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En 1924, en París, André Breton (1896-1966), escritor y poeta francés, redactó un manifiesto tras cortar lazos con Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta, y así nació el Surrealismo, para muchos la última de las grandes vanguardias.
Manifiesto surrealista (1924), de André Breton
Imagen: versión de El Violín ( Infracción ) - óleo sobre lienzo, 1934 - René Magritte, MoMa, NY
¿Qué es el surrealismo?
El surrealismo fue un movimiento artístico de vanguardia que surgió en París y promovió una auténtica renovación estética. Además de repercutir en el mundo de las artes plásticas, el surrealismo también repercutió en el cine, la literatura y el teatro.
Los principales artistas del grupo eran Salvador Dalí, André Breton, Max Ernst, René Magritte y Joan Miró.
El origen del surrealismo
El surrealismo surgió en París en 1924 y se extendió por toda Europa tras la Primera Guerra Mundial, prolongándose hasta la Segunda. Sin embargo, la influencia de este movimiento ha llegado hasta nuestros días.
El término Surrealismo
Aunque el término surrealismo se asocia con Breton y su manifiesto, es anterior y fue utilizado por primera vez por Guillaume Apollinaire (1880-1918), escritor y crítico de arte francés, en 1917, en el prólogo de su obra teatral Las tetas de Tiresias .
Obras surrealistas y principales artistas
Max Ernst
Les Hommes n'en sauront rien ( Los hombres no saben nada ) - óleo sobre lienzo, 1923 - Max Ernst, Tate, Reino Unido
Max Ernst (1891, Brühl, Alemania - 1976, París, Francia) fue uno de los pioneros del dadaísmo primero y del surrealismo después, distinguiéndose por la pintura, pero también por la poesía.
Mientras aún estaba en Alemania, Ernst participó activamente en la Primera Guerra Mundial, algo que dejó una profunda huella en el hombre y acabó influyendo en el artista.
La Santísima Virgen castigando al Niño Jesús ante tres testigos: André Breton, Paul Eluard y el pintor - óleo sobre lienzo, 1926 - Max Ernst, Museo Ludwig, Colonia, Alemania
La exposición que Ernst sufrió a los horrores de la guerra le hizo rebelarse aún más vehementemente contra la sociedad y los valores de la época.
Su obra se caracteriza sobre todo por la exploración del absurdo, los escenarios fantásticos y el mundo de los sueños.
A lo largo de su vida artística experimentó con diversas técnicas, como el collage o el frottage, y estuvo muy influido por el arte de las tribus nativas americanas.
Salvador Dalí
La persistència de la memòria (La persistencia de la memoria) - (La persistencia de la memoria)
óleo sobre lienzo, 1931 - Salvador Dalí, MoMa, NY
Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, España) es el más famoso de los surrealistas y su nombre se convirtió, con el tiempo, en sinónimo del movimiento.
Sin embargo, hacia 1937, debido a un cambio de estilo y también a las creencias políticas de Dalí, Breton acabó expulsando al artista del movimiento surrealista.
Dalí es también el más controvertido y en su obra es notoria la influencia del mundo onírico.
La expresión de su arte fue predominantemente a través de la pintura y la escultura, pero a lo largo de su vida también experimentó con otras formas y técnicas.
Su huella quedó incluso en el cine, dada su colaboración en dos películas con Luis Buñuel (1900-1983, director de cine español): Un Chien andalou ( Un perro andaluz ) en 1929 y La edad de oro ( La Edad de Oro ) en 1930.
Jirafa en llamas - óleo sobre madera, 1937 - Salvador Dalí, Kunstmuseum Basel, Basilea, Suiza
Además de un artista revolucionario, Dalí era un genio de la autopromoción y un auténtico showman.
Temáticamente, sus cuadros giran en torno a tres temas principales: el universo y las sensaciones del hombre, el simbolismo sexual y las imágenes ideográficas.
La mayor parte de su obra consiste en la representación secuencial de un sueño, algo que consiguió ejercitando su mente para aceptar el subconsciente como parte del consciente y así extraer de ahí su inspiración.
Para Dalí, los sueños y la imaginación eran fundamentales en el proceso creativo, al igual que defendía una variante del automatismo, una especie de paranoia.
En este proceso de paranoia, el artista debe embarcarse en un estado de alucinación para poder crear, suspendiendo su racionalidad a pesar de que en el fondo sea consciente de ello.
Ver el análisis completo del cuadro La persistencia de la memoria de Salvador Dalí
Joan Miró
El cazador ( Paisaje catalán ) - óleo sobre tela, 1924 - Joan Miró, MoMa, NY
Joan Miró (1893, Barcelona, España - 1983, Palma de Mallorca, España) es uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Las obras más conocidas del artista son pinturas, pero Miró también produjo como escultor, diseñador, ceramista, etc.
Ver también: 7 grandes obras de Lima Barreto explicadasAl igual que otros artistas, Miró pasó por diversos movimientos, se vio influido por ellos y dejó su impronta, empezando por el fauvismo, luego el dadaísmo, el surrealismo y el abstraccionismo.
En su vida artística practicó el automatismo y en pintura trató de alejarse lo más posible de lo convencional, con lo que también atacó los principios burgueses establecidos.
Carnaval de Arlequín ( Carnaval de Arlequín ) - óleo sobre tela, 1925 - Joan Miró,
Galería de Arte Albright-Knox, Búfalo, EE.UU.
Sus cuadros representan principalmente formas biomórficas, sin contraste, y temáticamente son composiciones que remiten a un cruce entre el mundo fantasmal y el onírico.
Con sus innovadoras composiciones, Miró influyó en sus contemporáneos y en innumerables artistas de generaciones posteriores.
René Magritte
Los amigos ( Los amantes ) - óleo sobre lienzo, 1928 - René Magritte, MoMa, NY
René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Bruselas, Bélgica) fue un artista belga y uno de los nombres más aclamados internacionalmente del Surrealismo, aunque su fama no llegaría hasta la década de 1950 del siglo XX.
A pesar de ser uno de los artistas más asociados al Surrealismo, las obras de Magritte están muy alejadas del ilusionismo de las obras de Dalí y Miró, fuertemente influidas por el automatismo.
Para Magritte lo importante no era tanto lo que la obra mostraba, sino lo que ocultaba, o sus motivos ocultos.
Para él lo importante era representar el misterio y por eso muchas de sus composiciones pictóricas presentan figuras humanas con el rostro cubierto por telas, dejando al espectador eternamente curioso e insatisfecho por no poder desvelar nunca quién hay debajo de esas telas.
A lo largo de su vida artística, Magritte utilizó varias veces el mismo tema y también varias veces utilizó obras famosas de artistas anteriores creando una versión surrealista de las mismas.
Ceci N'est Pas une Pipe ( La traición de las imágenes ) - óleo sobre lienzo, 1929 - René Magritte, LACMA, LA
El humor también desempeñó un papel importante en la obra de Magritte. Un ejemplo de ello es el La traición de las imágenes en la que se pinta una pipa con extraordinario realismo, y luego el artista coloca debajo la descripción "Esto no es una pipa".
De hecho, se podría argumentar que ni la imagen ni la palabra, que la describe con un negativo, son una tubería. Sólo son representaciones abstractas del objeto que está ausente.
Así, de una forma aparentemente sencilla, Magritte obliga al espectador a pensar, a cuestionarse. Ya que el propio artista no se consideraba un pintor, sino un pensador que se expresaba a través de imágenes.
Aproveche también para explorar el artículo 10 obras para entender a René Magritte.
Dibujo surrealista
Ejemplo de frottage - L'Évadé ( El fugitivo ) 1926 - Max Ernst
Como en pintura el automatismo no funcionaba tan bien como en otras formas de expresión artística, se recurrió a otras técnicas para lograr esa espontaneidad de creación.
Un ejemplo de ello fue el frottage que consistía en pasar un lápiz, por ejemplo, sobre una superficie rugosa, creando así formas sobre el soporte y a partir de ahí se creaba la obra.
Decalcomanía
Otro ejemplo es el decalcomanía Este proceso daba lugar a un patrón de tinta que los artistas utilizaban después para crear la obra.
Se utilizaron y experimentaron otras formas de expresión artística, siempre en un intento de explorar al máximo la libertad creativa.
Ejemplo de un Cadavre Exquis de los artistas Yves Tanguy,
Joan Miró, Max Morise y Man Ray.
Características del surrealismo
La importancia del inconsciente
Le Guéridon dans l'atelier ( Mesa con pedestal en el estudio ) - óleo sobre lienzo, 1922 - André Masson, Tate, Reino Unido
El manifiesto que Breton escribió se inspiró en el libro de Freud, La interpretación de los sueños En la obra el intelectual explora la idea de que la mente humana tiene un nivel oculto, el inconsciente Se llama así porque la mayoría de las veces no somos conscientes de su existencia.
Así, el surrealismo deseaba superar esta limitación de la conciencia permitir que el subconsciente se exprese a través del arte.
Automatismo
O automatización se convirtió en una de las características del Surrealismo, siendo ésta la defensa de la expresión artística sin las limitaciones ni el control de la razón.
Para lograr este objetivo, los artistas han llegado a realizar creaciones artísticas estando en trance e hipnosis.
Ejemplo de automatización en el diseño - El mar se retira ( El mar se retira ) 1941 - André Masson
En la práctica el automatismo consistía en transponer al papel, al lienzo o a cualquier otro modo de expresión artística, una pesar o soñar directamente desde el subconsciente sin control estético ni preocupación moral.
El objetivo era que la creación artística se convirtiera en algo automático (de ahí el término automatismo), igual que respiramos o parpadeamos sin pensar. Era un intento de rebelarse contra las normas establecidas, no sólo en el arte sino también en la esfera social.
Aprender de otras culturas
Los artistas del surrealismo también incorporaron a menudo imágenes y objetos de otros cultivos especialmente las más primitivas.
Esta actitud tenía sobre todo intenciones anticolonialistas y antirracistas.
El proceso creativo
O cadavre exquisito era un proceso creativo basado en un juego, en el que diferentes artistas creaban juntos dibujos o poemas.
Para ello, la obra se pasaba de uno a otro, y cada artista añadía una nueva pieza hasta llegar al resultado final.
Ejemplo de objet trouvé - Téléphone-Homard ( Teléfono-lagosta ) - metal, yeso, caucho, resina y papel, 1936 - Salvador Dalí, MoMa, NY
Otro proceso de construcción artística alternativa fue la ob jet trouvé (objeto encontrado) inventado por Marcel Duchamp (1887-968), pintor, escultor y poeta francés, uno de los líderes del dadaísmo.
La importancia del subconsciente para los surrealistas
Los surrealistas creían que la creatividad nacida en el subconsciente de un artista era más auténtica y poderosa que la del consciente, y también les interesaba explorar el lenguaje de los sueños, que consideraban revelador de sentimientos y deseos ocultos.
En general, la idea era ser lo más espontáneo posible, algo que en el dibujo o la escritura resultaba más o menos fácil, pero no tanto con la pintura, porque al ser una técnica más compleja no permite tanta espontaneidad.
Ver también: ¿Qué es la literatura Cordel? Origen, características y ejemplosEl objeto encontrado
De forma simplificada, objet trouvé significaba el uso de objetos cotidianos creados para un fin específico, que se sacaban de su entorno y finalidad y se les daba una nueva.
En el Surrealismo a esta premisa se añade el toque de lo absurdo, de la superposición de lo improbable y bizarro, como es el caso de añadir una langosta a un teléfono, o en el caso de Meret Oppenheim que cubrió una taza y una cuchara con pieles.
Ejemplo de objet trouvé - Objeto ( Objeto ) 1936 - Meret Oppenheim
(1913-1985, artista y fotógrafo suizo), MoMa, NY
Esta forma de construcción artística colocaba objetos cotidianos que normalmente no se encontrarían juntos, y los unía, provocando perturbación y ayudando así a estimular el inconsciente.
Era la yuxtaposición entre lo familiar (el objeto común encontrado) y lo improbable y absurdo (un nuevo propósito, escenario o superposición que se imponía al objeto).
Surrealismo en Brasil
El surrealismo no encontró mucho eco en Brasil y nunca se materializó en un movimiento organizado. En cualquier caso, es posible señalar a algunos artistas que se sintieron influidos por el trabajo que se realizaba en el extranjero.
Los nombres nacionales que quizá más se acercaron al surrealismo fueron Maria Martins, Ismael Nery y Cícero Dias.
Las esculturas de Maria Martins
La escultora Maria Martins (1900-1973) vivió la mayor parte de su vida en Estados Unidos e incluso se unió al movimiento surrealista, entablando amistad con André Breton y otros grandes como Max Ernst.
En busca de la luz escultura de Maria Martins
Los cuadros de Ismael Nery
El artista Ismael Nery (1900-1934) comenzó su carrera en Brasil, pero se vio muy influido por el surrealismo durante el tiempo que estudió en París, donde entró en contacto con los grandes nombres del grupo.
Autorretrato (1930), de Ismael Nery
Los cuadros de Ismael Nery
Con una historia similar a la de Ismael Nery, el pernambucano Cícero Dias (1907) también entró en contacto con el surrealismo cuando se trasladó a París.
Fue en 1937 cuando entabló amistad con los principales exponentes del grupo surrealista, y esta proximidad acabó influyendo en su obra.
Mural Colores y formas (1991), de Cícero Dias
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