20 kjente kunstverk og deres kuriositeter

De berømte kunstverkene i historien har makt til å fascinere og stimulere folks nysgjerrighet fra det øyeblikket de får anerkjennelse og projeksjon.

Mange av disse stykkene har historier og nysgjerrige fakta som ofte ikke når frem til kunnskap om allmennheten.

Dermed har vi valgt ut emblematiske og kjente verk og bringer noen av kuriositetene rundt dem.

1. Pietá, av Michelangelo (1498-1499)

En av de mest kjente skulpturene i kunsthistorien er Pietá , som representerer Jomfru Maria med livløs Jesus i armene.

Skulpturen kan sees i Peterskirken, i Vatikanet, og ble produsert mellom 1498 og 1499 av renessansen Michelangelo.

En kuriositet som få vet om verket er at det er det eneste som er signert av kunstneren . Navnet hans kan leses på et bånd over brystet til Jomfru Maria, som lyder: MICHEA[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT. Oversettelsen av setningen sier: Michelangelo Buonarroti, florentineren, gjorde det.

Kunstneren tok med navnet sitt først etter at verket allerede var levert. Signaturen fant sted i et øyeblikk av sinne, da det gikk rykter om at forfatterskapet ville være noen andre, på grunn av Michelangelos unge alder.

Så, for å fjerne tvil, bestemte geniet seg for å merke navnet hans på skulptur , som også markerer ham i historien.

2. Da Vincis Mona Lisa Kongeparet er portrettert i et lite speil ved siden av døren.

Et annet interessant spørsmål som lerretet antyder er hva som ville være temaet for Velázquezs maleri i selve maleriet.

For en bedre forståelse av lerretet, les: Las Meninas, av Velázquez: analyse av verket.

13. The Kiss, av Klimt (1908)

Et av de mest publiserte verkene i verden og som trykker forskjellige gjenstander i dag, er The Kiss , av østerrikeren Gustav Klimt.

Produsert i 1908, lerretet skildrer kjærligheten til et par og er en del av den såkalte gullfasen til kunstneren, som brukte bladgull som et av materialene .

På bildet kan vi se at mantelen som dekker figurene har sirkulære, rektangulære former og små prikker i forskjellige farger.

Inspirasjonen til en slik standardisering kom fra bilder av blodplater , studert under et mikroskop på den tiden, da forskere ble fascinert av funnene som ble gjort i det nye apparatet.

År før lerretet ble opprettet, hadde kunstneren allerede skapt verk inspirert etter medisintemaer.

Dermed er det mulig å identifisere Klimts ønske om å forene det romantiske temaet med materialiseringen av menneskekroppen.

For å lære mer, les: Painting The Kiss, av Gustav Klimt.

14. Salvator Mundi, tilskrevet Leonardo Da Vinci (cirka 1500)

Det mest kontroversielle verket som tilskrives Da Vinci er lerretet Salvator Mundi , som skildrerJesus Kristus i renessansestil.

Selv om det er uenighet om maleriets forfatterskap, er dette det dyreste verket som noen gang er solgt på auksjon . Beløpet som ble betalt for oljen på lerretet var 450 millioner dollar i 2017.

Foreløpig er det ikke kjent nøyaktig hvor maleriet befinner seg, men det ble kjøpt av en saudisk prins . Da den ble anskaffet, var tanken at den skulle stilles ut på Louvre-museet i Abu Dhabi, noe som ikke skjedde. I dag spekuleres det i at den er på en av prinsens båter.

15. The Coffee Farmer, av Portinari (1934)

The Coffee Farmer er et maleri av Cândido Portinari fra 1934. Scenen viser en skikkelse som arbeider i marken med hakken sin, store bare føtter, en kaffeplantasje og et tog som krysser landskapet.

Det er et av de mest representative verkene til den berømte brasilianske maleren og hadde samarbeid med arbeideren Nilton Rodrigues, som også poserte for andre lerreter , som Mestiço og Café .

Til tross for den lave kvaliteten på videoen er det verdt å sjekke et utdrag fra 1980-intervjuet av Globo Repórter med den tidligere bonden.

16. The Artist Is Present, av Marina Abramović (2010)

En av de mest suksessrike forestillingene til den serbiske artisten Marina Abramović er The Artist is Present , i oversettelse Artisten erpresent .

Laget i 2010 på MoMA (Museum of Modern Art i New York), var verket en handling der Marina var til stede på en utstilling med sin kunstneriske bane.

Hun ble sittende og stirre på de besøkende, som en etter en plasserte seg foran henne.

Høydepunktet for denne forestillingen og grunnen til at den ble fremtredende var da hennes tidligere partner (og også artist) Ulay deltar , står ansikt til ansikt med Marina.

De to hadde ikke lenger kontakt, men i 12 år var de kjærester og partnere i forskjellige arbeider . Dermed ble forbindelsen mellom dem, blikkene og gestene registrert og beveget publikum.

17. Silhouettes Series, av Ana Mendieta (1973-1980)

Ana Mendieta (1948–1985) var en viktig cubansk kunstner. Produksjonen hennes fant hovedsakelig sted på 70-tallet, og hennes virkefelt var innen kroppskunst og performance, samtidskunstens språk, for å ta opp problemstillinger knyttet til feminisme.

Kunstnerens mest kjente verk var serien Silhouettes , der hun bruker kroppen sin til å integrere seg med naturen, og søker å markere sin kvinnelige kropp i verden og også en åndelig forbindelse med helheten.

Nysgjerrigheten vi bringer her handler ikke spesifikt om denne serien, men om artisten selv. Ana brakte sterke refleksjoner over kropp og voldmot kvinnen og ironisk nok døde under tvilsomme omstendigheter, noe som tyder på kvinnemord .

I 1985 døde kunstneren ung etter en kamp med ektemannen, kunstneren Carl Andre. Hun falt fra 34. etasje i bygningen der hun bodde.

Dødsfallet ble registrert som et selvmord, men det er sterke indikasjoner på at Carl dyttet henne. Ektemannen ble stilt for retten 3 år senere og frikjent.

18. Bildenes svik, av René Magritte (1928-29)

Et av ikonene til den surrealistiske bevegelsen var belgieren René Magritte. Maleren likte å leke med bilder for å skape motsetninger og refleksjoner utover den enkle figurative representasjonen.

Det berømte maleriet Bildenes svik eksemplifiserer godt denne egenskapen ved hans arbeid, som går inn for kunsthistorie som en utfordring og en provokasjon.

På lerretet ser vi et maleri av en pipe og frasen på fransk som sier "This is not a pipe". Dermed fremhever maleren forskjellen mellom representasjonen og selve objektet.

Malt i 1928, er verket for tiden i Los Angeles County Museum of Art.

En kuriositet er at på gang dette arbeidet ble presentert, ble det mye diskutert, og ble kontroversielt og misforstått .

19. Den store bølgen utenfor Kanagawa av Hokusai (1820-30)

Et av de mest kjente japanske tresnittene er Den store bølgen utenfor Kanagawa , laget rundtfra 1820 av Hokusai, mester i ukiyo-e-teknikken, japansk trykking.

Bildet er kjent over hele verden, og fortryller publikum med havets rike detaljer og dramatiske karakter. Det merkelige er imidlertid at s intensjon til kunstneren var å skildre Fuji-fjellet , i bakgrunnen av landskapet.

Verket er en del av serien "Thirty-six views of Mount Fuji", der fjellet vises til forskjellige tider av året og sett fra forskjellige steder.

På slutten av 1800-tallet ble japansk kunst populær i Vesten. Dette verket, som det ble laget mange kopier av, ble kjent for europeiske samlere og mange museer huset reproduksjoner av verket.

Dermed ble det japanske tresnittet - og dette fremhevet - en inspirasjonskilde for Europeiske kunstnere , som bidrar til verkene til Van Gogh, Monet, Klimt, Mary Cassat og mange andre.

20. Den gule mannen, av Anita Malfatti (1915)

I 1917, derfor 5 år før Modern Art Week, holdt Anita Malfatti en utstilling i Brasil som viste arbeidet hennes mens hun studerte i utlandet.

Den gule mannen var en del av denne utstillingen og også i uke 22, som er et av hans mest virkningsfulle verk.

Formene og fargene som ble brukt. av kunstneren i dette verket skapte kontrovers i en tid da moderne kunst fortsatt ankom landet.

Mannen som representerteav Anita er, ifølge henne, bildet av en fattig italiensk innvandrer som viser hjelpeløshet .

Det mest kjente maleriet i verden er også et av verkene med de mest nysgjerrige fakta og mysterier. Mona Lisa ( La Gioconda , på italiensk) er et lite maleri som måler 77 x 53 cm som er plassert i Louvre-museet i Paris.

Malt av Leonardo Da Vinci mellom 1503 og 1506, dette olje på tre-portrettet av en ung kvinne med et gåtefullt blikk og smil.

I 2015 ble det utført høyteknologiske studier for å bekrefte flere lag med maling og det ble bekreftet at det faktisk er fire forskjellige portretter i verket , tre av dem var gjemt bak Mona Lisa som vi kjenner i dag.

En annen interessant kuriositet som ble oppdaget i denne samme studien er at, i motsetning til hva man trodde, malte Da Vinci øyenvipper og øyenbryn på de portretterte, men i det nåværende maleriet er det ikke merkbart.

I tillegg , -lerretet er allerede stjålet på begynnelsen av 1900-tallet , i 1911. Da ble maleren Pablo Picasso mistenkt, men senere ble det kjent at en tidligere ansatt hadde fjernet verket fra museet og prøvde å selge den. Dermed ble lerretet gjenfunnet.

Det er mange spekulasjoner og historier som omgir Mona Lisa , som ytterligere bidrar til dens berømmelse.

3. The Scream, av Munch (1893)

The Scream er et av de kunstverkene som blir et ikon for et historisk øyeblikk og mer enn det oversetter en veldig spesifikk typefølelse: angst.

Malt av nordmannen Edward Munch i 1893, har verket 4 versjoner .

Eksperter hevder at Den livredde skikkelsen vi ser i midten av bildet var inspirert av en peruansk mumie til stede på en utstilling i Paris i 1850.

Lerretet ble også stjålet fra Nasjonalgalleriet i Oslo, Norge. Tyveriet fant sted i 1994 og tyvene hadde frekkheten til å legge igjen en lapp på stedet hvor de takket for mangelen på sikkerhet. Året etter ble verket restaurert og galleriets sikkerhet ble forsterket.

4. Girl with a Pearl Earring, av Vermer (1665)

Det mest kjente verket av nederlandske Johannes Vermeer er Girl with a Pearl Earring , fra 1665.

Hans berømmelse er enorm, og maleriet kom på kino i 2003 med en film som fiktivt forteller prosessen med å lage lerretet og forholdet mellom maleren og modellen.

Men i virkeligheten lite er kjent om emnet, bare at den inspirerende musen var en ung kvinne fremstilt med stillhet og en viss sensualitet, observert i hennes delte lepper.

Juvelen som henger fra øret hennes blir fremtredende på lerretet når den avslører en glød som ligner på det som er tilstede på leppene og øynene.

Det er også interessant å merke seg at maleren i virkeligheten ikke satte inn en krok i bildet for å koble perlen til den unge jentas øreflipp.

Dermed får øreringen enovernaturlig karakteristikk , som om det var en glødende kule som svever i luften. Vi kan til og med sammenligne rekvisitten med planeten selv som flyter i verdensrommet.

Maleriet er så ikonisk at det sammenlignes med Mona Lisa , og får statusen « Dutch Mona Lisa ” .

5. Tenkeren, av Rodin (1917)

Skulpturen Tenkeren , av franskmannen Auguste Rodin, er et av det 20. århundres store verk.

Fragment av Tenkeren

Ferdig i 1917, ble det opprinnelig opprettet for å komponere Døren til helvete , et verk som integrerer flere skulpturer og ble laget til ære for diktet av Dante Alighieri Den guddommelige komedie .

Med suksessen til denne skulpturen spesifikt ble det nye versjoner laget . I alt produserte billedhuggeren et dusin "nytenkere".

Det opprinnelige navnet ville være Poeten , med henvisning til Alighieri, men siden den portretterte figuren ikke stemte overens med forfatterens, beveget han seg til tenkeren .

Kunstneren var klar over genialiteten i arbeidet sitt og gikk så langt som å si:

Det min tenker mener er at han ikke tror ikke bare med hjernen, med øyenbrynene, de utspilte neseborene og de sammenpressede leppene, men med hver muskel i armene, ryggen og bena, med den knyttet neven og de knyttet tærne.

For en videre analyse For mer detaljer, les: The Thinker, av August Rodin.

6. Abaporu, av Tarsila do Amaral(1928)

Når vi snakker om et kjent brasiliansk maleri, husker nesten alle Abaporu, av Tarsila do Amaral.

Ikon for den første fasen av modernismen i Brasil, lerretet ble unnfanget i 1928 og ble tilbudt av Tarsila til ektemannen Oswald de Andrade som en gave.

Sammenligner maleriet med skulpturen Tenkeren , ser vi den tydelige likheten i kroppsposisjonen til figurene. Derfor er de to verkene assosiert, som om Abaporu var en slags «nyfortolkning» av Rodins skulptur.

På den annen side uttalte kunstnerens barnebarn i et intervju i 2019 at Tarsilas hus hadde et stort skråstilt speil. . Dermed ville den uforholdsmessige figuren som vises, være et selvportrett av kunstneren , som plasserte seg foran speilet og observerte hennes enorme føtter og hender, til skade for hodet hennes.

Lerretet ble uansett et symbol på «antropofagisme», en bevegelse som hadde til hensikt å verdsette brasiliansk kultur.

Maleriet er et av de dyreste i historien og utvilsomt en milepæl i brasiliansk kultur, og blir verdsatt til mellom kl. 45 og 200 millioner dollar .

Les mer på: Meaning of Abaporu.

7. The Persistence of Memory, av Salvador Dalí (1931)

Det berømte surrealistiske lerretet The Persistence of Memory , av den spanske Salvador Dalí, viser det absurde bildet av smeltende klokker, maur og fluer, en formløs kropp og et uvanlig landskap rundtbakgrunn.

Med reduserte dimensjoner (24 x 33 cm) ble den skapt i 1931 på bare fem timer under kunstnerens kreative katarsis.

Det sies at Dalí hadde spist camembert-ost den dagen og var dårlig. Mens kona hadde det gøy med venner, bestemte kunstneren seg for å bli hjemme.

Ved å isolere seg i atelieret unnfanget han maleriet som ble et av de viktigste i den europeiske avantgardebevegelsen.

Til seg selv For å utdype analysen av dette arbeidet, les: The persistence of memory, av Dalí.

8. Maman, fra Bourgeois

Den franske kunstneren Louise Bourgeois laget flere skulpturer av edderkopper fra 1990-tallet. Modern Art of São Paulo).

De berømte edderkoppene er viktige i Bourgeois' arbeid, ettersom de er relatert til hans barndom og minner fra foreldrenes restaureringsbutikk for billedvev.

I tillegg symboliserer du moren din . Kunstneren beskrev moren sin som følger: "Hun var bevisst, intelligent, tålmodig, beroligende, fornuftig, delikat, subtil, uunnværlig, ren og like nyttig som en edderkopp".

Ulike versjoner av edderkopper ble realisert, som bære navnet til Maman, som betyr "mor".

9. Venus de Milo (omtrent 2. århundre f.Kr.)

Betraktes som et symbol påI klassisk gresk kunst ble skulpturen Venus de Milo funnet av Yorgos Kentrotas, en gresk bonde, i 1820 på øya Milos i Egeerhavet.

Fragment av Venus. de Milo

Den franske sjømannen Olivier Voutier var også tilstede på den tiden, som oppmuntret Yorgos til å grave opp stykket.

I utgravningene ble det funnet andre fragmenter, for eksempel en hånd som holdt et eple og to søyler med mannlige byster .

Etter forhandlinger var verket i besittelse av franskmennene og er for tiden en del av Louvre-museet, i Paris.

Frankrike opplevde omvurderingen av klassisk gresk kultur kl. den gang, og det var entusiasme med anskaffelsen av en slik relikvie.

Da det ble oppdaget, ble det funnet en inskripsjon på basen med teksten: «Alexander, sønn av Menides, borger av Antiokia, gjorde statuen».

Antiokia var en tyrkisk by grunnlagt et århundre etter den greske klassiske perioden. Dermed er Venus de Milos ikke en skulptur som opprinnelig kommer fra antikkens Hellas .

Men franskmennene var veldig frustrerte over mulig forfatterskap, og direktøren for Louvre-museet hyret inn spesialister for å analysere verket . Det ble da hevdet at basen til skulpturen var blitt innlemmet senere og at Venus var blitt skulpturert av Praxiteles, en berømt gresk billedhugger i antikken. Basen ble forkastet av franskmennene.

Senere, etter videre studier, ble den detbekreftet at skulpturen faktisk var en kreasjon av Alexandre de Menides.

Statuen var laget av marmor, måler 2 meter i høyden og veier ca. 1 tonn.

10. Fontene, tilskrevet Duchamp (1917)

I 1917 ble skulpturen Fonte , et porselensurinal signert med navnet R. Mutt, innskrevet i en utstillingshall.

Stykket forårsaket en skandale, da det stiller spørsmål ved hva som kan eller ikke kan heves til status som kunst. Dermed ble det et av de mest kjente og viktigste verkene til den dadaistiske bevegelsen, og dikterte nye retninger for moderne kunst og senere for samtidskunst.

Men en kuriositet som ikke alle vet er at Ideen til dette verket var kanskje ikke av Marcel Duchamp , den franske kunstneren som er kjent for å lage verket, men av en kunstnervenn av ham, den tyske baronessen Elsa von Freytag Loringhoven .

Disse spekulasjonene oppsto fra brev fra Duchamp selv der han uttaler:

En av vennene mine som adopterte pseudonymet Richard Mutt sendte meg en porselenskammerpotte som skulptur; siden det ikke var noe uanstendig, var det ingen grunn til å avvise det.

11. The Starry Night, av Van Gogh (1889)

Et av de mest reproduserte maleriene i samtiden er The Starry Night , av nederlenderen Vincent Van Gogh.

Malt i 1889, 73 x 92 cm lerretet skildrer et nattlig landskap med en enorm himmel som strekker segbeveger seg i en spiral, noe som antyder den følelsesmessige uroen som kunstneren opplevde.

Verket ble unnfanget i løpet av tiden han var frivillig ved Saint-Rémy-de-Provence psykiatriske sykehus og skildrer utsikten fra vinduet av soverommet hans kombinert med elementer av fantasien.

Derfor henspiller landsbyen og den lille kirken til Nederland hvor han tilbrakte ungdommen.

Studier tyder på at himmelen representerte utstillinger den nøyaktige plasseringen av stjernene i det øyeblikket , noe som viser stor kunnskap om astronomi.

12. Jentene, Velásquez (1656)

Maleriet Jentene , av den berømte spanske maleren Diego Velázquez, ble laget i 1656 og er i Prado-museet i Madrid.

Bildet viser kongefamilien til monarken Filip IV og bringer med seg flere kuriøse elementer som gir en overraskende og original atmosfære, som får seeren til å forestille seg en hel fortelling rundt karakterene.

Det er et innovativt arbeid, da det omhandler perspektiv på en vågal måte, og skaper et miljø med flere plan . I tillegg viser den figuren av kunstneren selv i et selvportrett der han vises på en hovmodig måte, i en søken etter anerkjennelse av yrket.

Scenen viser den lille prinsessen Margarida i sentrum sammen med damene i vente og figurer av hoffunderholdning, som hunden og mennesker med funksjonshemninger på høyre side.