Τι ήταν ο ιμπρεσιονισμός: χαρακτηριστικά, καλλιτέχνες και πίνακες

Ο ιμπρεσιονισμός ήταν μια τάση στις τέχνες που ξεκίνησε στη Γαλλία στα μέσα του 19ου αιώνα, μεταξύ 1860 και 1880.

Ο όρος που δίνει το όνομα στο κίνημα προέκυψε από μια κριτική του έργου Αποτύπωμα, ανατολή (1872), του Claude Monet, κορυφαίου καλλιτέχνη της τεχνοτροπίας, μαζί με τον Édouard Manet.

Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες ενδιαφέρονταν πολύ για τα οπτικά εφέ που προσφέρει το φως, γι' αυτό και οι περισσότεροι καμβάδες τους ζωγραφίζονταν σε εξωτερικούς χώρους. Αυτό προσέδιδε στα έργα ελαφρότητα και φωτεινότητα.

Εξετάζοντας την ιστορία της τέχνης, συνειδητοποιούμε ότι αυτός ο νέος τρόπος δημιουργίας αποτέλεσε για το πολιτιστικό σύμπαν ένα σημαντικό ορόσημο προς τη σύγχρονη τέχνη.

Αποτύπωμα, ανατολή του Claude Monet (1872) είναι ο καμβάς που έδωσε το όνομα στο κίνημα του ιμπρεσιονισμού.

Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

Την εποχή που εμφανίστηκε η ιμπρεσιονιστική ζωγραφική, το Παρίσι, όπως και άλλες ευρωπαϊκές πρωτεύουσες, βίωνε μια περίοδο αισιοδοξίας και τεχνολογικής προόδου, τη λεγόμενη Belle Époque Η φάση αυτή διήρκεσε από το 1871 έως το 1914, όταν ξέσπασε ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος.

Η ζωγραφική ήταν η καλλιτεχνική γλώσσα που ήταν πιο εμφανής στον ιμπρεσιονισμό. Το ρεύμα αυτό ξεπήδησε από νεαρούς ζωγράφους που ήταν αρκετά ενθουσιώδεις διερευνώντας τις επιδράσεις του φυσικού φωτός στους ανθρώπους και τα αντικείμενα.

Ο Édouard Manet (1832-1883) θεωρείται ο καλλιτέχνης που ξεκίνησε αυτή την έρευνα και επηρέασε άλλους ζωγράφους. Μαζί κατάφεραν να ανεβάσουν σε άλλο επίπεδο την ερμηνεία του τρόπου με τον οποίο τα χρώματα, τα φώτα και οι σκιές συμπεριφέρονται σε εξωτερικούς χώρους.

Ο μετρητής, του Édouard Manet

Πρόκειται για μια σημαντική εικαστική μεταμόρφωση, δεδομένου ότι, μέχρι τότε, η τέχνη της ζωγραφικής περιοριζόταν στα ατελιέ. Σε αυτά τα περιβάλλοντα, το φως χειραγωγούνταν. Γενικά, η φωτεινότητα προερχόταν από ένα πλευρικό παράθυρο, προσδίδοντας σταδιακά σκιές στα μοντέλα.

Αυτός ο τρόπος φωτισμού των μοντέλων διδασκόταν επίσης στις ακαδημίες τέχνης και ήταν αρκετά παραδοσιακός.

Επομένως, όταν εμφανίστηκε μια ομάδα ζωγράφων που πρότεινε νέους τρόπους θέασης και αναπαράστασης της πραγματικότητας, οι συντηρητικοί κριτικοί ενοχλήθηκαν και δεν αποδέχθηκαν το νέο στυλ.

Το 1872, ο Claude Monet (1840-1926) ζωγράφισε τον καμβά Αποτύπωμα, ανατολή η οποία δύο χρόνια αργότερα περιλαμβάνει μια έκθεση στο φωτογραφικό εργαστήριο του Félix Nadar (1820-1910) μαζί με έργα άλλων καλλιτεχνών του ρεύματος.

Αποδείχθηκε ότι οι κριτικοί απέρριψαν τα έργα και με υποτιμητικό τόνο ονόμασαν τους καλλιτέχνες ως ιμπρεσιονιστές εμπνευσμένο από τον τίτλο του έργου του Μονέ.

Μετά από αυτό έγιναν και άλλες εκθέσεις στον ίδιο χώρο και άρχισαν να αυτοαποκαλούνται "ιμπρεσιονιστές".

Εκείνη την εποχή διατυπώθηκαν σκληρές κριτικές, όπως αυτή που δημοσιεύτηκε σε ένα χιουμοριστικό περιοδικό το 1876.

Η Rue le Peletier είναι μια διαδοχή καταστροφών. Μετά την πυρκαγιά στην Όπερα, έχουμε τώρα άλλη μια καταστροφή. Μόλις ξεκίνησε μια έκθεση στο Durand-Ruel που υποτίθεται ότι περιέχει πίνακες ζωγραφικής.

Πέντε ή έξι τρελοί, ανάμεσά τους και μια γυναίκα, έχουν συγκεντρωθεί για να εκθέσουν τα έργα τους. Είδα ανθρώπους να κλαίνε από τα γέλια μπροστά στους καμβάδες, αλλά η καρδιά μου έχυσε αίμα όταν τους είδα. Αυτοί οι λεγόμενοι καλλιτέχνες αυτοαποκαλούνται επαναστάτες, "ιμπρεσιονιστές".

Παίρνουν ένα κομμάτι καμβά, ζωγραφίζουν και πινέλο, το αλείφουν με τυχαίους λεκέδες και υπογράφουν με το όνομά τους. Είναι μια ψευδαίσθηση, σαν να μάζεψαν οι τρόφιμοι του ξενώνα μερικές πέτρες στο δρόμο και να νόμιζαν ότι βρήκαν ένα διαμάντι.

Ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες και έργα

Εκτός από τον Édouard Manet, τον δημιουργό του κινήματος, έχουμε και άλλα σημαντικά ονόματα, όπως:

Claude Monet (1840-1926)

Το έργο που έδωσε το όνομα του κινήματος των ιμπρεσιονιστών ζωγραφίστηκε από τον Κλοντ Μονέ, έναν εξέχοντα καλλιτέχνη μεταξύ των συγχρόνων του.

Ο Γάλλος ζωγράφος ήταν ένας άνθρωπος παθιασμένος με την τέχνη του, εκτιμούσε τις καλές στιγμές και φρόντιζε να παρουσιάζει στα έργα του όμορφες και ανάλαφρες σκηνές.

Υπήρξε μεγάλος υποστηρικτής της υπαίθριας ζωγραφικής και είχε ακόμη και ένα "βάρκα-εργοστάσιο", με το οποίο μπορούσε να παρατηρεί τις μεταμορφώσεις στο ποτάμιο τοπίο κατά τη διάρκεια της ημέρας.

Ο Μονέ προσπαθούσε να αναπαραστήσει τη στιγμή, οπότε δεν υπήρχε χρόνος να αφιερώσει στη λεπτομέρεια, το πιο σημαντικό γι' αυτόν ήταν το τελικό σύνολο. Για το λόγο αυτό, στην αρχή της καριέρας του δέχτηκε αυστηρή κριτική.

Ωστόσο, αργότερα απέκτησε αναγνώριση και συνέχισε να ζωγραφίζει μέχρι το τέλος της ζωής του, σε ηλικία 86 ετών.

Στη ζωγραφική Camille και Jean στο λόφο Παρουσιάστηκε στη δεύτερη έκθεση της ομάδας των ιμπρεσιονιστών το 1876.

Camille και Jean στο λόφο (1875), του Claude Monet

Σε αυτόν τον πίνακα, η Camille, που βρίσκεται στην κορυφή του λόφου, κοιτάζει τον θεατή ενώ ο γιος της περπατά προς την κορυφή. Το φόρεμά της συγχωνεύεται με τον ουρανό, σαν να είναι και η ίδια μέρος της φύσης.

Ακόμη και με λίγες λεπτομέρειες, μπορούμε να αντιληφθούμε τη σοβαρή φυσιογνωμία του αγοριού, το οποίο παραμένει μακριά από τη σκηνή.

Auguste Renoir (1841-1919)

Ο Ρενουάρ είναι ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους του ιμπρεσιονισμού. Απολάμβανε μεγάλη αναγνώριση και παρήγαγε εντατικά, ακόμη και όταν η υγεία του τον κατέρρευσε, προς το τέλος της ζωής του.

Ο καλλιτέχνης προσπάθησε να μεταδώσει στους καμβάδες του αισιοδοξία, ενθουσιασμό και ηρεμία. Απεικόνισε επίσης τις συναντήσεις της γαλλικής ελίτ στα τέλη του 19ου αιώνα.

Το πλαίσιο Το γεύμα των κωπηλατών (1880-81), είναι μια τέτοια σκηνή και ένας από τους σημαντικότερους πίνακες του κινήματος. Σε αυτήν, ο Renoir παρουσιάζει μια στιγμή χαλάρωσης ανάμεσα σε προσωπικούς του φίλους και θαμώνες εστιατορίου.

Το γεύμα των κωπηλατών (1880-81), του Auguste Renoir

Μπορούμε να δούμε στη σύνθεση πώς ο ζωγράφος επεξεργάζεται αριστοτεχνικά την αντίληψη του βάθους. Φροντίζει επίσης να κάνει σαφείς τους χαρακτήρες.

Επιπλέον, απεικονίζει μια νεκρή φύση στο κεντρικό τραπέζι και διάφορους ανθρώπους σε μια αυθόρμητη σκηνή, σαν να επρόκειτο για φωτογραφία.

Από περιέργεια, το κορίτσι που απεικονίζεται στη δεξιά γωνία με ένα σκύλο είναι η Aline Charigot, η οποία θα γινόταν η σύζυγος του ζωγράφου.

Edgar Degas (1834-1917)

Γνωστός ως "ο ζωγράφος των μπαλαρινών", ο Ντεγκά ήταν ένας ιδιότυπος ιμπρεσιονιστής επειδή, σε αντίθεση με τους συγχρόνους του, ανέπτυξε το δικό του στυλ και είχε θέματα ιδιαίτερου ενδιαφέροντος, όπως ο κόσμος του μπαλέτου.

Επιπλέον, ο καλλιτέχνης εκτιμούσε ιδιαίτερα το σχέδιο, όπως και ο Dominique Ingres (1780-1867), ένας σημαντικός νεοκλασικός ζωγράφος που γεννήθηκε τον 18ο αιώνα.

Ο Ντεγκά γοητευόταν από την απεικόνιση νεαρών γυναικών κατά τη διάρκεια χορευτικών παραστάσεων, ή ακόμη και στις πρόβες και στα παρασκήνια. Υπάρχουν εικασίες ότι παρά τη ζωγραφική τόσων πολλών μπαλαρίνων, ο καλλιτέχνης απωθούσε τις γυναίκες, ενώ ήταν και εθελοντικά άγαμος.

Ένας από τους γνωστούς πίνακές του είναι Μάθημα χορού (1873-75), όπου ο καλλιτέχνης απεικονίζει μια ομάδα εφήβων χορευτών τοποθετημένη σε ημικύκλιο γύρω από τον δάσκαλο, ο οποίος δίνει εξηγήσεις.

Μάθημα χορού (1873-75), του Edgar Degas

Η οπτική γωνία του ζωγράφου, και κατά συνέπεια του θεατή του έργου, είναι αυτή κάποιου που είναι παρών στη σκηνή αλλά ταυτόχρονα απαρατήρητος. Αυτό δημιουργεί μια αίσθηση οικειότητας και έντασης ταυτόχρονα.

Paul Cézanne (1839-1906)

Ο Σεζάν ήταν ένας ανήσυχος και πεισματάρης ζωγράφος που αναζητούσε ένα σταθερό έργο που θα τον τοποθετούσε ανάμεσα στους μεγαλύτερους ζωγράφους της εποχής του, στόχος που επιτεύχθηκε.

Οι ανακαλύψεις του χρησίμευσαν ως βάση για πολλούς ζωγράφους που ακολούθησαν μετά από αυτόν, όπως ο Πάμπλο Πικάσο, για παράδειγμα.

Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, ωστόσο, δεν έλαβε την αναγνώριση που θα ερχόταν μετά το θάνατό του. Ο καλλιτέχνης είπε κάποτε σε έναν νεαρό ζωγράφο:

Ίσως γεννήθηκα πολύ νωρίς. Είμαι περισσότερο ζωγράφος της γενιάς του παρά της δικής μου.

Σύγχρονος των ιμπρεσιονιστών, ο Σεζάν αφιέρωσε ένα μέρος του έργου του στο στυλ αυτό. Ο καμβάς Το σπίτι του κρεμασμένου (1872-73) είναι ένα παράδειγμα έργου εμπνευσμένου από τις ιδέες του ιμπρεσιονισμού, ιδιαίτερα εκείνες του Καμίλ Πισαρό (1830-1903), ενός άλλου ζωγράφου του κινήματος.

Το σπίτι του κρεμασμένου (1872-73), του Paul Cézanne

Το θέμα του πίνακα είναι ένα τοπίο ζωγραφισμένο στην ύπαιθρο, το οποίο ήταν ένα επαναλαμβανόμενο χαρακτηριστικό των ιμπρεσιονιστικών έργων. Οι μικρές επικαλυπτόμενες πινελιές υποδηλώνουν επίσης την επιρροή, καθώς και το φως και οι φωτεινές αποχρώσεις.

Η αντίθεση μεταξύ των τριγωνικών στεγών των σπιτιών με το ανοιχτό τοπίο στο βάθος και ο τρόπος με τον οποίο τα δέντρα έχουν σβηστεί με βούρτσα μας δίνουν την εντύπωση ότι βρισκόμαστε πραγματικά μπροστά σε αυτό το τοπίο, ενισχύοντας την έννοια της πραγματικότητας.

Berthe Morisot (1841-1895)

Η Morisot ήταν η μόνη γυναίκα που συμμετείχε στις εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών, που γίνονταν στο εργαστήριο του Félix Nadar. Όπως και οι άλλοι καλλιτέχνες του κινήματος, αφιερώθηκε στη μελέτη του φυσικού φωτός και ζωγράφιζε σε εξωτερικούς χώρους. Υπάρχουν μάλιστα ενδείξεις ότι επηρέασε τον Manet να εμβαθύνει τις μελέτες του πάνω στο φυσικό φως.

Εκτός από αυτήν, αργότερα ήρθαν και άλλοι καλλιτέχνες που ανήκαν στο ρεύμα, όπως η Mary Cassatt (1844-1926), η Eva Gonzalès (1849- 1883) και η Lilla Cabot Perry (1848-1933).

Το έργο της Morisot έτυχε κάποιας αναγνώρισης εκείνη την εποχή, αλλά επειδή ήταν γυναικεία μορφή, δεν μπήκε στον κατάλογο των σημαντικών ονομάτων της ιστορίας της τέχνης.

Η καλλιτέχνης είχε ιδιαίτερη εκτίμηση στα οικιακά θέματα, όπως οι σκηνές μητρότητας και το σύμπαν των γυναικών. Δημιούργησε περίπου 800 έργα.

Ένα από αυτά είναι Η κούνια, Σε αυτό, η Berthe απεικονίζει μια μητέρα που παρακολουθεί την κόρη της να κοιμάται ειρηνικά στην κούνια της.

Η κούνια (1872), της Berthe Morisot

Εδώ, όπως και στα περισσότερα έργα του, η γυναίκα απεικονίζεται σε μια σκηνή οικειότητας και σύνδεσης, με μεγάλη συναισθηματική φόρτιση.

Ο καμβάς θεωρήθηκε από τους κριτικούς ως ένα σπουδαίο έργο, στο οποίο ο καλλιτέχνης πραγματοποίησε με εξαιρετικό τρόπο τον συνδυασμό των χρωμάτων και, κυρίως, του λευκού.

Διαβάστε επίσης: Γνωρίστε διάσημους πίνακες ζωγραφικής μεγάλων γυναικών.

Χαρακτηριστικά των ιμπρεσιονιστικών έργων

Οι ιμπρεσιονιστές συνειδητοποίησαν ότι η φύση, ιδωμένη στο ίδιο της το περιβάλλον, παράγει ένα έντονο λαμπρό μείγμα ποικίλων χρωμάτων και τόνων που αναδεύονται μπροστά στα μάτια μας.

Έτσι, οι εικόνες που ζωγράφισαν δεν είχαν σαφή περιγράμματα Το χρώμα εναποτέθηκε στον καμβά σε μικρές ατέλειες τα οποία μαζί και επικαλυπτόμενα δημιουργούσαν ένα αποτέλεσμα που έμοιαζε περισσότερο με στιγμιαία οπτική εμπειρία.

Επιπλέον, αυτοί οι ζωγράφοι επωφελήθηκαν περισσότερο από την φως του ήλιου και κακοποιημένος συμπληρωματικά χρώματα .

Το τοπία και οι νεκρές φύσεις είχαν εξέχουσα θέση μεταξύ των θεμάτων των ιμπρεσιονιστών. Ωστόσο, καλύφθηκαν και άλλα μοτίβα, όπως πορτρέτα γυναικών, μπαλαρίνες, ακόμη και εσωτερικές σκηνές.

Πώς ήταν ο ιμπρεσιονισμός στη Βραζιλία;

Στη Βραζιλία, το ιμπρεσιονιστικό ύφος αναδύθηκε κυρίως από τα χέρια του Eliseu Visconti (1867-1944). Ο ζωγράφος κατάφερε να ξεφύγει από τις νεοκλασικές δομές που ίσχυαν στην τέχνη και εγκαινίασε μια πορεία προς τον μοντερνισμό στη χώρα.

Μητρότητα (1906), του Eliseu Visconti απεικονίζει μια γυναίκα που θηλάζει σε ένα πάρκο.

Ο ζωγράφος, ο οποίος γεννήθηκε στην Ιταλία και ήρθε στη Βραζιλία όταν ήταν μωρό, σπούδασε τέχνη στη χώρα και το 1892 βραβεύτηκε με ένα ταξίδι στην Ευρώπη για να συνεχίσει τις σπουδές του. Εκεί ήρθε σε επαφή με έργα των μεγάλων ιμπρεσιονιστών, τα οποία επηρέασαν έντονα το έργο του.

Ο Elysium, όπως και οι Ευρωπαίοι ζωγράφοι, άρχισε να μελετά τις αποχρώσεις των χρωμάτων, τα φώτα και τις σκιές σε αντικείμενα και ανθρώπους που εκτίθενται στο φως του ήλιου.

Στη φυτεία καφέ (1930), από την Georgina Albuquerque

Από τον ιμπρεσιονισμό άντλησαν και άλλοι καλλιτέχνες, όπως η Anita Malfatti (1889-1964), ο Almeida Júnior (1850-1899) και η Georgina de Albuquerque (1885-1962).

Μπορεί επίσης να σας ενδιαφέρουν :