20 berømte kunstværker og deres kuriositeter

Historiens berømte kunstværker har evnen til at fascinere og stimulere folks nysgerrighed fra det øjeblik, de bliver anerkendt og fremvist.

Mange af disse værker har historier og mærkelige fakta, som offentligheden ofte ikke får kendskab til.

Derfor har vi udvalgt symbolske og kendte værker og giver dig nogle af de kuriositeter, der omgiver dem.

1. pietá af Michelangelo (1498-1499)

En af de mest berømte skulpturer i kunsthistorien er Pietá som forestiller Jomfru Maria med Jesus livløs i sine arme.

Skulpturen kan ses i Peterskirken i Vatikanet og blev udført mellem 1498 og 1499 af renæssancekunstneren Michelangelo.

En kuriositet, som kun få kender til værket, er, at det er den eneste, der er signeret af kunstneren Hans navn kan læses på et banner på brystet af Jomfru Maria, hvor der står: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. Oversættelsen af sætningen lyder: Michelangelo Buonarroti, Florentineren, lavede.

Kunstneren skrev først sit navn med, da værket allerede var blevet leveret. Underskriften skete i et øjeblik af vrede, da der cirkulerede rygter om, at forfatterskabet tilhørte en anden på grund af Michelangelos unge alder.

Så for at fjerne tvivlen besluttede geniet at sætte sit navn på skulpturen og dermed også at skrive ham ind i historien.

2. da Vinci's Mona Lisa (1503-1506)

Verdens mest berømte maleri er også et af de værker med de mest mærkelige fakta og mysterier. Mona Lisa ( La Gioconda (italiensk) er et lille maleri på 77 x 53 cm, som befinder sig på Louvre-museet i Paris.

Denne olie på træ er malet af Leonardo Da Vinci mellem 1503 og 1506 og viser et portræt af en ung kvinde med et gådefuldt blik og smil.

I 2015 blev der foretaget højteknologiske undersøgelser for at kontrollere de forskellige lag maling, og det blev konstateret, at der faktisk er, fire forskellige portrætter i værket tre af dem var skjult bag den Mona Lisa som vi kender i dag.

En anden interessant kuriositet, der blev opdaget i samme undersøgelse, er, at Da Vinci i modsætning til hvad man havde forestillet sig, malede øjenvipper og øjenbryn på portrættet, men i det faktiske maleri er det ikke synligt.

Desuden er det lærredet blev allerede stjålet i begyndelsen af det 20. århundrede På det tidspunkt mistænkte man maleren Pablo Picasso, men senere fandt man ud af, at en tidligere ansat havde fjernet værket fra museet og forsøgt at sælge det.

Der er mange spekulationer og historier om den Mona Lisa hvilket yderligere bidrager til dens berømmelse.

Skriget, af Munch (1893)

Skriget er et af de kunstværker, der bliver et ikon for et historisk øjeblik og som mere end det oversætter en meget specifik type følelse: angst.

Værket er malet af den norske Edward Munch i 1893 og har en 4 versioner .

Eksperter hævder, at den skrækslagne figur, vi ser i midten af billedet, var inspiration en peruviansk mumie til stede på en udstilling i Paris i 1850.

Lærredet blev også stjålet fra Nationalgalleriet i Oslo, Norge. Tyveriet fandt sted i 1994, og tyvene havde den frækhed at efterlade en seddel på stedet, hvor de takkede for den manglende sikkerhed. Året efter blev værket fundet tilbage, og galleriets sikkerhed blev styrket.

Pige med perleørering, af Vermer (1665)

Det mest kendte værk af hollænderen Johannes Vermeer er Pige med en perle ørering i 1665.

Hans berømmelse er enorm, og maleriet kom i biograferne i 2003 med en film, der i fiktiv form fortæller, hvordan processen med at skabe lærredet og malerens forhold til modellen var.

Men i virkeligheden ved man ikke meget om det, kun at den inspirerende muse var en ung kvinde, der blev portrætteret med sindsro og en vis sensualitet, som man kan se på hendes åbne læber.

Den juvel, der hænger i hendes øre, bliver fremhævet på skærmen ved at afsløre en glød, der ligner den, der er til stede i hendes læber og øjne.

Det er også mærkeligt at bemærke, at maleren i virkeligheden ikke har indsat en krog i billedet, som forbinder perlen med den unge piges øreflipper.

Således er den øreringe får en overnaturlig funktion Vi kan endda sammenligne rekvisitten med selve planeten, der svæver i rummet.

Maleriet er så ikonisk, at det er blevet sammenlignet med den Mona Lisa hvilket har givet den status som " Hollandsk Mona Lisa ".

Den tænkende, af Rodin (1917)

Skulpturen Tænkeren af franskmanden Auguste Rodin, er et af de store værker fra det 20. århundrede.

Fragment af Tænkeren

Det blev færdiggjort i 1917 og blev oprindeligt skabt til at komponere Porten til helvede et værk, der integrerer flere skulpturer og er lavet som en hyldest til Dante Alighieris digt Den guddommelige komedie .

Med denne skulpturs succes i særdeleshed, der blev udarbejdet nye versioner I alt har billedhuggeren lavet et dusin "nye tænkere".

Det oprindelige navn ville være Digteren med henvisning til Alighieri, men da den afbildede figur ikke stemte overens med forfatterens, blev den ændret til Tænkeren .

Kunstneren var klar over sit værk og udtalte selv:

Min tænker tænker ikke kun med hjernen, med øjenbrynene, de udvidede næsebor og de sammenpressede læber, men også med alle muskler i arme, ryg og ben, med knyttede næver og tæer.

For en mere detaljeret analyse, læs: Tænkeren, af August Rodin.

Abaporu, af Tarsila do Amaral (1928)

Når man nævner et berømt brasiliansk maleri, husker næsten alle Abaporu af Tarsila do Amaral.

Lærredet, der er et ikon for den første fase af modernismen i Brasilien, blev designet i 1928 og blev givet af Tarsila til sin mand Oswald de Andrade som gave.

Sammenligning af maleri og skulptur Tænkeren Derfor forbindes de to værker med hinanden, som om Abaporu var en slags "genlæsning" af Rodins skulptur.

På den anden side har kunstnerens barnebarn i et interview i 2019 udtalt, at der var et stort skråt spejl i Tarsilas hus. uforholdsmæssigt store figur ville være et selvportræt af kunstneren , som stod foran spejlet og betragtede de enorme fødder og hænder på bekostning af hovedet.

Under alle omstændigheder blev lærredet et symbol på "antropofagisme", en bevægelse, der havde til formål at værdsætte den brasilianske kultur.

Maleriet er et af de dyreste i historien og utvivlsomt en milepæl i brasiliansk kultur, da det er vurderet til 45-200 millioner dollars.

Læs mere på: Betydningen af Abaporu.

Erindringens vedholdenhed, af Salvador Dalí (1931)

Det berømte surrealistiske lærred Den vedvarende hukommelse af spanieren Salvador Dalí, viser det absurde billede af smeltende ure, myrer og fluer, en formløs krop og et usædvanligt landskab i baggrunden.

Med sine reducerede dimensioner (24 x 33 cm) var det skabt i 1931 på kun fem timer under en kreativ katarsis hos kunstneren.

Historien fortæller, at Dalí havde spist camembertost den dag og var utilpas, og mens hans kone hyggede sig med venner, besluttede kunstneren at blive hjemme.

Ved at isolere sig selv i sit atelier skabte han det maleri, der blev et af de vigtigste i den europæiske avantgardebevægelse.

Hvis du vil gå dybere ind i analysen af dette værk, kan du læse: Dalís The Persistence of Memory.

8. maman, af Bourgeois

Den franske kunstner Louise Bourgeois lavede flere skulpturer af edderkopper fra 1990'erne og frem, hvoraf den ene er kendt af den brasilianske offentlighed, fordi den i mange år stod i Ibirapuera Park, som er en del af samlingen på MAM (Museum for Moderne Kunst i São Paulo).

De berømte edderkopper er vigtige i Bourgeois' arbejde, da de er relateret til hans barndom og minderne fra hans forældres tapetrestaureringsværksted.

Desuden, symboliserer din mor Kunstneren beskrev sin mor således: "Hun var velovervejet, intelligent, tålmodig, beroligende, fornuftig, delikat, subtil, uundværlig, ren og nyttig som en edderkop.

Der er lavet flere forskellige versioner af edderkopper med navnet Maman, som betyder "mor".

Venus af Milo (ca. 2. århundrede f.Kr.)

Skulpturen betragtes som et symbol på den klassiske græske kunst og betragtes som et symbol på den klassiske græske kunst. Venus de Milo blev fundet af Yorgos Kentrotas, en græsk bonde, i 1820 på øen Milos i Det Ægæiske Hav.

Fragment af Venus de Milo

Ved samme lejlighed var den franske sømand Olivier Voutier til stede, som opfordrede Yorgos til at grave stykket frem.

Andre fragmenter blev fundet under udgravningerne, såsom en hånd, der holder et æble, og to søjler med mandlige buster.

Efter forhandlinger forblev værket i franskmændenes besiddelse og er i dag en del af Louvre-museet i Paris.

Frankrig oplevede på det tidspunkt en revaluering af den klassiske græske kultur, og der var begejstring over at erhverve et sådant levn.

Da den blev fundet, blev der fundet en inskription på dens sokkel med teksten: "Alexander, søn af Menides, borger i Antiokia, lavede statuen".

Antiochia var en tyrkisk by, der blev grundlagt et århundrede efter den klassiske græske periode. Således, Venus af Milos er ikke en skulptur, der oprindeligt stammer fra det antikke Grækenland .

Franskmændene var imidlertid meget frustrerede over det mulige ophav, og direktøren for Louvre-museet hyrede eksperter til at analysere værket. Det blev derefter hævdet, at skulpturens sokkel var blevet indarbejdet senere, og at Venus var blevet skulptureret af Praxíteles, en berømt græsk billedhugger i antikken. Soklen blev kasseret af franskmændene.

Senere, efter yderligere undersøgelser, fandt man ud af, at skulpturen faktisk var en skabelse af Alexander af Menides.

Statuen er lavet af marmor, måler 2 meter i højden og vejer omkring 1 ton.

10. springvand, tilskrevet Duchamp (1917)

I 1917 blev skulpturen opstillet i en udstillingssal Kilde , et pissoir af porcelæn, signeret med navnet R. Mutt.

Værket skabte en skandale, da det sætter spørgsmålstegn ved, hvad der kan eller ikke kan ophøjes til kunst, og det blev derfor et af de mest berømte og vigtige værker fra den dadaistiske bevægelse, der dikterede nye retninger for den moderne kunst og senere for samtidskunsten.

Men en kuriositet, som ikke alle ved, er, at ideen til dette værk har måske ikke været Marcel Duchamps den franske kunstner, der er berømt for at have skabt værket, men fra en af hans kunstnervenner, den tyske Baronesse Elsa von Freytag Loringhoven .

Disse spekulationer stammer fra breve fra Duchamp selv, hvori han skriver:

En af mine venner, som tog pseudonymet Richard Mutt til sig, sendte mig et porcelænspissoir som skulptur, og da der ikke var noget uanstændigt ved det, var der ingen grund til at afvise det.

11. stjerneklar nat, af Van Gogh (1889)

Et af de mest reproducerede samtidsmalerier er Den stjerneklare nat af hollænderen Vincent Van Gogh.

Maleriet blev malet i 1889, og lærredet på 73 x 92 cm viser et natligt landskab med en enorm himmel, der bevæger sig i en spiral, hvilket antyder den følelsesmæssige uro, som kunstneren oplevede.

Værket blev skabt under hans frivillige ophold på det psykiatriske hospital i Saint-Rémy-de-Provence og viser udsigten fra hans soveværelsesvindue kombineret med elementer fra fantasien.

Landsbyen og den lille kirke er således en hentydning til Nederlandene, hvor han tilbragte sin ungdom.

Undersøgelser tyder på, at den afbildede himmel viser stjernernes nøjagtige position på det pågældende tidspunkt der viser stor viden om astronomi.

Pigerne, Velasquez (1656)

Maleriet Pigerne af den berømte spanske maler Diego Velázquez, blev udført i 1656 og befinder sig på Prado-museet i Madrid.

Billedet viser monark Philip IV's kongelige familie og indeholder flere mærkelige elementer, der giver en overraskende og original atmosfære og får beskueren til at forestille sig en hel fortælling om personerne.

Det er et nyskabende værk, da det behandler perspektivet på en dristig måde og skaber en miljø med flere planer Den viser også kunstneren selv i et selvportræt, hvor han er portrætteret på en hovmodig måde i en søgen efter anerkendelse af sit erhverv.

Scenen viser den lille prinsesse Margaret i midten ved siden af hofdamer og hoffigurer, såsom hunden og de handicappede til højre.

O kongeparret er portrætteret i et lille spejl ved siden af døren.

Et andet interessant spørgsmål, som lærredet lægger op til, er, hvad Velázquez' maleri kan være motivet i selve maleriet.

For at få en bedre forståelse af lærredet kan du læse: Pigerne af Velázquez: en analyse af værket.

Kyset, af Klimt (1908)

Et af de mest verdenskendte kunstværker, som i øjeblikket er trykt på en række forskellige genstande, er Kysset af den østrigske Gustav Klimt.

Lærredet, der blev fremstillet i 1908, viser et pars kærlighed og er en del af kunstnerens såkaldte gyldne fase, hvor han brugte bladguld som et af materialerne .

På billedet kan vi se, at den kappe, der dækker figurerne, har cirkulære, rektangulære og små prikker i forskellige farver.

A inspirationen til en sådan standardisering kom fra billeder af blodplader , studeret under mikroskopet på det tidspunkt, hvor forskerne var fascineret af opdagelserne i det nye apparat.

Allerede flere år før lærredet blev skabt, havde kunstneren lavet værker inspireret af medicinske temaer.

Det er således muligt at identificere Klimts ønske om at forene det romantiske tema med materialiseringen af den menneskelige krop.

Læs mere i: Kyset af Gustav Klimt.

Salvator Mundi, tilskrevet Leonardo Da Vinci (ca. 1500)

Det mest kontroversielle værk, der tilskrives Da Vinci, er lærredet Salvator Mundi som forestiller Jesus Kristus i renæssancestil.

Selv om der er uenighed om, hvem der er ophavsmand til maleriet, er dette det det dyreste værk, der nogensinde er solgt på auktion Prisen for denne olie på lærred var 450 millioner dollars i 2017.

I øjeblikket ved man ikke præcis, hvor maleriet befinder sig, men det blev købt af en saudisk prins Da det blev erhvervet, var det meningen, at det skulle udstilles på Louvre-museet i Abu Dhabi, hvilket ikke skete, men i dag spekuleres der i, at det befinder sig på en af prinsens både.

Kaffebonden, af Portinari (1934)

Kaffebonden er et maleri af Cândido Portinari fra 1934. Scenen forestiller en markarbejder med en hakke, store bare fødder, en kaffeplantage og et tog, der skærer sig gennem landskabet.

Det er et af de mest repræsentative værker af den berømte brasilianske maler og samarbejde med arbejderen Nilton Rodrigues, som også poserede for andre lærreder som Mestizo e Kaffe .

På trods af videoens dårlige kvalitet er det værd at se et uddrag af Globo Repórter-interviewet fra 1980 med den tidligere vasker.

16. The Artist Is Present, af Marina Abramović (2010)

En af den serbiske kunstner Marina Abramovićs mest succesfulde forestillinger er Kunstneren er til stede i oversættelse Kunstneren er til stede .

Værket blev afholdt i 2010 på MoMA (Museum of Modern Art i New York) og var en aktion, hvor Marina var til stede på en udstilling om sin kunstneriske karriere.

Hun blev siddende og stirrede på de besøgende, som en efter en stod foran hende.

Højdepunktet i denne forestilling og grunden til, at den blev projiceret, var, da hendes tidligere partner (og også kunstner) Ulay deltog og stod ansigt til ansigt med Marina.

De to havde ikke længere kontakt, men i 12 år var de kærester og partnere i flere værker På den måde blev forbindelsen mellem dem, deres blikke og gestikulationer registreret og rørte publikum.

Silhouettes Series, af Ana Mendieta (1973-1980)

Ana Mendieta (1948-1985) var en vigtig cubansk kunstner. Hendes produktion fandt hovedsageligt sted i 1970'erne, og hendes virkefelt var kropskunst og performance, sprog inden for samtidskunsten, for at bringe spørgsmål relateret til feminisme frem.

Kunstnerens mest berømte værk var serien Silhuetter hvor hun bruger sin krop til at integrere sig med naturen og søger at markere sin feminine krop i verden og også en åndelig forbindelse med helheden.

Den nysgerrighed, vi bringer her, er ikke specifikt om denne serie, men om kunstneren selv. Ana bragte stærke overvejelser om kroppen og vold mod kvinder og ironisk nok døde under tvivlsomme omstændigheder, hvilket tyder på, at feminicide .

I 1985 døde kunstneren som ung efter et skænderi med sin mand, kunstneren Carl Andre, da hun faldt ned fra 34. etage i den bygning, hvor hun boede.

Døden blev registreret som selvmord, men der er stærke beviser for, at Carl skubbede hende. Hendes mand blev retsforfulgt 3 år senere og frikendt.

Billedernes forræderi, af René Magritte (1928-29)

Et af den surrealistiske bevægelses ikoner var belgieren René Magritte, der gerne legede med billederne for at skabe modsætninger og refleksioner, der går ud over den simple figurative fremstilling.

Det berømte maleri Billedernes forræderi er et godt eksempel på denne egenskab ved hans værk, idet han går ind i kunsthistorien som en udfordring og en provokation.

På lærredet ser vi et maleri af en pibe og en sætning på fransk, hvor der står "Dette er ikke en pibe". På den måde fremhæver maleren forskellen mellem repræsentationen og selve genstanden.

Værket, der blev malet i 1928, befinder sig i øjeblikket på Los Angeles County Museum of Art.

Et kuriosum er, at da dette arbejde blev præsenteret, blev det meget diskuteret og blev kontroversiel og misforstået .

Den store bølge fra Kanagawa, af Hokusai (1820-30)

Et af de mest berømte japanske træsnit er Kanagawa's store bølge skabt omkring 1820 af Hokusai, mester i ukiyo-e-teknikken, japansk trykkeri.

Billedet er kendt over hele verden og fortryller offentligheden med de mange detaljer og havets dramatiske karakter. Men det mærkelige er, at kunstnerens hensigt var primært at portrættere Fuji-bjerget i baggrunden af landskabet.

Værket er en del af serien "Thirty-six Views of Mount Fuji", hvor bjerget er vist på forskellige tidspunkter af året og set fra forskellige steder.

I slutningen af det 19. århundrede blev japansk kunst populær i Vesten. Dette værk, som der blev lavet mange kopier af, blev kendt af europæiske samlere, og mange museer havde reproduktioner af værket.

Således blev de japanske træsnit - og dette i særdeleshed - til. en kilde til inspiration for europæiske kunstnere og har bidraget til værker af Van Gogh, Monet, Klimt, Mary Cassat og mange andre.

20. yellow home, af Anita Malfatti (1915)

I 1917, altså 5 år før den moderne kunsts uge, holdt Anita Malfatti en udstilling i Brasilien, hvor hun viste sin produktion, mens hun studerede i udlandet.

Den gule mand var en del af denne udstilling og også af Uge 22, og er et af hans værker med størst virkning.

De former og farver, som kunstneren brugte i dette værk, skabte kontroverser på et tidspunkt, hvor den moderne kunst stadig var på vej ind i landet.

Den mand, som Anita repræsenterer, er ifølge hende selv et billede på en fattig italiensk indvandrer, der har et udtryk af hjælpeløshed .