18 viktige kunstverk gjennom historien

Kunstverk er menneskelige manifestasjoner som søker å formidle spørsmål, refleksjoner og betydninger gjennom å skape et kunstnerisk produkt.

Slike produkter er vanligvis stykker som gjenstander, malerier, skulpturer og installasjoner. Men kunstnere kan også lage et kunstverk der det ikke er noen faktisk materialisering, som musikk, dans, teater og performance. I tillegg er det uttrykk der disse kunstspråkene blandes og skaper hybride verk.

Historien er full av viktige kunstverk som bidrar til å forstå et samfunns ambisjoner, den historiske og politiske konteksten , definisjonene av hva som er vakkert eller ikke og oppførselen til en viss populasjon.

1. Venus av Willendorf

Venus fra Willendorf er en liten figur av en kvinneskikkelse hugget i stein, som dateres fra omtrent 25 000 år f.Kr., fortsatt fra paleolittisk tid.

Det var teamet til arkeologen Josef Szombathy som fant den i Østerrike, i en by som heter Willendorf i 1908.

Skulpturen, et kunstverk forhistorisk, viser voluminøse bryster og brede hofter, som representerer en ideell kvinne for det samfunnet, da slike attributter var relatert til ideen om fruktbarhet og overflod.

2. Mona Lisa - Leonardo da Vinci

Mona Lisa er et maleri malt mellom 1503 og 1506 av det italienske genietkunstner.

Maleriet måler 1,73 x 1,73 cm og kan sees på Museum of Modern Art i Mexico City.

16. Irony of the Black Policeman - Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) var en viktig svart amerikansk artist med en sløv og utfordrende produksjon. Han begynte sin karriere innen gatekunst og vant senere gallerier.

Hans mest kjente verk er Irony of the Black Policeman , malt i 1981 i ny- ekspresjonistisk stil.

Den inneholder en tydelig kritikk av politiinstitusjonen og rasismen i USA. Basquiat bringer selvmotsigelsen og ironien som eksisterer i det faktum at en svart mann er en del av en institusjon kjent for å utøve undertrykkelse mot den svarte befolkningen.

Men kunstneren antyder at dette skjer fordi politiet kan mene en vei av manipulasjon, undertrykkelse og samtidig jobbmulighet for denne samme befolkningen.

17. Cut piece - Yoko Ono

I 1964 presenterte den japanske artisten Yoko Ono (1933-) i New York en av de mest betydningsfulle forestillingene i hennes karriere.

I denne handlingen, Med tittelen Cut Piece , sitter artisten foran et publikum, har en saks ved siden av henne og inviterer deltakerne til gradvis å klippe plaggene sine.

Så Yoko gjør seg tilgjengelig for tredjepart handlinger, arbeider med forestillinger om sårbarhet og hva det vil si å værekvinne.

Forestillingen ble gjennomført da kunstneren var en del av Fluxus Group, dannet av kunstnere av ulike nasjonaliteter og som brakte viktige nyvinninger til det kunstneriske universet.

Som er typisk for dette type handling, postene som gjenstår er fotografier og videoer.

18. Impossível - Maria Martins

Skulpturen Impossível er et verk av den brasilianske kunstneren Maria Martins (1894-1973), produsert i 1945. Den er en del av samlingen fra Museum of Modern Art fra Rio de Janeiro og ble laget i bronse. Stykket er kunstnerens mest kjente, og har også vært med i brasiliansk skulptur.

Maria Martins formidler i Impossível en følelse av impotens og usannsynlighet, som f.eks. selve tittelen på verket antyder. Det skaper to former som forholder seg på en motstridende måte, hvor spenningen mellom dem er eksplisitt.

Vi kan også trekke en parallell mellom formene som presenteres med transformasjonen av mennesket til en grønnsak, som to kjøttetende planter som søker inn vil de livnære seg på hverandre.

Verket kan sees på som en visuell metafor for kjærlighetsforhold, mye mer kompleks enn ideen om romantisk kjærlighet som rutinemessig presenteres for oss.

Maleriet, laget i olje på tre, har reduserte dimensjoner, 77 cm x 53 cm, og befinner seg i Louvre-museet, i Paris.

Det er et mesterverk, da det klarer å skildre et kvinneansikt innhyllet i mystikk, viser et lite uforståelig smil og et blikk som kan tolkes som både hån og sympati.

På grunn av dette ble bildet populært, ble gjengitt i flere rom og fikk mange nytolkninger.

3. Judith halshugger Holofernes - Artemisia Gentileschi

Maleriet Judith halshugger Holofernes (1620), av den italienske kunstneren Artemisia Gentileschi (1593-1656) er en del av barokkbevegelsen og viser en bibelsk scene tilstede i Det gamle testamente.

Temaet var allerede malt før av andre kunstnere, så mye at Artemisia ble inspirert av et maleri av Caravaggio til komponer sin versjon.

Hun var en av de første kvinnene som hadde en viss fremtreden som artist i sin tid, men over tid ble hun glemt og først virkelig verdsatt igjen på 70-tallet.

Verket i Dette spørsmålet er viktig fordi det skildrer scenen fra et kvinnelig synspunkt og er relatert til en passasje i kunstnerens eget liv, derhun ble voldtatt av sin mentor, Agostino Tassi. Dermed overfører Artemisia til lerretet all hennes opprør og indignasjon med denne mannlige oppførselen.

4. Soverommet i Arles - Van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) er en av verdens mest anerkjente artister. Hans lerreter er velkjente og flere av dem skilte seg ut i kunsthistorien, slik tilfellet er med Soverommet i Arles . Faktisk produserte maleren tre versjoner av lerretet, veldig like, mellom 1888 og 1889.

I scenen skildrer Van Gogh soverommet sitt, da han bodde i Arles , i sør fra Frankrike, hvor han produserte de fleste av verkene sine.

Vi kan se en seng med to puter, noen bilder på veggen, stoler, et vindu på gløtt og andre detaljer som utgjør hjemmet hans.

Det er en komposisjon med en intens og levende palett av farger, som var typisk for kunsten hans, og trekker vår oppmerksomhet, ettersom den bringer betrakteren nærmere kunstneren, som om den deler rommet med ham.

5. 3. mai-henrettelsene - Goya

Den spanske maleren Francisco de Goya (1746-1828) malte i 1814 3. mai-henrettelsene , et maleri som skulle bli et av de mest slående og viktige voldsportrettene.

Skjermen viser scenen for en kollektiv henrettelse utført av franske tropper av Napoleon Bonaparte i Madrid, under den såkalte halvøya Krig (1807-1814).De er spanske sivile som, i motsetning til den franske fremrykningen, gikk ut i gatene for å protestere og ble feigt myrdet.

Maleriet, som måler 266 x 345 cm, representerer et historisk landemerke og påvirket andre kunstnere til også å skildre krigsgru , slik tilfellet er med Pablo Picasso, med det store panelet Guernica .

Hrettelsene av 3. mai kan sees på Prado-museet i Spania.

6. Ingres' fiolin - Man Ray

Ingres' fiolin er et fotografi tatt av den amerikanske kunstneren Man Ray (1890-1976) i 1924. Bildet er velkjent og har modellen Kiki de Montparnasse med naken rygg, som viser en tegning laget med indisk blekk av de to akustiske spaltene som finnes i fiolinene.

Verket er inspirert av en neoklassisk maleri av Dominique Ingres, med tittelen The Bather of Valpinçon (1808), der kunstneren upåklagelig skildrer ryggen til en kvinne.

På fotografiet er Man Ray, som var en del av fra den dadaistiske bevegelsen, gjengir scenen og inkluderer elementet som refererer til fiolinen, noe som tyder på at kvinnekroppen har instrumentets former, ettersom artisten var en stor musikkelsker.

7. Frokost i skinn - Meret Oppenheim

Objekt , eller Frokost i skinn , er et kunstverk i form av et objekt , som navnet tilsier. Produsert av den sveitsiske kunstneren og fotografen MeretOppenheim (1913-1985) i 1936 bringer stykket surrealistiske kjennetegn.

Dette er et av de verkene som provoserer i offentligheten en blanding av motstridende sensasjoner, fordi når de dekker et spill av en kopp med dyreskinn, presenterer kunstneren en sansemotsigelse og forvandler et banalt objekt til et kunstverk, og fjerner dets funksjon fra det.

Meret stiller også spørsmål ved andre refleksjoner som refererer til dagliglivet og universet av kvinner, som viser en ufogelig og opprørsk feminin karakter som bruker som støtte et objekt som representerer utdanning og høflighet.

Verket er lokalisert ved Museum of Modern Art i New York.

8 . The Fountain - tilskrevet Marcel Duchamp

Et av de mest emblematiske kunstverkene i historien er The Fountain, tilskrevet franskmannen Marcel Duchamp (1887-1968). Imidlertid spekuleres det foreløpig i at verket var ideen til den polsk-tyske kunstneren baronesse Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).

Duchamp presenterte det. i en utstilling i 1917 og forårsaket en skandale, da det er et enkelt porselensurinal som bærer navnet R. Mutt og dato.

Betydningen av et slikt arbeid skyldes at det representerer et paradigmeskifte av heve et enkelt objekt til kunstens tilstand, stille spørsmål ved kunsten selv og revolusjonere måten den ble produsert, forstått og verdsatt på.

9. Bildenes svik - RenéMagritte

Et annet viktig verk som er en del av surrealismen er Bildenes svik , av belgieren René Magritte (1898-1967). I denne oljen på lerret observerer vi figuren av et rør og under den overskriften « Ceci n'est pas une pipe », med oversettelsen av «Dette er ikke et rør».

Verket skiller seg ut i kunsthistorien fordi det reiser spørsmål om konsept og representasjon.

Her presenterer kunstneren figuren av et objekt og advarer betrakteren om at det bildet er ikke selve objektet, men en representasjon av det. På denne måten spiller Magritte et lekent og ironisk spill ved å bruke bildet og ordet.

Lerretet, datert fra 1929, kan for øyeblikket sees på Los Angeles County Museum of Art.

10. Presentasjonens mantel - Arthur Bispo do Rosário

Manto of the Presentation er et verk laget av brasilianeren Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) i perioden han bodde på psykiatrisk senter Colônia Juliano Moreira, i Rio de Janeiro.

Biskop do Rosario var en mann som hadde psykiatriske lidelser og ble innlagt på sykehus i ung alder. Han skapte mange stykker med gjenstandene han samlet, og formålet hans var ikke kunstnerisk, men for å lufte bekymringene.

The Mantle of Presentation regnes som hans mest verdifulle arbeid. Det er et slags deksel alle brodert med tråder fra arkene tilsykehus. Det er tegninger og mange navn på betydningsfulle personer i den.

Den ble bygget for å bæres på biskopens kropp på tidspunktet for begravelsen, og utgjorde et hellig plagg for ankomsten til himmelen. Etter kunstnerens død ble imidlertid mantelen bevart og befinner seg nå i Museu Bispo do Rosario, i Rio de Janeiro.

11. Spiral Platform , av Robert Smithson

Det mest kjente verket av Robert Smithson (1938-1973) er kanskje Spiral Platform , laget i Utah, USA, i 1970.

Det er et kunstverk som er en del av den såkalte land art. I denne typen kreative manifestasjoner bruker kunstneren naturen til å lage store installasjoner som smelter inn i landskapet.

I denne, laget med vulkansk stein, salt og jord, skaper Smithson et spiraldesign mot klokken som går inn i den store Salt Lake, en saltvannssjø i det vestlige USA.

Kunstneren definerer land art som følger:

The liberation of art from the gallery space and the recognition of Earth's geological structures as a monumental kunstform som ikke passer på museer.

12. The dinner party - Judy Chicago

Installasjonen O banketten ( The dinner party) er av den amerikanske artisten Judy Chicago (1939-) og ble skapt i 1974.

Det er kunstnerens mest kjente verk og representerer ensymbol på den feministiske bevegelsen. Det har allerede vært utstilt i flere land og sett av mer enn én million mennesker.

Det består av et trekantet bord som måler 14 x 14 m, med 39 tallerkener dekorert med sommerfugler , blomster og vulva, bestikk og servietter.

Det er 13 plasser på hver side av trekanten, som representerer likhet. Steder bærer broderte navn på betydelige kvinner i historien, fra mytiske gudinner til personligheter. Det er som om en fest er klar til å bli servert, bare venter på at disse kvinnene skal ankomme.

13. Deviation to the Red - Cildo Meireles

Verk av den brasilianske kunstneren Cildo Meireles (1948-), Deviation to the Red er en installasjon idealisert i 1967, men hadde sin endelige versjon i 1984.

Verket skiller seg ut i brasiliansk samtidskunst og bringer en sterk dramatisk ladning ved å skape miljøer som setter i gang sansene, stiller spørsmål og provoserer ubehag i offentlig.

Det er et sted hvor den røde fargen er impregnert i alle gjenstander, noe som tyder på lidenskap og vold. Motivasjonen for opprettelsen skyldes det faktum at kunstneren mistet en journalistvenn, drept av diktaturet. Dermed er dette en installasjon som fremfor alt bringer en politisk karakter.

Den er for tiden montert ved Institute of Contemporary Art of Inhotim, i Minas Gerais.

14. Mamma - Louise Bourgeois

Dette er enserie med skulpturer av den franske kunstneren Louise Bourgeois (1911-2010) som representerer en enorm edderkopp. Kunstneren produserte seks edderkopper.

Med store proporsjoner (3 meter høy) har en av dem allerede vært flere steder i Brasil.

Mamam , som på fransk betyr mor, representerer båndet mellom Bourgeois og hans mor, deres barndomserfaringer, samtidig som de knytter en forbindelse til gjenstander som nålen og vevingen.

Louise forklarer hvorfor å representere moren på denne måten:

Min beste venn var min mor, som var like smart, tålmodig, ryddig og hjelpsom, rimelig, uunnværlig som en edderkopp. Hun visste hvordan hun skulle forsvare seg.

15. De to Fridas - Frida Kahlo

Two Fridas er et maleri av meksikanske Frida Kahlo (1907-1954) fra 1939, og er et av hennes mest kjente verk . Bildet er et selvportrett som bringer den dupliserte figuren til kunstneren, den ene sitter ved siden av den andre og holder hender.

På lerretet søker maleren å syntetisere hennes identitet, preget av europeisk innflytelse og latinsk urbefolkning. Fridaen til venstre har på seg en hvit kjole i viktoriansk stil og den til høyre er kledd i typiske meksikanske klær.

De to viser hjertet og er forbundet med en arterie. Bakgrunnen er en himmel dekket med tunge skyer og kan symbolisere det urolige intime universet til