Surréalisme : caractéristiques et principaux génies du mouvement

En 1924, à Paris, André Breton (1896-1966), écrivain et poète français, rédige un manifeste après avoir coupé les ponts avec Tristan Tzara, leader du mouvement dadaïste, et c'est ainsi que naît le surréalisme, pour beaucoup le dernier de la grande avant-garde.

Manifeste surréaliste (1924), d'André Breton

Image : version de Le Viol ( Violation ) - huile sur toile, 1934 - René Magritte, MoMa, NY

Qu'est-ce que le surréalisme ?

Le surréalisme est un mouvement artistique d'avant-garde né à Paris, qui prône un véritable renouveau esthétique. Outre les arts plastiques, le surréalisme se répercute également dans le cinéma, la littérature et le théâtre.

Les principaux artistes du groupe sont Salvador Dalí, André Breton, Max Ernst, René Magritte et Joan Miró.

L'origine du surréalisme

Le surréalisme est né à Paris en 1924 et s'est répandu dans toute l'Europe après la Première Guerre mondiale, jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, mais l'influence de ce mouvement s'est étendue jusqu'à nos jours.

Le terme surréalisme

Bien que le terme surréalisme soit associé à Breton et à son manifeste, il est antérieur et a été utilisé pour la première fois par Guillaume Apollinaire (1880-1918), écrivain et critique d'art français, en 1917, dans le prologue de sa pièce de théâtre Les seins de Thyresias .

Œuvres surréalistes et principaux artistes

Max Ernst

Les Hommes n'en sauront rien ( Les hommes ne savent rien ) - huile sur toile, 1923 - Max Ernst, Tate, UK

Max Ernst (1891, Brühl, Allemagne - 1976, Paris, France) a été l'un des pionniers du dadaïsme, puis du surréalisme, se distinguant par sa peinture, mais aussi par sa poésie.

Alors qu'il est encore en Allemagne, Ernst participe activement à la Première Guerre mondiale, ce qui marque profondément l'homme et finit par influencer l'artiste.

La Sainte Vierge punissant l'Enfant Jésus devant trois témoins : André Breton, Paul Eluard et le peintre - Huile sur toile, 1926 - Max Ernst, Musée Ludwig, Cologne, Allemagne

L'exposition d'Ernst aux horreurs de la guerre l'a poussé à se rebeller encore plus violemment contre la société et les valeurs de l'époque.

Son travail se caractérise avant tout par l'exploration de l'absurde, de scénarios fantastiques et du monde des rêves.

Tout au long de sa vie artistique, il a expérimenté diverses techniques, telles que le collage ou le frottage, et a été fortement influencé par l'art des tribus amérindiennes.

Salvador Dalí

La persistència de la memòria (La persistance de la mémoire) - (La persistance de la mémoire)

huile sur toile, 1931 - Salvador Dalí, MoMa, NY

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, Espagne) est le plus célèbre des surréalistes et son nom est devenu, au fil du temps, synonyme du mouvement.

Cependant, vers 1937, en raison d'un changement de style et des convictions politiques de Dalí, Breton finit par expulser l'artiste du mouvement surréaliste.

Dalí est aussi le plus controversé et l'influence du monde onirique est notoire dans son œuvre.

Son art s'exprime principalement par la peinture et la sculpture, mais tout au long de sa vie, il a également expérimenté d'autres formes et techniques.

Il a également marqué le cinéma en collaborant à deux films avec Luis Buñuel (1900-1983, réalisateur espagnol) : Un Chien andalou ( Un chien andalou ) en 1929 et L'Age d'or ( L'âge d'or ) en 1930.

Girafe en feu - huile sur bois, 1937 - Salvador Dalí, Kunstmuseum Basel, Bâle, Suisse

Artiste révolutionnaire, Dalí était aussi un génie de l'autopromotion et un véritable showman.

Ses peintures s'articulent autour de trois thèmes principaux : l'univers et les sensations de l'homme, le symbolisme sexuel et les images idéographiques.

La plupart de ses œuvres consistent en la représentation séquentielle d'un rêve, ce qu'il a réalisé en exerçant son esprit à accepter le subconscient comme faisant partie du conscient et à y puiser son inspiration.

Pour Dalí, le rêve et l'imagination sont fondamentaux dans le processus créatif, tout comme il prône une variante de l'automatisme, une sorte de paranoïa.

Dans ce processus de paranoïa, l'artiste doit entrer dans un état d'hallucination pour créer, en suspendant sa rationalité bien qu'il en soit conscient au fond de lui-même.

Voir l'analyse complète du tableau La persistance de la mémoire de Salvador Dalí

Joan Miró

Le chasseur ( Paysage catalan ) - huile sur toile, 1924 - Joan Miró, MoMa, NY

Joan Miró (1893, Barcelone, Espagne - 1983, Palma de Majorque, Espagne) est l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Les œuvres les plus connues de l'artiste sont des peintures, mais Miró a également travaillé comme sculpteur, designer, céramiste, etc.

Comme d'autres artistes, Miró a traversé, influencé et marqué de son empreinte différents mouvements, à commencer par le fauvisme, puis le dadaïsme, le surréalisme et l'abstractionnisme.

Dans sa vie artistique, il pratique l'automatisme et, en peinture, il essaie de s'éloigner le plus possible du conventionnel, s'attaquant ainsi aux principes bourgeois établis.

Carnaval d'Arlequin ( Carnaval Harlequin ) - huile sur toile, 1925 - Joan Miró,

Galerie d'art Albright-Knox, Buffalo, États-Unis

Ses peintures représentent principalement des formes biomorphiques, sans contraste, et, sur le plan thématique, des compositions qui font référence à un croisement entre le monde fantomatique et le monde onirique.

Avec ses compositions innovantes, Miró a influencé ses contemporains et d'innombrables artistes des générations suivantes.

René Magritte

Les amants ( Les amoureux ) - huile sur toile, 1928 - René Magritte, MoMa, NY

René Magritte (1898, Lessines, Belgique - 1967, Bruxelles, Belgique) était un artiste belge et l'un des noms les plus célèbres du surréalisme, même si sa renommée n'est apparue que vers les années 1950 du XXe siècle.

Bien que Magritte soit l'un des artistes les plus associés au surréalisme, ses œuvres sont très éloignées de l'illusionnisme des œuvres de Dalí et de Miró, fortement influencées par l'automatisme.

Pour Magritte, l'important n'est pas tant ce que l'œuvre montre, mais ce qu'elle cache, ou ses arrière-pensées.

Pour lui, l'important était de représenter le mystère et c'est pourquoi nombre de ses compositions picturales mettent en scène des figures humaines dont le visage est recouvert d'un tissu, laissant le spectateur éternellement curieux et insatisfait de ne jamais pouvoir dévoiler qui se cache sous ces vêtements.

Au cours de sa vie artistique, Magritte a utilisé plusieurs fois le même thème et a également utilisé à plusieurs reprises des œuvres célèbres d'artistes précédents en créant une version surréaliste de celles-ci.

Ceci N'est Pas une Pipe ( La trahison des images ) - huile sur toile, 1929 - René Magritte, LACMA, LA

L'humour joue également un rôle important dans l'œuvre de Magritte, comme en témoigne l'œuvre La trahison des images dans laquelle une pipe est peinte avec un réalisme extraordinaire, puis l'artiste place en dessous la description "Ceci n'est pas une pipe".

En effet, on pourrait affirmer que ni l'image ni le mot qui la décrit par la négative ne sont des tuyaux, mais seulement des représentations abstraites de l'objet absent.

Ainsi, d'une manière apparemment simple, Magritte oblige le spectateur à réfléchir, à s'interroger, puisque l'artiste lui-même ne se considérait pas comme un peintre, mais comme un penseur qui s'exprimait par l'image.

Profitez-en pour explorer également l'article 10 œuvres pour comprendre René Magritte.

Dessin surréaliste

Exemple de frottage - L'Évadé ( Le fugitif ) 1926 - Max Ernst

L'automatisme ne fonctionnant pas aussi bien en peinture que dans d'autres formes d'expression artistique, d'autres techniques ont été utilisées pour atteindre cette spontanéité de création.

L'un de ces exemples est le frottage qui consistait à passer un crayon, par exemple, sur une surface rugueuse, créant ainsi des formes sur le support et, à partir de là, l'œuvre était créée.

Décalcomanie

Un autre exemple est le décalcomanie Ce processus a donné naissance à un motif d'encre que les artistes ont ensuite utilisé pour créer l'œuvre.

D'autres formes d'expression artistique ont été utilisées et expérimentées, toujours dans le but d'explorer au maximum la liberté de création.

Exemple de Cadavre Exquis de l'artiste Yves Tanguy,

Joan Miró, Max Morise et Man Ray.

Caractéristiques du surréalisme

L'importance de l'inconscient

Le Guéridon dans l'atelier ( Guéridon dans le studio ) - huile sur toile, 1922 - André Masson, Tate, UK

Le manifeste écrit par Breton s'inspire du livre de Freud, L'interprétation des rêves Dans cette œuvre, l'intellectuel explore l'idée que l'esprit humain possède un niveau caché, le inconscient On l'appelle ainsi parce que la plupart du temps, nous ne sommes pas conscients de son existence.

Ainsi, le surréalisme souhaitait surmonter cette limitation de la conscience permettant au subconscient de s'exprimer à travers l'art.

Automatisme

O l'automatisation est devenue l'une des caractéristiques du surréalisme, à savoir la défense de l'expression artistique sans les limites ou le contrôle de la raison.

Pour atteindre cet objectif, les artistes ont même réalisé des créations artistiques en étant en transe et en hypnose.

Exemple d'automatisation dans la conception - La mer se retire ( La mer se retire ) 1941 - André Masson

En pratique, l'automatisme consistait à transposer sur le papier, la toile ou tout autre mode d'expression artistique, une peser ou rêver directement à partir du subconscient sans contrôle esthétique ni souci moral.

L'objectif était que la création artistique devienne automatique (d'où le terme d'automatisme), tout comme nous respirons ou clignons des yeux sans réfléchir. Il s'agissait d'une tentative de révolte contre les normes établies, non seulement dans l'art, mais aussi dans la sphère sociale.

Apprendre des autres cultures

Les artistes du surréalisme ont souvent incorporé des images et des objets provenant de l'environnement. autres cultures surtout les plus primitifs.

Cette attitude avait avant tout des intentions anticolonialistes et antiracistes.

Le processus de création

O cadavre exquis était un processus créatif basé sur un jeu, dans lequel différents artistes créaient ensemble des dessins ou des poèmes.

Pour ce faire, l'œuvre est passée de l'un à l'autre, et chaque artiste a ajouté une nouvelle pièce jusqu'à ce qu'ils parviennent au résultat final.

Exemple d'objet trouvé - Téléphone-Homard ( Téléphone-lagosta ) - métal, plâtre, caoutchouc, résine et papier, 1936 - Salvador Dalí, MoMa, NY

Un autre processus de construction artistique alternative a été la ob jet trouvé (objet trouvé) inventé par Marcel Duchamp (1887-968), peintre, sculpteur et poète français, l'un des chefs de file du dadaïsme.

L'importance du subconscient pour les surréalistes

Les surréalistes pensaient que la créativité née dans le subconscient d'un artiste était plus authentique et plus puissante que celle du conscient. Ils s'intéressaient également à l'exploration du langage des rêves qui, selon eux, révélait des sentiments et des désirs cachés.

En général, l'idée était d'être aussi spontané que possible, ce qui s'est avéré plus ou moins facile avec le dessin ou l'écriture, mais moins avec la peinture, qui est une technique plus complexe et ne permet pas autant de spontanéité.

O objet trouvé

De manière simplifiée, l'objet trouvé signifiait l'utilisation d'objets quotidiens créés dans un but spécifique, qui étaient retirés de leur environnement et de leur fonction et auxquels on donnait un nouvel usage.

Le surréalisme ajoute à ce postulat la touche de l'absurde, de la superposition de l'improbable et du bizarre, comme dans le cas de l'ajout d'un homard à un téléphone, ou dans le cas de Meret Oppenheim qui a recouvert de fourrure une tasse et une cuillère.

Exemple d'objet trouvé - Objet ( Objet ) 1936 - Meret Oppenheim

(1913-1985, artiste et photographe suisse), MoMa, NY

Cette forme de construction artistique mettait ainsi en relation des objets quotidiens qui ne se trouveraient pas normalement ensemble et les rapprochait, provoquant des perturbations et contribuant ainsi à stimuler l'inconscient.

Il s'agit de la juxtaposition entre le familier (l'objet commun trouvé) et l'improbable et l'absurde (une nouvelle fonction, un nouveau décor ou une nouvelle couche imposée à l'objet).

Le surréalisme au Brésil

Le surréalisme n'a pas trouvé beaucoup d'écho au Brésil et ne s'est jamais matérialisé en un mouvement organisé. Quoi qu'il en soit, il est possible de citer quelques artistes qui se sont sentis influencés par le travail réalisé à l'étranger.

Les noms nationaux les plus proches du surréalisme sont peut-être Maria Martins, Ismael Nery et Cícero Dias.

Les sculptures de Maria Martins

La sculptrice Maria Martins (1900-1973) a vécu la majeure partie de sa vie aux États-Unis et a même rejoint le mouvement surréaliste, se liant d'amitié avec André Breton et d'autres grands noms comme Max Ernst.

À la recherche de la lumière sculpture de Maria Martins

Les peintures d'Ismael Nery

L'artiste Ismael Nery (1900-1934) a commencé sa carrière au Brésil, mais il a été très influencé par le surréalisme pendant ses études à Paris, où il est entré en contact avec les grands noms du groupe.

Autoportrait (1930), d'Ismael Nery

Les peintures d'Ismael Nery

Avec une histoire similaire à celle d'Ismael Nery, le Pernambouc Cícero Dias (1907) est également entré en contact avec le surréalisme lorsqu'il s'est installé à Paris.

C'est en 1937 qu'il se lie d'amitié avec les principaux représentants du groupe surréaliste, et cette proximité finira par influencer son œuvre.

Murale Couleurs et formes (1991), de Cícero Dias

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