກັບ ການເຮັດວຽກແມ່ນວ່າມັນເປັນ ເປັນອັນດຽວທີ່ໄດ້ເຊັນໂດຍຈິດຕະນາການ . ຊື່ຂອງລາວສາມາດອ່ານໄດ້ຢູ່ໃນແຖບທົ່ວຫນ້າເອິກຂອງເວີຈິນໄອແລນ, ເຊິ່ງອ່ານວ່າ: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. ການແປຂອງປະໂຫຍກກ່າວວ່າ: Michelangelo Buonarroti, Florentine, ໄດ້ເຮັດມັນ. ລາຍເຊັນດັ່ງກ່າວໄດ້ເກີດຂຶ້ນໃນຊ່ວງເວລາແຫ່ງຄວາມໂກດແຄ້ນ, ຍ້ອນວ່າຂ່າວລືກ່ຽວກັບການປະພັນຈະເປັນຄົນອື່ນ, ເນື່ອງຈາກອາຍຸຂອງ Michelangelo ໃນໄວຫນຸ່ມ. ຮູບປັ້ນ , ຍັງເປັນເຄື່ອງໝາຍໃຫ້ລາວຢູ່ໃນປະຫວັດສາດ.
2. Mona Lisa ຂອງ Da Vinci ຄູ່ສົມລົດຂອງລາຊະວົງຖືກສະແດງຢູ່ໃນກະຈົກນ້ອຍໆ ຢູ່ຂ້າງປະຕູ.
ອີກຄຳຖາມໜຶ່ງທີ່ໜ້າສົນໃຈທີ່ຜ້າໃບແນະນຳແມ່ນເລື່ອງຂອງຮູບແຕ້ມຂອງ Velázquez ພາຍໃນຮູບແຕ້ມນັ້ນເອງ.
ເພື່ອຄວາມເຂົ້າໃຈດີຂຶ້ນກ່ຽວກັບຜ້າໃບ, ອ່ານ: Las Meninas, ໂດຍ Velázquez: ການວິເຄາະວຽກງານ.
13. The Kiss, ໂດຍ Klimt (1908)
ໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ເຜີຍແຜ່ຢ່າງກວ້າງຂວາງທີ່ສຸດໃນໂລກ ແລະ ທີ່ພິມວັດຖຸຕ່າງໆໃນທຸກມື້ນີ້ແມ່ນ The Kiss , ໂດຍ Austrian Gustav Klimt.
ຜະລິດໃນປີ 1908, ຜ້າໃບສະແດງເຖິງຄວາມຮັກຂອງຄູ່ຮັກ ແລະ ເປັນສ່ວນໜຶ່ງຂອງອັນທີ່ເອີ້ນວ່າໄລຍະຄຳຂອງນັກສິລະປິນ, ຜູ້ທີ່ໃຊ້ ໃບຄຳເປັນວັດສະດຸໜຶ່ງ .
ໃນຮູບ ພວກເຮົາສາມາດເຫັນໄດ້ວ່າເສື້ອຄຸມທີ່ກວມເອົາຕົວເລກດັ່ງກ່າວມີຮູບຊົງກົມ, ສີ່ຫຼ່ຽມ ແລະຈຸດນ້ອຍໆຂອງສີຕ່າງໆ.
ແຮງບັນດານໃຈສໍາລັບມາດຕະຖານດັ່ງກ່າວມາຈາກ. ຮູບພາບຂອງເມັດເລືອດ , ໄດ້ຖືກສຶກສາພາຍໃຕ້ກ້ອງຈຸລະທັດໃນເວລານັ້ນ, ເມື່ອນັກວິທະຍາສາດຕິດໃຈກັບການຄົ້ນພົບໃນອຸປະກອນໃໝ່.
ຫຼາຍປີກ່ອນການສ້າງຜ້າໃບ, ນັກສິລະປິນໄດ້ສ້າງຜົນງານທີ່ເປັນແຮງບັນດານໃຈ. ໂດຍຫົວຂໍ້ຂອງຢາ.
ດັ່ງນັ້ນ, ມັນເປັນໄປໄດ້ທີ່ຈະກໍານົດຄວາມປາຖະຫນາຂອງ Klimt ທີ່ຈະລວມເອົາຫົວຂໍ້ romantic ກັບວັດສະດຸຂອງຮ່າງກາຍຂອງມະນຸດ.
ເພື່ອຮຽນຮູ້ເພີ່ມເຕີມ, ອ່ານ: Painting The Kiss, ໂດຍ Gustav ຄລິກ.
14. Salvator Mundi, ຖືເປັນຂອງ Leonardo Da Vinci (ປະມານ 1500)
ວຽກທີ່ເປັນການໂຕ້ຖຽງກັນຫຼາຍທີ່ສຸດຂອງ Da Vinci ແມ່ນຜ້າໃບ Salvator Mundi , ເຊິ່ງພັນລະນາເຖິງພຣະເຢຊູຄຣິດໃນແບບ Renaissance.
ເຖິງແມ່ນວ່າຈະມີຂໍ້ຂັດແຍ້ງກ່ຽວກັບການປະພັນຂອງຮູບແຕ້ມ, ແຕ່ນີ້ແມ່ນ ວຽກທີ່ແພງທີ່ສຸດເທົ່າທີ່ເຄີຍຂາຍໃນປະມູນ . ຈໍານວນເງິນທີ່ຈ່າຍສໍາລັບນ້ໍາມັນເທິງຜ້າໃບແມ່ນ 450 ລ້ານໂດລາໃນປີ 2017.
ປະຈຸບັນມັນຍັງບໍ່ຮູ້ຢ່າງຊັດເຈນວ່າຮູບແຕ້ມນັ້ນຢູ່ໃສ, ແຕ່ມັນຖືກ ຊື້ໂດຍເຈົ້າຊາຍ Saudi . ໃນເວລາທີ່ໄດ້ມາ, ແນວຄວາມຄິດແມ່ນວ່າມັນຈະຖືກວາງສະແດງຢູ່ໃນພິພິທະພັນ Louvre ໃນ Abu Dhabi, ເຊິ່ງບໍ່ໄດ້ເກີດຂຶ້ນ. ມື້ນີ້ຄາດວ່າມັນຢູ່ເທິງເຮືອຂອງເຈົ້າຊາຍ.
15. The Coffee Farmer, ໂດຍ Portinari (1934)
The Coffee Farmer ແມ່ນຮູບແຕ້ມຂອງ Cândido Portinari ຈາກປີ 1934. ສາກໄດ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນຮູບຄົນໜຶ່ງທີ່ເຮັດວຽກຢູ່ໃນທົ່ງນາດ້ວຍຮູ, ຕີນເປົ່າໃຫຍ່, ສວນກາເຟ ແລະ ລົດໄຟທີ່ຂ້າມພູມສັນຖານ.
ມັນແມ່ນໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ເປັນຕົວແທນທີ່ສຸດຂອງນັກຈິດຕະກອນຊາວບຣາຊິນທີ່ມີຊື່ສຽງ ແລະ ໄດ້ມີ ການຮ່ວມມືຈາກກຳມະກອນ Nilton Rodrigues, ຜູ້ທີ່ໄດ້ posed ສໍາລັບ canvases ອື່ນໆ , ເຊັ່ນ: Mestiço ແລະ Café .
ເຖິງວ່າຈະມີຄຸນນະພາບຂອງວິດີໂອຕ່ໍາ, ມັນເປັນມູນຄ່າການກວດສອບ excerpt ໄດ້. ຈາກການສໍາພາດປີ 1980 ໂດຍ Globo Repórter ກັບອະດີດຊາວກະສິກອນ.
ຕົວແບບໂດຍ Portinari ສໍາລັບ Café ແລະວຽກງານອື່ນໆ16. The Artist Is Present, ໂດຍ Marina Abramović (2010)
ໜຶ່ງໃນການສະແດງທີ່ປະສົບຜົນສຳເລັດຫຼາຍທີ່ສຸດຂອງສິລະປິນຊາວເຊີເບຍ Marina Abramović ແມ່ນ ສິລະປິນແມ່ນປະຈຸບັນ , ໃນການແປ ສິລະປິນແມ່ນປະຈຸບັນ .
ສ້າງຂຶ້ນໃນປີ 2010 ທີ່ MoMA (ພິພິທະພັນສິລະປະສະໄໝໃໝ່ໃນນິວຢອກ), ຜົນງານດັ່ງກ່າວເປັນຜົນງານທີ່ນາງມາຣິນາໄດ້ສະແດງຢູ່ໃນງານວາງສະແດງທີ່ມີເສັ້ນທາງສິລະປະຂອງນາງ.
ນາງຍັງຄົງນັ່ງແນມເບິ່ງຜູ້ເຂົ້າຊົມ, ເຊິ່ງແຕ່ລະຄົນວາງຕົວຢູ່ຕໍ່ໜ້ານາງ.
ຈຸດສູງສຸດຂອງການສະແດງນີ້ ແລະເຫດຜົນທີ່ມັນໄດ້ຮັບຄວາມໂດດເດັ່ນແມ່ນເມື່ອອະດີດຄູ່ຮ່ວມງານຂອງນາງ (ແລະເປັນສິລະປິນ) Ulay ເຂົ້າຮ່ວມ. , ຢືນປະເຊີນໜ້າກັບ Marina.
Marina Abramović ແລະ Ulay - MoMA 2010ທັງສອງບໍ່ໄດ້ຕິດຕໍ່ກັນອີກຕໍ່ໄປ, ແຕ່ ເປັນເວລາ 12 ປີທີ່ເຂົາເຈົ້າເປັນແຟນກັນ ແລະເປັນຄູ່ຮ່ວມງານກັນໃນວຽກງານຕ່າງໆ . ດັ່ງນັ້ນ, ການເຊື່ອມຕໍ່ລະຫວ່າງພວກເຂົາ, ຮູບລັກສະນະ ແລະທ່າທາງໄດ້ຖືກບັນທຶກ ແລະຍ້າຍສາທາລະນະ.
17. Silhouettes Series, ໂດຍ Ana Mendieta (1973-1980)
Ana Mendieta (1948–1985) ເປັນນັກສິລະປິນຄົນສຳຄັນຂອງຄິວບາ. ການຜະລິດຂອງນາງໄດ້ເກີດຂຶ້ນສ່ວນໃຫຍ່ໃນຊຸມປີ 70 ແລະພາກສະຫນາມຂອງນາງແມ່ນຢູ່ໃນສິລະປະຮ່າງກາຍແລະການສະແດງ, ພາສາຂອງສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມ, ເພື່ອນໍາເອົາບັນຫາທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບແມ່ຍິງ.
ຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງນັກສິລະປິນແມ່ນຊຸດ Silhouettes , ທີ່ນາງໃຊ້ຮ່າງກາຍຂອງນາງເພື່ອປະສົມປະສານກັບທໍາມະຊາດ, ຊອກຫາເຄື່ອງຫມາຍຮ່າງກາຍແມ່ຍິງຂອງນາງຢູ່ໃນໂລກແລະຍັງເຊື່ອມຕໍ່ທາງວິນຍານກັບທັງຫມົດ.
ຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ພວກເຮົາເອົາມານີ້ບໍ່ໄດ້ສະເພາະກ່ຽວກັບຊຸດນີ້, ແຕ່ແມ່ນກ່ຽວກັບສິລະປິນເອງ. Ana ໄດ້ນໍາເອົາການສະທ້ອນທີ່ເຂັ້ມແຂງກ່ຽວກັບຮ່າງກາຍແລະຄວາມຮຸນແຮງຕໍ່ຕ້ານແມ່ຍິງ ແລະເສຍຊີວິດຢ່າງອິດເມື່ອຍພາຍໃຕ້ສະຖານະການທີ່ຫນ້າສົງໄສ, ເຊິ່ງແນະນໍາ ການຂ້າແມ່ຍິງ .
ໃນປີ 1985 ນັກສິລະປິນໄດ້ເສຍຊີວິດໃນໄວຫນຸ່ມຫຼັງຈາກການຕໍ່ສູ້ກັບຜົວຂອງນາງ, ນັກສິລະປິນ Carl Andre. ນາງໄດ້ຕົກລົງຈາກຊັ້ນທີ 34 ຂອງອາຄານບ່ອນທີ່ນາງອາໄສຢູ່.
ການເສຍຊີວິດໄດ້ຖືກລົງທະບຽນວ່າເປັນການຂ້າຕົວຕາຍ, ແຕ່ມີຫຼັກຖານທີ່ໜັກແໜ້ນວ່າ Carl ຍູ້ນາງ. ຜົວໄດ້ຖືກພິຈາລະນາຄະດີ 3 ປີຕໍ່ມາ ແລະຖືກຕັດສິນລົງໂທດ.
18. ການທໍລະຍົດຂອງຮູບພາບ, ໂດຍ René Magritte (1928-29)
ຫນຶ່ງໃນສັນຍາລັກຂອງການເຄື່ອນໄຫວ surrealist ແມ່ນຊາວແບນຊິກ René Magritte. ຈິດຕະກອນມັກຫຼິ້ນກັບຮູບພາບເພື່ອສ້າງຄວາມຂັດແຍ້ງ ແລະການສະທ້ອນນອກເໜືອໄປກວ່າການສະແດງຕົວຕົນແບບງ່າຍໆ.
ຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງ ການທໍລະຍົດຂອງຮູບພາບ ເປັນການຍົກຕົວຢ່າງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄຸນລັກສະນະຂອງວຽກງານຂອງລາວ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ ປະຫວັດສາດຂອງສິລະປະເປັນການທ້າທາຍ ແລະເປັນການກະຕຸ້ນ.
ເທິງຜ້າໃບພວກເຮົາເຫັນຮູບແຕ້ມທໍ່ ແລະປະໂຫຍກໃນພາສາຝຣັ່ງທີ່ເວົ້າວ່າ "ນີ້ບໍ່ແມ່ນທໍ່". ດັ່ງນັ້ນ, ນັກຈິດຕະກອນຈຶ່ງຍົກໃຫ້ເຫັນຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງຕົວສະແດງ ແລະ ວັດຖຸນັ້ນເອງ.
ຮູບແຕ້ມໃນປີ 1928, ປະຈຸບັນນີ້ແມ່ນຢູ່ໃນພິພິທະພັນສິລະປະເຂດ Los Angeles.
ຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນກໍຄືຢູ່ທີ່ ເວລາທີ່ວຽກງານນີ້ໄດ້ຖືກນໍາສະເຫນີ, ມັນໄດ້ຖືກປຶກສາຫາລືຫຼາຍ, ກາຍເປັນ ການຂັດແຍ້ງແລະຄວາມເຂົ້າໃຈຜິດ .
19. The Great Wave off Kanagawa ໂດຍ Hokusai (1820-30)
ຫນຶ່ງໃນການຕັດໄມ້ທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງຍີ່ປຸ່ນແມ່ນ The Great Wave off Kanagawa , ສ້າງປະມານຕັ້ງແຕ່ປີ 1820 ໂດຍ Hokusai, ເຈົ້າຂອງເຕັກນິກ ukiyo-e, ການພິມພາສາຍີ່ປຸ່ນ.
ຮູບພາບດັ່ງກ່າວເປັນທີ່ຮູ້ຈັກໃນທົ່ວໂລກ, ເຮັດໃຫ້ສາທາລະນະຊົນມີສະເໜ່ດ້ວຍລາຍລະອຽດອັນອຸດົມສົມບູນ ແລະລັກສະນະເດັ່ນຂອງທະເລ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ສິ່ງທີ່ຢາກຮູ້ຢາກເຫັນແມ່ນວ່າ ຄວາມຕັ້ງໃຈຂອງນັກສິລະປິນແມ່ນເພື່ອພັນລະນາພູເຂົາ Fuji , ໃນພື້ນຫລັງຂອງພູມສັນຖານ.
ວຽກງານແມ່ນສ່ວນຫນຶ່ງ. ຂອງຊຸດ "ທິວທັດສາມສິບຫົກຂອງພູເຂົາ Fuji", ເຊິ່ງພູເຂົາໄດ້ຖືກສະແດງໃນເວລາທີ່ແຕກຕ່າງກັນຂອງປີແລະເຫັນໄດ້ຈາກບ່ອນຕ່າງໆ.
ໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 19, ສິລະປະຍີ່ປຸ່ນໄດ້ກາຍເປັນທີ່ນິຍົມໃນ ຕາເວັນຕົກ. ວຽກງານນີ້, ເຊິ່ງຫຼາຍສະບັບໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ, ໄດ້ກາຍເປັນທີ່ຮູ້ຈັກຂອງນັກສະສົມຂອງເອີຣົບແລະຫໍພິພິທະພັນຈໍານວນຫຼາຍທີ່ເຮັດການສືບພັນຂອງວຽກງານ. ນັກສິລະປິນເອີຣົບ , ປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນວຽກງານຂອງ Van Gogh, Monet, Klimt, Mary Cassat ແລະອື່ນໆຈໍານວນຫຼາຍ.
20. ຜູ້ຊາຍສີເຫຼືອງ, ໂດຍ Anita Malfatti (1915)
ໃນ 1917, ດັ່ງນັ້ນ 5 ປີກ່ອນອາທິດສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມ, Anita Malfatti ໄດ້ຈັດງານວາງສະແດງໃນ Brazil ສະແດງການເຮັດວຽກຂອງນາງໃນຂະນະທີ່ນາງຮຽນຢູ່ຕ່າງປະເທດ.
ຜູ້ຊາຍສີເຫຼືອງ ເປັນສ່ວນໜຶ່ງຂອງງານວາງສະແດງນີ້ ແລະໃນອາທິດຂອງວັນທີ 22, ເຊິ່ງເປັນໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ມີຜົນກະທົບທີ່ສຸດຂອງລາວ.
ຮູບຮ່າງ ແລະສີທີ່ໃຊ້ ໂດຍນັກສິລະປິນໃນວຽກງານນີ້ເຮັດໃຫ້ເກີດການຂັດແຍ້ງໃນເວລາທີ່ສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມຍັງມາຮອດປະເທດ.
ຜູ້ຊາຍທີ່ເປັນຕົວແທນ.ໂດຍ Anita ແມ່ນ, ອີງຕາມການຂອງນາງ, ຮູບພາບຂອງ ຄົນເຂົ້າເມືອງອິຕາລີທີ່ທຸກຍາກທີ່ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມສິ້ນຫວັງ .
(1503-1506)ຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດໃນໂລກຍັງເປັນໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ມີຂໍ້ເທັດຈິງ ແລະຄວາມລຶກລັບທີ່ຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ສຸດ. Mona Lisa ( La Gioconda , in Italian) ແມ່ນຮູບແຕ້ມຂະໜາດນ້ອຍ 77 x 53 cm ທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃນພິພິທະພັນ Louvre, ໃນປາຣີ.
ຮູບແຕ້ມໂດຍ Leonardo Da Vinci ໃນລະຫວ່າງປີ 1503 ແລະ 1506, ຮູບແຕ້ມຮູບແຕ້ມຮູບຊົງໄມ້ຂອງຍິງໜຸ່ມຄົນໜຶ່ງທີ່ມີການແນມເບິ່ງ ແລະ ຮອຍຍິ້ມທີ່ໜ້າປະຫຼາດໃຈ.
ໃນປີ 2015, ການສຶກສາດ້ານເທັກໂນໂລຢີສູງໄດ້ຖືກດຳເນີນເພື່ອກວດສອບ. ມີຫຼາຍຊັ້ນຂອງສີ ແລະມັນໄດ້ຖືກກວດສອບວ່າໃນຕົວຈິງແລ້ວ, ມີ ຮູບແຕ້ມສີ່ຮູບທີ່ແຕກຕ່າງກັນໃນງານ , ສາມຮູບເຫຼົ່ານັ້ນຖືກເຊື່ອງໄວ້ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງ ໂມນາລິຊາ ທີ່ພວກເຮົາຮູ້ໃນມື້ນີ້.
ຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ໜ້າສົນໃຈອີກອັນໜຶ່ງທີ່ຄົ້ນພົບໃນການສຶກສາດຽວກັນນີ້ແມ່ນວ່າ, ກົງກັນຂ້າມກັບສິ່ງທີ່ໄດ້ຈິນຕະນາການ, Da Vinci ໄດ້ທາສີຂົນຕາ ແລະຄິ້ວໃສ່ຮູບແຕ້ມ, ແຕ່ໃນຮູບແຕ້ມປະຈຸບັນມັນບໍ່ສັງເກດເຫັນໄດ້.
ນອກຈາກນັ້ນ. , ຜ້າໃບ ໄດ້ຖືກລັກໄປແລ້ວໃນຕອນຕົ້ນຂອງສະຕະວັດທີ 20 , ໃນປີ 1911. ໃນເວລານັ້ນ, ຈິດຕະກອນ Pablo Picasso ໄດ້ຖືກສົງໄສ, ແຕ່ຕໍ່ມາໄດ້ຮູ້ວ່າມີອະດີດພະນັກງານຄົນໜຶ່ງໄດ້ເອົາວຽກດັ່ງກ່າວອອກຈາກຫໍພິພິທະພັນ. ແລະພະຍາຍາມຂາຍມັນ. ດັ່ງນັ້ນ, ຜ້າໃບຈຶ່ງຖືກຟື້ນຟູຄືນມາ.
ມີການຄາດເດົາ ແລະເລື່ອງລາວຫຼາຍຢ່າງທີ່ອ້ອມຮອບ Mona Lisa , ເຊິ່ງປະກອບສ່ວນໃຫ້ກັບຊື່ສຽງຂອງມັນຕື່ມອີກ.
3. The Scream, ໂດຍ Munch (1893)
The Scream ແມ່ນໜຶ່ງໃນຜົນງານສິລະປະທີ່ກາຍເປັນສັນຍາລັກຂອງຊ່ວງເວລາປະຫວັດສາດ ແລະ ຫຼາຍກວ່ານັ້ນ, ແປເປັນປະເພດສະເພາະຂອງfeeling: anguish.
ແຕ້ມໂດຍ Norwegian Edward Munch ໃນປີ 1893, ວຽກງານດັ່ງກ່າວມີ 4 ສະບັບ .
ຜູ້ຊ່ຽວຊານອ້າງວ່າ ຮູບທີ່ໜ້າຢ້ານທີ່ພວກເຮົາເຫັນຢູ່ກາງຮູບແມ່ນ ໄດ້ແຮງບັນດານໃຈຈາກແມ່ມານຊາວເປຣູ ຢູ່ໃນງານວາງສະແດງໃນປາຣີໃນປີ 1850.
ຜ້າໃບດັ່ງກ່າວຍັງຖືກລັກໄປຈາກຫໍພິພິທະພັນແຫ່ງຊາດໃນ Oslo, ປະເທດນໍ່ເວ. ການລັກຂະໂມຍໄດ້ເກີດຂຶ້ນໃນປີ 1994 ແລະໂຈນມີຄວາມກ້າຫານທີ່ຈະຂຽນບັນທຶກຢູ່ບ່ອນເກີດເຫດຂອບໃຈພວກເຂົາສໍາລັບການຂາດຄວາມປອດໄພ. ໃນປີຕໍ່ມາ, ວຽກງານດັ່ງກ່າວໄດ້ຖືກຟື້ນຟູຄືນມາ ແລະ ຄວາມປອດໄພຂອງຄັງໄດ້ຖືກເສີມສ້າງ.
4. Girl with a Pearl Earring, by Vermer (1665)
ຜົນງານທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດໂດຍ Johannes Vermeer ຊາວໂຮນລັງແມ່ນ ເດັກຍິງທີ່ມີຕຸ້ມໄຂ່ມຸກ , ຈາກ 1665.
ຊື່ສຽງຂອງລາວມີຂະໜາດໃຫຍ່ຫຼວງ ແລະຮູບແຕ້ມດັ່ງກ່າວໄດ້ເຂົ້າສາຍໃນໂຮງໜັງໃນປີ 2003 ດ້ວຍຮູບເງົາເລື່ອງນິຍາຍທີ່ບອກເຖິງຂະບວນການສ້າງຜ້າໃບ ແລະຄວາມສຳພັນລະຫວ່າງນັກແຕ້ມກັບຕົວແບບ.
ເບິ່ງ_ນຳ: 8 ວຽກງານຕົ້ນຕໍຂອງ romanticism ໃນ Brazil ແລະໃນໂລກແຕ່ໃນຄວາມເປັນຈິງແລ້ວ ບໍ່ຄ່ອຍຮູ້ຈັກກ່ຽວກັບເລື່ອງນີ້, ພຽງແຕ່ວ່າ muse ທີ່ດົນໃຈແມ່ນຍິງຫນຸ່ມທີ່ສະແດງດ້ວຍຄວາມງຽບສະຫງົບແລະຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ແນ່ນອນ, ສັງເກດເຫັນຢູ່ໃນສົບຂອງນາງ.
ເພັດທີ່ຫ້ອຍຈາກຫູຂອງນາງໄດ້ຮັບຄວາມໂດດເດັ່ນໃນຜ້າໃບໃນເວລາທີ່ເປີດເຜີຍ. ເງົາຄ້າຍຄືສິ່ງທີ່ມີຢູ່ໃນສົບ ແລະຕາ.
ມັນຍັງຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ສັງເກດວ່າ, ໃນຄວາມເປັນຈິງ, ນັກແຕ້ມຮູບບໍ່ໄດ້ໃສ່ hook ໃນຮູບພາບເພື່ອເຊື່ອມຕໍ່ໄຂ່ມຸກກັບຫູຂອງເດັກຍິງໄວຫນຸ່ມ.
ດັ່ງນັ້ນ, earring ໄດ້ຮັບ aລັກສະນະມະຫັດສະຈັນ , ຄືກັບວ່າມັນເປັນວົງໂຄຈອນທີ່ເຫຼື້ອມຢູ່ໃນອາກາດ. ພວກເຮົາສາມາດປຽບທຽບເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາກັບດາວເຄາະທີ່ລອຍຢູ່ໃນອາວະກາດໄດ້.
ຮູບແຕ້ມດັ່ງກ່າວມີສັນຍາລັກຫຼາຍຈົນສົມທຽບກັບ ໂມນາລິຊາ , ເຊິ່ງໄດ້ຮັບສະຖານະພາບເປັນ “ ໂມນາໂຮນລັງ. Lisa ” .
5. The Thinker, ໂດຍ Rodin (1917)
ຮູບປັ້ນ ນັກຄິດ , ໂດຍຊາວຝຣັ່ງ Auguste Rodin, ເປັນໜຶ່ງໃນຜົນງານທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງສະຕະວັດທີ 20.
Fragment of The thinker
ສຳເລັດໃນປີ 1917, ມັນໄດ້ຖືກສ້າງຂຶ້ນໃນເບື້ອງຕົ້ນເພື່ອປະກອບ The door to Hell , ເປັນວຽກງານທີ່ປະສົມປະຕິມາກໍາຈໍານວນຫນຶ່ງແລະໄດ້ຖືກສ້າງຂຶ້ນເພື່ອເປັນກຽດຂອງ ບົດກະວີຂອງ Dante Alighieri The Divine Comedy .
ດ້ວຍຜົນສຳເລັດຂອງຮູບປັ້ນນີ້ໂດຍສະເພາະ, ສະບັບໃໝ່ໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ . ໂດຍລວມແລ້ວ, ນັກປະຕິມາກໍາໄດ້ຜະລິດ "ນັກຄິດໃຫມ່" ຫຼາຍສິບຄົນ.
ຊື່ເບື້ອງຕົ້ນຈະເປັນ ນັກກະວີ , ໂດຍອ້າງອີງໃສ່ Alighieri, ແຕ່ເນື່ອງຈາກຮູບທີ່ສະແດງບໍ່ກົງກັນກັບນັກຂຽນ, ໄດ້ຍ້າຍໄປ. ເຖິງ ນັກຄິດ .
ສິນລະປິນໄດ້ຮັບຮູ້ເຖິງຄວາມອັດສະລິຍະຂອງວຽກງານຂອງລາວ ແລະໄດ້ໄປເຖິງຕອນນັ້ນວ່າ:
ສິ່ງທີ່ນັກຄິດຂອງຂ້ອຍຄິດແມ່ນລາວຄິດວ່າບໍ່ແມ່ນ. ພຽງແຕ່ມີສະຫມອງ, ມີ eyebrows, ຮູດັງ distended ແລະຮິມຝີປາກ, ແຕ່ມີກ້າມຊີ້ນຂອງແຂນ, ກັບຄືນໄປບ່ອນແລະຂາຂອງຕົນ, ມີກໍາປັ້ນ clenched ແລະ clenched toes.
ສໍາລັບການວິເຄາະເພີ່ມເຕີມ ລາຍລະອຽດ, ອ່ານ: The Thinker, ໂດຍ August Rodin.
6. Abaporu, ໂດຍ Tarsila do Amaral(1928)
ເມື່ອເວົ້າເຖິງຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງປະເທດບຣາຊິນ, ເກືອບທຸກຄົນຈື່ໄດ້ Abaporu, ໂດຍ Tarsila do Amaral.
ໄອຄອນຂອງຍຸກທຳອິດຂອງຍຸກສະໄໝໃໝ່ໃນປະເທດບຣາຊິນ, ຜ້າໃບດັ່ງກ່າວໄດ້ຕັ້ງຂຶ້ນໃນປີ 1928 ແລະ ໄດ້ຖືກສະເຫນີໂດຍ Tarsila ກັບຜົວຂອງນາງ Oswald de Andrade ເປັນປະຈຸບັນ. ຕໍາແຫນ່ງຂອງຮ່າງກາຍຂອງຕົວເລກ. ດັ່ງນັ້ນ, ທັງສອງຜົນງານຈຶ່ງມີຄວາມກ່ຽວຂ້ອງກັນ, ຄືກັບວ່າ Abaporu ເປັນປະເພດໜຶ່ງຂອງ “ການຕີຄວາມໝາຍຄືນໃໝ່” ຂອງຮູບປັ້ນຂອງ Rodin.
ໃນອີກດ້ານໜຶ່ງ, ຫຼານສາວຂອງສິລະປິນໄດ້ກ່າວໃນການສໍາພາດໃນປີ 2019 ວ່າເຮືອນຂອງ Tarsila ມີກະຈົກອຽງຂະໜາດໃຫຍ່. . ດັ່ງນັ້ນ, ຮູບທີ່ບໍ່ສົມສ່ວນທີ່ສະແດງຈະເປັນຮູບຕົນເອງຂອງນັກສິລະປິນ , ຜູ້ທີ່ຕັ້ງຕົວຕົນຢູ່ຕໍ່ໜ້າກະຈົກ ແລະສັງເກດຕີນ ແລະມືອັນໃຫຍ່ຫຼວງຂອງນາງ, ເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມເສຍຫາຍຕໍ່ຫົວຂອງນາງ.
ຢ່າງໃດກໍ່ຕາມ, ຜ້າໃບໄດ້ກາຍເປັນສັນຍາລັກຂອງ “ມະນຸດສະທຳ”, ການເຄື່ອນໄຫວທີ່ມີຈຸດປະສົງໃຫ້ຄຸນຄ່າແກ່ວັດທະນະທຳຂອງບຣາຊິນ.
ຮູບແຕ້ມດັ່ງກ່າວແມ່ນໜຶ່ງໃນປະຫວັດສາດທີ່ແພງທີ່ສຸດໃນປະຫວັດສາດ ແລະ ແນ່ນອນວ່າເປັນຂີດໝາຍສຳຄັນຂອງວັດທະນະທຳບຣາຊິນ, ເຊິ່ງມີມູນຄ່າລະຫວ່າງ 45 ແລະ 200 ລ້ານໂດລາ .
ອ່ານເພີ່ມເຕີມທີ່: ຄວາມຫມາຍຂອງ Abaporu.
7. The Persistence of Memory, ໂດຍ Salvador Dalí (1931)
ຜ້າໃບ surrealist ທີ່ມີຊື່ສຽງ The Persistence of Memory , ໂດຍແອສປາໂຍນ Salvador Dalí, ສະແດງຮູບພາບທີ່ໂງ່ຂອງໂມງລະລາຍ, ມົດ ແລະແມງວັນ, ຮ່າງກາຍທີ່ບໍ່ມີຮູບຮ່າງ ແລະພູມສັນຖານທີ່ຜິດປົກກະຕິອ້ອມຮອບພື້ນຫຼັງ.
ດ້ວຍຂະໜາດນ້ອຍລົງ (24 x 33 cm), ມັນໄດ້ຖືກ ສ້າງຂື້ນໃນປີ 1931 ໃນເວລາພຽງຫ້າຊົ່ວໂມງ ໃນລະຫວ່າງການສ້າງ catharsis ຂອງສິນລະປິນ.
ມັນບອກວ່າ Dalí ໄດ້ກິນເນີຍແຂງ Camembert ໃນມື້ນັ້ນແລະ indisposed. ໃນຂະນະທີ່ພັນລະຍາຂອງລາວກໍາລັງມ່ວນຊື່ນກັບຫມູ່ເພື່ອນ, ນັກສິລະປິນໄດ້ຕັດສິນໃຈຢູ່ເຮືອນ.
ໂດຍການແຍກຕົວເອງຢູ່ໃນຫ້ອງສະຕູດິໂອ, ລາວໄດ້ຄິດເຖິງການແຕ້ມຮູບທີ່ໄດ້ກາຍເປັນຫນຶ່ງໃນຄວາມສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງການເຄື່ອນໄຫວ avant-garde ຂອງເອີຣົບ.
ເພື່ອໃຫ້ຕົວເອງລົງເລິກການວິເຄາະວຽກງານນີ້, ອ່ານ: ຄວາມຊົງຈຳຄົງຕົວ, ໂດຍ Dalí.
8. Maman, ຈາກ Bourgeois
ນັກສິລະປິນຊາວຝຣັ່ງ Louise Bourgeois ໄດ້ປະດິດຮູບແກະສະຫຼັກຂອງແມງມຸມຫຼາຍຮູບຈາກຊຸມປີ 1990. ສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມຂອງ São Paulo).
ແມງມຸມທີ່ມີຊື່ສຽງແມ່ນມີຄວາມສໍາຄັນ. ໃນການເຮັດວຽກຂອງ Bourgeois, ຍ້ອນວ່າພວກເຂົາກ່ຽວຂ້ອງກັບໄວເດັກຂອງລາວແລະຄວາມຊົງຈໍາຂອງຮ້ານສ້ອມແປງ tapestry ຂອງພໍ່ແມ່ຂອງລາວ .
ນອກຈາກນັ້ນ, ເປັນສັນຍາລັກຂອງແມ່ຂອງເຈົ້າ . ນັກສິລະປິນໄດ້ອະທິບາຍເຖິງແມ່ຂອງນາງດັ່ງນີ້: "ນາງມີຄວາມຕັ້ງໃຈ, ສະຫຼາດ, ອົດທົນ, ສະຫງົບ, ສົມເຫດສົມຜົນ, ລະອຽດອ່ອນ, ອ່ອນໂຍນ, ຂາດບໍ່ໄດ້, ບໍລິສຸດແລະເປັນປະໂຫຍດຄືກັບແມງມຸມ". ຖືຊື່ຂອງ Maman, ຊຶ່ງຫມາຍຄວາມວ່າ "ແມ່".
9. Venus de Milo (ປະມານສະຕະວັດທີ 2 BC)
ຖືວ່າເປັນສັນຍາລັກຂອງໃນສິລະປະກຣີກຄລາສສິກ, ຮູບປັ້ນ Venus de Milo ຖືກພົບເຫັນໂດຍ Yorgos Kentrotas, ຊາວນາກເຣັກ, ໃນປີ 1820 ທີ່ເກາະ Milos ໃນທະເລ Aegean.
ຊິ້ນສ່ວນຂອງ Venus de Milo
ລູກເຮືອຊາວຝຣັ່ງ Olivier Voutier ຢູ່ໃນເວລານັ້ນ, ຜູ້ທີ່ໄດ້ຊຸກຍູ້ໃຫ້ Yorgos ຄົ້ນພົບຊິ້ນສ່ວນດັ່ງກ່າວ. ເສົາຫຼັກທີ່ມີຄໍຂອງຜູ້ຊາຍ .
ຫຼັງຈາກການເຈລະຈາ, ວຽກງານດັ່ງກ່າວແມ່ນຢູ່ໃນການຄອບຄອງຂອງຝຣັ່ງ ແລະປະຈຸບັນເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງພິພິທະພັນ Louvre, ໃນປາຣີ. ໃນເວລານັ້ນ ແລະມີຄວາມກະຕືລືລົ້ນໃນການໄດ້ມາຂອງວັດຖຸບູຮານດັ່ງກ່າວ.
ໃນເວລາຂອງການຄົ້ນພົບຂອງມັນ, ໄດ້ພົບເຫັນການຈາລຶກຢູ່ຖານທີ່ມີຂໍ້ຄວາມວ່າ: “ອາເລັກຊານເດີ, ລູກຊາຍຂອງເມນີເດສ, ພົນລະເມືອງຂອງເມືອງອັນຕີອົກ, ໄດ້ເຮັດ. ຮູບປັ້ນ." ດັ່ງນັ້ນ, Venus de Milos ບໍ່ແມ່ນຮູບປັ້ນທີ່ມີຕົ້ນກຳເນີດມາຈາກປະເທດເກຣັກບູຮານ .
ແນວໃດກໍຕາມ, ຊາວຝຣັ່ງມີຄວາມອຸກອັ່ງໃຈຫຼາຍກັບການປະພັນທີ່ເປັນໄປໄດ້ ແລະຜູ້ອຳນວຍການພິພິທະພັນ Louvre ໄດ້ຈ້າງຜູ້ຊ່ຽວຊານມາວິເຄາະຊິ້ນສ່ວນດັ່ງກ່າວ. . ຫຼັງຈາກນັ້ນ, ມັນໄດ້ຖືກອ້າງວ່າພື້ນຖານຂອງຮູບປັ້ນໄດ້ຖືກລວມເຂົ້າຕໍ່ມາແລະ Venus ໄດ້ຖືກແກະສະຫຼັກໂດຍ Praxiteles, ຊ່າງແກະສະຫຼັກຊາວກຣີກທີ່ມີຊື່ສຽງໃນສະ ໄໝ ກ່ອນ. ພື້ນຖານໄດ້ຖືກຍົກເລີກໂດຍຊາວຝຣັ່ງ.
ຕໍ່ມາ, ຫຼັງຈາກການສຶກສາຕື່ມອີກ, ມັນແມ່ນຢັ້ງຢືນວ່າຕົວຈິງແລ້ວຮູບປັ້ນດັ່ງກ່າວເປັນການສ້າງຂອງ Alexandre de Menides.
ຮູບປັ້ນດັ່ງກ່າວເຮັດດ້ວຍຫີນອ່ອນ, ມີຄວາມສູງ 2 ແມັດ ແລະ ໜັກປະມານ 1 ໂຕນ.
10. Fountain, ຖືວ່າເປັນ Duchamp (1917)
ໃນປີ 1917, ຮູບປັ້ນ Fonte , ຮູບປັ້ນດິນເຜົາທີ່ມີຊື່ R. Mutt, ຖືກຈາລຶກຢູ່ໃນຫ້ອງວາງສະແດງ.
ຊິ້ນສ່ວນດັ່ງກ່າວເຮັດໃຫ້ເກີດເລື່ອງອື້ສາວ, ຍ້ອນວ່າມັນຕັ້ງຄໍາຖາມວ່າສິ່ງທີ່ສາມາດຫຼືບໍ່ສາມາດຍົກລະດັບສະຖານະພາບຂອງສິນລະປະ. ດັ່ງນັ້ນ, ມັນໄດ້ກາຍເປັນຫນຶ່ງໃນວຽກງານທີ່ມີຊື່ສຽງແລະສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງການເຄື່ອນໄຫວ Dadaist, ກໍານົດທິດທາງໃຫມ່ສໍາລັບສິລະປະທີ່ທັນສະໄຫມແລະ, ຕໍ່ມາ, ສໍາລັບສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມ.
ແຕ່ຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ບໍ່ມີໃຜຮູ້ແມ່ນວ່າ ຄວາມຄິດຂອງວຽກງານນີ້ອາດຈະບໍ່ເປັນໂດຍ Marcel Duchamp , ນັກສິລະປິນຊາວຝຣັ່ງທີ່ມີຊື່ສຽງໃນການສ້າງຊິ້ນສ່ວນ, ແຕ່ໂດຍເພື່ອນສິລະປິນຂອງລາວ, ຊາວເຢຍລະມັນ Baroness Elsa von Freytag Loringhoven .
ການຄາດເດົາເຫຼົ່ານີ້ໄດ້ມາຈາກຈົດໝາຍຂອງ Duchamp ຕົນເອງທີ່ລາວລະບຸວ່າ:
ໝູ່ຂອງຂ້ອຍຄົນໜຶ່ງທີ່ຮັບເອົານາມສະກຸນ Richard Mutt ໄດ້ສົ່ງໝໍ້ porcelain ໃຫ້ຂ້ອຍເປັນຮູບປັ້ນ; ເນື່ອງຈາກບໍ່ມີຫຍັງທີ່ບໍ່ສຸພາບ ຈຶ່ງບໍ່ມີເຫດຜົນທີ່ຈະປະຕິເສດມັນ.
11. The Starry Night, ໂດຍ Van Gogh (1889)
ໜຶ່ງໃນຮູບແຕ້ມທີ່ຜະລິດຄືນໃໝ່ຫຼາຍທີ່ສຸດໃນຍຸກປັດຈຸບັນແມ່ນ The Starry Night , ໂດຍຊາວໂຮນລັງ Vincent Van Gogh.
ຖືກທາສີໃນປີ 1889, ຜ້າໃບຂະໜາດ 73 x 92 ຊຕມ ສະແດງໃຫ້ເຫັນພູມສັນຖານຕອນກາງຄືນທີ່ມີທ້ອງຟ້າອັນມະຫາສານເຄື່ອນໄຫວເປັນກ້ຽວວຽນ, ບົ່ງບອກເຖິງຄວາມວຸ້ນວາຍທາງດ້ານອາລົມທີ່ນັກສິລະປິນກຳລັງປະສົບຢູ່.
ຜົນງານດັ່ງກ່າວໄດ້ຄິດໃນຊ່ວງເວລາທີ່ລາວເປັນອາສາສະໝັກຢູ່ໂຮງໝໍຈິດຕະສາດ Saint-Rémy-de-Provence ແລະສະແດງທັດສະນະຈາກປ່ອງຢ້ຽມ. ຂອງຫ້ອງນອນຂອງລາວລວມກັບອົງປະກອບຂອງຈິນຕະນາການ.
ດັ່ງນັ້ນ, ຫມູ່ບ້ານແລະໂບດຂະຫນາດນ້ອຍໄດ້ກ່າວເຖິງປະເທດເນເທີແລນບ່ອນທີ່ລາວໃຊ້ເວລາໃນໄວຫນຸ່ມຂອງລາວ.
ການສຶກສາແນະນໍາວ່າ ທ້ອງຟ້າເປັນຕົວແທນຂອງການສະແດງ. ຕຳແໜ່ງທີ່ແນ່ນອນຂອງດວງດາວໃນຂະນະນັ້ນ , ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມຮູ້ອັນດີກ່ຽວກັບດາລາສາດ.
12. The Girls, Velásquez (1656)
ຮູບແຕ້ມ The Girls , ໂດຍຈິດຕະກອນທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງແອສປາໂຍນ Diego Velázquez, ໄດ້ສ້າງຂຶ້ນໃນປີ 1656 ແລະຢູ່ໃນພິພິທະພັນ Prado, ໃນ Madrid.
ຮູບພາບສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄອບຄົວຂອງກະສັດ Philip IV ແລະນໍາເອົາອົງປະກອບທີ່ຢາກຮູ້ຢາກເຫັນທີ່ໃຫ້ບັນຍາກາດທີ່ຫນ້າປະຫລາດໃຈແລະຕົ້ນສະບັບ, ເຮັດໃຫ້ຜູ້ຊົມຈິນຕະນາການເຖິງການບັນຍາຍທັງຫມົດກ່ຽວກັບຕົວລະຄອນ.
ມັນເປັນວຽກງານທີ່ມີນະວັດຕະກໍາ, ຍ້ອນວ່າມັນກ່ຽວກັບທັດສະນະໃນວິທີການກ້າຫານ, ສ້າງ ສະພາບແວດລ້ອມທີ່ມີຫຼາຍເຮືອບິນ . ນອກຈາກນັ້ນ, ມັນສະແດງໃຫ້ເຫັນຮູບຂອງຈິດຕະນາການຂອງຕົນເອງໃນຮູບຕົນເອງ, ເຊິ່ງລາວໄດ້ຖືກສະແດງໃນລັກສະນະທີ່ຈອງຫອງ, ເພື່ອເປັນການຮັບຮູ້ຂອງອາຊີບ.
ເບິ່ງ_ນຳ: ການເຕັ້ນ 14 ອັນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດໃນອາຟຣິກາ ແລະອາຟຣິກາ-ບຣາຊິວscene ໄດ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຈົ້າຍິງນ້ອຍ Margarida ໃນ ຢູ່ໃຈກາງພ້ອມກັບບັນດາຜູ້ຍິງທີ່ລໍຖ້າ ແລະຕົວເລກຂອງຄວາມບັນເທີງຂອງສານ, ເຊັ່ນ: ໝາ ແລະຄົນພິການຢູ່ເບື້ອງຂວາ.
The
