Abstraksjonisme: oppdag de 11 mest kjente verkene

Astraksjonisme, eller abstrakt kunst, er en bevegelse som samler ganske forskjellige produksjoner, alt fra ikke-figurative tegninger til lerreter utført fra geometriske komposisjoner.

Intensjonen med abstrakte verk er å fremheve former, farger og teksturer, avsløre ugjenkjennelige elementer og stimulere til lesing av verden basert på en ikke-objektiv type kunst.

1. Gul-Rød-Blå , av Wassily Kandinsky

Lerretet, datert 1925, har navnene på primærfargene i tittelen. Den ble malt av russeren Wassily Kandinsky (1866), og befinner seg for tiden i Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, i Paris (Frankrike).

Kandinsky regnes som forløperen til den abstrakte stilen og var en artist veldig knyttet til musikk, så mye at en god del av hans abstrakte komposisjoner, som Amarelo-Vermelho-Azul , ble skapt fra forholdet mellom musikk, farger og former.

Et stort lerret (127 cm x 200 cm) presenterer ulike geometriske former (som sirkler, rektangler og trekanter) utført, fremfor alt, i primærfarger. Kunstnerens mål var å trekke oppmerksomhet til de psykologiske effektene som farger og former har på mennesker.

Angående emnet uttalte Kandinsky den gang:

“Farge er et middel til å utøve en direkte innflytelse på sjelen. Farge er nøkkelen; øyet, hammeren. Sjelen, instrumentetav tusen strenger. Kunstneren er hånden som ved å berøre denne eller den tasten får den rette vibrasjonen fra sjelen. Menneskesjelen, berørt på sitt mest følsomme sted, reagerer.»

2. Nummer 5 , av Jackson Pollock

Lerretet Nummer 5 ble laget i 1948 av den amerikanske maleren Jackson Pollock, som i året før begynte han å utforske en helt ny måte å komponere verkene sine på.

Hans metode besto av å kaste og dryppe emaljemaling på et strukket lerret plassert på gulvet i atelieret hans. Denne teknikken tillot å lage et virvar av linjer, og fikk senere navnet "dryppende malerier" (eller dryppende , på engelsk) Pollock var et av de største navnene innen abstraksjonisme.

Siden I 1940 ble maleren anerkjent av kritikere og publikum. Lerretet Nummer 5 , laget på høyden av karrieren, er enormt, og måler 2,4 m ganger 1,2 m.

Verket ble solgt til en privat samler i mai 2006 for 140 millioner dollar , brøt en rekordpris for tiden - til da hadde dette vært det best betalte maleriet i historien.

3. Insula Dulcamara , av Paul Klee

I 1938 malte den sveitsiske naturaliserte tyskeren Paul Klee syv store paneler i horisontalt format. Insula Dulcamara er et av disse panelene.

Alle verkene ble skissert i kull på avispapir, som Klee limte på jute eller lin, og fikk dermed englatt og differensiert overflate. I flere deler av panelene er det mulig å lese utdrag fra avisen som er brukt, en hyggelig og uventet overraskelse selv for Klee selv.

Insula Dulcamara er et av malerens muntreste verk, med sine frie, sparsomme og formløst tilbehør. Tittelen på verket er på latin og betyr «insula» (øy), «dulcis» (søt, snill) og «amarus» (bitter), og kan tolkes som «søt og bitter øy».

Et lerret ble laget i løpet av hans siste leveår, og angående det ga Klee følgende uttalelse:

"Vi må ikke frykte å finne oss selv involvert midt i mer ufordøyelige elementer; vi må bare vente at ting er vanskeligere å assimilere forstyrrer ikke balansen. På denne måten er livet absolutt mer spennende enn et veldig ordnet borgerlig liv. Og hver enkelt står fritt, i henhold til sine gester, til å velge mellom det søte og det salte av to vekter."

4. Komposisjon med gul, blå og rød , av Piet Mondrian

Komposisjon med gul, blå og rød ble opprinnelig malt i Paris , mellom 1937 og 1938, men ble til slutt utviklet i New York mellom 1940 og 1942, da Mondrian reposisjonerte noen av de svarte linjene og la til andre. Verket har vært i samlingen til Tate St Ives (Cornwall, England) siden 1964.

Mondrians interesse var iabstrakt linjekvalitet. Selv om han begynte sin karriere med figurative verk, investerte maleren over tid i abstraksjonisme, og i 1914 ble han radikalisert og praktisk talt eliminert de buede linjene i arbeidet sitt.

Den franske maleren utviklet en ny måte å male på. streng abstraksjon kalt neoplastisisme , der han var begrenset til rette linjer, horisontale og vertikale, og grunnleggende primærfarger. Generelt var ikke komposisjonene hans symmetriske. En kuriositet: de horisontale linjene ble vanligvis malt før de vertikale.

Mondrian følte at denne spesifikke typen kunst reflekterte en større og universell sannhet enn det figurative maleriet forkynte.

5. Suprematistisk komposisjon , Kazimir Malevich

I likhet med Mondrian skapte den sovjetiske maleren Kazimir Malevich en ny form for kunst. Suprematisme ble født i Russland mellom 1915 og 1916. I likhet med sine abstraksjonistiske kolleger, var det største ønsket å nekte den fysiske tilstedeværelsen av alle objekter. Tanken var å oppnå renhet, eller, som skaperen selv sa, "den rene sensasjonens overlegenhet".

Dermed skapte han det abstrakte verket Suprematist Composition i 1916, som presenterer egenskaper essensielle av denne nye stilen. Det er et verk med mål på 88,5 cm × 71 cm og er en del av en privat samling.

Teknikken er preget av bruk av formerenkle geometriske former og preferansen for en palett av farger som også er enkle, primære og sekundære, noen ganger overlappende, andre ganger plassert side ved side. Bakgrunnen er nesten alltid hvit i Malevichs kreasjoner, og representerer tomhet.

6. Hvelvingets gull , av Joan Miró

Spansken Joan Miró var en kunstner forpliktet til å trekke ut store betydninger fra enkle former, som for det meste avhenger av av observatørens fantasi og tolkning.

Dette er tilfellet med Hvelvingets gull , et maleri laget i 1967 ved bruk av akryl på lerret-teknikken og som i dag tilhører samlingen til Joan MIró Foundation , i Barcelona.

I denne komposisjonen ser vi overvekt av gult, en varm farge knyttet til glede, som omslutter alle former.

Det er en stor røykfylt masse av blått , som tar plassen for å skille seg ut, ettersom resten av formene og linjene ser ut til å flyte rundt det.

Verket regnes som en syntese av Mirós kreative prosess, som dedikerte seg til å undersøke både spontanitet og skapelsen av presise former i maleriet .

7. Bottle of Rum and Newspaper , av Juan Gris

Malt mellom 1913 og 1914 av den spanske kubisten Juan Gris, verket i oljemaling på lerret for tiden tilhører samlingen til Tate Modern (London). Gris brukte ofte overlappende plan av farge og tekstur, og Bottle of Rum andAvis er et verdifullt eksempel på hans teknikk.

Maleriet, som er et av hans mest representative verk, bærer bildet fra kryssende vinkelplan. Mange av dem har trebiter i bakgrunnen, som kanskje antyder en bordplate, selv om måten de overlapper og kobler sammen nekter enhver mulighet for et perspektiv knyttet til virkeligheten.

Flasken og avisen i tittelen er indikert med et minimum av ledetråder: noen få bokstaver, en disposisjon og et forslag til plassering er nok til å påpeke gjenstandenes identitet. Rammen har relativt små dimensjoner (46 cm x 37 cm).

8. Sort i dyp rød , av Mark Rothko

Betraktet som et tragisk maleri på grunn av dets sterke og begravelsesfarger, Sort i dyp rødt , laget i 1957, er et av de mest suksessrike maleriene av den amerikanske maleren Mark Rothko. Helt siden han begynte å male på 1950-tallet, strebet Rothko etter å oppnå universalitet, og beveget seg mot en stadig økende forenkling av formen.

Black in Deep Red følger det karakteristiske formatet til verkene hans. av kunstneren, der rektangler med monokromatisk farge ser ut til å sveve innenfor rammens grenser.

Ved å smøre lerretet direkte med mange tynne lag med pigment og være spesielt oppmerksom på kantene der feltene samhandler, kan maleren oppnådde effekten av lys som stråler ut fra selve bildet.

Averk tilhører for tiden en privat samling etter å ha blitt solgt i 2000 for svimlende over tre millioner dollar.

9. Concetto spaziale 'Attesa' , av Lúcio Fontana

Lerretet ovenfor er en del av en serie verk som den argentinske maleren Lúcio Fontana produserte mens han var i Milano mellom 1958 og 1968. Disse verkene, som består av lerreter kuttet én eller flere ganger, er samlet kjent som Tagli ("cuts").

Til sammen er de den mest omfattende og varierte gruppen av verk av Fontana, og ble sett på som symbolsk for dens estetikk. Målet med hullene er bokstavelig talt å bryte verkets overflate slik at tilskueren kan oppfatte rommet som ligger utenfor.

Lúcio Fontana begynte å utvikle teknikken med å perforere lerreter fra 1940-tallet og utover. forble, på 1950- og 1960-tallet, på jakt etter forskjellige måter å utvikle hullene på som sin karakteristiske gest.

Fontana lager spaltene med et skarpt blad og lerretene støttes senere med kraftig svart gasbind, noe som gir utseendet et tom plass bak. I 1968 sa Fontana til en intervjuer:

"Jeg skapte en uendelig dimensjon (...) min oppdagelse var hullet, og det var det. Jeg er glad for å gå i graven etter en slik oppdagelse"

10. Counter-Composition VI , av Theo van Doesburg

KunstnerenNederlenderen Theo van Doesburg (1883–1931) malte verket ovenfor i år 1925, i kvadratisk form, ved bruk av oljemaling på lerret.

De geometriske og symmetriske formene er nøye ordnet før de dekkes med blekk, den svarte linjer ble tegnet med en penn a priori. Counter-Composition VI er en del av en samling som verdsetter spesielt diagonalformen og monokrome toner.

I tillegg til å være maler, er van Doesburg var også aktiv som forfatter, poet og arkitekt og er i slekt med kunstnergruppen De Stijl. Verket Counter-Composition VI , som måler 50 cm x 50 cm, ble anskaffet i 1982 av Tate Modern (London).

11. Metaesquema , av Hélio Oiticica

Den brasilianske kunstneren Hélio Oiticica navngav flere verk laget mellom 1957 og 1958 metaesquema. Dette var malerier som bar skråstilte rektangler malt med gouachemaling på papp.

Dette er geometriske former med rammer i en enkelt farge (i dette tilfellet rød), direkte påført en glatt og tilsynelatende tom overflate. Formene er organisert i tette komposisjoner som ligner på skrå rutenett.

Oiticica produserte denne serien med malerier mens hun bodde og jobbet i Rio de Janeiro. Ifølge maleren selv var det en «obsessiv disseksjon av rommet».

De var utgangspunktet for forskning former komplekse tredimensjonale verk som kunstneren ville utvikle i fremtiden. I 2010 ble en Metaesquema solgt på Christie's auksjon for USD 122 500.

Hva var abstraksjonisme?

Historisk sett begynte abstrakte verk å bli utviklet i Europa i begynnelsen av 1900-tallet, i sammenheng med Modern Art-bevegelsen.

Dette er verk som ikke har til hensikt å representere anerkjente objekter og som ikke er forpliktet til å etterligne naturen. Derfor var den første reaksjonen fra publikum og kritikere avvisning av kreasjonene, ansett som uforståelige.

Abstrakt kunst ble kritisert nettopp for å bryte med den figurative modellen. I denne typen arbeid er det ikke nødvendig å koble til ytre virkelighet og representasjon.

Etter hvert som tiden gikk ble imidlertid verkene mer akseptert og kunstnere var i stand til å utforske stilene deres i dybden.