Tabla de contenido
Las obras de arte famosas de la historia tienen el poder de fascinar y estimular la curiosidad de la gente desde el momento en que adquieren reconocimiento y proyección.
Muchas de estas piezas tienen historias y datos curiosos que a menudo no llegan a oídos del gran público.
Por ello, hemos seleccionado obras emblemáticas y conocidas y le traemos algunas de las curiosidades que las rodean.
Ver también: Los 11 poemas más bellos escritos por autoras brasileñas1. pietá de Miguel Ángel (1498-1499)
Una de las esculturas más famosas de la historia del arte es Pietá que representa a la Virgen María con Jesús sin vida en brazos.
La escultura puede verse en la Basílica de San Pedro del Vaticano y fue realizada entre 1498 y 1499 por el artista renacentista Miguel Ángel.
Una curiosidad que pocos conocen de la obra es que es el único firmado por el artista Su nombre puede leerse en un estandarte sobre el pecho de la Virgen María, que reza: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. La traducción de la frase reza: Miguel Ángel Buonarroti, el florentino, hizo.
El artista sólo incluyó su nombre cuando la obra ya había sido entregada. La firma se produjo en un momento de enfado, ya que circulaban rumores de que la autoría pertenecía a otra persona, debido a la corta edad de Miguel Ángel.
Así que, para despejar las dudas, el genio decidió grabar su nombre en la escultura, marcándolo también a él en la historia.
2. La Gioconda de da Vinci (1503-1506)
El cuadro más famoso del mundo es también una de las obras con más curiosidades y misterios. Mona Lisa ( La Gioconda (italiano) es un pequeño cuadro de 77 x 53 cm que se encuentra en el Museo del Louvre de París.
Pintado por Leonardo Da Vinci entre 1503 y 1506, este óleo sobre madera muestra el retrato de una joven de mirada y sonrisa enigmáticas.
En 2015 se realizaron estudios de alta tecnología para comprobar las distintas capas de pintura y se descubrió que, de hecho, las hay, cuatro retratos distintos en la obra tres de ellos estaban escondidos detrás del Mona Lisa que conocemos hoy.
Otra curiosidad interesante descubierta en ese mismo estudio es que, contrariamente a lo que se imaginaba, Da Vinci pintó pestañas y cejas en el retrato, pero en el cuadro real no se aprecia.
Además, el el lienzo ya fue robado a principios del siglo XX En aquel momento se sospechó del pintor Pablo Picasso, pero más tarde se descubrió que un antiguo empleado había retirado la obra del museo e intentado venderla.
Hay muchas especulaciones e historias en torno al Mona Lisa lo que contribuye aún más a su fama.
El grito, de Munch (1893)
El grito es una de esas obras de arte que se convierten en icono de un momento histórico y, más que eso, traducen un tipo de sentimiento muy concreto: la angustia.
Pintada por el noruego Edward Munch en 1893, la obra ha 4 versiones .
Los expertos afirman que la figura aterrorizada que vemos en el centro de la imagen era inspiración una momia peruana presente en una exposición de 1850 en París.
El lienzo también fue robado de la Galería Nacional de Oslo (Noruega). El robo se produjo en 1994 y los ladrones tuvieron la osadía de dejar una nota en el lugar agradeciendo la falta de seguridad. Al año siguiente se recuperó la obra y se reforzó la seguridad de la galería.
Niña con pendiente de perla, de Vermer (1665)
La obra más conocida del holandés Johannes Vermeer es Chica con pendiente de perla de 1665.
Su fama es enorme y el cuadro llegó a los cines en 2003 con una película que cuenta en forma de ficción cómo fue el proceso de creación del lienzo y la relación del pintor con la modelo.
Pero en realidad poco se sabe de ella, sólo que la musa inspiradora era una joven retratada con serenidad y cierta sensualidad, que se observa en sus labios entreabiertos.
La joya que cuelga de su oreja gana protagonismo en la pantalla al revelar un brillo similar al presente en sus labios y ojos.
También es curioso observar que, en realidad, el pintor no ha insertado en la imagen un gancho que conecte la perla al lóbulo de la oreja de la joven.
Así, el earring se convierte en un elemento sobrenatural Incluso podemos comparar el puntal con el propio planeta flotando en el espacio.
El cuadro es tan emblemático que se compara con el Mona Lisa lo que le ha valido el estatus de " Mona Lisa holandesa ".
El Pensador, de Rodin (1917)
La escultura El pensador del francés Auguste Rodin, es una de las grandes obras del siglo XX.
Fragmento de El pensador
Terminado en 1917, se creó inicialmente para componer La puerta del infierno obra que integra varias esculturas y fue realizada en homenaje al poema de Dante Alighieri La Divina Comedia .
Con el éxito de esta escultura en concreto, se hicieron nuevas versiones En total, el escultor ha realizado una docena de "nuevos pensadores".
El nombre inicial sería El poeta en referencia a Alighieri, pero como la figura retratada no coincidía con la del escritor, se cambió por El pensador .
El artista era consciente de la genialidad de su obra e incluso llegó a afirmar:
Lo que piensa mi pensador es que piensa no sólo con el cerebro, con las cejas, las fosas nasales distendidas y los labios comprimidos, sino con todos los músculos de los brazos, la espalda y las piernas, con el puño cerrado y los dedos de los pies apretados.
Para un análisis más detallado, lea: El Pensador, de August Rodin.
Abaporu, de Tarsila do Amaral (1928)
Cuando se menciona un cuadro brasileño famoso, casi todo el mundo recuerda Abaporu, de Tarsila do Amaral.
Icono de la primera fase del modernismo en Brasil, el lienzo fue diseñado en 1928 y regalado por Tarsila a su marido Oswald de Andrade.
Comparar pintura y escultura El pensador Por esta razón, las dos obras se asocian entre sí, como si Abaporu fuera una especie de "relectura" de la escultura de Rodin.
Por otro lado, la nieta del artista afirmó en una entrevista en 2019 que en la casa de Tarsila había un gran espejo inclinado.Así, la figura desproporcionada que se muestra sería un autorretrato del artista que se colocó frente al espejo y observó los enormes pies y manos, en detrimento de la cabeza.
En cualquier caso, el lienzo se convirtió en un símbolo del "antropofagismo", un movimiento que pretendía valorar la cultura brasileña.
El cuadro es uno de los más caros de la historia y, sin duda, un hito de la cultura brasileña, ya que está valorado entre 45 y 200 millones de dólares.
Leer más en: Significado de Abaporu.
La persistencia de la memoria, de Salvador Dalí (1931)
El famoso lienzo surrealista La persistencia de la memoria del español Salvador Dalí, muestra la absurda imagen de relojes que se derriten, hormigas y moscas, un cuerpo informe y un insólito paisaje de fondo.
Con unas dimensiones reducidas (24 x 33 cm), fue creado en 1931 en sólo cinco horas durante una catarsis creativa del artista.
Se cuenta que ese día Dalí había comido queso camembert y se encontraba mal. Mientras su mujer se divertía con unos amigos, el artista decidió quedarse en casa.
Aislándose en su estudio, concibió el cuadro que se convirtió en uno de los más importantes del movimiento vanguardista europeo.
Para profundizar en el análisis de esta obra, lea: La persistencia de la memoria de Dalí.
8. maman, de Bourgeois
La artista francesa Louise Bourgeois realizó varias esculturas de arañas a partir de la década de 1990, una de las cuales es conocida por el público brasileño porque permaneció durante muchos años en el Parque de Ibirapuera, parte de la colección del MAM (Museo de Arte Moderno de São Paulo).
Las famosas arañas son importantes en la obra de Bourgeois, ya que están relacionadas con su infancia y los recuerdos del taller de restauración de tapices de sus padres.
Además, simboliza a tu madre La artista describió así a su madre: "Era deliberada, inteligente, paciente, tranquilizadora, razonable, delicada, sutil, indispensable, pura y tan útil como una araña.
Se han fabricado varias versiones de arañas que llevan el nombre de Maman, que significa "madre".
Venus de Milo (siglo II a.C.)
Considerada un símbolo del arte griego clásico, la escultura Venus de Milo fue encontrado por Yorgos Kentrotas, un campesino griego, en 1820 en la isla de Milos, en el mar Egeo.
Fragmento de Venus de Milo
También acudió el marino francés Olivier Voutier, que animó a Yorgos a desenterrar la pieza.
En las excavaciones se encontraron otros fragmentos, como una mano sosteniendo una manzana y dos pilares con bustos masculinos.
Tras las negociaciones, la obra quedó en poder de los franceses y actualmente forma parte del Museo del Louvre de París.
Francia vivía entonces la revalorización de la cultura griega clásica y la adquisición de semejante reliquia suscitó entusiasmo.
En el momento de su descubrimiento, se encontró una inscripción en su base con el texto: "Alejandro, hijo de Menides, ciudadano de Antioquía, hizo la estatua".
Antioquía fue una ciudad turca fundada un siglo después de la época griega clásica. Así, La Venus de Milos no es una escultura originaria de la Antigua Grecia .
Sin embargo, los franceses se sintieron muy frustrados por la posible autoría y el director del Museo del Louvre contrató a expertos para que analizaran la pieza. Entonces se afirmó que la base de la escultura había sido incorporada posteriormente y que Venus había sido esculpida por Praxíteles, un famoso escultor griego de la Antigüedad. La base fue descartada por los franceses.
Más tarde, tras un estudio más profundo, se descubrió que la escultura era en realidad una creación de Alejandro de Menides.
La estatua era de mármol, medía 2 metros de altura y pesaba alrededor de 1 tonelada.
10. fuente, atribuida a Duchamp (1917)
En 1917, la escultura se presentó en una sala de exposiciones Fuente un urinario de porcelana firmado con el nombre de R. Mutt.
La pieza provocó un escándalo, ya que cuestiona lo que puede o no elevarse a la categoría de arte. Así, se convirtió en una de las obras más famosas e importantes del movimiento dadaísta, dictando nuevos rumbos para el arte moderno y, más tarde, para el arte contemporáneo.
Pero una curiosidad que no todo el mundo sabe es que la idea de esta obra puede no haber sido de Marcel Duchamp el artista francés famoso por la creación de la obra, sino de un artista amigo suyo, el alemán Baronesa Elsa von Freytag Loringhoven .
Estas especulaciones surgieron de cartas del propio Duchamp en las que afirma:
Uno de mis amigos, que adoptó el seudónimo de Richard Mutt, me envió un urinario de porcelana como escultura; como no tenía nada de indecente, no había motivo para rechazarlo.
11. noche estrellada, de Van Gogh (1889)
Uno de los cuadros contemporáneos más reproducidos es La noche estrellada del holandés Vincent Van Gogh.
Pintado en 1889, el lienzo de 73 x 92 cm muestra un paisaje nocturno con un cielo inmenso que se mueve en espiral, sugiriendo la agitación emocional que experimentaba el artista.
La obra fue concebida durante su estancia voluntaria en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence y representa la vista desde la ventana de su habitación combinada con elementos de la imaginación.
Así, el pueblo y la pequeña iglesia aluden a los Países Bajos, donde pasó su juventud.
Los estudios sugieren que el cielo representado muestra la posición exacta de las estrellas en ese momento demostrando grandes conocimientos de astronomía.
Las niñas, Velázquez (1656)
El cuadro Las chicas del famoso pintor español Diego Velázquez, fue realizada en 1656 y se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
La imagen muestra a la familia real del monarca Felipe IV y presenta varios elementos curiosos que le confieren una atmósfera sorprendente y original, llevando al espectador a imaginar toda una narración en torno a los personajes.
Se trata de una obra innovadora, ya que aborda la perspectiva de forma audaz, creando un entorno multiplan También presenta la figura del propio artista en un autorretrato en el que aparece retratado de forma altiva, en busca del reconocimiento de su profesión.
La escena muestra a la pequeña princesa Margarita en el centro junto a las damas de compañía y las figuras de entretenimiento de la corte, como el perro y los discapacitados de la derecha.
O la pareja real se retrata en un pequeño espejo junto a la puerta.
Otra cuestión interesante que sugiere el lienzo es sobre cuál podría ser el tema del cuadro de Velázquez dentro del propio cuadro.
Para comprender mejor el lienzo, lea: Las muchachas, de Velázquez: análisis de la obra.
El beso, de Klimt (1908)
Una de las obras de arte más conocidas en todo el mundo, que actualmente se imprime en diversos objetos, es El beso del austriaco Gustav Klimt.
Realizado en 1908, el lienzo representa el amor de una pareja y forma parte de la llamada fase dorada del artista, que utilizó pan de oro como uno de los materiales .
En la imagen vemos que el manto que cubre a las figuras tiene puntos circulares, rectangulares y pequeños de varios colores.
A Las imágenes de plaquetas sanguíneas sirvieron de inspiración para esta normalización. En aquella época, los científicos estaban fascinados por los descubrimientos del nuevo aparato.
Años antes de la creación del lienzo, el artista ya había realizado obras inspiradas en temas médicos.
Así, es posible identificar un deseo de Klimt de unir el tema romántico con la materialización del cuerpo humano.
Para saber más, lea: El beso, de Gustav Klimt.
Salvator Mundi, atribuido a Leonardo Da Vinci (hacia 1500)
La obra más controvertida atribuida a Da Vinci es el lienzo Salvator Mundi que representa a Jesucristo en estilo renacentista.
Aunque existe controversia sobre la autoría del cuadro, éste es el la obra más cara jamás subastada El precio pagado por el óleo sobre lienzo fue de 450 millones de dólares en 2017.
En la actualidad no se sabe exactamente dónde se encuentra el cuadro, pero fue comprada por un príncipe saudí Cuando se adquirió, la idea era que se expusiera en el Museo del Louvre de Abu Dhabi, cosa que no ocurrió. Hoy se especula con que esté en uno de los barcos del Príncipe.
El cafetero, de Portinari (1934)
El caficultor es una pintura de Cândido Portinari de 1934. La escena muestra a un trabajador del campo con una azada, grandes pies descalzos, una plantación de café y un tren que atraviesa el paisaje.
Es una de las obras más representativas del célebre pintor brasileño y colaboración del obrero Nilton Rodrigues, que también posó para otros lienzos como Mestizo e Café .
A pesar de la baja calidad del vídeo, merece la pena ver un fragmento de la entrevista de 1980 de Globo Repórter al ex lavandero.
Modelo Portinari para café y otras obras16. El artista está presente, de Marina Abramović (2010)
Uno de los espectáculos más exitosos de la artista serbia Marina Abramović es El artista está presente en traducción El artista está presente .
Celebrada en 2010 en el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), la obra fue una acción en la que Marina estuvo presente en una exposición de su trayectoria artística.
Permaneció sentada mirando fijamente a los visitantes, que uno a uno se colocaron frente a ella.
Lo más destacado de esta actuación y la razón por la que ganó proyección fue cuando participa su ex pareja (y también artista) Ulay, frente a frente con Marina.
Marina Abramović y Ulay - MoMA 2010Los dos ya no tenían contacto, pero durante 12 años fueron amantes y socios en varias obras Así, la conexión entre ellos, las miradas y los gestos quedaron grabados y emocionaron al público.
Serie Siluetas, de Ana Mendieta (1973-1980)
Ana Mendieta (1948-1985) fue una importante artista cubana. Su producción se desarrolló principalmente en la década de 1970 y su campo de acción fue el arte corporal y la performance, lenguajes del arte contemporáneo, para plantear cuestiones relacionadas con el feminismo.
La obra más famosa del artista fue la serie Siluetas en la que utiliza su cuerpo para integrarse con la naturaleza, buscando marcar su cuerpo femenino en el mundo y también una conexión espiritual con el todo.
La curiosidad que traemos aquí no es específicamente sobre esta serie, sino sobre la propia artista. Ana trajo fuertes reflexiones sobre el cuerpo y la violencia contra las mujeres e irónicamente murió en circunstancias dudosas, lo que sugiere feminicidio .
En 1985 la artista murió joven tras una pelea con su marido, el artista Carl Andre. Se cayó desde el piso 34 del edificio donde vivía.
La muerte se registró como suicidio, pero hay fuertes indicios de que Carl la empujó. Su marido fue juzgado 3 años después y absuelto.
La traición de las imágenes, de René Magritte (1928-29)
Uno de los iconos del movimiento surrealista fue el belga René Magritte. Al pintor le gustaba jugar con las imágenes para crear contradicciones y reflexiones más allá de la simple representación figurativa.
El famoso cuadro La traición de las imágenes ejemplifica bien esta característica de su obra, entrando en la historia del arte como un desafío y una provocación.
En el lienzo vemos un cuadro de una pipa y la frase en francés "Esto no es una pipa". Así, el pintor pone de relieve la diferencia entre la representación y el objeto en sí.
Pintada en 1928, la obra se encuentra actualmente en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
Una curiosidad es que en el momento en que se presentó este trabajo, fue muy discutido, llegando a ser controvertido e incomprendido .
La gran ola de Kanagawa, de Hokusai (1820-30)
Una de las xilografías japonesas más famosas es La gran ola de Kanagawa creada hacia 1820 por Hokusai, maestro de la técnica ukiyo-e, la impresión japonesa.
La imagen es conocida en todo el mundo, encantando al público por la riqueza de detalles y el dramatismo del mar. Pero, lo curioso es que el La intención del artista era retratar principalmente el monte Fuji en el fondo del paisaje.
La obra forma parte de la serie "Treinta y seis vistas del monte Fuji", en la que se muestra la montaña en distintas épocas del año y vista desde diferentes lugares.
A finales del siglo XIX, el arte japonés se popularizó en Occidente. Esta obra, de la que se hicieron muchas copias, se dio a conocer a los coleccionistas europeos y muchos museos albergaron reproducciones de la misma.
Así surgieron las xilografías japonesas, y ésta en particular. fuente de inspiración para los artistas europeos contribuyendo a las obras de Van Gogh, Monet, Klimt, Mary Cassat y muchos otros.
Ver también: El tiempo y el giro de Augusto Matraga (Guimarães Rosa): resumen y análisis20. hogar amarillo, de Anita Malfatti (1915)
En 1917, por tanto 5 años antes de la Semana del Arte Moderno, Anita Malfatti organizó una exposición en Brasil mostrando su producción mientras estudiaba en el extranjero.
El hombre amarillo formó parte de esta exposición y también de la Semana del 22, siendo una de sus obras de mayor impacto.
Las formas y colores utilizados por el artista en esta obra causaron polémica en una época en la que el arte moderno aún estaba llegando al país.
El hombre representado por Anita es, según ella, la imagen de un pobre inmigrante italiano que muestra una mirada de impotencia .
